La première sensation lorsque le rideau dévoile le prodigieux décor imaginé par Caroline Guiela Nguyen, c’est un mélange de respect, d’admiration, presque d’engouement. On est directement projeté dans ce restaurant vietnamien du 12ème arrondissement parisien, cadre unique de toutes les histoires qui s’enchevêtreront au fil du spectacle. L’un de ces restaurants typiques, reconnaissables, un brin kitsch, fleurs en papier aux couleurs vives et mobilier en métal. Ce type d’établissements qui semblent intemporels, à tel point que rien ne parait moins étonnant que de voir ce même décor traverser 40 années et plusieurs continents au cours du spectacle.

40 ans qui séparent le Saigon de 1956 du Paris de 1996. 40 ans d’histoires sur fond d’Histoire. Des histoires d’amour, de séparations. Des histoires emplies de larmes… Avec en toile de fond la guerre du Vietnam, l’indépendance de l’Indochine, l’exil, le retour au pays, le manque de sa patrie…

@Jean-Louis Fernandez 

“ Vous étiez au bord des larmes, vous avez parlé pendant 40 minutes, vous parliez de quoi ?“

En fond sonore, la voix off de Lam (Thi Thanh Thu Tô) qui n’est pas sans rappeler le ton de la narratrice du Cendrillon de Joël Pommerat nous rappelle ce contexte particulier de 1996 : la fin de l’embargo sur le Vietnam autorise le retour des Viet-kieus (Vietnamiens d’outre-mer) au pays. Cette question du retour, du départ, des adieux et retrouvailles est le fil conducteur du spectacle.  Nous sommes dans le restaurant parisien de Marie-Antoinette (poignante Anh Tran Nghia), qui a émigré à Paris en 1956. Ce restaurant qui est donc la copie conforme de celui qu’elle tenait à Saigon en 1956 est le lieu de rencontre de plusieurs personnages. Il ya  Hao (troublant Hoàng Son Lê) et sa fiancée Mai, qui le quittera parce qu’il chante pour les Français. Et puis Linh (la déchirante Phu Hau Nguyen), qui s’apprête à partir pour la France avec un soldat dont elle est tombée amoureuse (excellent Dan Artus) mais qui angoisse de quitter les siens. On retrouvera tout ce petit monde à Paris en 1956. Puis, au même endroit, 40 ans plus tard : Linh et son fils qui la presse de s’envoler vers le Vietnam sur les traces de son passé, et le vieux Hao (très émouvant Hiep Tran Nghia) qui le fera, lui le voyage, et ne comprendra plus la langue parlée par les jeunes Vietnamiens.

“Saïgon ne concerne pas les Vietnamiens, ni même les Français qui seraient partis en Indochine, elle concerne notre mémoire collective et s’est déposée dans le rhizome de nos affects et de nos imaginaires. Saïgon appartient à tous. » – Caroline Guiela NGyuen

C’est bien de langue qu’il est question aussi, et c’est la langue qui ajoute tant de beauté au spectacle. Onze acteurs sur le plateau, des Vietnamiens, des Français, des professionnels, des amateurs qui parlent français et vietnamien.
Certaines scènes semblent tout droit sorties d’un film de Wong Kar Waï, dans leur lenteur, leur infinie délicatesse, leur majesté quasi hypnotique.
On comprend le succès immédiat que recueillit Saigon au dernier Festival d’Avignon. Car au travers de ces destins croisés, Caroline Guiela Nguyen nous parle d’exil, d’amour, de nostalgie, de douleur… Saigon appartient à tous, Saigon est le réceptacle de nos larmes d’exil…

-Sabine Aznar-

À l’affiche de L’Odéon-Théâtre de l’Europe – Berthier du 12 janvier au 18 février 2018 (mardi au samedi 19h30, dimanche 15h)
Texte et mise en scène : Caroline Guiela Nguyen – Les Hommes Approximatifs
Avec : Caroline Arrouas, Dan Artus, Adeline Guillot, Thi Truc Ly Huynh, Hoàng Son Lê, Phú Hau Nguyen, My Chau Nguyen Thi, Pierric Plathier, Thi Thanh Thu Tô, Anh Tran Nghia, Hiep Tran Nghia

Une marée de fleurs couvre le sol, du mur du fond jusques aux pieds des premiers rangs de spectateurs. Roses pompons, pivoines, pavots, glaïeuls majestueux, le regard s’y perd, y déniche petit à petit du mobilier enfoui, tables, consoles, déambulateur, piano, s’arrête un instant sur un couple de vieillards assoupis sur une banquette… le regard erre, revient au cœur de cette marée, l’îlot du lit d’hôpital, où Marina Hands / Eugenia, l’actrice, est allongée, endormie, cheveux épars… le regard repart, virevolte, ondule entre les bouquets, s’égare et revient encore à ce lit. L’image est d’un grand lyrisme, et d’une grande simplicité.
Les lumières baissent, et c’est dans l’obscurité que surgissent les premiers mots. Le noir se fait, et le silence. Du lit qu’on ne voit plus mais dont on se souvient monte un « maman » de petite fille apeurée, qui d’appels à l’aide en délires oniriques, d’imprécations en longues plaintes douloureuses, se métamorphosera en une voix de femme qui a vécu et qui va mourir.

« une actrice c’est un imaginaire dans un corps
qui restitue la condition humaine »
Igor

@ Jean-Louis Fernandez

Dans sa note d’intention, Pascal Rambert dit « aimer écrire pour les actrices » : « c’est peut-être ça mon travail : donner du travail aux actrices. Leur donner de grands rôles ». De cela, on lui saura gré. Marina Hands et Audrey Bonnet incarnent toutes deux avec un talent rare cet « imaginaire dans un corps qui restitue la condition humaine » qu’Igor aimait découvrir dans la démarche d’Eugénia encore toute jeune comédienne. Comme lui, devant une telle qualité d’interprétation, « on crie bravo à ces êtres les acteurs qui nous disent regardez-vous vivre ». Elles sont magistrales. Marina Hands, la cadette – l’actrice, dans un don d’elle-même qui n’enlève rien à sa précision, en perpétuelle invention de son personnage, faisant naître sur son visage, dans sa voix, sur son corps, les mille sensations et sentiments de ce temps intense et sans appel que l’on sait être le dernier. Audrey Bonnet, l’aînée – l’entrepreneuse, une sèche tempête, la voix basse presque sourde, donne à cette femme dont le mari dit qu’il « faut accepter sa dureté comme une arme pour survivre » à la fois cette dureté, et la nécessité vitale qu’elle en a eu.

« nous ne venons pas voir de belles histoires de beaux costumes de beaux décors
mais la condition humaine
nous sommes avides du spectacle de la condition humaine
nous sommes des fauves qui aimons regarder d’autres fauves dépecer une proie qui s’appelle la vie »
Serguei, le metteur en scène

C’est le chemin de cette femme vers la mort, et c’est aussi celui de toute sa famille, de sang et de cœur, qui va se dérouler là. Autour de ce lit, comme les flots se brisent sur un rocher au milieu d’une rivière, vont se briser les flots d’amour et de peine de chacun. C’est le tourbillon des aimés et des aimants ; c’est l’heure des comptes et des déclarations, et tout cet amour, celui des anciens ou celui des enfants, celui du mari ou celui de l’ancien amant, s’affole de la mort, se déverse parfois avec tendresse, mais souvent avec une violence, une rage à la hauteur de sa puissance.

Ç’aurait pu être le lancinant et virtuose monologue de l’actrice ; ç’aurait pu être le duo dense, tendu, tremblant, des deux sœurs. Pascal Rambert a préféré le fourmillement de la vie à la majesté du chant de mort, rassemblant en un bouquet foisonnant tous les êtres chers autour du lit de l’actrice.

Sur le plateau, il a privilégié la singularité des personnalités à l’homogénéité du jeu. Alors, on trouvera peut-être redondant le jeu archétypal de l’infirmier-ange de la mort, surlignant sans nécessité non seulement un texte très explicite mais aussi l’étrangeté du jeune comédien… Et certains regretteront les accents d’une grande partie de la distribution : pourtant, ce choix raconte le monde d’aujourd’hui, sa diversité, sa mobilité. Les familles qui se déplacent, qui fuient une guerre ou cherchent fortune, les enfants qui n’ont pas la même langue maternelle que leur mère.
Que c’est beau d’entendre et de voir des âges, des accents, des couleurs de peau différentes, de voir l’ivresse et la sagesse, les cris et les murmures, le langage qui coupe et celui qui répare, la joie et la douleur : c’est la vie dans sa multiplicité !

« la mort peut venir, je peux lui dire en face comme je le dirai à dieu
prends-moi
je peux mourir maintenant j’ai connu chaque soir, chaque soir de ma vie
l’amour terrestre
ah bon et quelle forme avait cet amour terrestre me demandera dieu
et je dirai
la forme de corps vivants dans le noir qui écoutaient ensemble un texte »
Eugénia

Le théâtre est dès le titre, alors le théâtre, ici, au milieu de la houle des sentiments, vogue, embarcation intranquille mais rassurante ; ça a été ce qui a mû l’Actrice pendant sa vie, et ce qui l’accompagnera au seuil de sa mort. Par la présence du metteur en scène, des comédiens amis mais aussi par le poids que sa vie de théâtre a eu dans la vie des siens, et par ce joli et délicat présent que tous vont lui faire, et que Rambert fait aux spectateurs, une bulle de fantaisie et de tendresse, La Conférence des fleurs, « pièce à la manière du théâtre allégorique », fantasque, gracieuse, émouvante comme un dessin d’enfant. Et c’est touchant d’être ensemble cette manifestation de l’amour terrestre, d’être « des corps vivants dans le noir qui écoutent ensemble un texte ».

Pascal Rambert nous parle de cette « tension entre le monde et nous, cette tension [qui] s’appelle la vie », et fouille les failles du cœur des hommes d’où s’écoulent les lacs de larme trop longtemps retenus. Le silence se fait à nouveau, miroir du silence dans lequel a surgi le premier mot. Après le dernier mot, la dernière image est d’une théâtralité idéale, un hommage à l’art du spectacle, autant qu’un condensé de toutes ces batailles menées, tous ces liens malmenés, tout cet amour échangé.

« un acteur qu’est-ce que c’est ?
un acteur c’est un désir de spectateur
voilà tout
regarde autour de toi
toutes ces fleurs
c’est quoi
c’est du désir
du désir pour toi
ça dit reste avec nous
ça dit ne pars pas
ça dit lorsque tu joues tu nous consoles de tout ce qui nous blesse nous humilie nous tue nous offense
l’art du théâtre est fait pour ça
pour réparer l’offense
pour être sauvés
en jouant tu auras sauvé des vies »
Sergueï

 

ACTRICE  – de Pascal Rambert
Mise en scène : Pascal Rambert
Avec : Marina Hands, Audrey Bonnet, Ruth Nüesch, Emmanuel Cuchet, Jakob Öhrman, Elmer Bäck, Yuming Hey, Luc Bataïni, Jean Guizerix, Rasmüs Slätis, Sifan Shao, Laetitia Somé, Hayat Hamnawa, Lyna Khoudri, et en alternance, Anas Abidar, Nathan Aznar et Samuel Kircher
du 12 au 30 DECEMBRE 2017 Théâtre des Bouffes du Nord puis en tournée

@ Jean-Louis Fernandez

Robert donne une soirée pour des centaines d’invités dans son somptueux manoir parisien, en l’honneur de son ami André qui vient de réaliser un exploit héroïque en Méditerranée. Robert est aussi dandy arrogant que son ami est libre. André est amoureux de Christine, l’épouse de Robert, qui lui-même entretient une liaison avec Geneviève.

La fête est sans limite, presque décadente, on boit, on chante, on danse… Le film projeté au début du spectacle est tourné par Robert lui-même, il nous laisse croire que nous resterons de simples spectateurs, quand soudain… la fête surgit : elle est ici, salle Richelieu. Les invités, c’est nous ! Le drame est en embuscade, la tension s’installe et monte crescendo.

Envie de danser avec Suliane Brahim, de fondre devant Serge Bagdassarian, de boire un verre avec Jeremy Lopez, de faire un câlin à Jérôme Pouly ? Et que diriez-vous de reprendre en cœur avec vos voisins « Paroles, Paroles » de Dalida ou « For me -Formidable » d’Aznavour ?
Ici, c’est possible ; mais attention, avant d’accepter, sachez qu’il n’y a plus de règles, il n’y a que du jeu !
Ici, on bouscule les conventions… et les spectateurs !

@ Christophe Raynaud de Lage

Le public est partagé entre enthousiasme et inquiétude. Il passe par toutes les émotions, il s’interroge, il rit, il chante. Certains voudraient se lever et monter sur scène, attrapant volontiers les verres et les mains tendus par les comédiens. D’autres restent figés, quasi consternés, se demandant à quelle sauce ils vont être mangés par ces acteurs virevoltants et débridés, en apparence sans limite. Que va-t-il se passer maintenant? Jusqu’où iront-ils ? Tout cela est-il écrit ou sont-ils en pleine improvisation ? Ambiance !

Ici, le théâtre se confronte au cinéma et réciproquement. Christiane Jatahy travaille beaucoup sur les rapports entre les deux arts ; ils s’y succèdent tout d’abord, puis se mélangent, provoquant le spectateur avec une audacieuse transition. Se pose aussi la question de nos propres rapports avec le théâtre, et de notre regard sur le réel et la fiction.

Ici, la caméra fait tomber plus vite le masque du mensonge. Les infidélités lovées au fond des alcôves, se découvrent par écran interposé en direct. Les cocus en prennent pour leur compte, l’huile est jetée sur le feu.

Ici, on regrette cependant que le scénario reste un peu trop sage par rapport à l’original. Le héros André Jurieux interprété par un Laurent Lafitte imposant, n’est plus le navigateur aérien de l’Atlantique de Renoir mais devient un marin qui sauve des migrants en Méditerranée. Le garde-chasse allemand se métamorphose en africain. Christine est d’origine arabe alors qu’elle était une autrichienne exilée…

Tous ces personnages se déchirent finalement, non pour des raisons politiques ou sociales, mais par orgueil… Ce qui se dessinait comme la promesse d’une joute intellectuelle, politique engagée, sur fond de relations amoureuses impossibles, cède finalement la politesse à la tragédie, atemporelle. Peu importe ce que les personnages feront, d’où ils viennent, qui ils sont… ils ne sont ici que pour servir cette tragédie.

C’est un peu dommage, car la caméra, malicieuse complice du théâtre, a également cette vertu de lui permettre de jouir de plus de complexité avec plus de vitesse.

Ici, la Comédie-Française sort une nouvelle fois de sa zone de confort, fait preuve d’audace, revisite avec brio sa propre modernité et nourrit le dialogue nécessaire avec la société d’aujourd’hui. Elle incarne pleinement le spectacle vivant, elle crée, elle prend sa part de risques, elle provoque les mélanges et les échanges artistiques…

Au risque de déplaire à ceux qui préfèrent souvent y voir autre chose par facilité et nostalgie, et qui enragent de se faire ainsi bousculer, le miroir tendu par ce théâtre-là nous renvoie une image de nous-mêmes.
Le changement rencontre toujours ses résistances, la nouveauté agace, mais le vent de liberté et de création qui souffle au Français est irrésistible et y pousse joyeusement ceux qui n’y viennent jamais, ceux qui pensent qu’il n’est pas pour eux.

Ici, le 4è mur n’a plus de mur que le nom, il est une offrande, un partage, une invitation, une claque, une caresse aussi… qui vient se poser sur ma bouche mais surtout sur mon cœur.

Merci Merci Merci.

–Jean-Philippe Renaud–

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=XHErBym7PI8]
LA REGLE DU JEU – de Jean Renoir
Mise en scène : Christiane Jatahy
Avec Elsa Lepoivre, Julie Sicard, Serge Bagdassarian, Bakary Sangaré, Suliane Brahim, Jérémy Lopez, Laurent Lafitte, Pauline Clément
du 20 OCTOBRE 2017 au 8 JANVIER 2018 à la Comédie-Française, Salle Richelieu