La soirée de Madame Verdurin n’attendait que nous pour battre son plein. Les convives habituels sont déjà là, le peintre Elstir, artiste et drôle, si drôle ! à qui Madame Verdurin requiert à intervalles réguliers une des ses plaisanteries si amusantes ! ; Odette de Crécy, pas tout à fait une cocotte, celle à qui Madame Vedurin rappellera plus tard qu’elle vient d’un bordel de Nice, mais pas non plus une femme du monde, et pourtant une beauté qu’on a plaisir à montrer à sa table ; les deux musiciens aussi sont là, un piano, un thérémine, des guitares attendent leur tour. Des chants d’oiseaux guillerets s’entrelacent à des notes électroniques sourdes, déjà inquiétantes. Des orchidées et les oiseaux empaillés mêlent à cet univers sonore leur joliesse et leur étrangeté pour renforcer le trouble naissant.
Et nous, le public en bloc, nous sommes Charles Swann, richissime fils d’industriel, CSP ++++++, chasseur de plaisir, beau parleur, dont on recherche la présence dans les salons en vue.
 

@ Alex Nollet

Nicolas Kerszenbaum, adaptateur et metteur en scène, auteur qui aime se coltiner au réel, propose ici une variation pour notre temps autour d’Un amour de Swann de Marcel Proust, autant merveilleuse peinture de la jalousie et du sentiment amoureux que description précise d’ascensions sociales, qui ne sont le fruit que de volontés et d’instincts individuels.
Dans un langage dramaturgique bien d’aujourd’hui, alternent scènes jouées, chansons, voix off, narration au micro. Le récit et le jeu s’entrelacent ; de même les temps se tressent subtilement, du temps du texte au temps du spectacle, intimement mêlés pour inventer un espace qui contient aussi bien le siècle (et les mots) de Proust que le nôtre (et les nôtres). Le décor est chic, moderne : une stylisation tout autant d’une manière de penser la représentation théâtrale que d’une certaine esthétique des élites. Des fourrures, des cols emplumés, apporteront avec eux une ombre d’animalité dans cet univers quasi technologique. Les conversations futiles crépiteront au son des notes de Satie, des moments gracieux naîtront du silence quand les bavardages s’éteindront et les visages se refermeront sur leurs vérités.

Tu entends cette musique, Swann, tu nous regardes et tu nous trouves un peu bêtes,
mais tu entends cette musique et tu renoues avec le désir.

Le portrait d’une société se dévoile, sur le mode de la farce cruelle. Des fioritures parfois parasitent la lecture d’une scène, un couplet de trop fait paraître une chanson moins percutante que les autres, menus écueils qui n’enlèvent rien à l’acuité du regard ! Pourtant, si les rapports de classe, les ambitions, les transfuges sont observés et dépeints avec une pertinente vivacité, c’est dans les affaires du cœur que Swann s’inclina poliment touche au plus juste. Le besoin d’amour taraude tous les protagonistes, vital comme la faim – avidité de se sentir exister aux yeux des autres, besoin de reconnaissance, d’admiration ou d’affection, besoin d’un amour à éprouver aussi, pour sentir la vibration, la pulsation de la vie battre plus fort. Et le revers de la médaille de ces désirs : les hypocrisies des charmeurs, la jalousie des possessifs, la dureté de qui est aimé sans être ému…
 
@ Alex Nollet
 
Les trois acteurs jouent et chantent avec une belle énergie qui n’étouffe pas pour autant leur sensibilité ; avec générosité et justesse, ils s’amusent de leurs personnages mais savent s’abandonner, mettre à nu leurs failles. Sabrina Baldassarra, fantasque et vorace Madame Verdurin, visage mobile, présence lumineuse ; Thomas Laroppe (en alternance avec Gautier Boxebeld), volubile Elstir en guise d’ironique narrateur, puis Swann éperdu ; Marik Renner – étonnante Odette – en particulier laissera en souvenirs tenaces une scène où sa présence fragile et vénéneuse s’impose, masquée/dévoilée par sa silhouette dénudée perchée sur des escarpins, une autre scène, plus tard, où d’un éclat de rire sec elle brisera net un amour.
 
Ainsi va la vie, ainsi va le monde, à la Belle Epoque comme aujourd’hui, on rêve toujours d’autre chose, « c’est comme dans votre jeu : on cherche à survivre, alors on survit, alors on cherche à vivre, alors on vit, alors on cherche la richesse, on cherche la reconnaissance, alors on cherche une petite maison à Malbec ou sur l’île de Ré, pour posséder une simplicité qu’on peut enfin goûter. » ; ainsi va la vie, ainsi va le monde, à la Belle Epoque comme aujourd’hui, les cœurs se lient dans des soupirs émus et se déchirent dans d’âpres et mesquines jalousies… Swann s’inclina poliment, requiem en mode mineur pour des illusions perdues…
 

• SWANN S’INCLINA POLIMENT
À l’affiche du Théâtre de Belleville jusqu’au 3 décembre 2017
D’après Marcel Proust
Adaptation et mise en scène Nicolas Kerszenbaum
Avec Sabrina Baldassarra, Marik Renner et (en alternance) Gautier Boxebeld ou Thomas Laroppe
Conception musicale Guillaume Léglise
Musiciens sur scène Guillaume Léglise et Jérôme Castel

 

Du linge qui pend du ciel, une table nappée de plastique fleuri. Carmen a huit ans. Elle nous raconte l’un de ses souvenirs d’enfance. Celui du jour où elle a cessé de tutoyer sa mère. Ce jour où elle a compris que le père qu’elle attendait depuis sa naissance jamais jamais n’apparaîtrait.

Un goûter d’anniversaire avec ses deux amis d’enfance, Matis et Antoine. Carmen a neuf ans. Sa mère qui déboule avec le gâteau ne semble pas réellement dans son assiette. Carmen a besoin d’une mère mais la mère de Carmen est demeurée une toute petite fille.

Quelques années plus tard : jour du mariage de Carmen et Matis. Scandale à l’église. Carmen renonce, se révolte. Elle s’enfuit, disparait. Abandonnant brutalement toute son enfance.

Coup de foudre. Carmen a vingt ans. Elle part s’installer à Mexico avec son amant Diego. Devenue sa muse, elle partage sa vie et son atelier. Elle s’essaye à la peinture, y prend goût, se découvre du talent.

@Avril Dunoyer 

“Carmen elle a un bal musette dans la tête, qu’est-ce qu’on y peut ?“

Mais tout à coup, la mère de Carmen débarque – une seule fois en cinq ans. Le passé ressurgit, son couple ne résistera pas à cette explosion de souvenirs- “Tu t’en vas? non je te quitte”.

New-York. Vernissage public. Journaliste et tutti quanti. La salle comble vient assister à l’exposition des oeuvres de Carmen, devenue artiste de renommée internationale. Carmen a trente ans et va se trouver une nouvelle fois confrontée aux fantômes de son passé.

Au gré des flashbacks et des airs de Bizet, c’est toute une (courte) vie qui défile sous nos yeux. Une vie de femme libre, révoltée, entière, passionnée. Carmen est une véritable héroïne de roman.

“Quand je serai grande, j’épouserai une nouvelle mythologie”.

L’écriture de Lucie Digout est précise, juste, soignée. Une écriture qui va droit au but et nous arrive en plein coeur. Carmen nous touche parce qu’elle nous est familière. Elle nous émeut parce qu’elle est reliée à sa mère et à sa grand-mère. Les scènes s’entremêlent, les générations s’entrechoquent, construisant peu à peu un personnage dont les blessures sont autant de mises en relief. On s’attache à Carmen tant sa vitalité est contagieuse. Éprise de liberté, elle nous embarque où bon lui semble.

Pour camper une telle figure de roman, il fallait toute la fougue, la flamme, l’exaltation, l’effervescence de la jeune Jade Fortineau. Incandescente, elle illumine le plateau et traverse avec brio les années qui séparent la petite fille de la célèbre artiste.
Cinq autres comédiens, dont l’auteure metteure en scène Lucie Digout se répartissent la galerie de personnages qui croisera le chemin de Carmen. Tous sont formidables, sans doute portés par leur propre histoire commune – ils se connaissent bien, très bien, ayant étudié ensemble au Conservatoire. L’alchimie fonctionne à merveille. À eux six, ils nous racontent une de ces histoires qui nous font voyager loin, très loin. Une de ces fables qui nous donnent envie de continuer à suivre longtemps, très longtemps Lucie Digout et sa bande…

CARMEN
À l’affiche du Théâtre de Belleville du 11 au 22 octobre 2017 (mercredi au samedi 19h15, dimanche 15h)
Texte et mise en scène : Lucie Digout
Avec : Lucie Digout, Jade Fortineau, Julie Julien, Maxime Le Gac-Olanié, Charles Van de Vyver et (en alternance) Emmanuel Besnault et Solal Forte

Une immense image mouvante d’écume de mer se fait mur de fond murmurant et remuant, tandis qu’en voix off des femmes partagent la confidence de « l’endroit où elles se sentent le mieux ». Voix gaies, rieuses ou plus graves, elles nous emmènent dans leur voiture – « ma bulle » – , à la médiathèque, dans des bras rassurants, dans le paysage lointain et magnifique d’un souvenir de voyage…
« Ce spectacle n’est pas un documentaire, ni une pièce cherchant à représenter la vie réelle, c’est un poème-lettre d’amour fait de chair et de mots où la singularité de chacune s’ouvre sur l’universelle condition humaine » : Ahmed Madani continue avec F(l)ammes son exploration de la jeunesse d’aujourd’hui, celle née de parents immigrés, la première génération de la lignée à être née française. En 2012, il nous embarquait avec Illumination(s) dans la saga familiale de neuf jeunes hommes d’un quartier populaire, mêlant passé et présent sur trois générations en un vivifiant récit choral. Ici, il a constitué un groupe de dix jeunes femmes pour explorer leurs identités multiples, leur intimité, écouter leurs doutes, donner la parole à leurs peurs et leurs envies.
Neuf chaises sont alignées en fond de scène, un micro attend à l’avant-scène son oratrice… Tour à tour elles viendront, porteuses de lourds ou légers secrets.
Ludivine Bah, longiligne, le visage aux pommettes hautes, l’articulation nette, convoque Claude Levi-Strauss pour ramener aux mémoires les qualificatifs de « barbares », de « sauvages » que les civilisations ont depuis bien longtemps accolés aux civilisations qui leur étaient étrangères, et pour en réveiller le sens originel. Le barbare, le sauvage, c’est l’homme de la nature, littéralement de la forêt – « le béton, le goudron ne peuvent rien contre la forêt qui est en nous »…
L’écume de mer sera bientôt remplacée par un sous-bois, où une jeune femme voilée s’avance, où une autre invente une danse, une forêt sans menace, claire et ouverte.

Les jeunes femmes se font les interprètes de leur génération ; elles ont à peine 20 ans ou presque 30, leurs parents viennent de Guadeloupe, Haïti, Algérie, Côte d’Ivoire ; elles vivent à Montreuil, Boulogne-Billancourt, Garges-lès-Gonesse… Elles revendiquent leurs différences ou leur normalité… L’une ou l’autre témoignent de la sensation d’être « transfuge », Anyssa par exemple se dit « caméléon », d’une éducation à l’autre, d’une langue à l’autre ; Laurène, elle, assume d’avoir « choisi d’être différente de (sa) différence » – Laurène Dulymbois, de parents guadeloupéens, sweet lolita en froufrous noirs, se reliant au sous-groupe de kawaï melani, fille kaléidoscope aux cheveux roses et bleus… Elles ont le crâne rasé, les cheveux couverts d’un voile, la tête crépue, bouclée, frisée, la chevelure longue, lisse, courte, emperruquée – et c’est loin d’être anodin, tignasse revendicative ou domptée, cheveu-symbole : autant de filles, autant d’histoires, de personnalités, de parcours, de constructions. Avec générosité, sincérité, sensibilité, elles offrent, guidées par l’écriture et la mise en scène sobre et directe d’Ahmed Madani, des bribes de leurs vies, de leurs interrogations et de leurs espoirs. On parle peu de racisme, d’exclusion, sans taire les difficultés que cela peut apporter dans la société, dans le monde du travail, de s’appeler Yasmina plutôt que Prune, mais plutôt de leurs parcours, de leur construction, de l’élaboration de leur identité – être la jeunesse dans un pays et une culture qui ne sont pas ceux de leurs parents.

Transmission, héritage, rupture, affrontements, identités… Ça passe par les mots, le récit ; par les images vidéo parfois qui apportent un autre angle, ou une échappée ; mais aussi, avec une grande intelligence, par de beaux moments collectifs. En contrepoint aux témoignages individuels, énoncés en grande partie au micro à l’avant-scène, la danse va les réunir. Une belle chorégraphie fait renaître les gestes d’une grand-mère aimée préparant la marjouba, « la dernière façon de préparer la pâte, la dernière façon de couper les poivrons », une chorégraphie empreinte de la mélancolie des souvenir de ces moments de tendresse familiale où l’on cuisinait ensemble, autant que de la joie de les ranimer. Mais aussi un échauffement de karaté musclé, une fête libératoire sur des rythmes électroniques – autant d’exultations partagées !
Ces jeunes femmes sont reliées par leur âge, par des interrogations ou des difficultés communes, certaines reconnaissent dans les autres leurs rêves ou leurs préoccupations ; mais aussi ce sont dix personnalités irréductibles, elles ont de la fougue et de la force, chacune à leur façon. Elles sont ensemble, chacune, des pièces sensibles, disparates et cohérentes de ce portrait d’une génération d’aujourd’hui. Beau cadeau que cette parole tonique, vivante qu’Ahmed Madani et ces dix actrices nous offrent !

F(L)AMMES
De nouveau l’affiche de la Maison des Métallos du 17 octobre au 29 novembre 2017, puis au théâtre de la Tempête du 16 novembre au 17 décembre 2017
Texte et mise en scène : Ahmed Madani
Avec : Anissa Aou, Ludivine Bah, Chirine Boussaha, Laurène Dulymbois, Dana Fiaque, Yasmina Ghemzi, Maurine Ilahiri, Anissa Kaki, Haby N’Diaye et Inès Zahoré

Quand on entre dans la salle, elles sont déjà sur le plateau.
Si vous croisez leur regard, elles vous accueillent d’un « bonjour » aussi dynamique que déterminé. Tendues déjà comme des arcs, s’échauffant des orteils aux épaules, avant les batailles à suivre, Tiphaine Gentilleau et Chloé Olivères sont des guerrières prêtes au combat.
Car il s’agit bien d’un combat auquel nous allons assister, d’une nature bien particulière : un combat contre les préjugés, contre des siècles de stéréotypes, contre le mythe sacralisé du bonheur maternel.

Alors oui, Gustave Courbet a beau jeu de la ramener avec son célèbre tableau. Car être maman, être à l’origine du monde, ce n’est vraiment pas une sinécure.
Il y a tout d’abord ce sentiment de malaise qui vous prend aux tripes : ok, c’est merveilleux de donner la vie, mais que faire de cette vertigineuse sensation de perdre à jamais une liberté unique ? D’accord, c’est métaphysique cette mission qu’on donne aux femmes, mais comment gérer cette ribambelle d’enquiquinements qui va avec ?

“Le trait de gauche est là… Le voilà, le voilà !”

La pièce commence avec l’étape obligatoire du test de grossesse, et va explorer tous les stades que traversent les futures mamans : les soucis physiques qui font souffrir et rendent la vie moins drôle, la visite chez le gynéco d’où l’on repart à la fois lestée d’angoisses et privée de tous les petits plaisirs quotidiens qu’il va falloir arrêter, la préparation très New Age à l’accouchement, le rendez-vous chez le psy… et cette fichue culpabilisation de ne pas ressentir du tout ce « merveilleux bonheur maternel » dont on nous rabâche les oreilles.
On suit aussi la période post naissance, quand il faut devenir une superwoman et penser absolument à tout, quand il faut remonter lentement le chemin d’une libido secouée moralement et/ou physiquement, quand il faut affronter sa propre mère qui voit son instinct maternel resurgir soudainement de façon inappropriée…

On est bien au-delà d’une classique chronique façon « 9 Mois » : les deux comédiennes qui sont devant nous s’emparent du texte tonique qu’elles ont écrit avec Claire Fretel pour revisiter, avec énormément d’humour, les chemins tortueux qui mènent à la maternité. C’est vif, original, de bout en bout intelligent, diablement réjouissant et toujours très drôle.
Chloé Olivères est absolument irrésistible et sait, d’un mouvement de tête, d’un regard vers le public, provoquer l’hilarité générale. Son monologue « Rachida Dati » est un monument à lui seul.

“Suis-je si égoïste ? Une sorcière ? Une déjà mauvaise mère ?”

Tiphaine Gentilleau, dans un registre plus grave, n’en est pas moins touchante, y compris dans son rôle de comédienne enceinte : elle nous montre ainsi qu’être enceinte dans ce métier, c’est ajouter un zeste d’Himalaya à un parcours déjà très montagneux…
Dans la salle, les femmes applaudissent haut et fort, les hommes regardent souvent leurs petits souliers. Il y a un féminisme revendiqué, mais nullement gratuit ou bêtement appuyé car il ne se prend jamais au sérieux. D’ailleurs, plusieurs grandes figures qui ont écrit sur la maternité (Antoinette Fouque, Edwige Antier, Yvonne Knibiehler, Elisabeth Badinter…), sont régulièrement convoquées sur le plateau, et les spectateurs jouent ainsi à « Devine-Tête » avec les deux comédiennes qui, un post-it collé sur le front, les incarnent à tour de rôle. Sans oublier la statue du commandeur, Simone de Beauvoir, qui ponctue le spectacle de ses aphorismes.

Ce spectacle, créé en 2015 au décidément indispensable Théâtre de la Loge, à Paris, est incontestablement très bien rôdé : après deux programmations au Théâtre du Rond-Point, deux Avignon Off, il fait en 2017 une longue tournée en région.
Les Filles de Simone, le nom du collectif de Claire Fretel, Tiphaine Gentilleau et Chloé Olivères, creusent leur sillon et préparent déjà un nouveau spectacle.
On a hâte de découvrir ce nouveau bébé.

C’EST (UN PEU) COMPLIQUE D’ETRE L’ORIGINE DU MONDE –
Création collective : Les Filles de Simone, Claire Fretel, Tiphaine Gentilleau, Chloé Olivères
Avec : Tiphaine Gentilleau, Chloé Olivères