La lumière laiteuse qui accueille les spectateurs du toujours magique Théâtre des Bouffes du Nord s’éteint et laisse la place à une femme en blouse blanche, au centre du plateau nu.
Elle est visiblement médecin, sa voix est claire, posée, et elle s’adresse directement à nous.
On a prescrit pendant des années un médicament, le MEDIATOR, utilisé comme un vulgaire coupe-faim. Quand des effets secondaires dramatiques, provoquant de très graves troubles cardiaques, ont commencé à émerger chez certains patients, on a continué de le faire.

Ces personnes ont donc été sciemment empoisonnées. Certaines sont mortes. D’autres ont eu la “chance” de survivre, mais au prix d’un quotidien devenu extrêmement compliqué…
Elle s’appelle Irène Frachon. Nous sommes en France, en 2016. Elle nous parle de sa mission, de son combat.

“Ma salle d’attente, c’est la France. Je n’abandonne pas un malade, surtout si c’est foutu.”

Flash back : retour en 2001. Nous voici à présent dans le bureau d’un médecin. Claire Tabard est une jeune maman. Elle vient d’accoucher de Max. Mais les kilos qu’elle n’arrive pas à perdre lui empoisonnent la vie. Son médecin lui prescrit du MEDIATOR. L’histoire de Claire commence.
On suit son calvaire. Les premiers essoufflements, la fatigue anormale, qui inquiètent, les premiers examens et les tests d’efforts, qui éprouvent,  le diagnostic, qui tombe comme une lame. Puis l’opération à cœur ouvert, très impressionnante, que l’on vit en direct. Et la vie quotidienne, amoureuse, sociale, totalement bouleversée.

En parallèle, Irène Frachon poursuit sa minutieuse enquête et devient la lanceuse d’alerte du plus grand scandale sanitaire de ces dernières années. On la suit lors des auditions à l’Agence Française de Sécurité Sanitaire des Produits de Santé (l’AFSSAPS), sur le plateau d’une émission de France Inter qui révèle l’affaire au grand public.
Claire apprend ainsi que sa maladie peut être liée à ce fichu médicament qu’elle a pris quelques années plus tôt pour « pouvoir rentrer à nouveau dans son maillot de bain ».
Elle rencontre Irène, qui la connecte à Hugo Desnoyers, un avocat déterminé à renverser des montagnes et qui a fait du droit aux victimes le sens à sa vie de juriste.
La machine est lancée : on suivra le combat de Claire jusqu’au bout.

Un théâtre réaliste de combat qui ne vous lâche pas.

Pauline Bureau s’est visiblement passionnée pour cette affaire. Elle a rencontré la “fille de Brest”, Irène Frachon. Elle a sillonné la France à la rencontre des victimes, a beaucoup lu, beaucoup écrit.
Cet investissement ne se voit pas sur scène : on aurait pu craindre qu’il produise un spectacle didactique. C’est mal connaître la jeune metteuse en scène. À la tête de sa compagnie La Part des Anges, elle produit ici un spectacle absolument essentiel, choisissant judicieusement de régler sa focale sur le personnage de Claire. Nous l’accompagnons dans sa lutte. Nous souffrons avec elle.

Les comédiens alternent plusieurs rôles, autour des trois personnages clés de cette histoire : Irène Frachon (excellente Catherine Vinatier), l’avocat Hugo Desnoyer (Nicolas Chupin, tout en subtilité, alternant humour et détermination), et Claire Tabard (incandescente Marie Nicolle). C’est ce trio de combat qui porte la pièce et la structure.

“Je vaux combien ? C’est ça le droit des victimes : donner un prix à la vie.”

Les tableaux se succèdent, portés par une scénographie que ne renierait pas Joël Pommerat. L’écriture est délicate, jamais manichéenne. Elle laisse surgir la légèreté qu’il faut quelque fois pour détendre l’atmosphère lourde liée au sujet. La scène finale, celle des auditions filmées devant une commission d’experts, est à ce titre un grand  moment de théâtre, où émotion et humour ne cessent d’affleurer.
Ce spectacle, créé fin février au Volcan Scène Nationale du Havre, vous attrape et ne vous lâche pas. Rarement avons-nous senti un public aussi à l’écoute, aussi concerné par l’histoire qui se déroule devant lui. L’audition de la sœur de Claire Tabard devant la commission fut, ce soir là, applaudie, comme si nous étions le vrai public de cette affaire.

Petite précision à l’attention des futurs spectateurs de cette grande réussite du printemps : certaines scènes sont d’un tel réalisme qu’elles peuvent mettre mal à l’aise (des spectateurs ont quitté la salle – on apprendra même que l’une d’elles fit un malaise ce soir -là). Il n’empêche : on aime quand le théâtre se saisit avec autant de talent d’un sujet d’actualité et MON COEUR restera pour nous l’un des meilleurs spectacles de la saison.

MON COEUR
Á l’affiche du Théâtre des Bouffes du Nord – du 16 mars au 1er avril 2017 (mardi au samedi 20h30, dimanche 15h30)
Texte et mise en scène : Pauline Bureau
Avec : Yann Burlot, Nicolas Chupin, Rébecca Finet, Sonia Floire, Camille Garcia, Marie Nicolle, Anthony Roullier et Catherine Vinatier

Vous aimez frémir, vous aimez serrez vos bras contre votre abdomen de peur que des mots vous transpercent, allez voir « Métamorphoses » adaptées d’Ovide, au théâtre de l’Aquarium, à la Cartoucherie de Vincennes.

Cinq parties – deux seront racontées en voix-off sous forme de prologue et d’épilogue : « Narcisse » et « Le chaos, les quatre âges et le déluge », trois seront jouées : « Terée », « Phaéton » et « Erysichton » – présentées sur un écran géant diffusant des formes mouvantes, avec du texte projeté et de la musique électronique invasive (dispositif scénique et technologique collectif INVIVO), beaucoup de fumée, une batterie et une guitare électrique sur scène, un décor simplissime fait de tables et de chaises, des comédiens- chanteurs de variété française, avec style et brio (la belle voix d’Alexandre Le Nours) et bien sûr, le monolithisme, la folie et la tyrannie des grands mythes. Voilà les ingrédients de cette pièce, où vous débuterez dans l’effroi pour terminer dans le rire. Ouf, on craignait l’asphyxie !

@ Marjolaine Moulin

La première partie jouée raconte l’histoire de Terée et de sa femme Procné. Ça démarre avec la fête, l’insouciance, la danse, le chant et l’ivresse puis, peu à peu, l’histoire bascule dans les archaïsmes les plus barbares. On ne rigole plus du tout. On serre les dents car la vengeance est un plat qui se mange froid ou chaud… C’est la partie la plus longue de la pièce qui pourrait faire une pièce à part entière.

Du coup, quand interviennent les deuxième et troisième parties jouées, la recherche d’une unité se fait sentir, qu’on ne trouve pas vraiment. Autant la première partie est extrêmement narrative, quasi classique, autant les deux autres s’en tiennent à l’allégorie. On est cependant soulagé de quitter le total effroi de la première partie pour gagner des contrées potaches et oniriques, bien que la metteuse en scène, Aurélie Van den Daele, continue à nous parler de nous, de notre époque et de notre décadence, avec un regard aigu et moqueur, qui nous ouvre les portes de l’imaginaire.

La deuxième partie met en scène Phaéton, un jeune homme qui brûlera sa vie au rythme d’un chronomètre, à la marge d’une machinerie infernale, faite de concerts perpétuels et qui demandera la reconnaissance de son père, car Phaéton veut s’inscrire dans sa généalogie, quitte à disparaître.
La troisième et dernière partie jouée raconte l’histoire burlesque et ridicule d’un artiste qui se prend pour le dernier génie à la mode, Erysichton. Là, on rigole franchement des facéties de ce personnage qui nous montre la bêtise et la vanité d’un artiste qui se pense au-dessus de la Nature. Mais Cérée, la déesse, ne l’entend pas de cette branche-là et lui montrera que son égotisme et sa toute-puissance l’embarqueront à sa perte et qu’il n’aura pas l’occasion de soulever le voile d’Isis.

L’adaptation des textes est d’une grande réussite avec beaucoup de fluidité et de modernité, sans anachronismes et on peut saluer Ted Hughes pour ce tour de force.

Le projet met en lumière la résonnance actuelle des mythes dans l’état d’esprit décadent de notre époque et nous entraîne aux portes du cinéma, du théâtre, des arts plastiques et de la musique. On admirera, par exemple, les très beaux masques d’animaux lors de la dernière partie.
On ne peut pas dire que les applaudissements furent du tonnerre à la fin de la pièce, malgré une salle pleine, pourtant, il se passe quelque chose et on ne sort pas indemne de ce spectacle qu’on met longtemps à digérer.
On pourra regretter la puissance un peu trop puissante des watts : même si elles participent au sentiment d’oppression et d’enfermement dans laquelle veut nous placer la metteuse en scène, on a parfois du mal à entendre le texte. C’est dommage.

METAMORPHOSES
Á l’affiche du Théâtre de l’Aquarium – du 1er au 26 mars 2017 (mardi au samedi 20h, dimanche 16h)
D’après Les Métamorphoses d’Ovide et Contes d’Ovide de Ted Hughes
Mise en scène : Philippe Nicolle
Avec : Kamel Abdessadok, Christophe Arnulf, Aymeric Descharrières, Servane Deschamps, Pierre Dumur, Olivier Dureuil, Anne-Gaëlle Jourdain, Erwan Laurent, Michel Mugnier, Florence Nicolle, Philippe Nicolle, Laurence Rossignol

Une salle pleine un vendredi soir, un théâtre de quartier au plateau noir et aux projecteurs aux gélatines multicolores. Quatre comédiens au style british. Une pièce aux répliques minimalistes, construite avec des ruptures, des répétitions et des contradictions, du théâtre de l’absurde en somme, grinçant comme une corde de pendu, qui nous montre le totalitarisme en action, avec cruauté, à travers de petites scènes à thèmes, à caractères, qui nous trimbalent de l’armée à la philosophie jusqu’à l’aristocratie, en passant par l’amitié. Quinze histoires, quinze thèmes. Le tout rythmé par des onomatopées musicales faites d’une chorale de basse-cour avec le caquetage des poules et le grognement des cochons (très réussi), du piano pour débuter, du ukulélé pour final, du chant lyrique et même du rap en cours de route.

@Sarah Coulaud

Le son comme un fil conducteur de la pièce qui porte bien son nom d’ « opéra », même si, dès le début, Madame Loyal (Ida Vincent) nous dit qu’on soit rassuré, il ne s’agit pas d’un opéra. Et « panique », oui, car on s’excite, on vocifère, on s’égosille, on pète des câbles sur scène. La bouche surtout a son rôle à jouer dans cette comédie, où la mise en scène des expressions du visage va jusqu’à nous présenter, une sorte d’entracte en forme de collation, sur le plateau, amenant les larmes aux yeux de la comédienne Aline Barré, qui gobe un Flamby sous les mines effarées et hilares des spectateurs. Va-t-elle vomir ? Non, elle ne vomira pas.
Pourtant, à la fin de « L’Opéra panique », une légère nausée s’est emparée de nous, avec tout cet absurde qui ne mène nulle part, sauf à l’illusion d’une vie qui serait belle. Ce serait le message d’Alejandro Jodorowsky et qui mène aussi à l’accumulation des corps découpés, déchirés, cassés, poignardés, fusillés, déhanchés, saccadés, démantibulés. Oui, dans cette pièce, le corps, le texte et la mise en scène sont démantibulés jusqu’à nous faire rire d’horreur. Les comédiens (Aline Barré, Tullio Cipriano, Cécile Feuillet, Johann Proust et Ida Vincent), égaux et performants, portent leurs personnages avec justesse et déraison et également dans l’univers du mime, presque comme au cirque.

L’OPERA PANIQUE – Compagnie L’Ours à Plumes
Une pièce d’Alejandro Jodorowsky
Mise en scène : Ida Vincent
Avec : Aline Barré, Tullio Cipriano, Cécile Feuillet, Johann Proust, Ida Vincent
Jusqu’au 14 avril au Théâtre Darius Milhaud – les vendredis à 21h

Les premières minutes, on se retrouve en plein milieu d’un groupe de paroles. Pour peu qu’on soit à l’aise, on peut même être pris à partie par Igor Mendjisky – en alternance avec Romain Cottard. Il joue le rôle du narrateur, du “coach” – en bref : du metteur en scène. Chacun leur tour, les six protagonistes se présentent à ce “maître de cérémonie”. La joyeuse bande est constituée d’une fratrie : Blandine, Gabriel et Martin, de leur oncle qui les a élevés suite à la mort accidentelle de leurs parents, du meilleur ami de Martin – Joseph alias Jojo – et de Sarah, l’amoureuse de Martin. Durant ce préambule, on éclate de rire, on s’apprête à passer des moments drolatiques. Et puis, brutalement, Martin s’écroule, et tout bascule. Une blouse blanche lui confie qu’une tumeur au cerveau le condamne à très court terme. Martin a trente ans. “Ils ne peuvent pas me guérir parce que je suis trop jeune”. Au même moment, Sarah lui apprend qu’elle est enceinte de leur premier enfant.
Que se passe-t-il dans la tête de Martin ? Que faire, que décider ? Une seule réponse possible à ses yeux : se réfugier chez son oncle, finir ses jours entouré de sa tribu. Une tribu qui mettra tout en oeuvre pour l’aider à vivre pleinement ses derniers instants.

“On est un peu tous les personnages d’une pièce absurde. Qui nous a foutus dans ce bordel ?”

De l’absurde, il y en a à revendre dans ce spectacle : les Sans Cou auraient pu s’appeler “les Sans Limite” tant leurs créations fourmillent de propositions délirantes. Le côté “joyeux bordel” en déroutera sans doute plus d’un. Mais la formidable énergie de ce collectif est tellement communicative qu’on lui pardonne de partir dans tous les sens.
Certaines scènes très réussies parviennent à gommer le côté inabouti des autres. Martin à la rencontre de ses héros : Matisse, Marlon Brando, Victor Hugo, Maryline Monroe et… Mère Thérésa. Martin faisant la connaissance de sa fille, grâce à un “retour vers le futur”. Martin, sur son lit de mort, écoutant la très jolie histoire d’Oncle Ben’s. Et puis surtout, Martin et Sarah, juste avant la fin, la fin de Martin, la fin de leur histoire, la fin de la pièce. Mais cette fin-là recommencera demain, parce qu’on est au théâtre, et parce que les Sans Cou ne sont pas sans ressource…

J’AI COURU COMME DANS UN REVE
Á l’affiche du Monfort Théâtre – du 24 janvier au 4 février 2017 (du mardi au samedi 20h30)
Une pièce d’Igor Mendjisky / Compagnie Les Sans Cou
Mise en scène : Igor Mendjisky
Avec : Éléonore Joncquez ou Raphaële Bouchard, Esther Van Den Driessche, Clément Aubert, Igor Mendjisky ou Romain Cottard, Paul Jeanson, Arnaud Pfeiffer, Frédéric Van Den Dressée