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An Irish Story : humour et cup of tea contre vents et marées !

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La petite salle de la Scala abrite dans son cocon un bien joli seule-en-scène.
Une petite estrade, un pouf moumoute, une pile de livres, et en guise de mur de fond une frise de photos de famille : dans un décor tout simple et accueillant, Kelly Ruisseau, pseudonyme modeste de l’autrice/interprète/personnage, nous embarque dans la quête de ses origines.
Dans la légende familiale maternelle plane l’ombre du grand-père, Peter O’Farrel, né dans les années 30 en Irlande du Sud, parti s’installer en Angleterre dans les années 50 et qui disparaît dans les années 70.
Puisque personne n’en disait rien, Kelly ado en faisait un grand-père palimpseste, sur l’absence duquel elle dessinait des existences toujours plus romanesques, et s’en accommodait bien.

Mais on grandit, et les mystères, ça commence à bien faire ! Kelly Ruisseau va devenir mère, et puisqu’elle ajoute une branche à l’arbre généalogique, veut retrouver le chemin vers ses racines, pour se délier du poids du silence.
Pas moyen d’y parvenir en ligne droite et en prise directe puisque sa mère semble avoir posé un tabou inaltérable sur le sujet, alors on va louvoyer, et tel le saumon, remonter la rivière à contre-courant vers l’origine. Kelly la Parisienne embarque son frangin à Londres puisqu’on sait que le grand-père y célébra son mariage après-guerre, que leur mère y naquit (trois mois après le mariage, est-ce bien catholique ?) et qu’y vit toujours la grand-mère. Et si la grand-mère n’est pas plus loquace que la mère, on ira jusqu’en Irlande, s’il le faut (il le faudra) !
 

 
L’interprète seule-en-scène incarne avec agilité le ban et l’arrière-ban familial, de Kelly la Parisienne aux grands-tantes restées dans la bourgade d’origine, en passant par l’employée des archives londonienne et le charmeur joueur de fiddle du fin fond du pub irlandais. Bilingue, et comédienne souple et alerte, elle fait remonter la langue anglaise et l’accent irlandais au fil des générations, les « r » roulant délicieusement dans l’anglais de moins en moins britanniques plus on se rapproche de la source gaélique de la famille. C’est un vrai feu follet, elle est joueuse, bondissante, se métamorphose en un éclair, chacun de ses personnages prend vie et sens en un changement de posture, de timbre et de lueur dans l’œil.

Le trajet de Peter O’Farrel témoigne de la dureté de la société, et du temps où il vivait – où un pas de travers pouvait mettre au ban de la communauté, où l’Irlandais était pour Sa Majesty la Queen un sujet de moindre valeur qu’on pouvait déplacer au gré des besoins britanniques. Et se fait le porte-parole de tous les exils, de toutes les familles dé-racinées de notre siècle, poussées hors de leur sillon par les nécessités politiques ou économiques. Mais si Kelly Rivière et/ou Ruisseau ne passe pas cet aspect sous silence, on navigue avec beaucoup d’allant et de fraîcheur dans sa généalogie : humour and cups of tea contre vents et marées !
 

 
C’est à une quête/enquête pleine de rebondissement et de gaieté qu’elle nous convie, où les tabous de ce côté-ci de la Manche ne sont qu’une « irish story » vus de l’autre côté et où le secret le plus important qui sera révélé ne sera pas celui (attention, divulgâchage !) d’une disparition, mais celui d’un amour.

Cette histoire irlandaise touche et enjoue le public depuis sa création, bonbon acidulé et tendre dont il fait bon se régaler !

Marie-Hélène Guérin

 

AN IRISH STORY
Un spectacle de la Compagnie Innisfree
A la Scala-Paris jusqu’au 23 juin 2025
Texte, mise en scène et jeu Kelly Rivière
Collaboration artistique Jalie Barcilon, David Jungman, Suzanne Marrot, Sarah Siré
Scénographie Grégoire Faucheux et Anne Vaglio | Costume Elizabeth Cerqueira | Collaboration artistique à la lumière Anne Vaglio | Régie Générale Frédéric Evrard en alternance avec Agathe Patonnier | Administration et production Agnès Carré

Photos David Jungman

Production Compagnie Innisfree
Soutiens : SPEDIDAM, Fonds de soutien AFC Avignon Off, Fondation E.C.Art-POMARET, Festival Off Avignon IF, Maison Maria Casarès, Château de Monthelon, Studio Thor de Bruxelles, Samovar à Bagnolet, Théâtre de la Girandole à Montreuil, Groupe Leader Intérim, Théâtre de Belleville

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Les tigres sont plus beaux à voir, portrait d’une autrice

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Au théâtre de l’Epée de Bois, le sol pavé de bois, les hauts murs de lambris, font déjà décor.

Des tables toutes simples qui cernent l’espace de jeu, dans un coin une petite console aux fins pieds chantournés, beaucoup de verres, des livres, de la musique. De quoi meubler une scène et raconter une vie.

L’énigmatique et beau titre du spectacle Les tigres sont plus beaux à voir fait référence au premier recueil de nouvelles de Jean Rhys traduit (par Pierre Leyris, en 1969) en France. Beau et amer, puisque les tigres sont plus beaux à voir que les hommes.

A l’avant-scène, une comédienne se fait petite fille pour narrer une enfance qu’on imagine heureuse, à La Dominique, dans sa famille de planteurs, dominicains depuis cinq générations du côté de sa mère, fanfaronne-t-elle gentiment. Elle y a des souvenirs de petite fille blanche, née dans une famille coloniale de la fin du XIXe siècle.

« Mrs Hammer » demande un jeune homme à la réception d’un hôtel. C’est le vrai nom de Jean Rhys, « utiliser son nom réel serait la preuve que j’appartiens d’une manière particulière à son monde personnel ». Il a rendez-vous.
David Plante (Jules Churin, sobre et juste) dans les années 70, lui-même romancier en devenir, avait rencontré Jean Rhys, autrice britannique qui tarda à être reconnue, étoile filante qu’on a même crue morte de son vivant, dont il tenait à entendre et faire entendre la voix, le récit. Touché par ses écrits humanistes à la lucidité aiguë, il va l’accompagner dans l’élaboration de son autobiographie. Magali Montoya a tressé des extraits de leur entretien avec des fragments des romans de Jean Rhys, en un tissage si fin que les coutures en sont impalpables, fiction et réel se nourrissant mutuellement.

La voix de Jean est répartie entre les trois comédiennes, et ce mouvement de diffraction en dresse un portrait comme cubiste, fragmentaire, multipliant les angles de vue, les points de départ, bousculant les lieux et les périodes. La Dominique, Paris, Londres, enfance, jeunesse, vieillesse, temps de solitude, temps d’écriture, les mariages, l’enivrement de la création, l’enivrement de l’alcool, les temps de disette et les temps de renom… – de même cela se mêle dans la mémoire de l’autrice…

La petite fille est désormais une vieille dame un peu indigne, qui aime boire des gins-vermouth et a des emportements d’adolescente. Avec elle qui aura été attaché aux marginaux et aux laissé.e.s-pour-compte de la société, on parcourt un demi-siècle de création littéraire et de bohème âpre.


 
La mise en scène écrit dans l’espace des déplacements à la géométrie un rien désuète, en une chorégraphie légère qui met en avant une facette ou l’autre de Jean Rhys, fait et défait les duos, laisse joliment la place à la musique (guitares, chant, clavier) interprétée sur scène par Roberto Basarte, qui apporte un charme supplémentaire. Nathalie Kousnetzoff, Bénédicte Le Lamer, Magali Montoya, costumes soyeux aux teintes sourdes – les trois Jean Rhys, Jules Churin, en tee-shirt blanc et veste de ville – le jeune écrivain, ont un jeu limpide, tout en retenu, parfois facétieux, et se glissent aussi subtilement dans la peau d’autres protagonistes, fictifs ou réels.
Les tables sont déplacées par les interprètes en une valse fluide, s’écartant et se regroupant, laissant de la circulation autour ou entre elles, en dessus, en dessous, se faisant banquettes, cachettes, bureaux, estrades… un espace mouvant comme celui qu’abrite la mémoire d’une vie.

« La littérature est un lac, écrivit Jean Rhys.
Il y a de grands fleuves qui l’alimentent, comme Dostoïevksi, Tolstoï, et de menus filets d’eaux comme Jean Rhys. L’important est de continuer à alimenter le lac. Mais il faut y puiser aussi, y plonger les mains… »

Un spectacle méditatif, élégant, tout en délicatesse et en demi-teintes, hommage à une femme qui plongea dans l’écriture avec « comme une démangeaison dans les doigts, une nécessité de déverser son histoire », qui confia « je crois que je préfèrerai être heureuse qu’écrire » – et qui eut le bonheur de ne cesser d’écrire.

Marie-Hélène Guérin

 

LES TIGRES SONT PLUS BEAUX À VOIR
Un spectacle de la compagnie Le Solstice d’Hiver
Au Théâtre de l’Epée de Bois jusqu’au 26 novembre 2024
d’après la vie et l’œuvre de Jean Rhys
Adaptation et mise en scène Magali Montoya
Traducteurs Jacques Tournier, Renée Daillie, Claire Fargeot et Christine Jordis
Avec Nathalie Kousnetzoff, Bénédicte Le Lamer, Jules Churin, Magali Montoya
Musique originale sur scène Roberto Basarte
Scénographie Marguerite Bordat, Caroline Ginet | Costumes Virginie Gervaise | Lumière Jean-Yves Courcoux | Régie générale Johan Olivier
Photos © Bellamy

En savoir plus : notes d’intention, listes des œuvres citées, biographie de Jean Rhys : clic ici

La compagnie Le Solstice d’Hiver est conventionné depuis 2018 et soutenu par la DRAC Île-de-France. Co-production, accueil en résidence, Théâtre Molière, Sète scène nationale archipel de Thau. Soutiens, accueils en résidences : Le Moulin du Roc, scène nationale de Niort, La Rousse Niort Théâtre Le Colombier, Bagnolet, Théâtre de Magnanville, Le Colombier Avec l’aide de la SPEDIDAM, l’ADAMI et la Jean Rhys Ltd.

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Sur l’autre rive : une fête funèbre et joyeuse de Cyril Teste, d’après Platonov

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Cyril Teste après La Mouette (2020) retrouve Tchekhov et se fait maître de cérémonie d’une fête funèbre au Théâtre du Rond-Point, avec cette libre adaptation de Platonov.
Tchekhov a écrit cette pièce tout jeune homme, il avait la liberté de la jeunesse et le regard sacrément acéré. La pièce a 100 ans, d’un siècle à l’autre l’âme humaine n’a pas tant changé et le propos se transpose au présent avec la même férocité et la même tonicité.

« Je peux prendre n’importe quel espace vide et l’appeler une scène. Quelqu’un traverse cet espace vide pendant que quelqu’un d’autre l’observe, et c’est suffisant pour que l’acte théâtral soit amorcé », écrivait Peter Brook dans L’Espace vide en 1968.
Alors ici, Cyril Teste laisse de côté les grands décors spectaculaires de ses spectacles précédents : une cage de scène à nu, dont murs, tubulures et guindes dévoilent ossatures et système nerveux. De longues tables dressées, des verres à pied, des gerbes de fleur. Une scénographie sèche – qui ménage quand même quelques cocons nichés presque dans les coulisses, petites antichambres à la lumière chaude où se réfugieront des convives fuyant un instant la foule de la fête.

“Champagne, caféine, nuit blanche ! On savoure l’existence et on se détruit la santé”
Isaac, Sur l’autre rive

Car il y a foule à cette fête. Chaque soir vingt, trente, spectateurs se joignent aux convives ; idée percutante, qui, comme dans la réalité de ces soirées où l’on est si nombreux qu’on ne verra presque personne, noie les protagonistes dans un brouhaha visuel, pour mieux les en extraire par la vidéo.

Plaisirs sincères des retrouvailles, rires de chaleureuses connivences, bulles de champagne, mais je ne savais pas que tu venais, ah, tu nous présentes enfin ta dulcinée, enchanté ! vous restez longtemps, oh, mais tu as vu, Serge est là-bas avec sa femme, ah, bla bla bla, ça pétille, ça clin d’œil, ça titille.
Tiens, justement, voilà Serge qui circule entre les groupes caméra au poing et « et toi quel est ton sentiment sur l’amour ? » en bandoulière. Ses interviews à la volée sont diffusées en direct sur grand écran, images amateur, tremblotantes, en gros plans impitoyablement serrés sur les visages de ses interlocuteurs. On trinque, on se trémousse sur de l’électro rock chic (musique en live par Florent Dupuis, parfait dans le rôle d’Isaac, ambianceur dandy-cool).
Aujourd’hui, les hommes sont déconstruits (disent-ils), on s’inquiète du dérèglement climatique, on appelle Platonov par son surnom, Micha. Son épouse, la tendre et gracile Sacha, est chinoise, et chantera plus tard, a capella, très seule au centre du cercle des invités, en mandarin. Ce sera un très poétique et poignant moment. Nikolaï le médecin est désormais Nicole et toujours en jeune ménage avec la charmante Maria. Sofia, la femme du cameraman en herbe, est toujours troublée par Micha son amour de jeunesse. L’« hier » de Platonov n’est pas si loin de l’ « aujourd’hui » de Sur l’autre rive.

« Ici tout le monde se connaît, personne ne se rencontre »

La soirée avance, les sourires de façade restent mais les grincements de dents gagnent.
Serge a posé sa caméra, ce sont deux cadreurs qui prennent la relève, les mouvements de caméra se font plus élégants, plus fluides. Ils emprisonnent un visage dans un lent travelling circulaire, isolent une solitude, collent aux basques d’une rancœur.
Les caméras séparent, extraient. Elles suivent Micha qui déambule de groupes en groupes, semant son venin, ravalant sa souffrance, elles débusquent les uns et les autres, zooment sur leurs petitesses, leurs arrangements avec la vie, leur énergie du désespoir.

“Tout ce que vous mangez et ce que vous buvez, c’est mon héritage”
Serge

Sur le plateau, chacun est une partie du tout, une petite molécule du collectif, qui se prêt au jeu de la société. Sur l’immense écran qui la surplombe, se dévoilent en gros plan des êtres dénudés, sans recours.
Dans le grand corps désarticulé de cette société petite-bourgeoise, le sang qui circule c’est l’argent.
L’argent qui passe de conversations en conversations comme de poches en poches. Combien coûte la maison, combien coûte le pressing pour un pantalon taché, combien coûte la fuite, combien coûte la dignité ? L’argent circule, et la rancune, et les désillusions.

« Que va-t-il rester de nous à la fin ? rien. On va nous oublier. Et ça me laisse froide »
Nicole

Sous l’apparente vanité, l’apparente banalité, des bavardages rampe la désagrégation des cœurs, et de la société.
Finalement, ça n’existe pas vraiment, les vains bavardages : sous les plus creux des mots se cachent le “besoin de consolation impossible à rassasier”, la peur de ne pas trouver sa place au sein du groupe, l’angoisse du silence, la nécessité de prédation, l’appel au secours, la séduction, la plainte, l’amour, la haine.

Pascal Quignard rappelle dans Les Heures heureuses les écrits de Charles de Saint-Evremond, qui avançait que « l’état de nature est simplement à la fois le goût du sang, afin que l’on mange, et le combat à mort, afin que l’on survive. L’état social, fiscal, administratif, juridique, vient l’empirer. La société civile conclut entre les hommes une pacte de puissance confisquée, qui s’aigrit en pacte de haine. » Charles de Saint-Evremond, moraliste et libertin, vivait au XVIIe. Sur l’autre rive pourrait bien en être le contemporain écho. La violence des rapports se déguise sous des ironies mondaines ou éclate en brèves et brutales invectives, qu’on balaie d’un revers de main.

Paroles, paroles… Les corps ont pourtant aussi la part belle. Ils occupent l’espace, sur le plateau où ils font décor de leurs vies anonymes, c’est une mer d’humains qui fait flux et reflux; et la danse leur offre des jubilations – parfois savoureusement ludiques comme un improbable sirtaki en l’honneur de la maîtresse de maison (« mais je ne suis pas grecque » rit Anna, avec l’accent de son interprète italienne Olivia Corsini) ou une “platonova” mi-Rihanna mi-macarena collective et endiablée !

« On était heureux, non ? »
Anna

Au quatrième acte, les spectateurs mêlés aux convives redeviennent des spectateurs, installés sur des gradins à cour et jardin sur le plateau ; les caméras disparaissent, l’écran part dans les cintres, les tables de banquet filent en coulisses, la scène se dénude pendant que se défait la fête, dans les vomissures, les balayures, les dernières danses erratiques, les vestiges de joie, dans la bouffonnerie et la tragédie.
Les gros plans serrés des caméras laissent la place au champ large du regard. Brusque dezoom qui resserre l’attention, concentre l’émotion. Sous le regard du public médié par la caméra ou à nu, les interprètes sont tous également impeccables, d’une quotidienneté qui demande à la fois beaucoup de maîtrise, et une liberté de jeu folle.
Dans l’espace maintenant très vide de la scène, le crépitement des bavardages, la fébrilité des possibles, se sont éteints. Reste la fin d’un temps, restent des bougies, des grillons, du silence.
La dernière scène est pathétique et dérisoire. Et c’est très beau.

Marie-Hélène Guérin

 

SUR L’AUTRE RIVE
Un spectacle du Collectif MxM
Au théâtre du Rond-Point jusqu’au 16 novembre 2024
Librement inspiré de Platonov d’Anton Tchekhov
Mise en scène : Cyril Teste
Avec Vincent Berger, Olivia Corsini, Florent Dupuis, Katia Ferreira, Adrien Guiraud, Émilie Incerti Formentini, Mathias Labelle, Robin Lhuillier, Lou Martin-Fernet, Charles Morillon, Marc Prin, Pierre Timaitre, Haini Wang
Traduction : Olivier Cadiot | Adaptation : Joanne Delachair, Cyril Teste
Collaboration artistique : Marion Pellissier | Assistanat à la mise en scène : Sylvère Santin | Dramaturgie : Leila Adham
Scénographie : Valérie Grall | Costumes : Isabelle Deffin | Création lumière : Julien Boizard | Création vidéo : Mehdi Toutain-Lopez
Images originales : Nicolas Doremus, Christophe Gaultier | Musique originale : Nihil Bordures, Florent Dupuis, Haini Wang | Son : Thibault Lamy
Les belles photos tirées du spectacle sont de Simon Gosselin

Mentions de production sur le site du Collectif MxM

À VOIR EN TOURNÉE :
26 novembre 2024 Equinoxe, scène nationale de Châteauroux (36)
5 et 6 décembre 2024 Maison de la Culture d’Amiens, Pôle européen de création et de production (80)
11 — 13 décembre 2024 Les Quinconces, scène nationale du Mans (72)
18 et 19 décembre 2024 La Condition Publique, Roubaix, Dans le cadre de la saison nomade de La rose des vents, Scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Ascq (59)
15 — 17 janvier 2025 Théâtre des Louvrais, Points Communs, scène nationale de Cergy-Pontoise / Val d’Oise (91)
22 et 23 janvier 2025 Comédie de Valence, Centre dramatique national Drôme-Ardèche (26)
30 janvier — 8 février 2025 Les Célestins, Théâtre de Lyon (69)
18 et 19 mars 2025 Le Tandem, scène nationale, Douai (59)
26 — 28 mars 2025 Théâtre Sénart, scène nationale (77)

Le spectacle est le second volet d’un diptyque ; le premier volet est un film qui sera diffusé sur Arte et arte.tv à l’automne 2024

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Je suis trop vert : la classe !

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Avec un gros parallélépipède plein de trappes et de caches, trois fantastiques comédiennes, une justesse d’observation ravageuse et une vivacité d’écriture de chaque instant, David Lescot, dont on avait beaucoup aimé la Revue rouge en 2017, concocte un régal de spectacle « jeunesse ».

Je suis trop vert fait suite à J’ai trop peur et J’ai trop d’amis, que le Théâtre de la Ville a la bonne idée de reprendre pour ceux qui veulent faire plus ample connaissance avec le jeune héros, “moi”, 10 ans et des poussières. Dans J’ai trop peur, il affrontait le grand passage de l’école élémentaire au collège (et « la première année au collège, c’est tout simplement horrible ! Tout le monde le sait ! »), puis découvrait dans J’ai trop d’amis la complexité des relations sociales.
On est en novembre, « moi », le jeune héros de la trilogie, se sent bien dans sa classe. Grande nouvelle pour lui et ses camarades : la 6e D va partir en classe verte, après les vacances de Noël, au cœur de la Bretagne. Des semaines à ne penser plus qu’à ça !
 

Des cailloux se mettent dans le soulier du projet, qui démarre un peu boiteux : sur les vingt-neuf familles de la 6e D, trois ne souscrivent pas, et, déception-frustration-j’suis trop vert ! il ne faut pas plus de deux désaffections sinon, annulation ! Merci l’amitié et la solidarité, obstacles pécuniaires ou hypocondriaques sont balayés et les mômes se retrouvent enfin dans le car scolaire pour LA CLASSE VERTE !

Le jeu des chaises musicales pour les places dans le car, la sensation du réveil un peu vaseux après une nuit de route, la symphonie des bruits de la ferme – tracteur, broyeur à grain, chiens, coups de marteau, vaches, poules… – bruités en direct, pour le plus grand plaisir de l’auditoire -, les cours en pyjama, les matériaux réels manipulés par les comédiennes – feuilles mortes, terre, grains de maïs… : on s’y voit, on y est !
Dans le texte comme dans la mise en scène, le spectacle fourmille de ces mille détails « bien vus » qui titillent l’imagination des petits ou les souvenirs des grands.
 

La classe est accueillie par les deux ados de la ferme, Cameron et Valérie. L’occasion pour les élèves et les petits spectateurs citadins de découvrir à quoi ressemble une journée de travail à la ferme, aérer la terre, préparer l’engrais, nourrir les animaux, finir la journée bien crotté et bien crevé !, manger les légumes qu’on récolte, – voir d’un peu plus près le lien entre la nature et les humain.e.s qui l’utilisent et en dépendent.

Avec Valérie, 13 ans, qui prône d’un air bourru une agroécologie douce et respectueuse, « moi » met les mains dans la terre, et la tête dans un autre monde, fait d’autres rythmes, d’autres façons de vivre, d’autres légendes.
 

« Les parents t’ont appris plein de trucs, mais ça, ça va être toi qui va leur apprendre »
dit “moi”, à sa petite sœur, militante écolo de 3 ans

David Lescot a eu l’idée très futée de faire porter le message de l’éco-responsabilité contemporaine à la petite sœur du narrateur. Mini-activiste radicale de 3 ans, restée à la maison avec papa-maman, elle jette ses jouets en plastique, éteint les lumières et, toute zozotante et zézayante, elle somme la famille de remplacer le chauffage par des paires de chaussettes et des pulls pour sauver les pitits pinguins et les zou’s blancs. Manière de faire un peu de pédagogie avec beaucoup d’humour !

La petite sœur ce jour-là était interprétée par Lyn Thibault, qui jouait aussi d’autres personnages. Sur scène avec elle Camille Bernon portait aussi plusieurs rôles, tandis que Sarah Brannens restait « moi ». Mais ça aurait pu être l’une ou l’autre ou leurs acolytes Elise Marie, Lia Khizioua-Ibanez et Marion Verstraeten : comme dans les volets précédents, elles échangent leurs rôles au gré des représentations. Il y a fort à parier que toutes les combinaisons soient également réjouissantes ! Elles ont toutes beaucoup de précision dans le dessin des différents protagonistes qu’elles interprètent, et une belle énergie, fraîche, enjouée et communicative.

« Nous on sent qu’on a changé, mais les autres ont pas bougé,
alors y a un décalage »
“moi”

À voir avec des enfants dès 7-8 ans : la mise en scène astucieuse, le décor à malice, les dialogues vifs et imagés, le jeu punchy des interprètes les embarqueront allègrement dans ce voyage initiatique. Un spectacle tonifiant, plein de vie et de gourmandise, qui aborde joyeusement et sans naïveté aussi bien l’esprit de groupe que les moments qui font grandir ou les questions liées à l’environnement, pour des gamins des villes et des champs d’aujourd’hui.
 

Marie-Hélène Guérin

 


 
JE SUIS TROP VERT
Au Théâtre de la Ville jusqu’au 16 novembre 2024
Texte et mise en scène David Lescot
Scénographie François Gauthier-Lafaye | Lumières Juliette Besançon | Costumes Mariane Delayre
Assistante à la mise en scène Mona Taïbi
Avec en alternance Lyn Thibault, Élise Marie, Sarah Brannens, Lia Khizioua-Ibanez, Marion Verstraeten, Camille Bernon
Photos © Christophe Raynaud de Lage

À VOIR EN TOURNÉE
 du 2 au 17 novembre au Théâtre de la Ville – Paris / les 9-10 et 16 novembre : L’Intégrale
 19 et 20 novembre au Théâtre+Cinéma – Scène nationale de Narbonne
 21 novembre à Narbonne / programmation du Crédit Agricole
 22 novembre à Lattes / programmation du Crédit Agricole
 26 novembre à Nîmes / programmation du Crédit Agricole
 28 novembre à Mende / programmation du Crédit Agricole
 du 9 au 18 décembre au TNG – Centre Dramatique de Lyon
 du 13 au 15 janvier au Théâtre de l’Olivier – Istres / Scènes et cinés
 du 30 janvier au 1er février au Théâtre des Sablons – Neuilly
 les 27 et 28 février à la MCL – Gauchy
 les 12 et 13 mars au Théâtre André Malraux – Reuil-Malmaison
 du 13 au 16 avril à Les Petits devant, les grands derrière – Poitiers
 les 28 et 29 avril au Théâtre du Champ du Roy – Guingamp

Production Compagnie du Kaïros. Coproduction Théâtre de la Ville-Paris.
La Compagnie du Kaïros est soutenue par le ministèrede la Culture – DRAC Île-de-France.
Le texte de la pièce est édité aux Solitaires Intempestifs, collection jeunesse,
avec les illustrations d’Anne Simon. Parution : octobre 2024

© Anne Simon

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Gourou : tel est pris qui croyait prendre

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« Mathias apprend qu’il est l’unique héritier d’une mystérieuse secte américaine,
l’Église Véritaniste. 100 millions de dollars l’attendent, à une condition : faire renaître la secte de ses cendres et réunir au moins 5000 fidèles en moins de 6 mois. Il doit devenir Gourou…»

© Yume Nanbu

Au Petit Gymnase, GOUROU, une joyeuse comédie portée par une énergique et talentueuse troupe de jeunes comédiens, au service d’un sujet moins en vue dernièrement mais toujours d’actualité, l’endoctrinement sectaire.
Mathias, loser indolent (parfait Loïck Müllauer), s’embarque dans une spirale infernale d’emprise… Tel est pris qui croyait prendre, une fois que la machine est lancée, gourou et fidèles sont prisonniers du même cercle vicieux.
Gourou dénonce les rouages de la manipulation mentale, et les travers de notre société prompte à préférer les vérités alternatives plutôt la banale réalité. Le sujet est grave mais traité avec vivacité par l’absurde. Entre boutade et pamphlet, le texte distille avec à-propos quelques pointes de noirceur dans une comédie qui reste tout de même assez convenue, et qu’on aurait aimé voir aller plus loin dans sa folie. Mais la mise en scène maline, rythmée, un peu cartoon et parfois bien allumée lui donne du relief et offre aussi quelques belles images. Le décor graphique, tout simple, fait de cubes et quelques accessoires, et un travail de lumières bien pensé permettent de moduler l’espace de manière efficace. Soulignons le jeu généreux, sincère et maîtrisé des interprètes, jeunes gens très prometteurs !

GOUROU
Au Théâtre du Gymnase
Avec François Aubagnac, Suzanne Gardeux, Dorian Fontyn, Thomas Milatos, Mélodie Møller, Loïck Müllauer
texte de François Aubagnac, mise en scène Suzanne Gardeux, collaboration artistique Laurence Cote
Photo d’en-tête : © Philippe Gardeux

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Oiseau : de la mort dans la vie, de la vie dans la mort !

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Mustafa a perdu son papa, dans un accident de voiture. Pamela a perdu son chien, parce que les animaux, ça vit moins longtemps que les humains. Ils ont 10 ans, sont ensemble en CM2, et les adultes s’obstinent à leur conseiller de « penser à autre chose ». Mais qui, mais quoi, mais de quoi se mêlent-ils ces grands ? C’est quoi cette manie de vouloir qu’on « fasse notre deuil » ? Pourquoi on ne peut pas en parler, soit c’est trop grave, soit pas assez ?
Le papa s’appelle Ahmid, le chien s’appelle Calamar, Mustafa n’a pas assisté aux funérailles de son papa – un cimetière c’est pas un endroit pour les enfants, Pamela n’a pas le droit d’être triste parce que, bon, de toutes façons, ce n’était qu’un chien, tout de même. Qu’à cela ne tienne, Pamela va organiser une belle fête pour eux au cimetière : la môme lance son invitation, qui comme une petite grenade va exploser en vol et retomber en semant un waï du tonnerre des plus vivifiants !

Ses tracts d’invitations « si tu aimes tes morts, viens les fêter avec nous » rameutent tous un tas de loupiots orphelins de leur animal familier, de leur maman, de leur grand-père, de leur copain d’enfance… Même les grands du collège – qui franchissent en douce le grillage qui les sépare de l’école élémentaire, même les CP : chez les mômes, ça frétille du besoin de parler de ses morts. Une mimi Françou, 6 ans au compteur, sait même comment on va « de l’autre côté ».

Alors là ! Par la porte ouverte par la bande de copains vers « l’autre côté » un grand vent d’air frais souffle, libèrent les mo(r)ts, déchaînent les cœurs serrés, animent les enfants, bousculent les adultes…
Les mômes mettent de la mort dans la vie et de la vie dans la mort ! À minuit, leurs corps se soulèvent, et hop, en visite chez les morts, les très vieux et les autres, les tombés d’un toit, d’un trampoline, sous une bombe ou malades. On prend des nouvelles, on en donne, apparemment ce trafic fait plaisir aux mômes et aux morts qui apprécient la compagnie, mais pas à tous les adultes, dont certains hésitent entre la panique et la crise de nerf (à commencer par la directrice de l’école qui préfère quand tout est bien en ordre, les CP en rang avec les CP, les CM2 avec les CM2, les vivants de ce côté-ci et les morts de l’autre)…
 

Anna Nozière, dix ans après le succès de Joséphine-Les enfants punis, s’adresse de nouveau à la jeunesse. En 2017, au théâtre de la Colline, elle a commencé une recherche sur les relations qu’entretiennent les morts et les vivants. Pour les adultes, elle a composé Esprits. Pour les enfants (pour parler aux enfants, ou bien pour parler de leur part…), elle a inventé cette très joyeuse fable, où les enfants apprennent aux adultes que regarder ses morts en face ne diminue pas la vie – au contraire !

Elle a confié sa pièce à Kate France et Sofia Hisborn, deux fantastiques comédiennes qui ne joueront pas aux enfants, mais porteront leurs voix. Elles alternent les personnages, les annonçant tout simplement, « moi, je serai Pamela » « et moi, je serai Mustafa », « là, je suis la directrice très inquiète, la maman de Mustafa et le papa d’Amadou » « et moi je suis tous les CM2, la tante de Pamela et le concierge», sans que jamais ne s’altèrent ni la compréhension du texte ni l’incarnation des rôles. Anna Nozière les dirige avec malice et délicatesse. Elles sont claires et pétillantes, et apportent leur maturité de femmes et de comédiennes à la fraîcheur et l’insolence de leurs personnages.
 

La scénographie dépouillée, au vaste plateau parsemé d’éléments très graphiques et évocateurs, laisse la place à l’imagination et au mouvement. Les comédiennes modulent l’espace dans l’élan, d’un mot et d’un geste, déplaçant ici une table, là un tableau, passant d’une salle de classe à la piscine, du bureau de la directrice à la cour de l’école. Des images vidéos, solaires, apporteront les enfants sur le plateau, leurs sourires et leurs regards francs (avec Walid Riad dans le rôle de Mustafa, et des enfants de l’association socioculturelle Courteline et des ateliers du Théâtre des Trois Clous).
Comme un cimetière tout enjoué de coquelicots accueille une ronde d’enfants rieurs, musique pop (Wonderful life, en plusieurs versions, dont une délicieuse reprise à la flûte à bec !) et baroque (l’hypnotique Sonnerie de Ste Geneviève de Marin Marais) se tressent au récit. Légèreté et gravité, d’un même geste.

Limpidité du propos, justesse du jeu, élégance visuelle, finesse d’un texte qui ne prend jamais les enfants pour moins éveillés qu’ils ne le sont : voilà une bien belle façon d’aborder un sujet sensible, avec intelligence, profondeur et fantaisie.
On peut y aller en famille, avec des enfants dès 9 ans, cela permettra d’ouvrir ou approfondir un dialogue, mais aussi, car le spectacle est alerte, joyeux, drôle et poétique, de nourrir leur goût du théâtre.

Marie-Hélène Guérin

 

OISEAU
Un spectacle de la compagnie la POLKa
Au Théâtre Paris-Villette jusqu’au 3 novembre 202
d’après OISEAU d’Anna Nozière – Éditions Théâtrales Jeunesse / adaptation et mise en scène Anna Nozière / jeu Kate France, Sofia Hisborn / avec les voix de Loubna Dupuis-Putelas, Samuel Simon / participation à l’image de Walid Riad et les enfants du centre social Courteline de Tours / assistanat à la mise en scène Steve Brohon / scénographie Alban Ho Van / assistanat à la scénographie, objets, vêtements Emma Depoid / son Nicolas de Gélis / lumière Mathilde Domarle / régie générale, plateau Louisa Mercier / collaboration artistique Patrick Haggiag / assistanat à la réalisation, régie de tournage du film Heiremu Pinson / images,
© Christophe Raynaud de Lage / Isol Buffy

À RETROUVER EN TOURNÉE :
MAISONS-ALFORT Théâtre Claude Debussy (94) – Les 15 et 16 novembre 2024 / ​FONTENAY-SOUS-BOIS (94) Théâtre Jean-François Voguet – Les 20 et 21 novembre 2024 / PANTIN (93) Théâtre du Fil de l’eau – Du 28 au 30 novembre 2024 / VITRY-SUR-SEINE (94) Théâtre Jean Vilar – Les 10 et 11 décembre 2024 / VERDUN (55) Transversales, Scène conventionnée – Du 23 au 25 janvier 2025 / ANGERS (49) Le Quai, CDN Pays de Loire – Les 29 et 30 janvier 2025 / NANTERRE (92) Maison de La Musique – en co-programmation avec Nanterre-Amandiers, CDN – Du 6 au 8 février 2025 / SARTROUVILLE (78) CDN de Sartrouville et des Yvelines – Les 13 et 14 février 2025 / REDON (35) Le Canal Théâtre, Scène conventionnée – Les 28 février 2025 / SAINT-AVÉ (56) Le Dôme – Le 7 mars 2025 / LORIENT (56) Théâtre de Lorient, CDN – Du 12 au 15 mars 2025 / MARSEILLE (13) Théâtre National La Criée – Dans le cadre des Rencontres Artistiques de l’ASSITEJ – Les 27 et 28 mars 2025 / CAVAILLON (84) La Garance, Scène nationale – Les 1 et 2 avril 2025 / HÉNIN-BEAUMONT (62) L’Escapade – en co-programmation avec Culture Commune, Scène nationale du Bassin Minier du Pas-de-Calais Le 15 mai 2025

montage du film Yannis Pachaud / stagiaires Léa Moralès, Ambre Lentini / régie générale tournée Antoine Seigneur-Guerrini, Arnaud Olivier / accompagnement, collaboration et tissage Anne de Amézaga / administration Audrey Gendre / logistique de tournée Floriane Brault
petit film : réalisation Anna Nozière / assistanat à la réalisation, régie de tournage Heiremu Pinson / images, montage Yannis Pachaud / avec Walid Riad, et des enfants de l’association socioculturelle Courteline et des ateliers du Théâtre des Trois Clous – encadrés par leurs animateurs et parents – en collaboration avec Romain Dugast, responsable de l’association socioculturelle Courteline, et Steve Brohon / avec la participation de l’Alliance Funéraire de Touraine – Annabelle Cazé / avec l’aide précieuse d’Ali Larbi et du Centre social Pluriel(le)s, de Ted Toulet, Audrey Gendre, Clarisse Pajot, Brigitte Cousin / remerciements à la Ville de Tours

production la POLKa / coproduction Théâtre de la Cité – CDN Toulouse Occitanie, L’Estive – Scène nationale de Foix et d’Ariège, CRJP 72 – réseau jeune public en Sarthe, La Mégisserie – Scène conventionnée de Saint Junien, TnBA – CDN de Bordeaux, Théâtre d’Arles, Théâtre Olympia – CDN de Tours, Le Lieu-Compagnie Florence Lavaud – St-Paulde- Serre, Les Tréteaux de France – CDN, OARA – Office régional artistique de Nouvelle-Aquitaine, Iddac – Agence culturelle du département de la Gironde / soutiens La Chartreuse – CNES, L’Azimut – Châtenay-Malabry, Ville de Pantin / aide à la création Artcena / aide au projet DRAC Nouvelle Aquitaine / participation artistique Jeune Théâtre National, ENSATT / accueils en résidence Les Quinconces et L’Espal – Scène nationale du Mans, Théâtre de la Cité – CDN Toulouse Occitanie, Le Carroi – La Flèche, Le Lieu – St-Paul-de-Serre (Cie Florence Lavaud), Théâtre Du Fil de l’Eau – Pantin

Redaction PianoPanier

Le temps des fins : triptyque poïétique

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« Pour l’enfant que j’étais ma mère était ma cabane. Pour l’enfant que j’ai à présent, que ma mère ne connaitra pas, quelle cabane ai-je à lui offrir ?
Quel monde plus habitable ?
J’écris cette histoire pour ma mère.
Pour mon fils.
Pour l’enfant que j’étais et l’adulte qu’il deviendra. »
Guillaume Cayet

 

 

« Il y a bien longtemps »… comme un conte s’avance ce Temps des fins. Comme dans les anciennes légendes, il y a une forêt, un roi fou, des êtres des bois, des hommes de fer et de feu…

Dans un « monde qui tarde à mourir, le nouveau monde tarde à naître et dans ce clair-obscur surgissent les monstres », disait Antonio Gramsci au début du siècle précédent. C’est dans ce clair-obscur du début de notre siècle que se déploient ce Temps des fins et ses êtres en recherche d’un nouvel équilibre.

Les trois parties sont indépendantes, différentes dans leurs formes, leurs temporalités et leurs protagonistes, mais liées par le quatrième acteur de cette pièce : le lieu, cette forêt, qui appartient au monde qui tarde à mourir autant qu’à celui qui tarde à naître.

 
Partie 1 « Faire son deuil »

Derrière un tulle, un homme debout, seul, pieds ancrés dans un tapis de feuilles mortes, voix rocailleuse : Vincent Dissez déroule dans une magnifique langue, rugueuse, orale et précieuse, le récit de la dernière chasse. La dernière plongée collective dans cette forêt qui va bientôt être ensevelie sous l’eau de la retenue de la future centrale électrique. Les hommes, les armes, les chiens, les proies. Les temps qui semblent être de toujours, et qui finissent pourtant.
C’est un bourg vacillant qui se dessine, la fin de la vie paysanne, c’est « le désenchantement de la forêt ». On plante des Douglas, on va bosser à Central Park, les gestes ancestraux s’effritent contre les chocapics des mômes.
Pourtant, rendu chaman par l’alcool et la mélancolie, le chasseur se fait narrateur et chose narrée, mi-homme mi-sanglier, mi-chasseur mi-forêt, et dans les bois va découvrir des habitant.e.s clandestin.e.s…
 

 
Partie 2 « Le monde impossible »

Sur le tulle, des dates, des images : quelques années ont passées. 2021, 22, 23, mars 24, photo d’un groupe d’humains vêtus de masques d’animaux, dans un champ en lisière de forêt. La parole est à ces furtifs et furtives, cousin.e.s sylvestres des Furtifs d’Alain Damasio, groupe humain qui a pris place au cœur de la forêt, pour s’y fondre, y vivre, en vivre et la faire vivre.

« Nous ne défendons pas la forêt, nous sommes la forêt qui se défend »

Ce sont Saloma et Judith (Mathilde Weil, Marie-Sohna Condé, très présentes, jeu juste et droit), le Grand Tétras et l’Ourse blanche – chacun.e dans la communauté a reçu/choisi un animal-totem, dont il a pris le surnom et le masque (splendides créations de Judith Dubois) -, deux parmi les premières occupantes de ce qu’on appelle aujourd’hui une ZAD, qui témoignent.
Le Grand Tétras et l’Ourse Blanche entrelacent l’aujourd’hui et l’hier de ce lieu autre où l’on crée un monde et une nouvelle façon de l’habiter. Questions pratiques et politiques, comment se nourrir, se loger, qui accueillir, jusqu’où va la liberté de chacun, accords et désaccords qui feront l’invention de cette île forestière : le texte se fait mode d’emploi de cette poïétique*, de cette pensée en action – parfois avec une volonté de pédagogie trop appuyée, maladresse passagère qu’on retrouvera aussi par moment dans la partie suivante.
On est à la veille de l’inondation de la forêt. C’est à nouveau une dernière nuit, une dernière chasse, une autre fin. Les hommes-ferrailles, les flics, délogent. Foutent le feu.
Pour faire place au barrage, à la technologie. Au productif. Surtout, pour maintenir encore la cohésion de l’ancien monde : « on ne leur fait peur pas parce qu’on construit des cabanes, mais parce qu’on imagine ».
 

 
Partie 3 « Gloria »

15 ans plus tard, le tulle est enfin ouvert, un décor plus concret, la forêt reste au fond, arrière-plan d’une cuisine formica, d’une famille modeste, lui au chômage bûcheron sans forêt, elle qui travaille dans l’hypermarché local, leur grande fille, ado éco-anxieuse, qui ne veut plus sortir de sa chambre – « j’attends la fin du monde ici »…

« Les riches sont de plus en plus riches, et nous de plus en plus rien »

La famille vit près du lac du barrage, la fille a à peine plus que l’âge de l’inondation de la forêt. On attend une grande tempête, prévue pour dans un mois. Elle s’appelle Gloria, on craint qu’elle ne détruise le barrage et ne dévaste la région. Une fin du monde à l’échelle locale.
Le père, la mère, la fille : un microcosme pour confronter trois réponses à la peur de la fin

Sauver son âme en la confiant à un gourou
Sauver son corps en le confiant à un abri
Sauver le futur en le confiant au présent

Cette troisième partie, tout aussi passionnante que les autres est tout de même un peu plus didactique : un dialogue en facetime initie l’ado de la maison aux arcanes de la désobéissance civile et de l’action militante, c’est astucieux mais l’artifice garde une certaine raideur, à l’opposé de l’incarnation par ailleurs juste, généreuse et sincère de l’ensemble du spectacle.
Mathilde Weil dans le rôle de l’ado d’ailleurs y est comme engoncée, entre tics de langue « jeune » – multipliant les « boomer » comme s’il s’agissait d’un signe de ponctuation – et contrainte d’un dialogue avec un interlocuteur enregistré. On la retrouvera heureusement, parole libre et forte, seule en scène, pour un épilogue porteur de plus que de l’espoir : « le monde est en cours, ce qui est mieux que fini ».
 

 
Une composition musicale sophistiquée signée Anne Paceo, toute de strate de sons souffles de vent, crépitements, notes de violoncelles sombres, chœurs, soutient la très belle scénographie de Cécile Léna, qui sait mettre autant de magie dans une forêt que dans une cuisine.

Le Temps des fins embrasse les interrogations intimes et sociales d’aujourd’hui. Guillaume Cayet l’a nourri de réel et de rêves, enrichi de souvenirs d’enfance comme d’expériences d’écologique radicale, l’a voulu comme un pont vers demain.
Une fable qu’on espère performative, à voir sans restriction avec de grand.e.s ados, qui apprécieront la forme multimedia touffue et pertinente – vidéos en direct ou non, travail sur le son, utilisation des supports actuels (recherches google, tchat…), et qui trouveront dans cette fresque une résonance avec les préoccupations contemporaines et un regard vers un avenir possible.

Marie-Hélène Guérin

 
*La poïétique a pour objet l’étude des possibilités inscrites dans une situation donnée débouchant sur une nouvelle création. Chez Platon, la poïèsis se définit comme « la cause qui, quelle que soit la chose considérée, fait passer celle-ci du non-être à l’être »

 

vidéo © Minimum Moderne
 
LE TEMPS DES FINS
Un spectacle de la Compagnie du Désordre
Texte et mise en scène Guillaume Cayet
Avec Marie-Sohna Condé, Vincent Dissez, Mathilde Weil
Avec la participation de Achille Reggiani
Scénographie Cécile Léna | Lumière Kevin Briard | Création musicale et sonore Antoine Briot | Vidéo Julien Saez, Salomé Laloux-Bard | Costumes Patricia De Petiville, Cécile Léna | Création masques Judith Dubois
Collaboration artistique Julia Vidit | Musique originale Anne Paceo
Avec les voix de Cynthia Abraham, Laura Cahen, Paul Ferroussier, Celia Kameni, Florent Mateo et Isabel Sörling
Régie générale Charles Rey | Conseiller littéraire Jean-Paul Engélibert
Équipe artistique pour la version LSF : Anthony Guyon, Lisa Martin, Géraldine Berger de la Compagnie ON OFF
Visuel : Thierry de Folmont
Photographies © Christophe Raynaud de Lage

Texte publié aux éditions Théâtrales (2024)

Spectacle créé le 22 mai 2024 à La Comédie de Valence (Théâtre de la Ville)

En savoir plus : Comédie de Valence / Le temps des fins

À voir en tournée :
Théâtre du Point du Jour, Lyon – Avec représentations adaptées en LSF – 13.11 – 14.11.24
Théâtre de La Manufacture – CDN Nancy Lorraine – 03.12 – 06.12.24
Acb Scène Nationale Bar-Le-Duc – 10.12.24
Centre Culturel de la Ricamarie – 24.01.25
Théâtre des Îlets, CDN de Montluçon – 29.01 – 30.01.25
Scène Nationale de l’Essonne – 11.02 – 12.02.25
Espace 1789, Saint-Ouen – 04.04.25
Théâtre de la Cité internationale – 12.05 – 17.05.25

 

Redaction PianoPanier

La Fin du début ou « de l’art de canarder l’angoisse de mort à coup d’éclats de rire »

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Un lit d’enfant, des autocollants de DuranDuran, un siège de bureau, un bureau, un aquarium, un globe terrestre, un ours géant (très géant), des viscères en tissu, un tableau blanc couvert de chiffres, un écran de cinéma artisanal… drôle d’inventaire ! Plongée dans un plateau de théâtre qui est dans la tête d’un enfant, ou dans la tête d’un enfant qui contient un plateau de théâtre ?
Dans ce capharnaüm de souvenirs, un échalas au visage étonnamment plâtré, à la tenue blanche salie de rouge et de noir, joue un match de tennis, courant de l’avant au fond de scène, ahanant avec ferveur.

La Fin du début, c’est l’histoire d’un petit garçon qui s’est trouvé arraché à l’enfance et plongé dans l’angoisse de mort par l’inattendue irruption d’une noria de pompiers et de journalistes dans la rue de ses vacances, un innocent jour d’août 1992. La Fin du début, c’est l’histoire d’un adulte qui a décidé de dépiauter son angoisse de mort et d’en faire un spectacle fou et drôle.
Le petit Solal, bientôt sept ans, passait d’insouciantes vacances estivales à Ramatuelle, dans la maison voisine de Michel Berger et France Gall. Un match de tennis, un été trop chaud, et le chanteur populaire va voir ailleurs si les anges y sont. Pour le garçonnet, c’est la brutale révélation : tout peut finir, même les chanteurs populaires, même les beaux couples de légende, même l’enfance.

Trente ans plus tard, adulte et jeune papa, Solal Bouloudnine, bouille ronde sympathique, œil malicieux et débit alerte, revient sur le traumatisme fondateur avec une drôlerie folle et vive.

© Marie Charbonnier

L’artiste a gardé la vitalité, la gaminerie et l’insolence des mômes. Dans sa belle machine à remonter le temps, pas de nostalgie, ça crépite et ça fuse. On saute d’une temporalité à l’autre, de l’enfant au comédien qui devant nous tente de se dépêtrer de son passé aussi bien que de son présent. Le début du spectacle se débarrasse de la fin, puisque décidément Solal préfèrerait ne pas finir sur… la fin, le milieu s’attaquera au début, vu qu’on ne peut pas faire l’impasse là-dessus, et on garde le milieu pour la fin !
Le tout, spectacle et commentaire du spectacle (qui est aussi le spectacle…), doit impérativement tenir en 1h20, c’est promis, et la boucle sera bouclée. Le match de tennis commencé 1h20 plus tôt pourra se conclure, et la vie continuer, plus légère. C’est mené tambour battant. Projections d’actualités nationales, photos d’enfance, mélodies familières se télescopent et jouent au ping-pong avec les souvenirs de Solal. Bouchère, mère juive – au propre comme au figuré, père chirurgien viscéral (ça a son importance…), rabbin, copines ado, serveur de chez Pizza Pino, Patrick Bosso, une secrétaire, une instit’, inévitablement une psy et bien sûr Solal, Michel Berger et France Gall déboulent sur le plateau en cascades de saynètes au rythme soutenu qui laissent tout juste au spectateur le temps de reprendre son souffle entre deux fous rires. Solal Bouloudnine, comédien plastique et fin, dessine toutes ces silhouettes avec une précision redoutable et incisive.

Puisque la fin est inévitable, puisque l’on a aucune prise sur le début, entre-temps : joue ! intime Solal adulte à Solal enfant. Beau mot d’ordre qu’il s’applique à mettre en œuvre devant un parterre jubilant joyeusement.
Seul-en-scène un peu méta et très physique, et franchement métaphysique comme tous les vrais spectacles de clowns, La Fin du début est un spectacle hirsute, foutraque, bondissant.
Et comme tous les vrais spectacles de clowns, c’est aussi généreux, tendre, profond, délicat. On en sort le cœur légèrement ému et les yeux pétillants de plaisir. Hautement bénéfique !

Marie-Hélène Guérin

© Yoann Buffeteau

LA FIN DU DÉBUT (ex-Seras-tu là ?)
Au Théâtre Lepic jusqu’au 30 décembre 2024
Jeu et conception Solal Bouloudnine
Texte Solal Bouloudnine et Maxime Mikolajczak, avec la collaboration d’Olivier Veillon
Mise en scène Maxime Mikolajczak et Olivier Veillon
Création lumière et son, régie générale François Duguest
Musique Michel Berger
Costumes et accessoires Elisabeth Cerqueira et François Gauthier­ Lafaye
Photo en-tête © L’Outil

Redaction PianoPanier

Il a jamais tué personne mon papa : du rire aux larmes, et retour

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Le théâtre de La Huchette, à l’instar du Tardis, est plus grand à l’intérieur qu’à l’extérieur, et sur son petit plateau se déploient des univers, des vies entières.
On y retrouve en ce moment Christophe de Mareuil, dont on aime le talent sensible et profond.
Il nous a déjà sur scène touchés, fait rire, interpellés.
On avait été conquis par son précédent seul-en-scène, le percutant Wall Street malgré moi. On a aimé aussi sa façon d’incarner les mots d’autres auteurs, comme le délicat Livret de famille d’Eric Rouquette, ou l’intense Mademoiselle Molière de Gérard Savoisien (nommé aux Molières du Spectacle Privé 2018).
On le retrouve avec bonheur dans ce nouveau seul-en-scène, Il a jamais tué personne mon papa, adaptation personnelle du texte éponyme de Jean-Louis Fournier.

Il était docteur, le papa de Jean-Louis. Un drôle de docteur qui s’habillait comme un clochard, faisait ses visites en pantoufles et bien souvent ne demandait pas d’argent. Ses patients lui offraient un verre en échange. Il n’était pas méchant, seulement un peu fou quand il avait trop bu…

 

Christophe de Mareuil porte à la scène à la première personne du singulier cet hommage poignant au père de Jean-Louis Fournier, qui fut un bon médecin mais un père un peu trop fantasque, au gré de ses humeurs alcoolisées. Protéiforme et joueur, autour du narrateur et de son père, il campe avec vivacité toute une galerie de personnages hauts en couleur, où sous la drôlerie perce toujours l’humanité.
Antoine Lhonoré-Piquet lui offre un cocon de lumières simples et élégantes et d’images presque abstraites qui se proposent comme des photos souvenirs à recomposer, sur lesquelles on est libre de projeter sa propre nostalgie.

De ce texte intime, Christophe de Mareuil fait, avec une immense tendresse, un spectacle farce et grave comme la vie. À savourer pour quelques dates encore, le cœur vibrant.
 

 
IL N’A JAMAIS TUÉ PERSONNE, MON PAPA
Au Théâtre de la Huchette les samedis jusqu’au 19 octobre 2024
De Jean-Louis Fournier
Adaptation, mise en scène et interprétation Christophe de Mareuil
Scénographie : Antoine LHonoré-Piquet

Photos © Eric Dormoy

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Oublie-moi, bijou de sincérité et d’émotion au Théâtre Actuel La Bruyère

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Après une belle saison 2022-2023 qui lui a vu recevoir succès public à Avignon comme à Paris, et récompenses prestigieuses (4 Molières 2022), Oublie-moi, proposition contemporaine et pop, revient au Théâtre La Bruyère, récemment repris par une nouvelle et jeune direction, Fleur et Thibaud Houdinière.
Oublie-moi est une adaptation de la pièce anglaise In other words du dramaturge britannique Matthew Seager que le metteur en scène et comédien Thierry Lopez a découvert dans les couloirs de la bibliothèque du Royal Court Theatre à Londres. Coup de cœur immédiat à la lecture, il sollicite immédiatement Marie-Julie Baup, rencontrée dans la mise en scène du Songe d’une nuit d’été de Nicolas Briançon, lui proposant d’être sa partenaire pour raconter cette si belle et déchirante histoire d’amour. Depuis la présentation du spectacle à Avignon en 2022 au Théâtre Actuel, la presse est dithyrambique. Le bouche-à-oreille fonctionne, le public est au rendez-vous.

Jeanne et Arthur forment un jeune couple comme on en croise beaucoup dans les grandes villes. Ils sont beaux, ils aiment sortir, ils flirtent, ils s’amusent et profitent de ce que la vie peut leur offrir à cet âge doré. Leur histoire d’amour commence sur la piste de danse d’une boîte de nuit grâce à l’aplomb, mais aussi le coup de folie d’Arthur, particulièrement taquin et audacieux. Doté d’une verve et d’une répartie inébranlables, il séduit Jeanne qui, amusée et intriguée par ce singulier personnage, entre dans son jeu. On suit leurs premiers pas jusqu’à leur emménagement, leur quotidien, leurs jeux d’amoureux et leur humour. Leur complicité est superbe et le public est immédiatement séduit par cet homme et cette femme qui vivent seuls au monde et pour eux deux. Mais au cœur de cette féerie et de ce monde enchanté, un petit caillou vient enrayer la machine. Ce n’est pas immédiatement évident. On ne s’en rend pas compte. On refuse d’y accorder de l’importance. On met cela sur le compte de la vie de tous les jours, de la fatigue, du stress. On masque les murs qui s’effritent avec des sourires et des blagues. Et surtout, on continue de s’aimer très fort. Mais ce monde d’illusion est bien fragile et la réalité finit toujours par percer la bulle et faire craquer le décor. Arthur est malade. Il développe des troubles cognitifs, perd la mémoire, le fil de ses idées. Il se déconnecte du monde et du réel. Pour de vrai, cette fois. Stade 1. Stade 2. Jusqu’au Stade 10. Nous assistons alors à la force de deux êtres qui affrontent la maladie, Alzheimer, sans jamais oublier les premiers instants, les étoiles et leurs chansons.

Oublie-moi est un spectacle sur la puissance des sentiments qui lient deux individus et sur la manière dont on construit une histoire ensemble, solidairement. Quand le réel vient frapper le rêve. Thierry Lopez et Marie-Julie Baup s’approprient ce récit en y insufflant leur humour et leur complicité. Leur légèreté. Ils donnent à ce drame l’allure d’un conte moderne et pétillant. Ils assument les sentiments qui dégoulinent, l’amour-canard, l’espièglerie du quotidien. Dans un décor rose, entièrement rose, de la couleur des murs jusqu’à la radio en passant par le caleçon d’Arthur, le couple s’aime, s’amuse et avance main dans la main, toujours. L’adaptation des deux artistes ancre cette histoire dans le présent, se nourrissant de toutes les références connues du public, renforçant le sentiment d’identification. La bande-son du spectacle est tout droit tirée des playlists Spotify qui sommeillent dans les téléphones (éteints !) des spectateurs. Jeanne et Arthur, c’est nous. Avec un naturel déconcertant, l’histoire se met en place doucement. On se plaît à observer ce couple idyllique en se demandant si ça ne pourrait pas être cela l’histoire, tout simplement. Sans accrocs. Sans accidents. Cette simplicité dans le récit et le jeu rend d’autant plus frappante et insupportable la tragédie qui surgit. Marie-Julie Baup et Thierry Lopez sont bouleversants de sincérité et d’émotion. Avec une extrême finesse, ils abordent la question de la maladie, de la souffrance et du couple. Ils offrent un témoignage, leur histoire tout simplement.
Une musique, trois souvenirs et une couleur. Le public bouleversé reprend son souffle et applaudit à tout rompre devant cette merveilleuse histoire d’amour et d’humanité.

Alban Wal de Tarlé

OUBLIE-MOI
Au Théâtre Actuel La Bruyère
D’après In Other Words de Matthew Seager
Adapté, mis en scène et interprété par Marie-Julie Baup et Thierry Lopez
Costumes Michel Dussarrat | Scénographie Bastien Forestier | Lumières Moïse Hill | Création sonore Maxence Vandevelde | Assistante mise en scène Pauline Tricot | Chorégraphie Anouk Viale
Oublie-moi is presented by arrangement with Concord Theatricals Ltd. on behalf of Samuel French Ltd. www.concordtheatricals.co.uk
Photos © Frédérique Toulet
Production : Atelier Théâtre Actuel, MK PROD’, Louis d’Or Production, IMAO
En partenariat avec La Terrasse, TSF Jazz, Paris Première