La Petite Tuk : un lumineux conte social

Joachim Latarjet et Alexandra Fleischer, co-créateurs de la compagnie Oh ! Oui… et initiateurs de cette Petite Tuk, avaient envie d’un conte social à hauteur d’enfants, de ces enfants notamment qu’ils rencontrent lors des ateliers de pratique théâtrale qu’ils animent dans la ville où leur compagnie est accueillie en résidence, Les Ulis. Le petit Tuk du conte méconnu d’Andersen, à qui sa mère demande de rendre des services domestiques alors qu’il devrait étudier ses leçons, leur apparut une juste caisse de résonnance pour évoquer ces mômes poussés par la vie précaire à devenir trop grands trop vite, à porter de bien lourdes charges pour leurs épaules enfantines. Puisque bien souvent ce sont des jeunes filles qui secondent les parents, le Petit Tuk deviendra Petite Tuk, pour raconter cette histoire d’une demoiselle bien d’aujourd’hui, entre désirs d’enfance et responsabilités d’adulte.
 

 
Le papa de Tuk n’est pas là, un immense amour, mais disparu depuis si longtemps que Tuk n’en a pas souvenir. Le papa de la petite sœur était un vilain bonhomme, disparu aussi et c’est tant mieux. Alors la maman de Tuk travaille de nuit, laissant à sa grande le soin de s’occuper de sa petite (quelques mois, faim de loup et nuits morcelées), du linge, des repas, des paperasses…, alors Tuk vaillamment rentre de l’école, va chercher sa sœur à la crèche, fait les courses, les biberons, tourner la machine, et s’endort en classe, sur les bancs du square, debout dans la cuisine. Dort, et rêve… Et, comme au petit Tuk du conte originel, les rêves vont lui parler, et lui glisser au creux de l’oreille des histoires, autant d’occasions d’apprendre à lire le monde et son propre cœur.

Dans ce conte très musical, Léa Sery, visage rond, sourire solaire, chante d’une voix charnue, ample, et a un jeu spontané qui nous fait croire sans retenue à la jeunesse de son personnage, c’est une Tuk pleine d’aplomb, de colère aussi, de fatigue, de rêves et de joie de vivre. Alexandra Fleischer, longue brune au timbre voilé, interprète une mère de Tuk tout en nuances, qui accompagne sa vie de chansons, fredonnante, sautillante : elle fait front face à la dureté de son quotidien de mère-de-deux-enfants-qui-travaille-de-nuit avec une fantaisie qui parfois frôle l’inconséquence mais lui permet de garder sa légèreté, tout à la fois oubliant et admirant les efforts que fait sa fille pour « assurer ». Et la comédienne s’amuse aussi dans des rôles annexes traités dans un esprit plus « cartoon » qui désamorce la morosité des inquiétudes pécuniaires qu’ils représentent : une banquière radicale – des nombres plein les phrases, une acariâtre envoyée par le proprio pour recouvrer les loyers impayés… Joachim Latarjet, à la fois auteur, compositeur et metteur en scène, silhouette d’échalas en costume étriqué, également musicien sur scène, voix bashunguienne, incroyable siffleur de conjugaison, joue l’attentif professeur de français de Tuk, mais aussi un fantasmé musicien-papa qui lui offre un jouissif duo trombone-voix – des personnages d’hommes présents et prévenants, pour faire contrepoids aux pères absents ou mauvais.
 

 
Sur un délicieux décor de toiles peintes déroulées manuellement par les interprètes, qui font défiler murs de maison, d’école ou de rue, soutenues par une création sonore riche et subtile, de belles projections – nuages, gouttes de musique/d’eau, mots à la craie… – éclairent le propos et enveloppent le spectacle d’onirisme, de douceur et de délicatesse. D’obstacles en moments partagés, d’incompréhensions en complicités, mère et fille vont cheminer l’une vers l’autre, et l’adulte vers son épanouissement, et l’enfant vers son enfance.

En chansons, sur des airs slam, jazz, pop, rock, La Petite Tuk est un lumineux récit initiatique, qui met les questions sociales à portée de regard d’enfants, avec fraîcheur et simplicité, sans fausse pudeur, et ouvre la fenêtre à un grand souffle d’air, à la possibilité d’une liberté à construire.
À voir en famille dès 8 ans.

Marie-Hélène Guérin

 

LA PETITE TUK
À La Grande Halle de la Villette les 13 et 14 décembre 2025
Un spectacle de la Compagnie Oh ! Oui…
Texte, musique et mise en scène Joachim Latarjet
d’après Le Petit Tuk de Hans Christian Andersen
Avec Alexandra Fleischer, Léa Sery, Joachim Latarjet
Collaboration artistique Yann Richard | son et régie générale Tom Menigault | lumière Léandre Garcia Lamolla vidéo Julien Téphany | costumes Nathalie Saulnier

À voir en tournée ensuite :
Oullins – Théâtre de la Renaissance : du 20 au 23 janvier 2026
Noisy-le-Sec – Théâtre des Bergeries : du 12 au 14 mars 2026
Les Ulis – Espace culturel Boris Vian : 17 mars 2026
Pays Basque – Kultura : du 26 mai au 1 juin 2026

À noter : la Cie Oh ! Oui… présente aussi en décembre Bricolo, ciné-concert pour les tout-petits dès 3 ans au Théâtre Paris-Villette du 15 décembre 2025 au 4 janvier 2026.
 

 
Production Compagnie Oh ! Oui… / coproduction Le Grand Bleu – Lille, Scène conventionnée d’intérêt national – arts, enfance, jeunesse – KULTURA, communauté d’agglomération Pays basque, La Ville des Ulis, Culture Commune – Scène nationale du bassin minier du Pas-de-Calais, La Villette – Paris, Théâtre des Bergeries – Noisy le Sec, Les Tréteaux de France – Centre dramatique national Depuis 2022, La Compagnie est en résidence d’implantation territoriale sur la commune des Ulis (91). Depuis septembre 24, elle est compagnie associée au Grand Bleu – Lille, Scène conventionnée d’intérêt national – arts, enfance, jeunesse pour trois saisons. Elle est artiste associée au Théâtre des Bergeries -Noisy-le-Sec pour la saison 2025/2026 La Compagnie Oh ! Oui est conventionnée par le ministère de la Culture – DRAC Ile de France.
 

Nexus de l’adoration : une inextinguible et flamboyante « messe pour le temps présent »

Joris Lacoste, auteur créateur protéiforme, a fondé en 2007 le collectif Encyclopédie de la parole qui explore le langage, « l’oralité » dans sa diversité, par la collecte, le répertoriage et la ré-appropriation de toutes formes d’expressions orales, privées ou publiques, institutionnelles ou spontanées, chorales ou solitaires, pour en faire matériau, rythme, chair, de création. Ce « Nexus » pourrait être une extrapolation de ce vaste projet.

Le titre « Nexus de l’adoration » apocope le programme du spectacle : c’est à un prolifique, encyclopédique, foisonnant « nexus de l’adoration des choses » que Joris Lacoste et ses comparses nous invitent.
Un nexus, c’est un nœud, un lien, un entrelacement, une imbrication. L’endroit où tout se rejoint. Nexus de l’adoration, c’est un torrent inextinguible, une pelote qui se dénoue, la célébration des choses, c’est-à-dire du monde, des humains, de leurs objets et peurs, de leurs joies et paysages, de leurs enfantillages et de leurs inventions.

Dans une fumée rampante, avec des lenteurs de butô les officiants de la cérémonie déambulent, mécaniques fermés sur eux-mêmes encore, corps et tenues hétérogènes, peaux, âges, genres et silhouettes diverses, en leggings et résille, jupes longues ou courtes, bottes et sneakers, costumes au fluo urbain, lycra et synthétique, assemblages disparates et dysfonctionnels. Leurs paroles indistinctes prennent corps, les mots se détachent et commencent une étrange litanie, sur les sons électro coulant des claviers de Léo Libanga, co-auteur de la captivante création musicale.
 

 
« La langue d’une girafe, une story instagram, un courrier indésirable, un odeur de chien mouillé, une chanson de Luis Mariano, un piano désaccordé »
Inventaire d’un monde technologisé mondialisé
inventaire de ce qui laisse des émotions
inventaire de ce qu’on oublie
inventaire de ce qui nous importe

En un prologue virtuose – gestuelle millimétrée de robote maîtrisant son nervousbreakdown, IA démente qui bugue, et change de voix pour citer (« prières et salutations sur eux ») en VO Pina Bausch, Karl Marx ou Bad Bunny -, Daphné Biiga Nwanak se fait marraine-présentatrice du projet « Mesdames et messieurs, cher public, bonsoir. Soyez tous et toutes les bienvenus dans ce Nexus de l’adoration des choses. C’est avec une joie profonde et une immense gratitude que nous nous réunissons aujourd’hui pour chanter la gloire du Tout-Venant». Nous voilà prévenu, personne ne sera pris en traître : « ça va nous prendre un peu de temps, mais la vie est infinie alors on s’en bat les couilles ».

« La moindre des choses est venue ce soir.
Elles sont toutes là.
Toutes les choses sont libres et égales en droit »

On va chanter et danser toutes les choses – sans hiérarchie ni ordre.
La litanie paraît tautologiquement systématique, mais déjà des grains de sable se glissent dans la mécanique. Les interprètes ne sont plus seulement les vecteurs du nom des choses, mais s’en font les commentateurs par de modestes « ouais », « carrément » qui en succinctes syllabes anéantissent l’apparente neutralité de la profération.
Ils vont bientôt s’emparer, chacun son tour, d’une chose chère à leur cœur, un sachet d’aspegic, une tierce picarde, un sachet de whitewidow weed, un rouleau compresseur, les thermes de Caracalla, dire ce qu’on aime et pourquoi. La liste accepte de se déployer, se déplier, les mots se nourrissent des corps et des esprits de leurs locuteurs pour se faire fragments de vie.
 

 
Une femme patchwork-cadavre exquis – cheveux d’Ariana Grande, yeux de MBappé, oreilles de Sigmund Freud, peau de Marie Curie -, se détache du groupe : à elle seule elle est la fractale du spectacle, condensant la proposition du spectacle d’englober le monde et ses richesses minuscules ou imposantes, dérisoires ou apocalyptiques.

« Un Picsou géant, une nouvelle période glaciaire, un championnat interdépartemental de motocross,
une ivresse des profondeurs, la mise à jour d’un système d’exploitation »

Forme et sujet se répondent : à la volonté programmatique de dresser la liste exhaustive des choses fait miroir la multiplicité des langages mis en jeu, des figures de style, des registres musicaux, des tentatives chorégraphiques.
Langages de métier, de gamer, langages hermétiques-toc, listes de courses, protocole http, SMS, confessions, péroraisons / Voix nues ou ultravocodées, phonation inversée (démonstration et justification morales irrésistibles par Lucas Van Poucke) et vocalises, langues multiples / Pop acidulée, slam méridional, incantations, pop-rap, romantico-K-pop avec chœurs suaves et lumière rose, mélancolique trompette naturelle, et même de l’eau sonorisée (et c’est très beau) / Sardane, sarabande, modernjazz, irish step dance, solo frénétique : Tentative d’épuisement d’un lieu parisien croisé Exercices de style, geste péreco-quenaldien de s’emparer de tout, pour évoquer tout.
Les neuf interprètes, dont on peut saluer la plasticité et l’engagement physique et sensible, sont infatigables jongleurs de sensations et de verbe, rouages dans l’engrenage de la machine à dire les choses ou flamboyants soliloqueurs.
 

 
Il y a beaucoup de drôlerie dans cette performance collégiale, télescopages volontairement farfelus, saynètes burlesques, jeux de mots et de gestes.
Mais dans cette grande farce du monde, dans cette avalanche de mots qui racontent aussi une société saturée d’objets autant que de concepts, de pensées fossilisées et de faux-semblants, Joris Lacoste et ces interprètes et co-auteurices imposent des silences, des respirations, et le surgissement de l’intime, du grave, de l’émotion. Telle la magnifique parenthèse, sobre, poignante, de Tamar Shelef, toute agitation tue, debout seule pudique et généreuse, livrant les choses – moments, gestes et sentiments – du deuil de sa mère.
Volonté de montrer que dans cet inventaire des choses, tout a sa place, l’impalpable, le fondamental comme l’anecdotique. Volonté aussi de laisser chacun évaluer ce qui pèse et ce qui est négligeable, car qui sait ce qui mérite d’être chanté ? qui sait si cette canette de soda n’est pas l’enfance perdue, la madeleine de Proust, de quelqu’un ? qui sait si une chose forte n’est pas égale à une chose fragile ?

Ce Nexus ne se laisse pas appréhender facilement. Touffu, fantasque, répétitif et disruptif, il peut déranger, déstabiliser – laisser perplexe ?
« C’est normal, y’a beaucoup de choses dans le monde, on peut pas tout comprendre, tout com-prendre, tout saisir ensemble, tout embrasser, confirme l’impeccable Thomas Gonzales – parfait dans toutes ses incarnations. J’dirais c’est normal de ne pas tout comprendre, mais c’est aussi normal de ne pas pas-comprendre. Parce que c’est simple.»

« Si un bruit vous dérange, écoutez-le » disait John Cage, et ainsi de ces « choses » que Lacoste propose à notre adoration. Honteuses ou magistrales, anciennes ou fugaces, toutes ces « choses » sont l’humanité.
Le théâtre antique fut aux origines cérémonie consacrée à Dionysos, Dieu du vin, des arts et de la fête. On y psalmodiait, on y chantait, on y dansait, on y célébrait les dieux. En faisant un acte d’une théâtralité folle de ces « choses » incommensurables, en y psalmodiant, chantant, dansant, « Nexus de l’adoration », auto-proclamé célébration du culte d’une « utopie intégrative », Messe pour le temps présent version XXIe siècle, est un grand cri étrange et beau d’amour aux humains.
« Nous avons bien rigolé, mais nous avons aussi appris beaucoup de choses sur les liens qui unissent les choses » : on quitte cette célébration comme enivrés de ce tourbillon fragmentaire, queer, drôle, parfois nostalgique, et très joyeux.

Marie-Hélène Guérin

 

NEXUS DE L’ADORATION
Vu à la MC93 à Bobigny dans le cadre du Festival d’Automne
Un spectacle de la Compagnie Echelle 1:1
Conception, texte, musique, mise en scène, chorégraphie Joris Lacoste
Interprétation et participation à l’écriture Daphné Biiga Nwanak, Camille Dagen, Flora Duverger, Jade Emmanuel, Thomas Gonzalez, Léo Libanga, Ghita Serraj, Tamar Shelef, Lucas Van Poucke
Scénographie et lumière Florian Leduc | Collaboration à la danse Solène Wachter | Collaboration musicale et sonore Léo Libanga |Costumes Carles Urraca | Son Florian Monchatre | Assistanat à la mise en scène et à la dramaturgie Raphaël Hauser | Coaching vocal Jean-Baptiste Veyret-Logerias | Régie plateau Marine Brosse, Seydou Grépinet
Photos © Christophe Raynaud de Lage

Créée au Festival d’Avignon en juillet dernier, la pièce accompagnée par La Muse en Circuit

SUITE DE LA TOURNÉE 2025-2026 :
· du 19 au 20 décembre 2025 : Lieu unique, Scène nationale de Nantes
· du 7 au 8 janvier 2026 : Comédie de Clermont-Ferrand / Festival Transforme / Fondation d’entreprise Hermès
· le 27 mars 2026 : La Halle aux Grains, Scène nationale de Blois
· du 31 mars au 3 avril 2026 : Les Célestins, Théâtre de Lyon / Festival Transforme / avec les SUBS / Fondation d’entreprise Hermès

Production et diffusion Hélène Moulin-Rouxel, Colin Pitrat (Les Indépendances)
Administration Edwige Dousset
Production Déléguée Compagnie Echelle 1:1
Production associée La Muse en Circuit – Centre National de Création Musicale. Avec le soutien de la Fondation d’entreprise Hermès, du Fonds de production DRAC Île-de-France.
Coproduction Bonlieu scène nationale d’Annecy, MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, théâtre Garonne – scène européenne Toulouse, Les Célestins – Théâtre de Lyon, Festival d’Automne à Paris, Festival d’Avignon, Centre Dramatique National Orléans – Centre-Val-de-Loire, Festival Musica Strasbourg.
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National et du dispositif d’insertion de l’École du TNB.
Résidences Abbaye de Noirlac, La Muse en Circuit – CNCM, MAC de Créteil, CROMOT Paris, La Ménagerie de Verre, Bonlieu scène nationale d’Annecy, MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, Théâtre Garonne Toulouse.
La compagnie Échelle 1:1 est conventionnée par le ministère de la Culture, DRAC Île-de-France et soutenue par la Région Île-de-France.
Remerciements à Alan Hammoudi, Pierre-Yves Macé, Augustin Parsy, Assia Turquier-Zauberman, Jean-Baptiste Veyret-Logerias, Ling Zhu.

Nexus de l’adoration est une Production Associée de La Muse en Circuit. Ce partenariat vise à accompagner le projet à chaque étape de son développement. Dans ce cadre, plusieurs périodes de résidence ont été accueillies à La Muse en Circuit à Alfortville entre septembre 2024 et mars 2025. Ces temps de travail ont permis à l’équipe artistique de développer et d’affiner le projet dans un environnement propice à l’expérimentation et à la création contemporaine
Dirigée par Wilfried Wendling, La Muse en Circuit (Centre national de création musicale) est vouée dans toutes ses activités aux musiques décloisonnant le champ de l’art sonore, qu’elles soient instrumentales, électroniques ou mixtes, qu’elles approfondissent les voies du seul sonore ou explorent également d’autres territoires artistiques, tels que la littérature, le théâtre, la danse, la vidéo ou les arts plastiques

Boule de neige : une fable d’aujourd’hui

Sur le vaste plateau, des hauts murs blancs et un joli chaperon rouge guettent, une ligne de lumière sépare un monde de l’autre. Une neige cristalline, une musique douce de violoncelle et de piano enveloppent le public d’une poésie très délicate.

Il était une fois un flocon qui poussé par le vent se colla à d’autres flocons, se fit petite boule puis chût sur une pente où il entraîna dans sa course tant et tant d’autres flocons qu’ils devinrent ensemble une énorme boule de neige qui ensevelit tout sur son passage. La faute à qui ? au flocon, au vent, à la pente, aux autres flocons ?

D’Odile Grasset-Grange, on avait aimé (beaucoup) Cartoon (ne faites pas ça chez vous) mais aussi le plus modeste (mais pas moins malin !) Chat sur la photo . La toute récemment nommée directrice du Théâtre Nouvelle Génération – CDN de Lyon avait eu envie d’une réflexion sur le rapport contemporain à la vérité, qui lui semble se faire floue, relative – on peut même la dire « alternative », être diffractée, distordue aux filtres des réseaux sociaux et des fake news. Elle a livré ses interrogations à son complice Baptiste Amann, qui, pour non pas forcément y répondre mais y réfléchir, en à tirer une pièce pleine de rebondissements, où mensonges et bruits de couloirs sont autant de miroirs déformants du réel.

C’est l’histoire d’un petit geste dans un réfectoire de collège qui fit boule de neige et ensevelit tout sur son passage, remuant enfants, parents, professeurs, et tout le personnel du collège, et les journalistes locaux, et même, et même, le ministre !

Qu’est-ce qui agite tous ces profs en salle des profs, pourquoi donc la police est venue, et qu’est-ce que c’est que cette histoire de ministre ? On démarre en pleine tourmente, le flocon est déjà devenu énorme boule de neige et a causé bien du remue-ménage.
On va remonter le temps, dénouer l’écheveau, pour aller à la rencontre du fragile flocon qui a fait la boule de neige, petit flocon qui devait être tout discret, petit mensonge qui voulait timidement cacher un grand secret et s’est retrouvé éléphant au milieu du magasin de porcelaine.

Salle des profs, 3 jours après l’incident, Salon des parents d’Elis, 2 jours après l’incident, Salle de cantine, jour de l’incident… Trois séquences, en trois lieux, trois groupes (profs, parents et enfants) et trois temps, donnent un prisme de l’affaire, trois angles, trois possibles d’interpréter ou décrypter le réel, en remontant progressivement à la source des faits.
Dans un décor très réussi, la mise en scène est d’une grande fluidité, tout en mouvements, les murs glissent et pivotent pour faire apparaître et disparaître les lieux, un accessoire, une perruque, une casquette font passer les interprètes d’un rôle à l’autre. Le texte s’empare d’enjeux importants, les violences intra-familiales ou sociales, la désinformation, en les incarnant dans un quotidien très préhensible. L’écriture est assez complexe, parfois elliptique, avec ses allers-venues entre action et représentation, et sa mécanique qui remonte le temps, mais veille à ne jamais perdre ses jeunes spectateurs, en les aiguillant habilement par des indices visuels ou textuels. Les interprètes portent une langue vive et actuelle, ils sont alertes, concrets, également sensibles et joueurs dans tous leurs personnages, enfants ou adultes, masculins ou féminins.

Boule de neige, par le détail, partant d’un micro-évènement, pose un regard aigu et tendre pour notre société contemporaine et ses outils de communication, scrute les relations entre enfants et entre générations, où incompréhensions et a priori pèsent sur les échanges mais où l’écoute ouvre la porte à la générosité et au dialogue.
Un spectacle très vivant, qui mise sur l’intelligence et l’attention de ses spectateurs jeunes et grands, en leur offrant, avec humour et finesse, un bel espace de théâtralité, mais aussi de réflexion. Le jeune public est manifestement très réceptif et enthousiaste ! Un spectacle à voir en famille avec des enfants dès 10 ans, qui y reconnaîtront leurs préoccupations et en apprécieront le suspense haletant, la fantaisie et la justesse.

Marie-Hélène Guérin

 

BOULE DE NEIGE
Un spectacle de la Compagnie de Louise
À partir de 10 ans (durée 1 heure)
Texte Baptiste Amann
Mise en scène Odile Grosset-Grange
Avec François Chary, Lucile Dirand, Théodora Marcadé

Assistant à la mise en scène : Carles Romero-Vidal | Régie Générale : Farid Laroussi | Scénographie : Cerise Guyon | Lumière : Erwan Tassel | Musique / sons : Vincent Hulot | Costumes : Séverine Thiebault
Photos © Christophe Raynaud de Lage

Un spectacle créé à la MC2 de Grenoble (38), puis accueilli du 27 nov. au 1er décembre au Théâtre de Sartrouville et des Yvelines (78)
À voir en tournée : Théâtre d’Angoulême – Scène Nationale Angoulême (16) – 9 et 10 décembre | L’Archipel – Fouesnant (29) Festival Théâtre À Tout Âge – 15 et 16 décembre | La Maison du Théâtre – Brest (29) – 18 et 19 décembre | Comédie de Bethune – CDN Hauts-de-France (62) en décentralisation | Salle des Fêtes Jean-Marie Leclercq – Beuvry – 21 janvier | Salle des Tilleuls – Norrent-Fontes – 22 janvier | Le Cuivre Pôle Culturel – Labourse – 23 janvier | Salle communale – Neuve-Chapelle – 24 janvier | Isbergues – 26 janvier | Salle Pignon – Marles-les-Mines – 27 janvier | Salle J-C Lutrat – Annequin – 28 janvier | Le Palace – Lilliers – 29 janvier | Espace culturel AREA – Aire-sur-la-Lys – 30 janvier | La Coursive – SN de La Rochelle (17) – 12 et 13 mars | L’Agora – Billère (64) – 31 mars | Théâtre Ducourneau – Agen (47) 2 et 3 avril

Direction de production : Caroline Sazerat-Richard | Chargée de production : Mathilde Göhler | Chargée des actions de territoires : Emilienne Guiffan | Presse : Elektron Libre – Olivier Saksik

Production : La Compagnie de Louise
Partenaires (coproductions et/ou résidences) : Théâtre de Sartrouville – CDN des Yvelines ; La MC2 : Grenoble ; La Coursive – SN de La Rochelle ; Le Théâtre d’Angoulême – SN ; Les Tréteaux de France – CDN ; en cours…

La Compagnie de Louise est soutenue pour son projet par la ville de La Rochelle, le département de la Charente-Maritime, la région Nouvelle-Aquitaine et le Ministère de la Culture – DRAC Nouvelle- Aquitaine site de Poitiers.

Un « Roi Lear » aux atours baroques et punk au Théâtre du Soleil

De la compagnie Théâtre Amer, on avait beaucoup aimé le Peter Pan découvert l’an dernier au Théâtre Paris Villette.
On se retrouve cette fois dans ce lieu magique de la Cartoucherie pour leur nouvelle création.

Des effluves d’encens et de musique baroque accueillent les spectateurs. C’est sur une scène dépouillée que se déroulera la tragédie shakespearienne – un sol terreux, cerné de deux hautes marches courant le long du plateau, qui hiérarchisent verticalement l’espace. En fond de scène se révèlera un cadre de loupiotes, petit théâtre dans le théâtre, castelet de cabaret rougeoyant qui offrira une judicieuse accentuation des comédies de faux-semblants qui se jouent entre les protagonistes.
 

 
Un noir profond, un tambourin grave, une rythmique de halètements, un chant de gorge diphonique : l’ouverture a quelque chose de cérémoniel et crée tout de suite une attention particulière.

Le Roi Lear est une tragédie, on s’y marre peu et on y meurt beaucoup. La nouvelle traduction d’Emmanuel Suarez et l’adaptation de Mathieu Coblentz, finement actualisées, l’aèrent toutefois un peu, les allusions à la société contemporaine font réagir les spectateurs mais restent toujours dans le juste mouvement du texte. Quelques intrigues et personnages en moins (notamment les époux des sœurs Goneril et Regane disparaissent, elles portent seules leur statut et leur stature – on pourra peut-être regretter alors qu’elles soient si uniment mauvaises, plus archétypales qu’humaines) en simplifient l’appréhension, on ne se perdra point dans le labyrinthe des trahisons en cascade de ce Roi Lear.

Le roi Lear, c’est ce roi qui va répartir son héritage entre ses trois filles à l’aune de l’expression de leur dévotion filiale. Ce roi fou qui attend de sa fille préférée qu’elle maquille ses mots, ce roi bébé qui veut être cajoler plutôt qu’aimer. Ce roi qui spolie la benjamine et son cœur franc mais sans artifice au profit des deux aînées, grandes gagnantes au concours de la lèche-botterie et de l’hypocrisie.

En miroir des vilénies sororales, Edmond le fils bâtard du comte de Gloucester déchire lui aussi le tissu familial en intrigant contre son frère Edgar, le fils légitime.

On se détruit en famille dans Le Roi Lear, les frères et les sœurs s’entretuent et le cœur des pères lâchent devant le désastre. C’est un temps bien sombre et sans espoir.
 

 
Mathieu Coblentz a le sens du spectaculaire, et compose une fresque ambitieuse aux enjeux limpides et à l’humeur obscure.
Sous des lumières soignées, les atours sont baroques et punk, cheap et majestueux – bijoux fantaisie, fourrures, satin, kilts, cuirs rock et maquillages gothiques. Ceux du roi Lear aux allures de roi Soleil tomberont au fur et à mesure de son dénuement social et mental.
Les sept interprètes ont de l’allant, certains passent d’un personnage à l’autre avec beaucoup de souplesse, et il est assez jouissif de les voir déployer d’autres facettes de leur talent dans des rôles très différents les uns des autres, ainsi du fou, d’Edgar et Gloucester incarnés avec brio par les trois sœurs. L’énergie de la troupe laisse peu de place à l’émotion, qui naîtra pourtant – de la puissance des images, de la beauté d’un chant ancien de plusieurs siècles, de la profondeur d’une ombre, de la rage d’un riff de guitare, de la voix de roches éboulées de Jo Zeugma (qui orchestre aussi la superbe création musicale).

On aurait aimé plus de souffle, et sans doute aussi plus de nuances à ce Roi Lear, mais quelques scènes fortes, splendides et puissantes, resteront en mémoire, le geste théâtral est beau et les jeunes spectateurs sont à juste raison enchantés : Mathieu Coblentz ouvre là une magnifique porte d’entrée vers l’univers foisonnant de Shakespeare, avec ce Roi Lear désespéré et fastueux.

Marie-Hélène Guérin

 

LE ROI LEAR
Un spectacle de la Compagnie Théâtre Amer
À voir à partir de 13 ans
Au Théâtre du Soleil du 22 octobre au 15 novembre 2025
De William Shakespeare
Mise en scène et adaptation Mathieu Coblentz
Traduction Emmanuel Suarez
Jeu et musique Florent Chapellière, Maud Gentien, Julien Large, Laure Pagès, Camille Voitellier, Florian Westerhoff, Jo Zeugma
Scénographie Vincent Lefèvre | Création des costumes Patrick Cavalié | Régie sonore Simon Denis | Régie polyvalente Julien Crépin

Makbeth, par le Munstrum Theatre : du bruit et de la fureur

Makbeth, avec un K comme Krrruauté…
Oreilles sensibles, acceptez les bouchons qu’on vous propose à l’entrée,
âmes sensibles, apportez votre humour, et hardi petit !

Le bouffon du roi nous prévient : « let me tell you, universitaires : you are not au bout de vos peines » : ne vous accrochez pas à votre édition La Pléiade, c’est du Macbeth mâtiné, hybridé, violenté, secoué, déchiqueté et recousu à gros fils que jette sur le plateau le Munstrum Théâtre.

« ce matin j’ai bien compté,
il y a plus de morts
que de vivants dans la ville »

Dans des landes orageuses et hululantes s’ouvre cette farce tragique, une des pièces les plus sombres de Shakespeare.
Sur les décombres de la bataille remportée par son capitaine Makbeth, le Roi Duncan s’avance, Ubu à panse de baleine, rideaux en manteau de cour à la splendeur de ruines, tringle à rideaux en guise de sceptre dérisoire. Le pouvoir, hier comme aujourd’hui, peut être aux mains de gamins capricieux et gloutons.

Une sibylle, le fatum en personne, gothique et marécageuse, annonce aux deux chefs de guerre, Makbeth et Macduff, que l’un sera roi et l’autre père de rois. Vertu performative de la prophétie, puisque cela doit être, cela sera. Puisque quelque part, au fond d’un cœur, un frémissement d’avidité n’attendait que d’être nourri, qu’on l’appâte d’une goutte d’ambition, pour prendre toute la place. Peu importe le chaos, peu importe le sang à verser. Macduff laissera peut-être les évènements advenir, chez les Makbeth on va prendre les choses en main.

Dans une esthétique steampunk de bric et de broc, une superbe création lumière, un très beau travail sur le son, les costumes sont inventifs, brinquebalants et somptueux : lady Makbeth est impériale dans sa crinoline en tente quechua !
L’espace est très spectaculaire, plateau entièrement dégagé, hauts panneaux noirs en lisière des coulisse qui enclosent la scène, lustre de pampilles immense, ombre d’un faste déchu.

En Lady Makbeth, jupe et lèvres vertes, Lionel Lingelser, magistral, sculptural et subtil, a un jeu d’une étonnante finesse et sobriété derrière ses atours extravagants, ses outrances, ses muscles.

Les sorcières flaques de pétrole ou vases limoneuses, limaces et entrailles visqueuses suintantes noires et luisantes, irrépressibles comme des épisodes paranoïaques, gluantes et noires comme la culpabilité, en muettes marionnettistes dépouillent Makbeth. Les brumes noient morts et vivants, a capella un chevalier en armure chante avec une profondeur de Patti Smith, Malcom le fils de Duncan et McDuff peinent à vivre leur love story.

Les corps sont malmenés, percés, pendus, suants, sanglants, pourtant le Munstrum Théâtre dévoile l’artifice, le sang est de laine, les épées de fer blanc.

La vie n’est qu’un conte dit par un crétin, pleine de bruit et de fureur, et qui ne signifie rien.
Au royaume des dingues, les bouffons sont les survivants.
Il y a un romantisme fou, réellement fou, d’une folie furieuse, crade et désespérée, dans ce Makbeth. Il y a de la solennité et du grand-guignol. Et une grande jubilation enfantine et sauvage du théâtre.

Marie-Hélène Guérin

 

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MAKBETH
Une création du Munstrum Théâtre
D’après William Shakespeare
(vu au Théâtre Public de Montreuil en avril 2025)
À voir au Théâtre du Rond-Point du 20 novembre au 13 décembre 2025
Mise en scène Louis Arene
Avec Louis Arene, Sophie Botte, Delphine Cottu, Olivia Dalric, Lionel Lingelser, Anthony Martine, François Praud, Erwan Tarlet
Conception Louis Arene, Lionel Lingelser
Traduction/adaptation Lucas Samain en collaboration avec Louis Arene
Collaboration à la mise en scène Alexandre Ethève | Dramaturgie Kevin Keiss | Assistanat à la mise en scène Maëliss Le Bricon | Scénographie Mathilde Coudière Kayadjanian, Adèle Hamelin, Valentin Paul, Louis Arene | Création lumières Jérémie Papin, Victor Arancio | Musique originale & création sonore Jean Thévenin, Ludovic Enderlen | Costumes Colombe Lauriot Prévost assistée par Thelma Di Marco Bourgeon et Florian Emma | Masques Louis Arene | Coiffes Véronique Soulier Nguyen
Direction technique, construction, figuration Valentin Paul | Effets de fumée & accessoires Laurent Boulanger | Accessoires, prothèses & marionnettes Amina Rezig, Céline Broudin, Louise Digard | Renforts accessoires & costumes Marion Renard, Agnès Zins, Ivan Terpigorev
Stagiaires costumes Angèle Glise, Morgane Pegon, Elsa Potiron, Manon Surat, Agnès Zins | Stagiaires lumière Tom Cantrel, Gabrielle Fuchs
Fabrication costumes avec le soutien de l’atelier des Célestins, Théâtre de Lyon
Régie générale & plateau Valentin Paul | Régie son Ludovic Enderlen | Régie lumière Victor Arancio | Régie costumes et habillage Audrey Walbott | Régie plateau Amina Rezig
Administration, production Clémence Huckel, Noé Tijou (Les Indépendances) | Diffusion Florence Bourgeon | Presse Murielle Richard
Photographies © Jean-Louis Fernandez et (*) Fabrice Robin

Production Munstrum Théâtre
Coproduction Les Célestins, Théâtre de Lyon ; Théâtre Public de Montreuil – Centre dramatique national ; TJP, Centre dramatique national de Strasbourg – Grand Est ; La Comédie, Centre dramatique national de Reims ; La Filature, scène nationale de Mulhouse ; Châteauvallon-Liberté, scène nationale ; Les Quinconces et L’Espal – Scène nationale du Mans ; Théâtre Dijon Bourgogne, Centre dramatique national ; Théâtre Varia, Bruxelles ; Malakoff, scène nationale – Théâtre 71 ; Le Carreau, Scène nationale de Forbach et de l’Est mosellan
Soutiens Direction Régionale des Affaires Culturelles du Grand Est – Ministère de la Culture au titre du Fonds de production ; dispositif d’insertion professionnelle de l’ENSATT ; Ville de Mulhouse ; S.A.S Podiatech – Sidas
Soutiens en résidence Théâtre Dromesko ; Melting Pot (Pougny) ; Bercail, outil de création, marionnettes et arts associés ; Cromot maison d’artistes et de production ; La Maison des métallos ; Théâtre du Rond-Point, Paris
Le Munstrum Théâtre est associé à La Filature, Scène nationale de Mulhouse ainsi qu’au Théâtre Public de Montreuil – Centre dramatique national, au TJP Centre dramatique national Strasbourg-Grand Est et aux Célestins, Théâtre de Lyon.
La compagnie est conventionnée par la DRAC Grand Est – Ministère de la Culture & la Région Grand Est. Elle est soutenue au fonctionnement par la Ville de Mulhouse.

Martin Eden, l’écueil d’un rêve : tumultueux et poétique voyage

Dans le beau théâtre du Ranelagh, sous les boiseries, s’égrènent quelques notes de piano qui nous emmènent en balade du côté du temps du cinéma muet, nous rappelant que le roman Martin Eden est né au début du siècle précédent.
Un beau p‘tit gars, marcel blanc, casquette gavroche, bras costauds et énergie débordante, regard pétillant et pieds nus : Martin Eden, jeune marin, traîne ses guêtres au rade du coin entre deux départs en mer. Le loulou est bagarreur et a le sens de la justice : trop de gaillards s’acharnent sur un jeune homme en mauvaise posture, ni une ni deux, d’un coup de poing bien placé il tire le fils de bonne famille de cette sale affaire, et marque sans le vouloir le tournant de sa vie.

Son goût de la castagne et de l’équité le font entrer par effraction dans le monde policé et bourgeois de la famille Morse. Le fiston reconnaissant invite Martin chez lui, et lui ouvre la porte d’un autre avenir.
Jane (Ruth, dans le roman), la jeune sœur du rescapé, s’amourache du beau garçon sans éducation mais plein d’esprit, la famille l’adopte comme une mascotte un peu exotique qui apporte un petit accent canaille à leurs dîners.
Mal dégrossi mais sensible, Martin le marin qui aime Baudelaire, qui comprend Turner, va tomber sous le charme de la demoiselle de la famille, et des livres de sa bibliothèque, et des tableaux aux murs de leur maison, et des conversations animées à la table des Morse. Et tout cela éveille un nouvel appétit en lui, une faim de loup, « faim de connaître, de conquérir mon esprit et son cœur », qu’il rassasie de lectures et de controverses.
Martin s’autodidacte, il dévore philosophie, sciences, littérature, politique, il est vorace de culture comme il est vorace de vie, et avec les nourritures de l’esprit lui vient le goût de l’écriture, il sera écrivain ! Profession de foi, cri de victoire sur le déterminisme social « je serai écrivain ! », pari sur l’avenir, défi lancé à lui-même et au monde !

C’est à un vaste et tumultueux voyage que nous invite Martin Eden, qu’on appellerait aujourd’hui un « transfuge de classe », un voyage d’un monde de corps et de gestes, de camaraderie et de dangers physiques à un monde de mots, de pensées, de discours. Monde à la fois plus grand et plus étriqué, où il découvre parallèlement l’ampleur de son intelligence, les vastes possibilités de sa créativité, et les bornes que la bourgeoisie lui impose, car si on admet que son cœur batte pour Jane, s’il veut l’épouser il ne s’agit plus d’être bohème, il faut du solide, il faut du plan de carrière.

Enzo Beaugheon a l’âge du rôle, l’ardeur du personnage, et un talent plein de promesses.
Seul en scène, corps bien ancré, voix bien timbrée, il donne chair et âme, vigueur et fragilité, à Martin Eden. À ses proches aussi : copains marins, Jane, les Morse, le fraternel Brissenden : dans cette polyphonie, Enzo est très précis ; le dos plus droit, le corps moins statique, la diction plus flûtée, le menton qui se relève, un rien dessine une femme, un homme, un camarade de bistrot ou de labeur, un aristo, un intello, toujours avec une impeccable netteté, et souvent beaucoup d’humour.

Un judicieux parti-pris de mise en scène, bien mené, transfère parfois cet entourage à des voix off, quand Martin est exclu – ou se met en retrait – des bavardages, permettant à l’acteur et à l’attention du public de rester concentrée sur l’essentiel.

Un bateau métaphorique de toiles et de drisses, quelques accessoires stylisant les moments de vie de Martin – malles, machine à écrire, vêtements dont il se vêtira ou dévêtira au fil de son évolution sociale et intime, font un décor à la fois simple et rêveur, qui laisse le champ libre à la justesse d’incarnation d’Enzo et à l’imaginaire des spectateurs.
Martin qui écrit mais n’est pas encore publié, poussé par la nécessité de gagner sa vie, va devoir retourner au turbin : Liloé da Gloria a chorégraphié là une séquence hallucinée de travail à l’usine, qui montre avec une force évocatrice incroyable la déshumanisation et l’abrutissement du travail à la chaîne.

Martin Eden sera publié, et l’argent finira par affluer. Mais Martin Eden n’est pas une success story, c’est plutôt la tragédie d’une solitude, d’un inconsolable besoin d’amour et de liberté, le récit de la cruelle distorsion entre ce qu’on donne de soi et ce que les autres en font.

Jack London voulait avec son « Martin Eden » pointer du doigt la faiblesse du Surhomme seul sur sa montagne, il fait revendiquer par son personnage un individualisme nietzschéen et lui confronte Russ Brissenden, l’ami cher, qui l’invite à « se sauver lui-même en sauvant les autres », à croire à la confrérie, au groupe, au socialisme – idéologie à laquelle Jack London adhérait. Mais Martin Eden est de ces êtres trop entiers, trop purs, trop sauvages, qui se lancent « à corps perdu » et se perdent. Le papillon sorti de sa chrysalide se brûle les ailes et le cœur, les rêves se fracassent au réel – et le spectacle de solaire se fait ténébreux.

On aurait aimé le final un rien plus sobre, son intensité se dissolvant un peu dans la joliesse du traitement, d’une esthétique étonnement désuète dans une mise en scène par ailleurs élégante, dynamique, qui sait être à la fois sobre, sans artifice et d’une touchante poésie.

La conclusion amère, empreinte de mélancolie, du spectacle n’en altère pas la réjouissante vitalité. Martin Eden a plus d’un siècle, mais son idéalisme n’a pas d’âge, et le jeu très incarné d’Enzo lui apporte une grande contemporanéité, et une belle puissance.

Marie-Hélène Guérin

 

MARTIN EDEN, L’ÉCUEIL D’UN RÊVE
d’après Martin Eden, de Jack London
Un spectacle de la compagnie Les Âmes Bien Nées
À voir au Théâtre du Ranelagh jusqu’au 23 novembre 2025
Adaptation, mis en scène, scénographie Virginie Poisson
Avec Enzo Beaugheon
Lumières & Son Grégoire Mathiez | Décors Frédéric Beaugheon & Zoé Morel | Musiques originales Pierre Gomot & Aliénor Poisson | Chorégraphie Liloé Da Gloria
Photographies © Virginie Poisson

Le roman Martin Eden fait partie des ouvrages recommandés au lycée. Il s’inscrit dans le programme « Le roman et le récit du XVIII au XXe siècle », et plus particulièrement dans le parcours « Personnages en marge, plaisir du romanesque ».

Trancher : ou comment défaire des noeuds pour mieux nouer des liens : une subtile et délicieuse plongée dans les maux d’amour(s) d’une jeune femme d’aujourd’hui

Sur un grand lit-fouillis à l’odeur de déprime, pots de glace à la vanille engloutis sans gourmandise, boîte de mouchoirs en papier et bouquet ratatiné (très jolie et évocatrice scénographie de Cerise Guyon), une charmante jeune femme, yeux clairs et cheveux sombres, nous invite au creux de son intimité : au milieu de ses draps froissés et de ceux qu’elle y accueille.

Car oui, c’est bien là la pierre d’achoppement, à la fois butée et point de départ : son lit et son cœur délaissés. Une fois encore, elle a défait l’amour. Le garçon chéri a repris ses cliques et ses claques, et byebye beauté.
Une fois encore, mais cette fois, elle décide de trancher. Trancher dans le vif de ce besoin de s’empêcher, trancher dans la culpabilité et dans la frustration, trancher la gorge du monstre qui s’assoit sur sa poitrine et l’empêche de respirer.
Parce que cette fois de trop, c’est enfin la fois qui lui dévoile toutes les autres fois, qui les étale sous ses yeux et la dessille, lui montre l’éternelle répétition, le schéma qui la verrouille.
Alors pour sortir de l’impasse, aux grands maux les grands moyens, elle se lance dans une enquête minutieuse dans le labyrinthe de sa psyché, elle va détricoter la camisole affective, tirer sur les fils et remonter à la source.

C’est lui qui a posé les mots, mais c’est bien elle qui avait distillé l’acide qui ronge les sentiments.
« – Tu ne peux pas comprendre, tu n’es pas juif », serine-t-elle, et celui qui n’est pas juif s’en va.
« – Tu ne peux pas comprendre, tu es trop juif », pense-t-elle, et de celui qui est juif elle s’éloigne. Entre les deux son cœur comme un battant d’horloge oscille, va de l’un à l’autre, mais jamais ne s’équilibre.

Des Juifs qu’elle aime, elle aime l’immédiate connivence, les aspirations spirituelles, la tendresse, l’éclat passionné de la voix de l’érudit qui discute d’un point de la Torah. Des goys qu’elle aime, elle aime la complicité sensuelle, elle aime la conversation et la culture, et qu’ils la laissent danser, se vêtir, penser comme elle l’entend. Aux uns elle reproche de ne pas être les autres, et vice-versa. Et toujours elle se sent coupable. Quand elle est en couple avec un amoureux juif, c’est tout le Lévitique qui se penche sur son épaule pour la juger ; quand elle est avec un amoureux goy, c’est la longue histoire familiale qui l’accuse de trahison. Ici ou là, c’est ce qu’elle croit devoir à sa religion qui la mine. Car plus que la judéité ou non de l’autre, de l’aimé, c’est sa judéité à elle qui est en jeu, son « être-juive » qui étrangle ses sentiments. Il y a tapi en elle un « fils méchant », un « racha » qui conteste et se rebelle. Comment se réconcilier avec elle-même ? comment faire de ses méandres un chemin joyeux ?

Un très beau moment, parenthèse presque fantastique, laisse libre cours aux voix intérieures, et ce sont ses démons qui prennent corps et envahissent l’espace dans une magnifique et envoûtante image.

Sur son lit-radeau, en acceptant de trancher la tête du monstre, en s’ébrouant et se défaisant de la peur du jugement, elle largue les amarres et s’évade enfin de son sclérosant « pattern », elle ouvre la voie à l’acceptation de soi, et des autres dans leur multiplicité. Elle dénoue pour tisser, elle admet chaîne et trame, judaïsme et non-judaïsme, religiosité et sentiments, pour s’inventer une vie plus libre et plus complexe, riche de ses traditions et de ses aspirations.

Sophie Engel a nourri ce premier texte de son expérience et de sa sensibilité, le protégeant de tout pathos par une gracieuse fantaisie et une sincérité souriante présentes autant dans l’écriture que dans l’interprétation.
À ce premier texte déjà très mature, ses complices ont concocté un écrin subtil et délicat : une mise en scène humaniste et sans esbroufe, une création sonore – signée par la co-metteuse en scène Héléna Sadowy – particulièrement soignée, des lumières judicieuses de Gautier Devoucoux, des costumes d’Augustin Rolland marquant parfois de manière particulièrement poétique (la courtepointe-jupe) les transformations du personnage.
La ténue ombre au tableau – que j’appellerai « le moment développement personnel », sans doute difficile à éviter dans ce registre de spectacle-confidence —, a la mérite de se faire fugace, et de s’estomper dans une belle déclaration d’amour aux grandes et menues beautés de sa religion.

Trancher : un spectacle joliment dialectique, qui recoud, qui lie, concilie, qui ouvre des portes et fait circuler de l’air, généreux, intimiste et vivace, tout à la fois pétillant et profond.

Marie-Hélène Guérin

 

TRANCHER
Un spectacle de la compagnie Haut les coeurs !
À voir au théâtre La Flèche jusqu’au 13 décembre les samedis à 19h
Écriture et interprétation Sophie Engel
Mise en scène Sophie Engel & Héléna Sadowy
Scénographie Cerise Guyon | Lumières Gautier Devoucoux | Costumes Augustin Rolland | Création Sonore Héléna Sadowy
Photographies © Claire Dietrich

J’ai trop peur : « être ou ne pas être » en 6e, telle est la question !

On avait vu l’an dernier Je suis trop vert dont on avait beaucoup aimé la belle énergie, fraîche, enjouée et communicative.
On découvre avec appétit la reprise de « J’ai trop peur », le premier volet de cette trilogie de David Lescot sur la prime adolescence, centrée autour du moment du passage en 6e.

« Je sais, enfin, j’ai entendu, enfin, il paraît, enfin, j’imagine, enfin, tout le monde sait que la 6e, c’est l’horreur ! »
« moi », J’ai trop peur

Dans Je suis trop vert, « moi », le petit héros de la trilogie, était déjà en 6e, et partait en classe verte. On flashbackque de quelques mois, et on retrouve « moi » au dernier jour de CM2, déconfit, non, miné de trouille à l’idée de ce qui l’attend en 6e ; trouille qu’il va emmener avec lui en grandes vacances… Sa mère lui propose de rencontrer Francis, le rejeton ado d’une de ses copines, histoire de dédramatiser (et accessoirement de penser à autre chose pour le reste des vacances). Francis : jean grunge (bref, déchiré), casquette vissée au crâne, regard disparu derrière le cheveu gras, et malencontreusement pas décidé à mettre des jolies couleurs dans le tableau des années collège. De la cantine (dégueu), de la cour (une jungle sans pitié), des couloirs (où l’on se paume), des profs (à mauvaise haleine), des « grands » (qui soit te rackettent, soit te snobent), ou des bagues dentaires, on ne sait ce qui est le plus flippant. La 6e, c’est the struggle for life puissance 10, le premier cercle de l’enfer, le début de la fin…
Avec cette description apocalyptique de l’entrée en 6e, David Lescot ne ménage pas ses jeunes spectateurs (et leurs parents) dans ce premier opus où son jeune héros va faire ses premiers pas tremblants hors du cocon de l’école élémentaire. Mais comme le titre l’indique, ce n’est pas le collège le sujet, mais bien la peur que l’idée qu’on en a fait naître.

C’est avec l’acuité et la malice qu’on lui connaît que David Lescot donne vie à ce « passage initiatique », et interroge le mécanisme de la peur face à l’inconnu : comment cette appréhension fait son nid dans la p’tite tête du jeune héros, comment elle va se distiller dans son été et distordre le déroulement du temps, qui s’en trouve étrangement ralenti et accéléré…

Conseil, si c’est possible : binger la série ! Pour multiplier par trois le plaisir, et aussi… se rassurer sur l’avenir de « moi » : la 6e, ça fait plus peur quand on n’y est pas que quand on y est ! On se régale de l’écriture très orale, très actuelle, du décor-accessoire d’où émergent bureau d’écolier ou petite sœur, des bruitages qui donnent du volume à l’espace, on savoure le jeu plein de fantaisie des trois comédiennes qui incarnent aussi bien le jeune futur collégien, le grand dadais de Francis, la mini-mimi petite sœur – 3 ans, futée mais pas au point question langage « même pour son âge », que le dernier jour de CM2, le feu d’artifice du 14 juillet (si poétique dans sa simplicité !), ou même Quiberon (vagues, vent et mouettes)…
Un spectacle sans fausse pudeur, jamais mièvre, malin et tendre, à voir dès 8-9 ans.

Marie-Hélène Guérin

 

J’AI TROP PEUR
À voir au Théâtre de la Ville / Abbesses
Texte et mise en scène David Lescot
Avec Sarah Brannens, Élise Marie, Camille Bernon, Lyn Thibault, Lia Khizioua-Ibanez
Scénographie François Gauthier-Lafaye | Lumières Juliette Besançon | Costumes Mariane Delayre | Assistante à la mise en scène Mona Taïbi | Accessoires Élisa Couvert

Production
Compagnie du Kaïros. Coproduction Théâtre de la Ville-Paris. La Compagnie du Kaïros est soutenue par le ministère de la Culture – DRAC Île-de-France.

Señora Tentación : un duo sensuel, enjoué et tendre

À la Manufacture, un délicieux « théâtre dansé », comme on dirait du théâtre musical, où le geste dansé s’ajoute aux mots pour raconter.
De la compagnie Toujours après minuit, on avait déjà beaucoup aimé Salti.

E l’historia de un amor, comme dit une chanson… l’histoire d’un amour tout simple, raconté en mots et en mouvements par les deux amoureuses.
Elles ont la soixantaine, c’est bien bon de voir des femmes de cet âge être belles, s’aimer et danser, rire et vibrer ! Elles se sont rencontrées dans un bar « aux fenêtres obstruées, où les femmes de tous types et de tous genres » s’enlaçaient de paroles et de caresses. La femme de ménage et la concierge, la fine et la ronde, l’enivrée et la romantique, depuis s’aiment en secret, font semblant de boîter pour marcher corps à corps, se cachent des billets doux, se retrouvent un week-end par mois – cent ans par mois ! – pour boire du champagne dans des coupes, nouer leurs jambes et leurs rêves.

Elles nous disent leur histoire dans la langue charnelle de l’autrice Marie Dilasser, langue elle aussi dansante, gorgée d’enrobantes répétitions, de poétiques inventions. Elles nous flamenquent leur histoire, nous la tanguent et nous la valsent douce aussi. Dans un joli décor où poussent phrasiers et motsdamouriers, Roser Montlló Guberna, Brigitte Seth, l’une plus danseuse, l’autre plus comédienne, toutes les deux joueuses, gaies, nous emmènent dans l’intime et le quotidien de ces deux femmes amoureuses et secrètes, qui se chérissent et se disputent, se protègent et se libèrent. Un spectacle sensuel, enjoué et tendre.

Marie-Hélène Guérin

 

SENORA TENTACION
À voir à La Manufacture du 6 au 13 juillet
Texte Marie Dilasser
Chorégraphie et mise en scène Montlló-Seth
Lumières Guillaume Tesson
Scénographie Montlló-Seth
Musiques Chavela Vargas, Ruben Gonzalez, Hugues Laniesse
Interprètes Roser Montlló Guberna et Brigitte Seth
Photos Christophe Raynaud de Lage

Production Toujours après minuit
Coréalisation Les Plateaux Sauvages
Avec le soutien et l’accompagnement technique des Plateaux Sauvages
Avec le soutien de Florence Magnen et de la briqueterie CDCN du Val-de-Marne

La compagnie Toujours après Minuit est conventionnée par le Ministère de la Culture – DRAC Île-de-France et la Région Île-de-France, et reçoit le soutien du Département du Val-de-Marne.

Les Sœurs Dalton : la nouvelle création des Nomadesques, un western cartoonesque branché sur 10000 volts !

temps de lecture 3 mn

Les éponymes sœurs Dalton sont bien décidées à ne pas être que « les sœurs de leurs frères ».

Nettement plus barjottes que leurs renommés frangins, Eva, Lilia et Leona – dite Tornada – sont aussi nettement plus honnêtes, sans doute sérieusement plus courageuses, et, est-ce possible, sacrément plus fûtées.
Citoyennes de cette « bonne vieille ville calme de Toucalm City », elles se retrouvent chargées de convoyer la fortune que lègue à la ville le défunt James Poker Winner jusqu’à la banque, sise dans cette « satanée vieille ville dangereuse de Dangerous City ». La coquette somme devra servir à de grands et nobles projets : construire des écoles, des crèches, des orphelinats, des infrastructures routières, des bacs à fleurs (ad libitum, les bonnes causes ne manquent pas)… Autant vous dire que le trajet ne sera pas de tout repos (sinon n’importe quel autre Toucalmien aurait pu s’en charger). Tout ce que la région compte de malfrats et de benêts se met en travers de leur périple, et leur allié Luc Lechanceux, shérif aussi brave que borné, est presque aussi préjudiciable que leurs ennemis.

Rien ne manque : banjo, portes de saloon qui claquent, shérif à chapeau de shérif, bastons, fusillades et courses poursuite, farouches Indiens, chevauchées à travers les plaines, évasion de prison et french cancan en froufrous…
Les six interprètes ont une énergie folle, et la comédie est menée tambour battant.
Les dialogues fusent, croustillants à souhait, parsemés de référence qu’apprécieront les adultes – sans pour autant égarer les enfants. Les jolis décors « vintage » sont astucieux, manipulés à vue au fur et à mesure de l’histoire, pour transformer les lieux en un tour de main. Les costumes savamment patinés sont tout aussi réussis.

Les plus petits se régalent tout particulièrement des jeux de bruitages, équivalents hilarants des ZimBoumPifPaf Tacaclop Tacaclop Pan Pan Aaargh des bulles de BD. Un joueur de banjo-ménestrel pas loin d’être aussi horripilant qu’Assurancetourix distille des apartés loufoques et hilarants. Second et premier degrés rivalisent pour réjouir l’assemblée.

Les Nomadesques, compagnie qui a déjà mitonné quelques spectacles qui sont devenus des incontournables du Jeune public (tel « Le loup est revenu » à l’affiche depuis 10 ans sans faiblir !), ont composé là un spectacle familial malin, enlevé, joyeux, bien produit, et qui, ce qui ne gâte rien, se laisse savourer aussi bien par les adultes que les enfants avec un plaisir contagieux. Un futur classique ?
 

LES SŒURS DALTON
Au Buffon, du 5 au 26 juillet à 16h30
Texte Karine Tabet
Mise en scène Vincent Caire
Lumières Valentin Tosani
Costumes Magalie Castellan
Avec Aurélie Babled, Claire Couture, Karine Tabet, Gael Colin, Cédric Mièle, Cyprien Pertzing

Conseillé à partir de 7-8 ans