Stéphane Aznar

Come on baby light my fire…

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Un homme, seul, dans le (grand) froid et la neige du Klondike, tente de rejoindre son campement. Il n’est accompagné que de son chien, ce qui n’est pas très raisonnable, paraît-il, quand il fait moins de 50 degrés au-dessous de zéro. Sa survie va dépendre de sa capacité à « construire un feu », seul remède pour éviter la mort de froid, surtout quand on a la désagréable idée d’avoir marché imprudemment sur une rivière gelée, et de s’être immergé jusqu’aux genoux dans l’eau glacée…

De cet argument, simplissime, Jack London a tiré une courte nouvelle d’une efficacité minérale et qui, dit-on, était le livre de chevet de… Lénine.

Il était curieux, dès lors, d’imaginer comment faire du théâtre de cette quarantaine de pages, et surtout, de voir ce que le théâtre pouvait bien apporter de plus au style de l’auteur de l’Appel de la Forêt et de Croc-Blanc si simple, si direct, si précis, et si évocateur.

Construire un feu Studio-Théâtre Comédie-Française Marc Lainé@Vincent Pontet coll.Comedie-Française 

C’était sans compter le remarquable savoir-faire de Marc Lainé, qui est l’un de nos metteurs en scène actuels les plus inventifs, et qui a su développer, depuis plusieurs spectacles, une expertise particulière dans l’utilisation de la vidéo.

Mais ici, elle n’est pas illustrative, comme souvent, dans de nombreux spectacles contemporains qui ont succombé à cette mode. Elle n’est pas là non plus pour surligner à gros trait un état émotionnel que des comédiens auraient, peut-être, du mal à transmettre. La vidéo est ici utilisée pour donner une nouvelle dimension au récit. Nous sommes littéralement transportés dans les steppes enneigées du Klondike, nous sommes immergés dans le froid glacial de cette nature hostile, nous haletons à la suite de l’homme et de son chien dans leur quête pour survivre.

«En réalité, il ne faisait pas seulement plus froid que moins cinquante ; il faisait plus froid que moins soixante, que moins soixante-dix. Il faisait soixante-quinze degrés au-dessous de zéro.»

Marc Lainé avait déjà brillamment utilisé ce procédé dans le remarquable « Vanishing Point » (déjà, le grand nord Canadien…) et le récent et terrifiant « Hunter ». Il s’adapte ici au plateau exigu du Studio-Théâtre de la Comédie-Française, et transforme, paradoxalement, cette intimité en grand spectacle.

Il y a, devant nous, un trio de comédiens aguerris. Nâzim Boudjenah, en mouffles et doudoune du grand nord (il faisait 25 degrés à Paris ce jour-là…) est criant de vérité. Dans un rôle quasi muet, il sait nous faire partager simplement sa détermination, sa souffrance, son épreuve.

Autour de lui, pas un, mais deux narrateurs se succèdent pour nous raconter cette histoire, en suivant très fidèlement les mots de London, remarquablement traduits par Christine Le Bœuf.

Car c’est ici l’autre brillante idée de cette adaptation théâtrale : Marc Lainé a scindé le rôle du narrateur en deux. Pierre Louis-Calixte est le narrateur principal. Il a su trouver un style pour nous captiver dès les premières secondes, par une gestuelle très travaillée, et une parole qui porte. A ses côtés, Alexandre Pavloff est le deuxième narrateur de ce spectacle. Nous n’en dirons pas plus, mais il incarne un autre point de vue, plus « animal », plus shamanique. Il est aussi saisissant dans ce rôle réellement de composition…

On sort de ce spectacle d’une heure dix transi de froid, assez étourdi et fasciné par ce conte implacable scellant l’inexorable défaite de l’homme face à la nature.

« Construire un Feu » est aussi une très belle leçon de construction de théâtre à partir d’un matériau brut. C’est une vraie réussite de ce début de saison au Français, et il reste peu de jours pour aller le voir et grelotter au Studio-Théâtre.

 – Stéphane Aznar –

Construire un feu Studio-Théâtre Comédie-Française Marc Lainé

CONSTRUIRE UN FEU  – de Jack London
Au Studio-Théâtre de la Comédie-Française
Traduction Christine Le Boeuf
Mise en scène Marc Lainé
Avec Nâzim Boudjenah, Pierre Louis-Calixte et Alexandre Pavloff
Jusqu’au 21 octobre 2018

Marie-Hélène Guérin

Parlons d’autre chose, choral de la jeunesse

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9 chaises en ligne, 8 jeunes filles qui semblent sages, mocassins, jupettes, un clavier d’ordinateur à leurs pieds, 1 jeune homme en bout de ligne qui leur tourne le dos.
Chacun va se présenter, on fait connaissance avec la classe de terminale L du lycée Saint-Sulpice, le ton est grave, les visages sont fermés, la jeunesse ne s’avance pas le sourire aux lèvres.
Une communauté bien huilée, avec ses secrets et ses règles strictes. Un « repère» qui leur permet de s’extraire d’une société qui les asphyxie.
Jusqu’au jour où…
Lors d’un de leurs rendez-vous clandestins, tout dérape. La violence jusqu’ici contenue se défoule jusqu’à l’insupportable.
Début d’un naufrage pour cette jeunesse… ou possible résilience?

“Un spectacle actuel, pertinent et plein d’humour qui questionne en profondeur
les horizons possibles d’une génération nourrie à grandes cuillerées de crise.” – Léonore Confino

La mise en scène de Catherine Schaub propose un dispositif simple et franc, tout le monde à vue tout le temps, en action ou en attente, en groupe, en individu, ou en groupe-individu, petit chœur antique d’aujourd’hui. On parle beaucoup, on s’adresse au spectateur, on l’apostrophe directement ou on l’oublie pour se plonger dans le jeu, on chante, on danse. Beaucoup de musiques traversent le spectacle, variées comme celles du quotidien, sons pop dance Lady Gaga, standards plus rares, Wild is the wind, Lillies of the valley…
 
Parlons d'autre chose - photo 01

“Décérébrés ? maladivement connectés ? incapables d’engagement politique ?
ou familial ? limités dans leur vocabulaire ? matérialistes ? Mais pas seulement.
Alors s’il vous plaît, parlons d’autre chose.”

Léonore Confino dresse un portrait de génération nourri des questions adolescentes.
Les peurs grandes et petites, j’ai peur de déplaire à mes parents, peur du cancer du sein, peur de boire de l’eau avec une tartiflette, peur du vide… “Mais on ne peut pas avoir peur du vide, il y a toujours quelque chose pour le remplir : la mort de Michaël Jackson, la mort de Jean-Paul II, les sms illimités, la carte de ciné illimité…” Pour oublier tout ce qu’on sait, on a trouvé une solution miracle, on fait la fête. Et ça nous coûte cher en alcool.

“On n’est pas en colère, faut du temps pour la colère.”

Les amours, la jalousie, la peur de l’amour, plutôt baiser sans aimer, ça évite de souffrir, ça évite de se faire embobiner par la neurochimie “l’amour c’est mieux dans les livres, l’amour c’est mieux chez les vieux”, fredonne-t-on en chœur…
Et le corps ? qu’en faire, comment l’aimer, l’accepter, le transformer, peut-on se plier à l’injonction de perfection sans se détester, peut-on résister à l’injonction, veut-on résister… ?; et la liberté ? la soif de liberté, celle qu’on peut admirer chez la “chanteuse à succès international” : “Lady Gaga, elle est libre. La chanteuse à succès international, elle danse. Et elle danse comme si un rappeur l’obligeait à s’éclater dans son clip, sauf que le rappeur, il est éjecté, il a plus besoin d’être là”; et l’amitié ? “Nous, c’est vachement important pour nous”.

Parlons d'autres choses - photo

Autogénération de la jeunesse

Et les hommes ? Comment faire avec eux, avec l’image qu’on a de l’ancestrale phallocratie qui a soumis nos mères ? Leur faire payer, leur pardonner, continuer ? Chacune cherche, ensemble elles vont repousser les limites, découvrir le pouvoir des dangereuses amazones qu’elles peuvent devenir, l’apprivoiser peut-être, avec la complicité un peu rudoyée de l’ami Tom…

La lutte est âpre mais la (ré)conciliation possible : au bout de ce parcours initiatique cette jeunesse clame – comme toutes les jeunesses de tous temps ? – son envie de “réinventer tout, le couple, l’éducation, le désir”. Et affirme, enfin solaire, que “ce qui est sûr, c’est qu’on est bien vivant, et en mouvement”.

Les questions posées sont sans doute celles qui se posent depuis que l’adolescence existe, mais elles sont offertes sans impudeur et sans tabou. Et elles sont portées par une belle justesse d’observation, servies par une troupe aux personnalités riches, à l’énergie fraîche et intense, et cette jeunesse “bien vivant(e), en mouvement”, c’est très beau à voir.

Parlons d’autre chose
Actuellement à l’affiche du théâtre Tristan Bernard (jusqu’au 22 décembre)
Un texte de Léonore Confino
Mise en scène : Catherine Schaub
Avec Aliénor Barré, Solène Cornu, Marion de Courville, Faustine Daigremont, Thomas Denis, Marguerite Hayter, Elise Louesdon, Camille Pellegrinuzzi, Léa Pheulpin
Un spectacle du Collectif Birdland

 

Redaction PianoPanier

Mes tissages

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Un monde de questions et de réponses : celui des demandeurs d’asile en face des officiers de la république. Un monde de sphinx et d’énigmes. D’errances et de douleurs, dites, racontées, redites, traduites, transcrites, déformées, raturées, tapées, transmises, répétées. Un palimpseste humain.

Qui parle à qui ? Qui est le noir ? Qui est le blanc ? Où est la salle ? Où est la scène ? Qui sont les gentils ? les méchants ? La vérité… qui la dit ? Qui la détient ? Qui la veut ? Ces demandeurs d’asile ont échappé à leurs enfers… Mais pour quel paradis ? Toutes ces binarités semblent bien absconses, réductrices, ridicules. D’un manichéisme grossier. La réalité est bien plus complexe et ce spectacle nous la donne à voir, intimement, subtilement, avec délicatesse et précision.

 © Christophe Raynaud de Lage

Moi, spectatrice, je me regarde tomber dans les pièges de la norme. Découvrir après coup que le spectateur était acteur, la noire ébahie était en fait une russe, que la blanche glaciale est devenue réfugiée tremblante, que le noir éperdu est européen.

Trois acteurs. Dont deux femmes. Dont deux noirs. Qui joue quoi ? Les repères sont perdus, le jeu des acteurs ne se laisse pas enfermer dans une case, une esthétique, et les comédiens glissent de la salle à la scène, d’un personnage à l’autre, d’une ethnie à l’autre. Les paroles sont dites, redites, traduites, répétées. Les langues chantent. La musique de l’albanais nous enveloppe, les traductions deviennent échos, les regards se font miroirs… Les pudeurs s’exposent sous la lourde lampe torche de l’administration. Trois comédiens et une intimité pour dire le déshabillage tremblant des âmes sous les regards blasés des gardes de l’Europe, satisfaits, sûrs de leur fait, agissant au nom de la richesse et de l’ordre.

Rien n’est appuyé. Les choses sont dites. Ce théâtre fait sens. Il est politique. Ancré dans le monde. Dans notre (in)humanité d’aujourd’hui. Le théâtre d’Aiat Fayez et de Matthieu Roy ne brouille pas les pistes, il tisse et métisse les êtres, au creux des âmes, au cœur des costumes, des personnages. Et le public même est pris dans les mailles de ce textile précieux, de langues, de cœurs et de vies.

Métissons.

Agnès  T.

Spectacle vu à la Scène Thélème 
Texte : Aiat Fayez
Commande d’écriture et mise en scène : Matthieu Roy
Avec Hélène Chevallier, Gustave Akakpo et Aurore Déon

Dates de tournée ici

 

Isabelle Buisson

Jeunesse : Ça barde à la sainte-Barbe

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Jeunesse est un spectacle formidable, métaphorique, transcendant, porté par la nouvelle ciselée sans aucune psychologie, si ce n’est l’idéalisme, du grand Joseph Conrad, par la narration tout en nuances du comédien conteur, Frédéric Gustaedt, et par les entrechats des jeunes chats barbus, qui dansent et sautent sur les mâts du bateau, sur lequel le spectateur est charrié.

Ce spectacle magnifique vous fera gîter et rouler, tant l’atmosphère vous place d’abord à l’arrière puis au cœur de la scène, devenue le pont de La Judée, le premier bateau sur lequel Marlow sera Second lors d’une traversée plusieurs fois avortée, vingt ans avant de nous la raconter, jusqu’aux effluves fleuris et sucrés de l’Orient. Le ton est sans appel dès que Marlow (comme Marlowe et Shakespeare ?) franchit le ponton, un recueil de Shakespeare en main, croisant les lettres de La Judée peintes sur la coque, la devise « Do or die ». Et c’est bien ce qui va se passer pendant toute cette traversée. Agir ou mourir…

La traduction et l’adaptation de « Jeunesse », par Guillaume Clayssen, mêle une superposition de vocabulaire actuel, contemporain, bienvenu, comme le mot « fringue » qui donne un coup de jeunesse à ce récit, à une conjugaison un peu surannée au passé simple et à l’imparfait.
Ce qui est formidable avec Joseph Conrad, c’est que le récit avance au rythme de l’action, de l’écope, du pompage, du gite, du roulage, du tangage, des mers lisses ou blanches d’écumes, de l’invasion des rats à bord, sans complaisances, sans considérations psychologiques, sans commentaires, on est littéralement embarqué pour cette traversée infernale qui sera la première de Marlow et la dernière de La Judée.
Le jeu et la narration de Frédéric Gustaedt sont tout bonnement époustouflants de nuances, de vérité intérieure, de variations, d’amusements, de susurrations et d’esclandres. On entend l’esprit cocasse de Joseph Conrad, qui s’arrêtent sur des moments épiques, burlesques, inattendus, comme le dernier gueuleton des marins à bord de La Judée, tandis que celle-ci brûle anéantie par l’incendie de sa cargaison. Pendant ce temps, Marlow, avec ses deux aides, attend, dans la chaloupe brinquebalée, que le capitaine inconsolable daigne quitter son navire et que les marins en aient fini avec leur gueuleton sous les flammes.

Le dispositif scénique est à la fois simple et compliqué, enfin que l’on juge simple par sa sobriété, son épure. Il est fait des mâts de La Judée, sur lesquels les acteurs circassiens, Raphaël Milland et Johan Caussin, parfois accompagnés de Samuel Mazzotti (son), également sur scène avec son matériel, évoluent acrobates comme des félins graciles, souples et agiles, dans une chorégraphie soutenue par une musique planante, chamanique ou électrisante, à l’évocation du meilleur du rock’n’roll des années soixante-dix. La création musicale participe aussi de l’ambiance et nous plonge à la fois dans la beauté, la dureté et la folie de la mer.
La création lumière, sortie tout droit d’un récit nuiteux d’un port insalubre, joue en rase-motte sans gélatines et tire du sol les ombres et les presque morts de La Judée.

Un spectacle où le face-à-face entre la parole et le corps nous saisit et nous donne envie de lire ou relire Joseph Conrad. Qu’auront voulu nous dire Joseph Conrad et Guillaume Clayssen, qui, c’est sûr, se sont compris ? Qu’on ne voit bien la vie qu’à travers les yeux de la jeunesse ? Qu’être marin est un métier de solidarité comme le sont les métiers du spectacle ?
Le Théâtre L’Echangeur, à Bagnolet, est très facile d’accès, tout prêt du métro Galliéni ou du bus 102, arrêt Charles de Gaulle. Sur place, vous pourrez dîner et boire un verre.
On espère que L’Echangeur prolongera la programmation de ce spectacle sans pareil.

 

JEUNESSE – adaptation de la nouvelle de Joseph Conrad
Au Théâtre de L’Echangeur, Bagnolet
Traduction et mise en scène Guillaume Clayssen
Avec Frédéric Gustaedt (Marlow alias Conrad), Julien Crepin (le capitaine, créateur lumière), Raphaël Milland (premier chat acrobate, équipage sur scène), Johan Caussin (second chat acrobate, équipage sur scène), Samuel Mazzotti (créateur son, équipage sur scène)
Jusqu’au 6 octobre 2018

Photo Victor Clayssen
Sabine Aznar

La délicate ménagerie de verre de Charlotte Rondelez

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« The play is memory » : c’est ainsi que Tennessee Williams présente lui-même sa pièce “La ménagerie de verre”. Dans la mémoire, tout peut être exagéré ou éludé. Le monde est forcément affecté par la charge affective et émotionnelle liée aux souvenirs de Tom. C’est lui, Tom, le fils ainé, qui nous raconte ses années passées entre sa mère Amanda et sa soeur Laura, après que le père les a quittés sans un mot. Le prisme de sa mémoire nous présente une mère complexe, névrosée, nostalgique, obsédée par sa jeunesse perdue. Une mère exaspérante, qui ne peut s’empêcher de tout régenter, une mère prête à tout pour protéger ses enfants… À tout, même au pire…

La Menagerie de Verre Poche Montparnasse Mise en scène Charlotte Rondelez © Pascal Gely

“ Il y a dans la pièce un cinquième personnage qui n’apparait pas, sauf dans cette photographie grand format au-dessus du manteau de la cheminée. C’est notre père qui nous a abandonnés voici longtemps.“

La scène principale de la pièce, le point culminant de cette histoire à trois, le souvenir le plus violemment ancré en Tom, c’est cette soirée organisée par Amanda pour présenter sa fille handicapée à un “galant”, l’une des connaissances de Tom. Mélangeant le sexe et la survie, échafaudant des plans scabreux de mariages destinés à résoudre les problèmes de leur vie matérielle et sentimentale, Amanda provoque la catastrophe ultime qui finira de les faire basculer dans le repli et la misère…

Pour explorer la mémoire de Tom, Charlotte Rondelez a pris le parti d’une mise en scène plutôt sobre, qui s’appuie essentiellement sur le jeu de quatre excellents comédiens.
Autour d’une Cristiana Reali qui endosse avec brio le costume d’Amanda, Charles Templon est un narrateur tout en douceur et délicatesse, tandis que Félix Beaupérin (le “galant”) amène avec charme et fantaisie les rares moments légers de la pièce.

La Menagerie de Verre Poche Montparnasse Mise en scène Charlotte Rondelez

“ Des petits objets décoratifs, des bibelots principalement ! Surtout des petits animaux en verre, les plus petits animaux du monde. Maman appelle ça une ménagerie de verre !“ 

Mais c’est Ophélia Kolb qui attire tous nos regards. Par son jeu admirable et tellement nuancé, elle parvient à exprimer la fêlure mystérieuse de son personnage. Tantôt larmoyante et effrayée, tantôt rougissante et câline, elle nous cueille à chaque instant. La scène finale de confrontation avec Jim est le moment le plus réussi de ce spectacle qu’il ne faut pas rater !

-Sabine Aznar-

La Menagerie de Verre Poche Montparnasse Mise en scène Charlotte Rondelez

À l’affiche du Théâtre de Poche-Montparnasse mardi au samedi 21h, dimanche 17h30
Mise en scène : Charlotte Rondelez
Avec Cristiana Reali, Ophelia Kolb, Charles Templon, Félix Beaupérin

Redaction PianoPanier

Les Crapauds fous aux Béliers

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« Une Grenouille vit un Bœuf
Qui lui sembla de belle taille.
Elle qui n’était pas grosse en tout comme un œuf » ….

Ah non non, pardon, ce n’est pas ça. Si la grenouille de La Fontaine était bien folle et inconsciente de vouloir se faire aussi grosse qu’un boeuf, il n’en va pas de même des crapauds fous. Euh… des crapauds… fous ?

Le crapaud fou, eh bien, c’est ce batracien un peu perdu qui ne suit pas ses semblables lors de la migration reproductive. Il s’en va s’égarer, pour bien souvent ne jamais revenir à sa mare d’origine, ne trouvant pas de conjoint, il meurt… Mais quand tous ses congénères, dans leur migration de masse, se heurtent à un obstacle et périssent, la survie de l’espèce ne tient finalement qu’à ces quelques crapauds fous qui réussissent – crapin, crapan- à trouver de nouveaux chemins vers de nouvelles mares.

Les Crapauds fous, théâtre des Béliers parisiens, critique Pianopanier

Pologne 1940, Mélodie Mourey nous raconte l’histoire vraie de deux jeunes crapauds fous, les médecins polonais Eugene Lazowski et Stanisław Matulewicz qui décident d’injecter le vaccin contre le typhus aux habitants juifs du village de Rozwadów. La plan est de les rendre ainsi inapprochables des nazis et de leur éviter la déportation.
New York 1990, la petite fille d’Eugène va à la rencontre de Stanislaw pour qu’il lui raconte ce qu’il s’est précisément passé pendant la guerre.

La pièce jongle entre passé-présent au travers d’une foultitude de personnages hauts en couleur, le rythme et les rebondissements ne manquent pas, malgré le jeu parfois inégal des acteurs. Au final, on est emporté dans le tourbillon de cette épopée, et heureux de découvrir une petite histoire qui a façonné la grande et marqué les esprits.

Moralité : audace et fantaisie pour une folie salvatrice. Soyons fous !

Au Théâtre des Béliers parisiens jusqu’au 4 novembre 2018
Texte et mise en scène Mélodie Mourey
Avec (en alternance) : Benjamin Arba, Merryl Beaudonnet, Charlotte Bigeard, Constance Carrelet, Hélie Chomiac, Gaël Cottat, Rémi Couturier, Charlie Fargialla, Tadrina Hocking, Frédéric Imberty, Damien Jouillerot, Blaise Le Boulanger, Claire-Lise Lecerf, Christian Pelissier

Marie-Hélène Guérin

Claire, Anton et eux : portrait de groupe

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– Je m’appelle Léa Tissier, c’est l’anagramme de Laeticia
– Non
– Presque. Ça veut dire “joie”

 
Un plateau nu, sagement encadré à cour et à jardin de chaises, bordé en fond de plateau d’un portant chargé de costumes. Un piano discret attend son tour.

Claire, Anton et eux : Claire, c’est Claire Lasne-Darcueil, directrice du CNSAD. Anton, c’est Tchekov, auteur fétiche, figure tutélaire, et eux… “Eux”, ce sont la la promotion 2015-2017 du Conservatoire.
Elle a invité François Cervantes a écrire et mettre en scène un spectacle pour ce “eux”, apprentis comédiens en fin de cursus, en début de l’aventure du métier d’acteur. Ils sont une quinzaine, ont entre 22 et 30 ans à peine. Silhouettes longues ou rondes, peaux claires ou sombres, démarches solides ou toutes de fêlures, pieds nus ou chaussés, ils s’avancent sur le plateau, le regard net, droit planté dans les yeux des spectateurs.

Lorsque François Cervantes les a rencontrés, il a été séduit par “la beauté et la diversité de leurs visages” :
“Je me suis mis à penser qu’à travers ces corps, dans la chair, dans l’exécution d’un geste, se rencontraient tous les ancêtres de ces jeunes gens. Je me demandais par quels chemins étaient passé les désirs de plusieurs générations pour aboutir à (leur) présence” . Alors plutôt que de leur bâtir une fiction, il est parti d’eux et leur a construit une histoire de leurs histoires.
 

“Je devais être judoka, j’ai choisi théâtre.
– Qu’est-ce qui te manquait dans le judo ?
– La langue.”

 
Claire, Anton et eux - François Cervantes /CNSAD - © Christophe Raynaud de Lage
 
Chaque comédien sera lui – ce “lui” né du croisement de sa vie et de l’invention du plateau, et sera aussi ses ascendants, son futur; parfois aussi il croisera les vies de ses camarades, devenant un instant la mère, le grand-père d’un autre pour un bref dialogue.
La mise en scène ne dissimule pas son sujet, on y retrouve de ce qui fait le travail d’atelier des comédiens, exercices de chœur, d’écoute, déambulations, narrations, saynètes…
La gestuelle est millimétrée, chorégraphiée, ne cherche pas le réalisme : ce n’est pas dans le réalisme que se love la vérité, mais dans la justesse et la sincérité des comédiens, dans la pudeur et l’abandon des confidences, dans la poésie d’une mise en scène qui trouve les bonnes distances – les espaces vides et les rapprochements des corps où naissent tensions, rythmes, émotions.
 

“J’ai 4 ans et je suis à la commedia’dell’arte.
Pantalone crie “Personne ne m’aime !”, je lui crie “Moi je t’aime !”.
Il descend de scène, il me sert dans ses bras. Je me dis que plus tard je ferai du théâtre.”

 
Les époques et les langues s’enchevêtrent.
Les milieux, les cultures, les continents.
Sipan, aux parents arméniens de Syrie;
Louise qui à 3 ans et demi hurlait pour retenir sa mère qui partait jouer tous les soirs au théâtre;
Solal qui avait sans doute un ancêtre rabbin, au XIVe siècle;
Théo dont le grand-père Fernand sait à peine lire “mais j’ai toujours tout fait pour que mes enfants étudient”;
La souriante Salomé-Shalom, Sélim le fils du footballeur de Meknès, Lucie, Mélina, Gabriel et les autres… on entend parler arménien, espagnol, on entend des airs en russe, en allemand, en yiddish, on entend Björk : on est de partout, et d’aujourd’hui.

Ils sont multiples, divers, ces jeunes gens; les voix de leurs ancêtres ont autant d’accents différents; et pourtant, et d’autant plus, quelque chose les a amenés à être ensemble, à faire corps. François Cervantes nous donne à voir cette magie qui fait d’êtres disparates une troupe, pleine, vivante.
 

“J’aimerais bien lire, nous confie la grand-mère à Tunis en 1951. J’ai jamais vraiment réussi à lire. Mais j’aime bien regarder les livres. Les gens qui lisent.”

 
Claire, Anton et eux - François Cervantes /CNSAD - © Christophe Raynaud de Lage
 

On est ému de choses minuscules, souvenirs si précis, si intimes, si personnels qu’ils sont aussi ceux de tout le monde; on rit beaucoup aussi : aucune pesanteur dans la gravité, beaucoup de malice, un esprit allègre.

Le spectacle est parcouru de musiques, d’esquisses de danses pinabauschesques, de courses effrénées. C’est une jeunesse en mouvement, bondissante, véloce, tendre. Qui êtes-vous, en quoi avez-vous cru, où est né le théâtre en vous ? On sent parfois chez ces tout jeunes comédiens l’émotion affleurer. Ils savent déjà s’en nourrir et la contenir. Tous sont généreux, sensibles, précis. Ils ont du charme, du talent, des choses à dire.

Les menus fragments qui composent cette fresque en mosaïque dessinent des humanités vibrantes, traversées de fous-rires, de morts, de jeux, de bêtises, de rêves… et de joie, pour aujourd’hui et pour demain. Un spectacle humaniste et lumineux. On a envie de les retrouver, bientôt, pour longtemps.
 

“On est déjà immortel. Et pour toujours.”

 

– Marie-Hélène Guérin –

 

CLAIRE, ANTON ET EUX
Texte et mise en scène : François Cervantes
Avec Gabriel Acremant, Théo Chédeville, Salif Cissé, Milena Csergo, Salomé Dienis-Meulien, Roman Jean-Elie, Jean Joudé, Pia Lagrange, Sipan Mouradian, Solal Perret-Forte, Maroussia Pourpoint, Isis Ravel, Léa Tissier et Sélim Zahrani
En tournée : dates sur le site de la Compagnie L’Entreprise
Photos © Christophe Raynaud de Lage

Marie-Hélène Guérin

Maelström, un grand cri muet

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Une jeune femme brune semble attendre, dans un abribus. Elle est menue, athlétique, elle a la voix sourde. Directement au creux de nos oreilles.
Les spectateurs sont munis de casques audio. Vera, l’ado qui soliloque au coin d’une rue aveugle à sa présence, est sourde. Si elle n’a pas ses implants cochléaires en marche, y’a rien qui passe. Écoutilles fermées, elle dedans les autres dehors. Quand elle parle, ça sort mal, de guingois. Nous, c’est sa voix intérieure qu’on entend, flot continu, directement de l’intérieur d’elle à l’intérieur de nous.

C’est le monologue d’une ado emplie de chagrin, de rancoeur; emphatique, grandiloquente, absolue comme on peut l’être à 15 ans, quand une peine de coeur peut sembler terrible comme un avion qui percute une tour; en colère contre un siècle dont l’école lui apprend qu’il a vu naître en 1933 des lois qui ont décidé que les gens “comme elle” n’avaient pas le droit de procréer; furieuse, rêveuse, vorace de vie comme on peut l’être à 15 ans.
Maelström - une pièce de Fabrice Melquiot - avec Marion Lambert - photo Thomas Guené Photo © Thomas Guené

3 bonnes raisons de se laisser emporter par ce Maelström (ou 4) :

1 – Pour la rencontre avec une comédienne, Marion Lambert, bouillonnante, feu follet, dirigée avec finesse. Une expressivité très vive, très mobile, parfaitement maîtrisée, sans l’ombre d’une approximation. Un engagement sans faille du corps, du timbre, du regard et du moindre souffle.

2 – Pour l’intelligence et la richesse du dispositif. La scénographie est très actuelle, des “boîtes” vitrées, coulissant sur des rails – avec la modernité d’assumer la manipulation à vue. Boîtes de verre : boîtes de Pétri, prisons, vitrines… mais aussi lieux ouverts, d’où l’on voit l’extérieur, d’où l’on peut sortir. Le travail sur la matière sonore est d’une grande cohérence par rapport au propos. La voix de la comédienne se niche droit dans les oreilles du public, se fiche droit dans son cœur. Les bruits de la ville circulent, se gonflent, refluent, créent un véritable espace sonore.

3 – Pour le texte, elliptique, en spirale, qui suit les rebonds et vagabondages de la pensée intime de Vera.

4 – Pour un sourire qui disparaît aussi vite qu’il été apparu, lumineux et immense comme un soleil, fugace et obstiné comme un battement d’aile de papillon dans une tempête.

Marie-Hélène Guérin

 

MAELSTRÖM
De Fabrice Melquiot
Mise en scène : Pascale Daniel-Lacombe
Avec Marion Lambert (en alternance avec Anne-Clotilde Rampon)

Guettez les dates de tournée, d’octobre 2018 à avril 2019 : vous les retrouverez sur le site de la compagnie : https://theatredurivage.com/creations/maelstrom

Marie-Hélène Guérin

La Géographie du danger

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“Ne crains pas de naître
ni de renaître.
Le feu
s’il ne donne que des cendres
donne aussi la clarté.“

Une scène dépouillée, d’un côté une chaise, une table basse, un poste radio; de l’autre, un lit sommaire. Maigre univers.
Des nappes sonores telluriques, des craquements de bois ou de glace, des rythmiques sourdes, battements de coeurs ou courses insatiables. Une sensation d’urgence.
En voix off, c’est le récit de l’exil. “Taire la faim, concasser la peur, mettre les mains dans les poches pour leur éviter de trembler”.

Hamid Ben Mahi s’est emparé du roman “La Géographie du danger” de l’écrivain algérien Hamid Skif pour nous parler du parcours d’un clandestin, qui vit depuis des mois terré dans une chambre de bonne, envahi par le sentiment d’enfermement, de rejet, d’incompréhension et d’impuissance. La géographie du danger, c’est celle des hommes qui ne peuvent qu’avoir peur, partout, partout où on peut les dévoiler. La géographie du danger, c’est celle qui plie les hommes, et qui les fait mourir d’invisibilité.

Récit d’une clandestinité, récit de pauvreté, surtout récit de solitude, non : d’isolement. Et de peur.

Photo © Céline Zug

Le texte est sans pitié, glaçant, lente et immobile chute aux enfers d’un homme sans secours. La composition très électro est hypnotique, sombre, grondante. La danse d’Hamid Ben Mahi est heurtée, physique, un hip-hop âpre pour raconter les murs, le quotidien, l’envie d’envol.
Sous des lumières minutieuses et crépusculaires, l’espace est traversé de mots – voix off, ceux qu’il prononce, ceux qui sortent du poste radio. Ils ne prennent pas la place de la danse, mais s’y superposent, la complètent, la devancent. Quand le récit fait silence, il persiste dans l’air et imprègne la danse tandis que les mots enfin tus laissent place à l’émotion.

La géographie du danger, c’est elle qui semble gagner la partie. Mais l’homme finit debout. Un homme qui crie même de rage est un homme vivant. On quitte de ce spectacle puissant et humaniste avec une once de dignité en plus.

Marie-Hélène Guérin

 

LA GÉOGRAPHIE DU DANGER
un spectacle conçu et interprété par Hamid Ben Mahi
adapté du roman “La Géographie du danger” de l’écrivain algérien Hamid Skif
Avignon Off 2018 : au Théâtre Golovine jusqu’au 27 juillet à 12h30

Marie-Hélène Guérin

“Cendres”, se brûler les ailes

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Sur le tulle, des ombres de sous-bois se métamorphosent en lettres pour devenir les mots poétiques de Pär Lagerkvist

“Presque tout est de si peu d’importance. Mais quand surgit au ciel, comme un nuage incandescent, l’ineffable, tout est consumé.Tout est transformé, toi aussi tu es transformé, et ce qui il y a peu te semblait de la plus grande valeur n’est plus rien.
Tu t’éloignes parmi les cendres de tout devenant cendres toi-même.” Pär Lagerkvist

 

Les nappes de sons électroniques font vibrer l’espace.
Des maisonnettes blanches, à peine plus grandes qu’un jeu d’enfant, suspendues en l’air, s’éclairent.
Une marionnette haute comme un une poignée de pommes s’avance, un rouquin en jean, mal rasé, jerrican rouge sous le bras.

A l’avant-scène, c’est la place de l’auteur, un petit bureau tout simple, des bouteilles vides, une pomme entamée. Ordinateur portable, feuilles en vrac. Il marmonne, boit de la bière, cherche l’inspiration, boit de la bière, grogne. Le récit de Dag le pyromane peine à naître sous ses doigts. Pourtant, Dag le pyromane, c’est son jumeau de méfaits, ils sont du même village, il a allumé son premier incendie le jour de la naissance de l’auteur, ils sont liés, l’auteur le sait, il veut enfanter de cette histoire, il veut raviver ses feux, peut-être comprendre, au moins saisir.
Cendres, un spectacle de la compagnie Plexus Polaire
Et pendant que l’auteur se ronge, Dag le pyromane prend vie. Les acteurs-manipulateurs donnent à ses courses folles des airs de danse fiévreuse. Dag le pyromane aime l’odeur de l’essence et la beauté des flammes.
Dag le pyromane s’abîme dans la contemplation des maison en feu, l’auteur s’abîme dans l’alcool. Frères d’abysses et de ténébres.
Leurs monstres sont terribles et beaux, et les dévorent. Un grand chien nébuleux se bat dans un cerveau noyé de brumes.

L’homme est poignant d’avoir le corps solide et l’âme désarmée. Les marionnettes sont si souples, ont le visage si expressif, les yeux si brillants qu’on doit se forcer à admettre que l’on n’a pas vu voir leurs traits bouger.
On sort sidéré de ce rêve ou ce cauchemar, de ce récit ou ce souvenir, on s’ébroue, on emportera avec soi des fumerolles de cet incendie.

Marie-Hélène Guérin

 

Cendres, un spectacle de la compagnie Plexus Polaire

CENDRES
Inspiré du roman “Avant que je me consume” de Gaute Heivoll
Mise en Scène : Yngvild Aspeli
Collaboration Artistique : Paola Rizza
Acteurs-marionnettistes : Viktor Lukawski, Aitor Sanz Juanes/Alice Chéné, Andreu Martinez Costa
Avignon Off 2018 : à La Manufacture à 18h05 jusqu’au 26 juillet