Stéphane Aznar

Very good trip

/0 Commentaires/dans , , /par

Tout commence comme un rêve improbable. 4 micros nous font face.

À gauche, un coin très rock : Hervé Rigaud et sa guitare électrique, un arsenal de pédales à effets sonores à ses pieds. Au centre et à droite, Philippe Lardaud et Régis Laroche encadrent Isabelle Ronayette. Laura Wilson, c’est elle.

Au son des riffs inspirés d’Hervé Rigaud, les trois comédiens nous proposent tout de go plusieurs versions de « Laura trucidant son patron », en mode cinémascope.

Godzilla, Kill Bill, et d’autres blockbusters y passent et sont autant de sources d’inspiration pour réinterpréter ce rêve éveillé que Laura nous balance en pleine figure dès le début de la pièce.
Le ton est tout de suite donné : nous allons partir pour un bien curieux voyage. Car Laura va très mal. Les ennuis volant toujours en escadrille, en quelques jours, sa vie bascule. Elle perd son travail, la garde de son enfant, son appartement. Parviendra-t-elle à remettre sa vie en marche ? À rencontrer l’amour ? À retrouver l’espoir ?

La vie trépidante de Laura Wilson, Jean-Marie Piemme, Jean Boillot, Festival Avignon, Théâtre 11 Gilgamesh-Belleville, coup de coeur Pianopanier

Le sujet du chômage, du déclassement, de la garde partagée d’un enfant, de la “reconstruction sociale”, pourtant ancrés dans une actualité quotidienne, ne sont pas si souvent proposés comme thèmes de théâtre. Peu d’auteurs, d’ailleurs, s’y frottent sans nous noyer, au mieux, dans un océan d’ennui, au pire dans une mare mielleuse de pathos.
Rien de tout cela ici : le dramaturge belge Jean-Marie Piemme a écrit un texte étonnamment tonique, furieusement moderne et malicieusement original.

Nous suivons Laura dans sa quête d’un nouvel amour, dans les questions existentielles liées à sa nouvelle inactivité, dans sa lente descente d’un ascenseur social décidément bien grippé.
Ce n’est jamais sombre, mais toujours, paradoxalement, empli de vie, d’énergie, et d’un furieux espoir.

La vie trépidante de Laura Wilson, Jean-Marie Piemme, Jean Boillot, Festival Avignon, Théâtre 11 Gilgamesh-Belleville, coup de coeur Pianopanier

« We Can Be Heroes »

La mise en scène de Jean Boillot, alliée à la scénographie innovante de Laurence Villerot y est pour beaucoup et participe grandement au plaisir qui nous prend à suivre cette vie si trépidante.
On n’énumérera pas toutes les très belles trouvailles de ce duo, pour ne pas déflorer le plaisir du lecteur de ces lignes.
On notera seulement combien l’emploi d’un simple smartphone peut faire passer l’émotion du point de vue d’un enfant, jouer les confesseurs psychologues, ou, étonnamment, déployer les grandes qualités d’une comédienne en cadrant son œil très serré.

Les trois comédiens qui entourent l’énergique Hervé Rigaud, auteur des compositions musicales inspirées qui ponctuent la pièce, sont absolument parfaits : Philippe Lardaud et Hervé Laroche passent sans coup férir de l’ami gay au play-boy aventurier de pacotille, en passant par l’ex-collègue transi et le patron goujat. Ce n’est jamais forcé, toujours juste et délicat.

Isabelle Ronayette est tout simplement exceptionnelle en Laura Wilson qui prend des coups mais qui se bat, qui se bat, qui se bat… comme une vraie héroïne de la vie quotidienne.

Cette rafraîchissante création est une magnifique surprise, et cette vie trépidante est à embrasser sans hésiter quand elle frappera à votre porte, au cours de la longue tournée qui l’attend – et qu’elle mérite amplement.

La vie trépidante de Laura Wilson, Jean-Marie Piemme, Jean Boillot, Festival Avignon, Théâtre 11 Gilgamesh-Belleville, coup de coeur Pianopanier

LA VIE TREPIDANTE DE LAURA WILSON
À l’affiche du 11 Avignon du 7 au 30 juillet 2017 – 15h40
Un texte de : Jean-Marie Piemme
Mise en scène : Jean Boillot
Avec : Philippe Lardaud, Régis Laroche, Hervé Rigaud et Isabelle Ronayette

Jean-Philippe Renaud

Je reviens de la vérité – Si tu rentres, toi, tu diras

/0 Commentaires/dans , , /par

C’est l’histoire d’une affiche, rencontrée le dernier jour du festival d’Avignon 2016, un de ces jours magiques où les âmes encore chaudes du festival, gorgées d’un bonheur nostalgique, se font déjà une joie du prochain. Je l’ai décrochée et je l’ai emportée avec moi. Depuis, elle ne me quitte plus. C’est l’une des plus belles, des plus sensuelles, des plus puissantes affiches du festival.
Une image. Une invitation à venir écouter le texte de Charlotte Delbo, résistante, déportée et femme de lettres. L’histoire de femmes, qui seront dans le seul convoi de résistantes envoyé à Auschwitz le 24 Janvier 1943.
Une image. Une image pour tenir, se retenir, comme ces mains suspendues au temps.

Une image. Une fresque d’une force inouïe, avec mille contrastes et mille émotions … qui nous frappe par sa beauté et sa douleur, sa force et sa fragilité, sa solidarité et l’abandon parfois … quand l’espoir s’éteint et qu’il ne reste de liberté que celle de choisir sa mort.

 »On n’attend pas la mort, on s’y attend ».

Une image pour dire. Dire l’indicible, dire l’invisible, dire l’impossible, dire l’impensable.

Agnès Braunschweig porte une mise en scène intime, intense. Un cercle blanc au milieu de la scène pour être le lieu des 18 fragments tirés de la pièce de Charlotte Delbo « Qui rapportera ces paroles? ». Espace théâtral par excellence, qui sera tout à la fois l’arrivée au camp où la déshumanisation retire son masque, le dortoir où « il fait peur de dormir parce qu’il fait peur de rêver » où les corps se touchent se réchauffent et se contaminent, lieu de peu de vie mais de vie quand même, parce qu’ici « personne ne tient à la vie, c’est la vie qui tient un peu à nous ».

Agnès Braunschweig, Edith Manevy, Caroline Nolot en vêtements gris et fichus gris sur la tête, sont bouleversantes; elles n’ont plus que leur voix et leur corps pour raconter et redonner vie à Françoise, Yvonne, Claire, Mounette, Denise, Gina, Renée et toutes les autres …. elles nous offrent leurs âmes aussi.

Je reviens de la vérité, de Charlotte Delbo, mise en scène Agnès Braunschweig, festival off Avignon 2017, coup de coeur Pianopanier

 »Si tu rentres toi, tu diras ».

Dans notre monde de mensonges, dans notre époque où la vérité perd ses sens, dire cette vérité, aux enfants, aux adultes, pour qu’ils le disent à leurs enfants, c’est réaliser le seul espoir de celles qui sont restées et de celles qui sont revenues de la vérité, c’est ne pas laisser le monstre ricaner sans fin comme la terre tremblante ricane en fixant ceux qu’elle engloutit. « Si tu rentres toi, tu diras ».

En arrivant en 2017, je l’ai vue tout de suite, il n’y en avait qu’une parmi les milliers qui flottaient au vent, je l’ai tout de suite reconnue. Elle était toujours aussi captivante, toujours aussi singulière. Troublante.

On y a juste ajouté « finaliste des coups de cœur 2016 ». A vous d’écrire ce qu’il y aura sur les prochaines …

JE REVIENS DE LA VERITE
Compagnie Prospero Miranda
À l’affiche de la Salle Roquille du 7 au 28 juillet 2017 – 13h
Un texte de : Charlotte Delbo
Mise en scène : Agnès Braunschweig
Avec : Agnès Braunschweig, Edith Manevy, Caroline Nolot
Photo de l’affiche par Jennifer Westjohn

Jean-Philippe Renaud

Ô-DIEUX : deux erreurs ne font pas une vérité

/0 Commentaires/dans , /par

Le drame du Proche-Orient et du conflit israëlo-palestinien fait partie de notre quotidien, il nous soulève le cœur régulièrement et pourtant nous l’oublions, parmi les restes du monde. La novlangue des communicants du conflit nous endort, et nous empêche d’y voir l’essentiel : les drames de ces hommes et de ces femmes qui se ressemblent tant. Pendant ce temps, la politique sécuritaire hystérise, la loi du talion insuffle son venin, la vengeance est célébrée par les enfants désespérés de générations perdues. Mais « deux erreurs ne font pas une vérité », et à ce jeu-là, personne ne gagnera jamais.

Le metteur en scène Kheireddine Lardjam prend soin de nous préciser, au début de la représentation, que la pièce a été jouée hors les murs : dans des écoles, les centres de quartiers, dans des prisons … là où le texte  »obus » de Stefano Massini est susceptible de prendre toute sa dimension, singulière et universelle. C’est important pour lui de nous le dire, c’est important pour le théâtre qui, chaque fois qu’il va à la rencontre des citoyens, se désacralise, souffle la poussière sur ses habits d’avant, devient utile.

Marie Cécile Ouakil, seule en scène, est belle, et décoche ses flèches comme une amazone à trois visages, au grand galop…

Marie-Cécile Ouakil, seule en scène, est belle. Elle fait vibrer le plateau du théâtre Gilgamesh Belleville avec une énergie virile (dont seules les femmes sont capables) et féline, elle décoche ses flèches comme une amazone à trois visages, au grand galop. Elle sera Eden Golan professeure d’histoire juive, Shirin Akhras, jeune étudiante palestinienne qui s’enrôle dans les brigades Al Khasam et Mina Wilkinson, militaire américaine en mission en Israël. Leurs trois histoires se mêlent pour n’en faire qu’une, celle d’une tragédie explosive qui se reproduit à l’infini. On quitte le feu de la salle avec le regret que la professeure juive ait pris ce ton précieux, presque arrogant, pour se raconter. Un ton qui sonne comme un parti pris, alors que le texte fort et intelligent invite sans aucun doute le spectateur à la réflexion, sans lui dire quoi penser. La mise en scène reste une création moderne et puissante, qui nous dessine ce trait noir sous les yeux, nous invitant à regarder en face notre propre façon de voir l’identité, notre identité, nos identités. « L’identité ne signifie pas ce que nous sommes mais ce que eux ne sont pas » … tout est dit. On ne sait plus à la fin qui de la juive, de la palestinienne ou de l’américaine aura prononcé ces mots … et pour cause. Merci pour ces interrogations vitales, qui résonnent bien singulièrement dans le contexte politique fou que nous traversons.

Ô-DIEUX
À l’affiche du 11 GILGAMESH AVIGNONdu 7 au 28 juillet 2017 – 13h40
Un texte de : Stefano Massini
Mise en scène : Kheireddine Lardjam
Avec : Marie-Cécile Ouakil

Redaction PianoPanier

Guigue et Plo : absurdément vôtre !

/0 Commentaires/dans , , , /par

Il y a Tintin et Milou, Dupont et Dupond, Bonnie and Clyde, Laurel et Hardy, Rox et Roucky, Astérix et Obélix… Et puis, il y a Guigue et Plo, deux personnages complètement décalés et loufoques.

Le premier mène la danse à la baguette, il ordonne et décide sans scrupule, le second essaie de tanguer, clopin-clopant et perturbe avec malice la danse du maitre. Pourtant, l’un ne va pas sans l’autre, cela va sans dire. Ils tissent à eux deux un nouvel espace de l’absurde et du rire, en créant un décalage entre leurs propres attentes et les expériences incongrues qu’ils font du monde. Ils s’interrogent mais pas que, ils chantent, courent, dansent… on ne peut pas les arrêter. On dirait qu’ils sortent tout droit d’une bande-dessinée, avec une petite pointe rétro qui les rend inattendus et si attachants.

Guigue et Plo, ici et là une pièce de la Compagnie Le Saut du Tremplin, au festival Off d'Avignon 2017, théâtre des Barriques, avec Alexis Chevalier, Grégoire Roqueplo, mise en scène François Jenny, coup de coeur Pianopanier

« Guigue: De toute façon, tu as toujours été là !
Plo: Pardon, faux procès. J’ai toujours été par ci, par là….
Guigue: On ne peut pas être ici et là à la fois
Plo: Echangeons nos places, on verra bien si je suis ici à ce moment là
Guigue: Si tu veux.
Alors ?
Plo: C’est vrai que vous y êtes
Guigue: Où ça ?
Plo: Ici… et moi là. »

Les mots sont drôles, la répartie fine, l’esprit enjoué, et la performance belle. Tout pour nous plaire.

Guigue et Plo, ici et là une pièce de la Compagnie Le Saut du Tremplin, au festival Off d'Avignon 2017, théâtre des Barriques, avec Alexis Chevalier, Grégoire Roqueplo, mise en scène François Jenny, coup de coeur Pianopanier

5 raisons d’aller voir Guigue et Plo au théâtre des Barriques, si vous êtes de passage à Avignon cet été :

1) parce qu’ils sont fous et qu’on aime les gens fous
2) parce qu’ils sont (vraiment) drôles et qu’on aime (vraiment) rire
3) parce qu’on a tous besoin d’une bonne dose d’absurde
4) parce qu’ils seraient trop tristes de ne pas vous voir
5) parce qu’autant d’humour et de joie à 18h30, ça ouvre forcément l’appétit !

GUIGUE ET PLO : ICI ET LA
À l’affiche du Pixel Avignon du 6 au 29 juillet 2018 – 18h30
Un texte de : Alexis Chevalier, Grégoire Roqueplo
Mise en scène : François Jenny
Avec : Alexis Chevalier, Grégoire Roqueplo

Marie-Hélène Guérin

Fille du paradis, la beauté déchirée

/1 Commentaire/dans , , , /par

Un espace qui semble au premier regard abstrait, de grandes glaces, des tentures noires pour clore la scène, et puis dans un coin un empilement de chaises qui donne un sens au lieu, une salle de bar après la fermeture, ou avant l’ouverture, une salle qui accueillera des clients mais pour l’heure déserte.
C’est l’histoire de Cynthia, jeune étudiante en littérature qui décide un jour de composer le numéro de la plus grande agence d’escorte de Montréal.
Cette Fille du paradis, la Putain du roman autobiographique de Nelly Arcan adapté ici par Ahmed Madani, c’est Véronique Sacri qui lui prête – ou plutôt qui lui offre en pâture – sa voix, son joli visage au regard franc, page vierge pour les pensées brûlantes, les émotions dures à venir.
Ahmed Madani est de ces metteurs en scène ardents et courageux, qui s’emparent du monde, de leur société, pour en faire œuvre de théâtre. Récemment F(l)ammes, sa dernière création, était à l’affiche de la Maison des Métallos. Saisi par l’humanité meurtrie de la romancière, Ahmed Madani a voulu « mettre en jambes, en chair, en sang, une langue qui se prête magnifiquement à la profération à haute voix » pour plonger « dans cette écriture, happés par la puissance d’un récit qui n’épargne ni les hommes ni les femmes. » Il donne à ce texte un écrin sombre, précis, sans fioritures, qui intensifie la présence de la comédienne.

Le ton semble d’abord à la confidence, simple et léger : plus qu’une confession, c’est la conversation conviviale d’une jeune femme d’aujourd’hui, presque anodine, même si le propos est d’emblée sans voile. La salle reste éclairée, une même lumière partagée par la comédienne et les spectateurs, sans crudité mais sans ombres où se dissimuler.

Se faire putain « pour renier tout ce que j’étais. »

La mère, un « débris de mère », une femme épuisée, une forme sous un drap, des cheveux épars sur l’oreiller, si peu une mère ; le père, lui, « il ne faisait que ça, croire en dieu, prier dieu, prévoir le pire pour tous » , alors faute de parents pour l’aimer, ce sera une enfance chez « des sœurs que je devais appeler mère, et qui portaient un faux nom, qu’elles s’étaient choisies elles-mêmes, des sœurs-mère qui m’ont enseigné l’impuissance des parents à nommer leurs enfants ». Puis les fenêtres de l’université qui donnent sur la rue des bars, il n’y a plus qu’un pas à faire, un coup de fil… « l’occasion se présentait de me dévêtir de ma campagne »
La sœur, elle est « morte depuis toujours, mais elle flotte encore au-dessus de la table des repas. Je lui ai pris son nom comme nom de putain, c’est pas pour rien, quand les clients m’appellent ils la rappellent d’entre les morts »

Nelly/Cynthia, elle a toujours su qu’elle appartenait aux autres, une de celles à qui l’on donnait un nom, des ordres : le pensionnat des religieuses, les clients, même négation de quelque chose de soi, ce quelque chose après lequel la narratrice court désespérée, qui la rend muette, heures perdues muette sur le divan du psychanalyste. Pour se délivrer de son mutisme : l’écriture, sujet à peine mentionner mais pilier du texte, écrire pour enfin dire.

Cris et murmures d’une femme sans nom, sans mots

Rupture, la lumière s’éteint sur la salle, se resserre sur la comédienne, la musique surgit brutale, pieds nus, cri, une danse frénétique, puis le silence, le corps immobilisé, statue de sel perchée sur une étroite estrade.
Dans une obscurité prenante, une plongée dans la vie de putain, les rythmes des jours, la succession des hommes.
« Je n’ai pas rêvé ces hommes, ce n’est pas de moi qu’ils bandaient, c’est de ma putasserie, parce que j’étais là pour ça »
Petit à petit le visage renaît du noir. La voix plus rauque, le débit plus rapide.
« L’argent sert à ça, se détacher de sa mère, de la laideur de sa mère » – le silicone, la chirurgie, pour se faire croire qu’on ne vieillit pas, pour être sûre qu’on ne vieillit pas comme sa mère, chair flasque, bouche fatiguée, seins qui ne vont plus conquérir le monde. « Les femmes ont toujours trop de ce qu’elles ont, trop de ce qui les fait femme »

Le visage lisse, rond, frais, le pétale de rose de la peau, l’ovale délicat du menton, ont disparu sous la rage, sous la peur, Véronique Sacri a anéanti la fraîche étudiante pour donner corps à l’usure, la laideur… la putain furie déborde, larmes, sueur, ruisselle de la comédienne. Confiance en son metteur en scène, sans doute, qui a su l’accompagner loin sur les chemins de l’incarnation ; densité des mots qu’elle profère – solidité de la langue et richesse du sujet ; talent et générosité de son jeu : tout cela lui donne la force nécessaire pour se mettre en danger.

« il faut être deux pour jouer à ce jeu,
un pour frapper à la porte, un pour l’ouvrir »

Sans réconciliation, peut-être même sans espoir, mais sans amertume, un apaisement, une respiration peuvent renaître : « j’aimerais vous dire la splendeur des paysages, la beauté du monde si je savais la voir, mais je suis trop occupée à mourir.»

Depuis longtemps Véronique Sacri-Cynthia n’a pas quittée la petite estrade, espace restreint, sa cellule de couvent, sa chambre de pute, sa famille-prison, espace clos et impersonnel où pourtant, sœurs siamoises, verbes et corps tendus, auteur et interprète déploient leur liberté sans bornes. Les notes de PJ Harvey, autre femme forte, les auront accompagnées sans redondance, contrepoint rageur, ample souffle vibrant de guitares saturées.
La mort ne rôde pas, elle dévore. Elle a dévoré Nelly Arcan. Elle jette des lueurs incandescentes sur cette Fille du paradis. Une heure brève et intense, un coup au cœur, un noyau dur d’humanité, flamboyante et poignante.

Marie-Hélène Guérin

 

FILLE DE PARADIS
En tournée et à voir actuellement à Avignon du 7 au 28 juillet 2017 à L’Artéphile à 18h10
D’après le roman Putain de Nelly Arcan
publié par les Editions du Seuil et les Editions Points
Adaptation et mise en scène Ahmed Madani
Avec Véronique Sacri

Sabine Aznar

Nous qui sommes cent débarque à Avignon

/0 Commentaires/dans , /par

Elles sont cent. Peut-être bien plus que cela. Et cependant elle est désespérément seule, cette femme qui nous parle d’elle. Qui nous parle de nous. Au travers d’une multitude de voix qui résonnent ici et maintenant. Des voix qui nous touchent, nous embarquent, nous renvoient à nos propres démons.

Physiquement, réellement, au plateau, elles ne sont que trois. Trois comédiennes pour incarner ces cent et quelques voix. Trois intrépides encore peu connues qui portent bien leur nom. Intrépides lorsqu’elles décident, en direct de l’Ecole Blanche Salant, de monter ce projet un peu fou. Intrépides dans le choix d’un texte contemporain qui en déroutera sans doute certains. Un texte ultra féministe né de la plume d’un poète dont les origines suédoises et tunisiennes l’ont très tôt exposé à la question du langage. Un texte multi-culturel écrit par un « barjo des mots », comme il se désigne lui-même.

Intrépides, les trois comédiennes le sont tout spécialement dans leur jeu. Elles n’hésitent pas à prendre des risques, sans que cela n’altère jamais la justesse de leur interprétation. Caroline Monnier, tellement naturelle dans le rôle de la jeune rebelle – pour un peu, on prendrait les armes à ses côtés. Isabelle Seleskovitch, si émouvante dans la femme qui doute, tour à tour fragile et exaltée. Laura Perrotte a relevé la gageure de se mettre elle-même en scène à leurs côtés. Elle endosse le rôle de la « femme mûre ». Celle qui, arrivée au bout du chemin, se retourne et interroge ses « différents mois ». Celle qui nous fait réaliser, au final, que nous aussi, nous sommes décidément cent…

Au Nouveau Ring, un collectif qui porte bien son nom :

1 – Les Intrépides nous font découvrir Jonas Hassen Khemiri, cet auteur multiculturel encore trop peu connu en France.
2 – Les trois comédiennes relèvent un défi de taille : sur scène elles ne sont pas une, ni trois, elles sont multiples et toujours parfaitement justes.
3 – Chacun, chacune de nous se projettera nécessairement dans l’une ou plusieurs de ces différentes facettes qu’elles incarnent, et pour ce voyage au travers de nous-mêmes nous ne pouvons que leur dire merci!

NOUS QUI SOMMES CENT
À l’affiche du Nouveau Ring du 7 au 30 juillet 2017 – 18h
Un texte de : Jonas Hassen Khemiri
Mise en scène : Laura Perrotte
Avec : Caroline Monnier, Laura Perrotte, Isabelle Seleskovitch

 

Sabine Aznar

Pour (re)découvrir les 1001 facettes de Méliès

/0 Commentaires/dans , , /par

Voici plusieurs années que le talentueux et prolifique Alexis Michalik a créé son Cercle des Illusionnistes, un spectacle sur le thème de la magie à travers l’histoire de Jean-Eugène Robert-Houdin, magicien novateur du XIXe siècle, et Georges Méliès, le grand inventeur du trucage au cinéma. Plus confidentiel, mais tout aussi délicieux, un spectacle intitulé Méliès, Cabaret magique sera présenté cet été au Festival Off d’Avignon par la Compagnie du Théâtre à Bretelles.

Ils sont cinq sur scène : deux conteurs, deux musiciens, un magicien pour nous chanter les mille et un visages de Georges Méliès. L’exercice était compliqué, voire périlleux, tant la vie et l’oeuvre de ce génie prolifique offre de pistes et de sources d’inspiration.

Méliès Cabaret magique, Avignon festival off, critique coup de coeur Pianopanier@Samuel Zucca 

Le spectacle est rythmé par des séquences de projection de films de Méliès  : une vingtaine de films pour la plupart méconnus, principalement en relation avec l’illusionnisme. Car c’est Méliès le cinémagicien qui est au coeur de la pièce. Entre escamotage de dames, danseuse microscopique et Eclipse de soleil en pleine lune, le choix des séquences nous révèle les multiples facettes de cet artiste hors norme.

Méliès Cabaret magique, Avignon festival off, critique coup de coeur Pianopanier

“Avec sa soudure, il vient tout juste d’inventer le montage.”

Mais les projections ne sont pas les seules jolies surprises que nous réserve Anne Quesemand. Elle s’est entourée de Laurent Grynszpan qui a composé spécialement pour le spectacle. Il interprète lui-même ses morceaux au piano, seul ou à quatre mains avec Betsy Schlesinger lorsque celle-ci ne joue pas d’autres rôles. Saluons ici le talent de ces deux « musicomédiens ».

Et puis, magie pour magie, la compagnie a eu la bonne idée de faire monter sur scène, sortir de l’écran, apparaître subrepticement Sylvain Solustri, figure emblématique, co-fondateur du Musée de la magie et comédien. Chacune de ses interventions sera l’occasion de faire participer le public, mais n’en dévoilons pas trop… laissons la magie opérer.

Ce charmant spectacle pluridisciplinaire ne sera présenté qu’en seconde partie de Festival, à partir du 20 juillet, mais les parisiens pourront se rattraper à la rentrée où il sera repris au Théâtre de la Vieille Grille.

Méliès Cabaret magique, Avignon festival off, critique coup de coeur Pianopanier

MELIES, CABARET MAGIQUE
À l’affiche de L’Espace Alya du 20 au 30 juillet 2017 – 19h
Texte, jeu, accordéon, bugle, bruitages : Laurent Berman et Anne Quesemand
Musiques originales : Laurent Grynszpan
Magie en alternance :  Sylvain Solustri
Piano : Laurent Grynszpan et Betsy Schlesinger

Marie-Hélène Guérin

Attrapez la « Queue du Mickey » ! ou l’hypothèse farfelue du bonheur

/0 Commentaires/dans , , /par

Dans les années 80 les téléphones étaient fixes, à cadran et munis d’un écouteur qu’on collait à son oreille pour guetter la conversation, au coude à coude avec celui qui avait décroché. On portait sans ironie des pulls en laine sans manche sur des chemises à motifs, des jeans taille haute et des sacoches banane. On écoutait de la musique sur des radio-cassettes. Les réseaux sociaux n’étaient pas virtuels. On disait « c’est sensass ».

Quelque part par-là, un petit groupe d’auto-proclamés « Malheureux Anonymes » va tenter, avec beaucoup de maladresse et plus ou moins de réussite, de « décrocher » du malheur. Ce soir-là, Vincent-François-Paul, Gérard-Philippe, et Michellemabel (et une Jakikénédy d’autant plus factice qu’en plus d’être en carton elle n’est même pas Jackie Kennedy) interrompent leur séance de rire-thérapie pour accueillir un nouveau venu, Norbert. Ensemble, ces drôles de personnages testeront des ateliers de joie, des expériences de bien-être, ils essaieront d’élaborer un mode d’emploi, une recette, pour être enfin heureux.
La Queue du Mickey - photo 01

« Tu te reconnectes à la joie,
tu dis « oui » à le rire »

Clowns piteux, ils se prennent perpétuellement les pieds dans le tapis. Les objets leur tendent des pièges – comme si la vie n’était pas assez compliquée comme ça ! Egarés au milieu d’un plateau trop grand pour leurs solitudes, ils cherchent parfois refuge sur un canapé gonflable : le piètre siège s’obstine à les mettre sans cesse en déséquilibre au moindre mouvement. Leurs perruques leur donnent un air irréel, leurs vêtements ne leur vont pas tout à fait. Leurs sacoche, sac-banane, baise-en-ville, minuscules remparts, les encombrent. Le téléphone sonne toujours au mauvais moment…

Et pourtant, avec une ténacité sans faille et un entrain remarquable, le petit groupe cherche à déjouer les coups bas de l’existence pour se donner la chance de peut-être, un jour, sur le manège de leur vie, réussir à décrocher la « queue du mickey », pour gagner le tour gratuit, la peluche, le sourire de la jolie voisine !
Tout est bon pour essayer de gagner des points, on dévoile son animal-totem, on se remémore des souvenirs joyeux, on joue au jeu des sept familles : “dans la famille « plaisirs solitaires » je voudrais « j’écris une carte postale à mes amis »’’…

« Fais quelque chose, mon p’tit Gérard, t’es tellement avachi
que quand tu bouges on dirait que t’es immobile »

La mise en scène est alerte, discrètement farfelue, sans temps morts. Les personnages semblent sans cesse animés, les exercices physiques auxquels ils se livrent pour se libérer de leurs peurs ou leurs névroses sont autant de moments un peu barges où les acteurs, sans se départir de leur sincérité, font montrent d’une belle dinguerie.

Et lorsque leur sarabande s’interrompt, c’est pour laisser placer à de vraies ruptures du temps, des moments extraits du cours de l’histoire, suspendus, d’une certaine manière sans durée.
Chacun à leur tour, les protagonistes vont aller s’enfermer dans les toilettes du local, s’y dire ses quatre vérités, soliloques désespérés et vaillants. Espace « à part », séparé du plateau par des rangées d’ampoules nues, cousines des « servantes » chargées de veiller à la nuit des théâtres. Petite bulle adoucie d’une très tendre version des « Moulins de mon cœur » en allemand. Emotion poignante des solitaires face au miroir.
On ne sait pas si c’est courir après le bonheur ou y renoncer qui est le plus dérisoire.

La Queue du Mickey - photo 04

« Il faut enfermer ta tristesse
dans le coffre-fort de ton courage »

Sous les déguisements bigarrés et la fantaisie, les comédiens sont délicats.

Yann de Monterno, « Gérard-Philippe » – petit blond au sourire volontariste-, a l’art précieux de la rupture comique; Pierre Hiessler, le regard un brin effaré, donne un relief touchant à son « Norbert » le dernier arrivé du groupe, accroché à son attaché-case comme à une bouée; Luc Tremblais est un Vincent-François-Paul au corps rond et aux mouvements aériens, sa colère nous mènera du rire au serrement de cœur d’un même élan. Florence Muller campe une Michellemabel qui tente de tenir la barque à flot : « ici, on n’est pas trop pour les personnes qui sont complaisantes avec leur tristesse », va-t-elle asséner à Norbert en guise de bienvenue… Précise et pétillante, grosses lunettes lui mangeant le visage, elle offre à sa Michellemabel malice, force et failles émouvantes.

« On a tous l’impression
de sauter de joie de l’intérieur »

Avec eux quatre, rire et sentiments peuvent littéralement coexister, bouffonnerie et rage, ridicule et tendresse – ce qui fait le charme particulier de ce spectacle, d’une fantaisie profonde. On y retrouve l’humour teinté de surréalisme, le regard acéré sur nos travers et nos faiblesses, l’utopie du « ensemble », et la poésie fantasque et douce qui animait déjà le précédent opus des auteurs, La Beauté recherche et développements.

Drôlerie et gravité se mêlent pour composer ce portrait de groupe à l’humanisme sensible. Vincent-François-Paul et les autres finiront par cesser de répondre à l’intrusif téléphone, et par déposer leurs bagages. On les quitte le sourire aux lèvres.

La Queue du Mickey - photo 02

LA QUEUE DU MICKEY
A voir actuellement à Avignon au théâtre Les 3 Soleils du 7 au 30 juillet à 15h30
Un spectacle de Florence Muller et Eric Verdin
Avec Pierre Hiessler, Yann de Monterno, Florence Muller, Luc Tremblais

Retrouvez ici Florence Muller en entretien avec PianoPanier

Marie-Hélène Guérin

Flon Flon, ou La Véritable Histoire de l’humanité

/0 Commentaires/dans , , /par

« Les Epis Noirs ont l’expressivité des acteurs du muet, le muet en moins. Et de les entendre s’époumoner, déclamer, chanter, roucouler, ça réveille et ça réchauffe, ça revigore et ça réconforte. Un spectacle absurde et béat, sordide et idyllique, drôle et torturé. » – Mona Chollet, Charlie Hebdo.

Perché sur une malle de voyage, Pierre Lericq commence par le commencement.
Au début, il n’y avait que Dieu, et du vent qui soufflait au milieu de rien. Dieu, qui trouve que son existence tout seul au milieu du vent qui souffle au milieu de rien est un peu monotone, crée Boucieu-le-Roi, Ardèche. Ça semble une bonne idée mais comme rien ne s’y passe, ça ne désennuie pas tellement plus. Dieu va se lancer dans l’expérience de sa vie (et de la vie en règle générale, à bien y penser) : il crée l’homme (à son image) et la femme (dont il est assez content).
Evidemment, « ils se sont vus, ils se sont plus, ils se sont vaincus et c’est là que les ennuis ont commencé vraiment. » Alexandre et Manon, son Ève-anescente, son Ève-anouie, sont heureux, et Dieu continue de s’enquiquiner, il vire jaloux, ni une ni deux, il crée le Mal, ce sera Pierre, le frère d’Alexandre.

Flon Flon

« Pierre, proxénète à Paris, vient visiter son frère Alexandre
dans son village d’Ardèche. Il séduit sa femme, Manon, enceinte.
Il l’enlève. Il la met sur le trottoir, il la tabasse. Elle l’aime.
Elle aime aussi son mari, qu’on enferme à l’hôpital psychiatrique.
On rit énormément. » résume avec pertinence Bertrand Dicale, journaliste qui connaît la chanson.

On a donc : Dieu, Boucieu-le-Roi en Ardèche, Paris, Alexandre, Manon et Pierre : la vie avec toutes ses complexités va pouvoir se déployer, s’embrouiller, s’inventer, ils vont s’aimer, se tromper, se quitter, se maltraiter, s’aimer encore l’un l’autre, ou l’un l’autre autre, ou l’autre l’autre, à deux, à trois.
A « jardin », trois musiciens épatants, entre folk des Balkans, bal musette et mélodies lancinantes : Marwen Kammarti au violon, Svante Jaccobson à la contrebasse, Fabien Magni à la guitare et l’accordéon. Pour tout décor : deux malles de voyage qui deviendront estrades ou percussions ; un lustre baroque ; deux guirlandes d’ampoules nues ; des éclairages précis, sobres, élégants, beaux noirs profonds ou lumières rasantes et chaudes de fin d’après-midi.

Les cascades de jeux de mots font surgir une enfantine poésie qui d’un regard, d’un rythme, va se muer en folie douce, en folie furieuse, en gravité poignante ; Les Epis Noirs savent laisser naître un bref jaillissement de trivialité ou d’ironie au détour d’un moment tendre, et du mot suivant l’effacer.
Chansons émouvantes ou cocasses (ou les deux) se mêlent étroitement au récit. Lionel Sautet (accordéon, malle et voix), vif-argent, fin et tendre, Manon Andersen (mise en scène, pipeau, malle et voix), intense et généreuse, Pierre Lericq (textes, musiques, mise en scène, guitare et voix), farfelu autant qu’enflammé, chantent, jouent, dansent, musiquent eux aussi.
Avec une humanité débordante et fougueuse, tous trois, avec la complicité joyeuse de l’orchestre de poche, nous embarquent dans leur cabaret fantasque un peu barje, cette « folle histoire de la création du monde », qui est avant tout la folle histoire de la naissance de l’amour et de l’invention de tous ses possibles.
On en ressort ragaillardi, avec une furieuse envie d’aimer.

Flon Flon, ou La Véritable Histoire de l’humanité
A voir actuellement à Avignon au Pandora du 7 au 30 juillet 2017 à 13h20
Un spectacle de Pierre Lericq

Mise en scène
 Manon Andersen
Avec Pierre Lericq, Manon Andersen, Lionel Sautet
et les musiciens Marwen Kammarti, Svante Jaccobson, Fabien Magni

 

Sabine Aznar

Un Marivaux acidulé qui donne la pêche !

/0 Commentaires/dans , , /par

Succès oblige : nous republions ici notre critique d’un spectacle découvert à sa création, et qui depuis, a fait bien du chemin… Entre le Festival d’Avignon 2016 et le Festival d’Avignon 2017, la pièce a connu une très belle saison au Lucernaire, puis dans le ravissant écrin du Théâtre Michel, et 2018 le voit revenir à Avignon pour un nouveau festival, au Théâtre du Roi René !

La Compagnie La Boîte aux Lettres, née en 2009 de la rencontre de Salomé Villiers, Bertrand Mounier et François Nabot nous propose une mise en scène pop et acidulée qui a su conquérir de nombreux spectateurs.

Rappelons l’argument de départ de la pièce de Marivaux : Silvia accepte difficilement d’être mariée par son père à un inconnu. Pour observer tout à loisir le caractère de ce fameux prétendant, elle endosse le costume de sa suivante Lisette. Péripéties et rebondissements seront au rendez-vous, jusqu’à ce que l’amour finisse par triompher, par jeu et par hasard !…

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier@ Julien Jovelin 

Le parti pris de Salomé Villiers, qui met en scène et interprète le rôle de Silvia était de donner un côté « rock » à la pièce de Marivaux. Ainsi les costumes d’époque sont-ils remplacés par des tenues mode tendance « psychédélique ». De même, la musique nous entraîne du côté des Sonics et des Troggs. L’usage de la vidéo apporte également un petit côté décalé au spectacle.

Mais le plus important reste le texte, la langue de Marivaux n’ayant pas besoin d’être modernisée tant elle demeure contemporaine. Et cette langue est servie par une troupe de comédiens réellement talentueuse. Salomé Villiers campe une Silvia touchante dans son désarroi, Raphaëlle Lemann une Lisette époustouflante de justesse, Philippe Perrussel un Orgon tout en nuances, François Nambot un Dorante séduisant de sincérité, tandis qu’Etienne Launay et Bertrand Mounier rivalisent de drôlerie.
Ensemble, ils nous font rire, nous émeuvent, nous étonnent et nous enchantent.

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier@ Karine Letellier 

Trois raisons d’aller faire un petit tour au Théâtre du Roi René :

1 – Pour découvrir ou redécouvrir ce texte toujours aussi moderne de Marivaux – sans doute l’une de ses plus belle pièce.
2 – Pour les comédiens réunis par Salomé Villiers, avec mention spéciale « aux filles » : Salomé Villiers et Raphaëlle Lemann sont bourrées de talent.
3 – Rien de tel pour chasser « le spleen du dimanche soir » : testé pour vous, l’effet est garanti, sur les grands et les petits ! Un Marivaux acidulé et bourré de peps, puisqu’on vous le dit !

LE JEU DE L’AMOUR ET DU HASARD
À l’affiche du Théâtre du Roi René du 6 au 29 juillet 2018 19h05
Une pièce de Marivaux
Mise en scène : Salomé Villiers
Avec : Etienne Launay, Raphaëlle Lemann, Bertrand Mounier, François Nabot, Philippe Perrussel et Salomé Villiers