Tout d’abord, il faut souligner l’adaptation de Manon Montel, qui nous donne à entendre le texte avec justesse et gourmandise. On oscille entre des moments de grande virtualité textuelle et de la trivialité joyeuse, avec un goût de l’efficacité et de l’ironie qui ne fait pas défaut.

La mise en scène simple, avec des mouvements de corps et d’objets très sobres, quelques bouts de tissus et de falbalas et aussi une transmission populaire de la langue de Shakespeare, le tout ponctué par des compositions originales de Samuel Sené, pour violoncelle, accordéon, guitare et voix, qui nous invitent presque à un bal populaire d’une province campagnarde et avec des danses grâcieuses comme des fleurs ou des papillons et des combats chorégraphiés.

On palpite évidemment avec Roméo -Thomas Willaime- et Juliette -Manon Montel- à leurs émois et à leurs passions et l’on sent la main inéluctable du destin façonner leur existence, malgré un Roméo un peu niais qui nous ferait presque dire qu’il a bien cherché ce qui lui arrive. Mais l’on sent surtout la toute-puissance des maîtres et du patriarcat incarné, lors d’une scène, dans le clouement au pilori de Juliette par son père et par toutes les voix méchantes des hommes, interprétées par un trio qui évolue comme un mobile sur scène et nous emmènerait presque du côté du surréalisme.

On se dit que ce texte n’a vraiment pas pris une ride et qu’ils sont vraiment trop bêtes tous ceux-là de s’entretuer ainsi et de se suicider ou de tenter de tromper la mort pour mieux la servir. On pense qu’il s’agit de comportements révolus, éloignés de notre quotidien, ceux qui régissent Vérone, une mentalité qui n’est plus de ce monde, or l’actualité se fait régulièrement l’écho d’anecdotes similaires, même s’il ne s’agit plus de la fine fleur de la ville.

La fin de la pièce, la mort de Juliette, mériterait un accompagnement musical pour laisser le spectateur un peu plus longtemps dans son intériorité et dans l’histoire qui s’arrête sèchement et nous sort alors du songe avec trop de violence.

Ce «Roméo et Juliette» revisité ravit le spectateur et semble être un spectacle parfait pour découvrir ou redécouvrir Shakespeare et l’aimer. Bravo à la compagnie Chouchenko qui nous fait passer un vrai bon moment de théâtre.

 – Isabelle Buisson –

Roméo et Juliette, de William Shakespeare à l’affiche du Lucernaire 
Jusqu’au 1er juin  – mardi au samedi 20h, dimanche 17h
Mise en scène : Manon Montel
Avec Xavier Berlioz, Jean-Baptiste des Boscs, Claire Faurot, Manon Montel, Leo Paget et Thomas Willaime

crédits photos : Michel Cavalca

Pour sa neuvième création à la Comédie-Française, Alain Françon monte la plus célèbre pièce de Carlo Goldoni, La Locandiera, dont la dernière mise en scène sur ces planches date de 1981, par Jacques Lassalle avec Catherine Hiegel dans le rôle-titre.
Alain Françon s’entoure d’une équipe artistique brillante, Jacques Gabel à la scénographie, Joël Hourbeigt à la lumière et Renato Bianchi pour les costumes. Proposant des images fortes, la combinaison de ces différents éléments associée aux postures quasi chorégraphiées des comédiens fait immédiatement penser aux gravures d’époque illustrant des scènes de genre. De la pointe de son crayon, Alain Françon esquisse en quelques coups des silhouettes et des situations, tout en légèreté et en expressivité. La tension dramatique et l’évolution des rapports unissant les personnages sont soulignées avec force et justesse par la belle création sonore de Marie-Jeanne Séréro.

Cette équipe “maison”, habituée à travailler ensemble, restitue admirablement l’ambiance de cette “locanda” florentine, offrant ainsi un magnifique écrin aux comédiens.
Le talent d’Alain Françon en tant que directeur d’acteur n’est plus à prouver et cette Locandiera nous le rappelle. En s’appuyant sur la nouvelle traduction de Myriam Tanant, immense et regrettée spécialiste du théâtre italien, on distingue ici très nettement les rouages de l’intrigue, les fils qui relient entre eux les différents protagonistes et que manient habilement cette chère Mirandolina, interprétée par la piquante et pétillante Florence Viala.

Ciselée, intelligente et d’une modernité surprenante, l’écriture de Goldoni nous offre d’irrésistibles bons mots, de croustillantes joutes verbales ainsi qu’une langue vive et enlevée, riche mais toujours accessible. Le public fait preuve d’une belle attention et rit de bon cœur. D’allure légère et usant des artifices classiques de la comédie du XVIII^ème, cette pièce phare de Carlo Goldoni se dévoile plus complexe qu’il n’y paraît. Après s’être amusé de certains personnages clownesques, Hervé Pierre et Michel Vuillermoz égaux à eux-mêmes, la pièce se termine sur une note plus sombre diffusant un sentiment partagé de gaieté et de mélancolie.

Alain Françon offre la vision d’une Mirandolina indépendante, libre, et franche. Florence Viala est l’interprète idéale pour donner toute sa substance à cette figure féminine affirmée, loin de la vision simpliste d’une séductrice minaudant au milieu de ses prétendants qui a pu en être parfois donnée.
La distribution se pare de formidables seconds rôles, dont le succulent duo de précieuses composé de Clotilde de Bayser et Coraly Zahonero, et notamment la présence de Noam Morgensztern, dont la force comique, déjà éprouvée dans son Singulis en 2017, saute ici aux yeux. Sa présence, encore discrète sur les planches du Français, s’étoffe d’ailleurs cette saison de quelques belles prises de rôle.
L’harmonie, l’équilibre et la justesse règne sur le plateau de la salle Richelieu, offrant un beau moment de théâtre à son public. Un grand texte, une belle et solide mise en scène dans la tradition et toujours ce plaisir d’aller au théâtre un dimanche après-midi !

Alban Wal de Tarlé

LA LOCANDIERA
À l’affiche de la Comédie-Française jusqu’au 2 février 2019
Mise en scène Alain Françon
Avec : Florence Viala, Coraly Zahonero, Françoise Gillard (en alternance avec Clotilde de Bayser), Laurent Stocker, Michel Vuillermoz, Hervé Pierre, Stéphane Varupenne, Noam Morgensztern et Thomas Keller (comédien de l’académie de la Comédie-Française)

Photos : © Christophe Raynaud de Lage

« The play is memory » : c’est ainsi que Tennessee Williams présente lui-même sa pièce “La ménagerie de verre”. Dans la mémoire, tout peut être exagéré ou éludé. Le monde est forcément affecté par la charge affective et émotionnelle liée aux souvenirs de Tom. C’est lui, Tom, le fils ainé, qui nous raconte ses années passées entre sa mère Amanda et sa soeur Laura, après que le père les a quittés sans un mot. Le prisme de sa mémoire nous présente une mère complexe, névrosée, nostalgique, obsédée par sa jeunesse perdue. Une mère exaspérante, qui ne peut s’empêcher de tout régenter, une mère prête à tout pour protéger ses enfants… À tout, même au pire…

 © Pascal Gely

“ Il y a dans la pièce un cinquième personnage qui n’apparait pas, sauf dans cette photographie grand format au-dessus du manteau de la cheminée. C’est notre père qui nous a abandonnés voici longtemps.“

La scène principale de la pièce, le point culminant de cette histoire à trois, le souvenir le plus violemment ancré en Tom, c’est cette soirée organisée par Amanda pour présenter sa fille handicapée à un “galant”, l’une des connaissances de Tom. Mélangeant le sexe et la survie, échafaudant des plans scabreux de mariages destinés à résoudre les problèmes de leur vie matérielle et sentimentale, Amanda provoque la catastrophe ultime qui finira de les faire basculer dans le repli et la misère…

Pour explorer la mémoire de Tom, Charlotte Rondelez a pris le parti d’une mise en scène plutôt sobre, qui s’appuie essentiellement sur le jeu de quatre excellents comédiens.
Autour d’une Cristiana Reali qui endosse avec brio le costume d’Amanda, Charles Templon est un narrateur tout en douceur et délicatesse, tandis que Félix Beaupérin (le “galant”) amène avec charme et fantaisie les rares moments légers de la pièce.

“ Des petits objets décoratifs, des bibelots principalement ! Surtout des petits animaux en verre, les plus petits animaux du monde. Maman appelle ça une ménagerie de verre !“ 

Mais c’est Ophélia Kolb qui attire tous nos regards. Par son jeu admirable et tellement nuancé, elle parvient à exprimer la fêlure mystérieuse de son personnage. Tantôt larmoyante et effrayée, tantôt rougissante et câline, elle nous cueille à chaque instant. La scène finale de confrontation avec Jim est le moment le plus réussi de ce spectacle qu’il ne faut pas rater !

-Sabine Aznar-

À l’affiche du Théâtre de Poche-Montparnasse mardi au samedi 21h, dimanche 17h30
Mise en scène : Charlotte Rondelez
Avec Cristiana Reali, Ophelia Kolb, Charles Templon, Félix Beaupérin

Sortons de nos sentiers battus, et osons une fugue vers l’opéra… C’est la talentueuse metteuse en scène Pauline Bureau dont on a tant aimé Les Bijoux de pacotille ou Mon cœur qui nous y entraîne, nous prenant la main de son délicat talent.

La Bohème, œuvre « maison », a été jouée 1522 fois à l’Opéra-Comique depuis sa création. 113 Mimi, 94 Rodolphe ont défilé sur ses planches… Puccini lui-même avait pris ses quartiers à l’Opéra-Comique pour superviser l’adaptation en français de ces œuvres : c’est dire si cette Bohème se sent chez elle entre ces murs !
On nous propose là une version « légère », 1h30, avec un orchestre réduit, une version voulue plus mobile, plus accessible, resserrée sur l’intimité de ses personnages, « la fragilité de leur condition, la fraîcheur de leurs émotions ». Il y a quelques protagonistes en moins. Des hommes, car des femmes, il n’y en a que deux dans cette œuvre : Pauline Bureau a souhaité préserver l’intégralité de leurs rôles, pour rééquilibrer un peu la présence des femmes dans cet univers si masculin – reflet d’une époque.
 

Il faut redire combien l’harmonie de Puccini est d’une clarté,
d’une transparence et d’une précision sublimes.
Marc-Olivier Dupin, adaptation musicale

Une haute façade noire nous fait face, sous les ors de la vénérable salle de l’Opéra-Comique, très minérale, très contemporaine. Elle prend vie en se faisant tableau noir où s’écrit comme à la craie une lettre que Mimi, petite provinciale fraîchement débarquée à Paris, rédige pour rassurer sa mère…
Une belle projection d’immeubles parisiens vient recouvrir ces murailles d’obsidiennes, fenêtres, enseignes, pierres noircies de suie, on y est ! C’est un Paris de la fin du XIXe qui se dessine, un panneau s’estompe, l’appartement de Rodolphe s’ouvre et devient une autre scène, petit théâtre de tréteaux perché au premier étage d’un immeuble qui a perdu de sa superbe. La bohème, ce sont ces jeunes gens d’hier, pas si loin des jeunes gens d’aujourd’hui, étudiants, artistes en devenir, cousettes, grisettes, fauchés, coloc’ et débrouille, un jour on a de quoi becqueter, le lendemain de quoi se payer un verre chez Momus, au gré d’un petit boulot, d’un tableau vendu, d’un « papier » commandé par une revue… des jeunes gens qui se réchauffent d’amitié, d’eau-de-vie, d’un poêle garni de la dernière pièce de l’auteur de la bande et d’amours fiévreuses.
 

C’est le frottement entre hier et aujourd’hui qui crée l’univers de Bohème, notre jeunesse.
Deux époques qui dialoguent et s’éclairent mutuellement.
Pauline Bureau, adaptation et mise en scène

La mise en scène est fluide, malicieuse, pleine d’humanité, de légèreté et de poésie. Pauline Bureau comme elle sait le faire utilise avec une grande subtilité la vidéo (belle création de Nathalie Cabrol), jamais redondante, toujours utile et élégante. Elle ne se refuse pourtant pas à offrir au spectateur des images d’un grand lyrisme, où la nature – une neige tombant doucement, une silhouette d’arbre dénudé – s’immisce dans la ville et invente un espace plus irréel, plus affectif.
L’orchestre glisse avec à-propos au milieu de ses sonorités classiques quelques notes d’accordéon, qui apportent une touche de bal populaire, une ombre de nostalgie.
Les chanteurs ont l’âge et la fougue de leurs rôles, la voix bien timbrée et une belle expressivité, sans emphase mais avec une riche sensibilité. Un « parlé-chanté » plus théâtral, plus quotidien, alterne avec des duos flamboyants ou poignants, à la hauteur du drame qui se noue – car il faut bien qu’un drame se noue…
Le final, déchirant, sous une lune gigantesque dans une lumière de crépuscule, laisse les gorges nouées.

Marie-Hélène Guérin

BOHÈME, NOTRE JEUNESSE
À l’affiche de l’Opéra-Comique jusqu’au 17 juillet 2018
D’après La Bohême de Giacomo Puccini
Adaptation musicale : Marc-Olivier Dupin
Direction musicale : Alexandra Cravero
Adaptation, traduction et mise en scène : Pauline Bureau
Avec Sandrine Buendia, Kevin Amiel, Marie-Eve Munger, Jean-Christophe Lanièce, Nicolas Legoux, Ronan Debois, Benjamin Alunni et Anthony Roullier
Orchestre : Les Frivolités Parisiennes

Photographies @Pierre Grosbois