Sabine Aznar

Reprise du Tartuffe de Luc Bondy à l’Odéon Théâtre de l’Europe

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Le plateau des Ateliers Berthier façon échiquier géant nous invite à une partie où tous les coups sont permis. Que d’énergie dans ce spectacle, de plaisir, de sensations, de beauté, de subtilité, d’intelligence, d’efficacité, de trouvailles. Ce qui passionnait Luc Bondy dans Tartuffe, c’est l’histoire de famille que raconte la pièce – « parce qu’elle fournit un modèle de toute une société ». Et quelle famille que celle d’Orgon ! À commencer par lui, ce maître de maison qui ne l’est plus du tout, un être influençable, malléable, manipulable. En adoration totale devant celui qui l’a « tartuffié ».

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© Thierry Depagne

Les histoires de famille finissent mal en général, mais pas toujours…

Autour d’un formidable Samuel Labarthe, tous semblent en souffrance. Son épouse Elmire – flamboyante Audrey Fleurot qui reprend le rôle créé par Clotilde Hesme – délaissée, négligée, abandonnée… Sa fille Marianne – la prometteuse Victoire du Bois qui fut une magnifique Sacha, dans l’Ivanov de Luc Bondy – introvertie, timide, gauche, mal dans sa peau, éperdue d’amour et promise à un autre. Son fils Damis, – irrésistible Pierre Yvon – impétueux et prêt à en découdre avec la monstruosité, l’ignominie qui rôdent dans la demeure. Son frère, peut-être le plus raisonnable de tous, et sa mère, encore plus entichée de Tartuffe représentent les deux extrêmes de cette cellule familiale moribonde.

Pour faire éclater ce noyau familial, pour en dénouer les liens un à un, Luc Bondy avait eu cette idée géniale de faire appel à Micha Lescot. Longiligne en dépit d’une fausse bedaine, dégingandé, svelte et voûté, agile et souple, il apparaît brusquement, il est là sans qu’on l’ait vu arriver. Malsain à souhait, obséquieux, inquiétant, dérangeant, louche, menaçant, terrifiant. Evoquant une sorte de créature mi-insecte, mi-lombric. Toutes ses scènes sont glaçantes, même si certaines nous font rire, comme celle où il s’en prend à Damis. Pas de doute, Luc Bondy nous a légué ici une mise en scène mémorable, et pleine de vie…

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Jean Giraudoux déclarait que « la plupart des pièces que nous considérons comme des chefs d’oeuvre tragiques ne sont que des débats et des querelles de famille » :

1 – C’est bien sous cet angle que Luc Bondy avait abordé l’une des plus belles pièces de Molière.
2 – La distribution qui n’est pas celle d’origine est encore plus percutante, notamment grâce au talent de Samuel Labarthe.
3 – Sur le plateau, on assiste à une histoire parallèle : celle d’une troupe de comédiens devenus orphelins, qui chaque soir rend hommage à un immense artiste.

Tartuffe – Spectacle vu le 28 janvier 2016 aux Ateliers Berthier
A l’affiche de l’Odéon-Théâtre de l’Europe jusqu’au 25 mars 2016
Mise en scène : Luc Bondy

 

Sabine Aznar

La Cerisaie de Christian Benedetti, percutante

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Pour moi, il y a Tchekhov, Shakespeare, Molière… et les autres. Et pour moi, en première place du trio, il y a Tchekhov. Alors forcément, je guette les multiples mises en scène de ses différentes pièces, et s’il m’arrive d’être déçue je ne manquerais pour rien au monde ces rendez-vous. Et forcément, parmi ces rendez-vous, je ne pouvais louper la rencontre d’exception avec la Cerisaie de Christian Benedetti. Car amoureux de Tchekhov, il l’est depuis fort longtemps ! À tel point qu’il s’est lancé, voilà plus de cinq ans, dans le projet de monter l’intégralité de l’œuvre. Après La Mouette, Oncle Vania et Les Trois Sœurs, voici donc « sa » Cerisaie. Ultime pièce d’Anton Tchekhov. Celle dont il sait qu’elle sera la dernière. Celle qui l’accompagne inexorablement vers la mort.

Comme le dit très justement Christian Benedetti, « il faut accepter de ne pas tout comprendre chez Tchekhov ». Cette œuvre inépuisable est souvent traduite par des mises en scène obscures, nébuleuses, voire inintelligibles… Rien de tout cela chez Benedetti ! Son spectacle est fluide, limpide. Il s’écoule à toute vitesse. Il nous embarque dès les premières secondes. A tel point qu’on a du mal à les quitter, ces Lioubov, Varia, Lopahkine, Gaïev et consorts. On ressort nostalgique. Car on a passé des moments de pur bonheur avec chacun d’eux. Outre le rythme effréné, la scénographie dépouillée, réduite à l’essentiel – celle-là même que Tchekhov revendiquait – la vraie réussite de ce spectacle tient à la direction d’acteurs. Christian Benedetti parvient à faire cohabiter leurs partitions respectives, à nous enticher de chacun des rôles, à guetter les instants de collision. La distribution est parfaite : il faudrait tous les citer.

Au final, on quitte le Théâtre du Soleil en rêvant de ces « Nuits Tchekhov » que la Compagnie Benedetti nous offrira un jour. Tant il est vrai que ce dialogue privilégié entre les deux compères est délicieusement infini…

Poursuivant ce qui, un jour, fera date dans l’exploration de l’œuvre de Tchekhov, Christian Benedetti nous jette un sort :

1 – La pièce « aussi abstraite qu’une symphonie de Tchaïkovsky », il sait nous la rendre accessible et perceptible.
2 – Trop souvent l’émotion n’est pas au rendez-vous ; ici on rit, on pleure, on est gai et mélancolique.
3 – Cette mise en scène libérée de tout artifice rejoint le propos de Tchekhov : « il faut effrayer le public, c’est tout, il sera alors intéressé et se mettra à réfléchir une fois de plus ».

À ne louper sous aucun prétexte : une conversation avec le génie Tchekhov, orchestrée de main de maître par Christian Benedetti.

La Cerisaie – Spectacle vu le 31 janvier 2016 au Théâtre du Soleil
A l’affiche jusqu’au 14 février 2016, puis en tournée
Adaptation du texte d’Anton Tchekhov : Brigitte Barilley, Laurent Huon, Christian Benedetti
Mise en scène : Christian Benedetti

 

 

Marie-Sophie Ferdane Nathan Aznar Argument
Sabine Aznar

Argument, le nouvel enchantement de Pascal Rambert

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Le nouveau spectacle de Pascal Rambert est hypnotique.
Hypnotique est la langue, si belle, de ce saisissant auteur. Une langue touffue, moderne, raffinée, tourmentée, travaillée… purement théâtrale.
Hypnotiques sont les deux comédiens qui incarnent ces mots. Deux immenses comédiens : Marie-Sophie Ferdane et Laurent Poitrenaux. Tels des Stradivarius, ils nous dévoilent l’étendue inouïe de leur palette et nous font vivre des émotions rares. Hypnotiques sont leurs voix, leurs corps, leur alchimie dans l’affrontement. Car le spectacle nous parle d’amour, de passion dévorante, mais surtout de jalousie destructrice et meurtrière. Un couple se heurte, se nuit, se détruit, s’injurie, se malmène, s’abomine sous les yeux fous d’un enfant.

Laurent Poireaux Argument
© Marc Domage
Hypnotique la présence quasi irréelle de cet enfant, le leur, leur fils – fantôme ? fantasme ? désir ?
Hypnotiques les deux scènes finales, ces deux monologues ahurissants, comme en écho à la Clôture de l’Amour. Les sanglots de Laurent Poitrenaux qui font surgir nos larmes. Le poing tendu de Marie-Sophie Ferdane qui nous pousse à la révolte et à l’insoumission.
Hypnotique la scénographie, la lumière ténébreuse, le déluge, cette lande quasi hostile sur laquelle Pascal Rambert nous projette violemment.
Hypnotique l’enchaînement de sons plus ou moins perceptibles : gazouillis, ruissellement, tempête, coups de clairons, de fusils, de cloche…
Hypnotique la voix exceptionnelle, chaude et bouleversante de Denis Podalydès qui ponctue chacun des actes.
Au final, on sort hagards, sonnés, éberlués. Persuadés et reconnaissants d’avoir vécu un grand moment de théâtre.

Marie-Sophie Ferdane Nathan Aznar Laurent Poireaux Argument

Poursuivant et enrichissant son œuvre contemporaine, Pascal Rambert nous mène encore plus loin :

1 – Il a choisi le duo Marie-Sophie Ferdane et Laurent Poitrenaux pour leurs corps, eux ont accepté pour sa langue ; le résultat est à la fois charnel et spirituel.
2 – Imperceptiblement, le trio qu’ils forment avec leur mystérieux enfant nous renvoie à nos propres démons, doutes et angoisses.
3 – Un spectacle que l’on garde en mémoire, qui nous rattrape et nous hante, qui sort de scène, à l’image d’Anabelle échappée de son tombeau.

De la langue si caractéristique de Pascal Rambert à la lande d’Anabelle et Louis : la promesse d’un saisissant voyage…

Argument – Spectacle vu le 6 janvier 2016 au CDN d’Orléans
A l’affiche du Théâtre de Gennevilliers (T2G) jusqu’au 13 février 2016 (puis en tournée)
Texte et mise en scène : Pascal Rambert

 

Sabine Aznar

Roméo et Juliette : le couple inattendu et incandescent d’Eric Ruf

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Pour assister à ce Romeo et Juliette, il faut avant tout se départir de tout cliché, tout poncif entourant cette tragédie romantique. L’un des mythes les plus connus, et paradoxalement l’une des pièces les moins jouées de ce cher William. Sans doute les metteurs en scène craignent-ils de se trouver embourbés sous les couches successives de ces fameux clichés.
La vraie bonne surprise : Eric Ruf réussit à donner une lecture totalement nouvelle de cette histoire « archi-connue ». Le parti pris de déplacer l’intrigue dans la Sicile des années 30 fonctionne à merveille. Dès les premiers instants, on est saisi par la chaleur, la langueur, la douce apesanteur de cette contrée. Et surtout, on plonge pendant toute la première partie dans une infinie légèreté. Comme par magie, Eric Ruf nous fait oublier l’imminence du drame.

ROMEO ET JULIETTE -Jérémy Lopez Suliane Brahim

©Vincent Pontet coll. Comédie-Française

Tout d’abord on écoute, charmé, une voix : celle qui nous permet de reconnaître un Serge Bagdassarian physiquement transformé, au jeu toujours aussi brillant. Puis on assiste, ravi, à la préparation de la fête chez le couple Capulet formé d’une facétieuse Danièle Lebrun et d’un formidable Didier Sandre. Et puis, au plus fort de la fête, au détour d’une réjouissante farandole, on assiste médusé au coup de foudre qui conduira Roméo et Juliette au tombeau. Les scènes entre ces deux-là sont d’une justesse, d’une simplicité, d’une évidence, d’une sobriété qui les rendent d’autant plus émouvantes. A l’image de ce premier rendez-vous que nous propose Eric Ruf : la lumineuse, solaire, aérienne, lyrique, sublime Suliane Brahim est à quelques mètres au-dessus d’un Jérémy Lopez troublant de vérité, authentique et captivant.

Puis vient le drame, d’autant plus brutal que la grâce des scènes précédentes l’avait gommé de nos mémoires. Le sang appelle le sang, la vengeance et la haine reprennent leurs droits, et l’histoire, hélas, se termine telle qu’elle a toujours été contée…

Eric Ruf fait souffler sur le plateau un vent de légèreté qui balaye toutes les images d’Epinal et nous transporte dans « son » Roméo et Juliette :

1 – Il est somme toute assez rare de pouvoir rencontrer ce couple mythique sur les planches : la pièce n’avait pas été jouée depuis 60 ans au Français !…
2 – Le duo formé par Suliane Brahim et Jérémy Lopez nous enflamme, nous chavire et nous charme.
3 – La scénographie, la lumière, les costumes, les chorégraphies, les arrangements musicaux : tout concourt à créer un spectacle d’une bienfaisante et absolue beauté.

 

Le patron de la Comédie-Française parvient à nous « désapprendre » la légende pour nous conter une tragique et belle histoire d’amour…

Roméo et Juliette – Spectacle vu le 10 janvier 2016
Reprise à la Comédie-Française du 30 septembre 2016 au 1er février 2017
De William Shakespeare, mise en scène Eric Ruf

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Sabine Aznar

L’Autre, la première pièce de Florian Zeller reprise au Poche-Montparnasse

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Garder en tête les images d’un spectacle vu dix ans plus tôt. Un souvenir vague, mais suffisamment évident pour avoir l’envie d’y revenir, dix ans plus tard. Et dix ans plus tard, avec dix ans de plus, « se prendre la pièce en pleine tête ». Au point de ne pas comprendre le caractère si vague, si brumeux du fameux souvenir…
La pièce est de Florian Zeller : sa première, son oeuvre de jeunesse pourrait-on dire. Créée en 2004 au Théâtre des Mathurins, elle avait connu un large succès. Ceux qui promettaient à l’époque un brillant avenir au jeune auteur ne s’y étaient pas trompés.

Plaisir, donc, de retrouver, réentendre, reméditer ce texte. Et de plonger à corps perdu dans cette tragi-comédie. Qui va bien au-delà d’une sordide histoire d’adultère. Car si l’Autre est l’Amant, il est aussi la Mort, la Solitude, le Remords, l’Enfance, la Colère… L’Autre est tellement de sentiments et d’impressions.

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©Pascal Gely

D’après la distribution, l’Autre est incarné par Jeoffrey Bourdenet (séduisant, inquiétant, énigmatique). Mais l’Autre n’est-il pas également le talentueux Benjamin Jungers ? Et aussi l’incandescente Carolina Jurczak – autre promesse, dix ans plus tard ? Benjamin Jungers est lui (Lui). Il nous entraîne dans son histoire, ses doutes, jusqu’au plus loin de son inconscient. Passant à merveille d’une douceur angélique à une brutalité froide et intrigante. Lui, c’est une part de nous. La part de nous que l’on souhaiterait oublier. Celle que l’on préfèrerait laisser profondément enfouie. Mais l’Autre veille, l’Autre nous surveille : l’Autre c’est nous…

Que ce soit pour raviver un souvenir de dix ans ou pour découvrir la première pièce du prolifique Florian Zeller, courez donc au Poche :

1 – La mise en scène précise et sensible de Thibault Ameline nous permet d’accéder au cœur même de ce trio infernal.
2 – L’intimité est palpable dans la petite salle du Poche-Montparnasse qui nous rapproche tant des comédiens.
3 – Grâce à un jeu subtil et intelligent, ces trois-là nous font entrer dans une danse qui va nous enchaîner peu à peu à cet Autre aux multiples facettes.

Redécouverte de l’Autre, dix ans plus tard : un spectacle qui s’est bonifié avec le temps…

L’Autre – Spectacle vu le 17 décembre 2015
A l’affiche du Théâtre de Poche-Montparnasse jusqu’au 28 février 2016
Une pièce de Florian Zeller, mise en scène Thibault Ameline

Sabine Aznar

Pinocchio : quand le magicien Pommerat rencontre le génie Collodi

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Pinocchio – Spectacle vu le 12 décembre 2015
A l’affiche de l’Odéon-Théâtre de l’Europe jusqu’au 3 janvier 2016, puis en tournée (dates ici)
Un spectacle de Joël Pommerat, d’après Carlo Collodi

 

Pinocchio réinventé par l’un des génies du théâtre contemporain : incontournable pour les petits et les grands

Un spectacle de Joël Pommerat : c’est toujours un cadeau précieux, un rendez-vous privilégié, une promesse de bonheur… Le retour de Pinocchio, je l’attendais d’autant plus que c’est grâce à un autre conte – Cendrillon – que j’avais découvert le Pommerat magicien. Dans ma vie de spectatrice, il y a clairement un avant et un après Cendrillon.

Succédant sur la scène des Ateliers Berthier à la truculente Cendrier, un curieux pantin blafard nous invite à un voyage tout aussi inoubliable. Dès les premières secondes, le charme opère, avec l’apparition d’un conteur aux allures de forain (réincarnation du fameux criquet). Ce Monsieur Loyal nous décrit ce qu’il voyait lorsqu’il ne voyait pas… Le voyage vient de débuter. Il nous entraînera tour à tour dans la forêt, dans une salle de classe, sur une piste de danse, dans un cachot, chez une Fée, au plus profond de l’océan ainsi qu’à la surface d’une mer déchaînée. Tout cela sans autre artifice que les jeux de clair obscur. La lumière, toujours la lumière…

Mais l’efficacité du texte n’a rien à envier à la beauté de ces images. Joël Pommerat revisite le mythe créé par Collodi avec intelligence, finesse, subtilité, humour souvent, philosophie toujours. Il aborde des thèmes tels que la pauvreté (« En plus d’être vieux, tu es pauvre, alors ça c’est la meilleure de la journée !« ), le mensonge (« Rien n’est plus important dans la vie que la vérité »), la paternité (« J’ai envie de rentrer chez moi et de revoir mon père, il me manque ») et surtout la liberté (« Pinocchio, c’est le symbole de la transgression, la liberté par la bêtise et l’ignorance » explique Joël Pommerat). Au final, ce spectacle est une sorte de parcours initiatique pour l’enfant – et parfois le pantin – qui sommeille en nous.

A découvrir ou revoir en famille, cette variation magique de Joël Pommerat autour du mythe de Pinocchio :

1 – L’occasion de découvrir, pour ceux qui ne le connaissent pas encore, un auteur de spectacles d’une intelligence rare et précieuse.
2 – Par son jeu de noirs et de lumières tellement caractéristique, Joël Pommerat grave en nous des images d’une beauté mémorable.
3 – Un spectacle destiné, non pas aux enfants, mais à la part d’insouciance, de candeur et d’indispensable naïveté enfouie en chacun de nous.

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Les Rustres Bruno Rafaeli
Sabine Aznar

Les Rustres jubilatoires de Jean-Louis Benoit

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Les Rustres – Spectacle vu le 13 décembre 2015
A l’affiche du Théâtre du Vieux-Colombier jusqu’au 10 janvier 2016
De Carlo Goldoni, mise en scène Jean-Louis Benoit

©Christophe Raynaud de Lage coll. Comédie-Française

On adore détester ces Rustres et voir leurs épouses se rebeller peu à peu contre tant de rudesse et de grossièreté. 

En cette période de fin d’année, il est toujours agréable de programmer des sorties théâtre en famille.
Ne manquant pas à sa réputation, la Comédie-Française propose actuellement deux spectacles jubilatoires. Côté Studio-Théâtre, il ne faut pas louper la reprise du Loup de Marcel Aymé dans une mise en scène de Véronique Vella, avec l’excellent Michel Vuillermoz. Côté Vieux-Colombier, vous avez rendez-vous avec les Rustres de Carlo Goldoni, dans une mise en scène jouissive de Jean-Louis Benoit.

Qui sont-ils exactement, ces rustres? Trois compères sauvages, grossiers, pingres, rustiques, impolis, bourrus…et tellement drôles à la fois. Le trio interprété par l’inégalable Christian Hecq – génie comique du moment – le désopilant Bruno Raffaeli et le bougonnant Nicolas Lormeau fonctionne à merveille. L’intrigue est assez simple : Lunardo (Christian Hecq) veut marier sa fille Lucietta (Rebecca Marder, nouvelle recrue du Français) à Filippetto (Christophe Montenez) qui est le fils de son ami Maurizio (Nicolas Lormeau). Il veut les marier, mais sans qu’ils se soient rencontrés au préalable.

Chez Goldoni, les femmes sont aussi sensées, philosophes et généreuses que leurs époux sont mufles, goujats et bornés. La plus hardie et téméraire de toutes, Felice (formidable Clotilde de Bayser) incarne une sorte de féministe avant l’heure qui mène son mari (le doyen Gérard Giroudon) par le bout du nez. C’est elle qui manigancera une entrevue entre les deux jeunes gens. C’est grâce à son audace que ses amies (Céline Samie et Coraly Zahonero) se rebelleront contre leurs rustauds de maris. C’est elle qui aura le dernier mot, laissant entendre la voix de Goldoni à travers son plaidoyer final. Une voix qui prône ouverture aux autres, bienveillance et hauteur de vue… Une voix qui résonne en nous bien après le spectacle.

Au Vieux-Colombier, on échauffe ses zygomatiques en même temps qu’on médite sur la nature humaine :

1 – Jean-Louis Benoit qui connaît bien la maison de Molière y revient avec une gaieté communicative.
2 – L’alchimie entre l’intelligence de ce metteur en scène et le talent de la troupe parvient à transcender le « génie Goldoni ».
3 – En à peine deux scènes, et quelques mois après sa brillante interprétation dans Comme une pierre qui… Christophe Montenez confirme ici l’étendue de son talent.

 

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Sabine Aznar

L’Orestie de Castellucci, sublime et magnétique

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Orestie (une comédie organique?) – Spectacle vu le 3 décembre 2015
A l’affiche de l’Odéon-Théâtre de l’Europe jusqu’au 20 décembre 2015, puis en tournée (dates ici)
Création théâtrale de Roméo Castellucci d’après la trilogie d’Eschyle

 

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©Guido Mencari

 

En reprenant son spectacle fondateur vingt ans après la création, Roméo Castellucci prouve qu’il est indémodable. 

Il y a vingt ans, je n’étais pas encore suffisamment « accro » au théâtre pour m’être précipitée voir l’Orestie. Désormais passée aux drogues dures, je n’aurais raté pour rien au monde cette reprise du génie italien. Quel choc ! Magnétique, hypnotique, magique, envoûtant, ensorcelant, éblouissant. Castellucci est avant tout plasticien et les tableaux qu’il nous offre sont dignes des plus grandes oeuvres d’art contemporain. Me resteront longtemps en mémoire cette carcasse de bouc s’élevant du tombeau d’Agamemnon, ces femmes obèses et ensanglantées que sont Cassandre et Clytemnestre, ces chevaux à peine perceptibles dans la pénombre bleue nuit tombée brutalement sur la scène, ces statuettes de lapins alignées qui explosent une à une, ce Pylade maigrissime et blafard coiffé d’un chapeau de clown triste…
Pour éviter d’être décontenancé, dérouté, voire déçu, peut-être vaut-il mieux se détacher de la tragédie d’Eschyle. Nul besoin de se remémorer la trilogie dramatique pour apprécier. Castellucci n’a conservé que de rares allusions au texte original, laissant souvent la part belle à un silence inquiétant et fascinant. C’est finalement Castellucci que l’on va voir, et pas Orestie. Un Castellucci au mieux de sa forme, qui prouve que son spectacle fondateur est toujours aussi audacieux et novateur.

Si vous avez la chance d’avoir vos billets pour Orestie, il vous feront vivre un voyage d’exception :

1 – Voyage dans l’oeuvre de Roméo Castellucci, l’occasion de revenir sur ses débuts et de constater le chemin parcouru par ce génial artiste.
2 – Voyage au gré de tableaux initiatiques emplis de figures monstrueuses, dévastées, barbares, sauvages et tellement envoûtantes.
3 – Voyage à travers une langue tronquée, des sons explosifs, des silences pesants, des hurlements stridents et des musiques angoissantes.

 

Sabine Aznar

Ça ira – fin de Louis : le spectateur en pleine Révolution

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Ça ira (1) – fin de Louis – Spectacle vu le 8 novembre 2015
A l’affiche du Théâtre Nanterre-Amandiers jusqu’au 29 novembre 2015, puis en tournée (dates ici)
Création théâtrale de Joël Pommerat

Interview de Saadia Bentaïeb à lire ici

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Etre plongé au cœur de la Révolution Française, au point de s’en trouver soi-même acteur davantage que spectateur : telle est la promesse de ce spectacle incontournable…

Beaucoup de choses ont déjà été dites et écrites sur la dernière création de Joël Pommerat. Et il y aurait encore tant à dire et à écrire. S’agissant d’un spectacle aussi dense et foisonnant, il paraît quasi impossible de retranscrire ce que l’on a vécu. Plutôt l’envie de jeter des mots, de les balancer, de les offrir pêle-mêle. Souhaitant que l’un ou l’autre de ces mots suscite l’envie de vivre une telle expérience. Une expérience qui nous situe au-dedans de la scène, au cœur-même de la représentation. Peu à peu, on se sent partie intégrante de ce qui se passe. Sous nos yeux, derrière nous, à côté, tout en haut des gradins, en avant-scène et au fond de l’immense plateau. Les comédiens sont partout. Eux-mêmes sont plusieurs, chacun d’eux incarnant plusieurs individus. Un révolutionnaire fanatique se métamorphose en membre de la famille royale. La sœur de Louis est un député de la Noblesse mais aussi un représentant du Tiers-Etat. En un rien de temps, les acteurs « changent de camp », retournent leur veste, tiennent des propos totalement contradictoires.
Joël Pommerat a donc « destructuré » l’espace, fabriquant une sorte de « scène façon puzzle », n’interdisant pas au spectateur d’être lui-même une pièce de ce puzzle. N’ai-je pas applaudi moi-même à plusieurs discours enflammés de tel ou tel député ?… Joël Pommerat joue également avec nos repères temporels. En effet, si le personnage central – le seul qui soit nommé – est Louis XVI, la révolution dont il parle n’est pas uniquement celle de 1789. Les paroles, les discours, les harangues résonnent si précisément en nous que les parallèles nous percutent de plein fouet. A tel point que souvent, au cours du spectacle, on se dit : « c’est fou, c’est exactement comme cela aujourd’hui ! ». Là encore, Joël Pommerat nous embarque totalement, intégralement, parfaitement. Il nous parle de nous, il nous raconte d’où nous venons, où nous sommes, nous interroge sur notre devenir. Merci à lui de nous faire vivre une telle expérience théâtrale, rare, précieuse et révolutionnaire !…

Avec ce spectacle qui est à mon sens l’un des incontournables de la saison, Joël Pommerat révolutionne jusqu’à son propre travail :

1 – Les aficionados dont je fais partie seront sans doute surpris, étonnés, subjugués par cette création en parfaite rupture avec ses précédents spectacles.
2 – La troupe est exemplaire, homogène, réussissant la prouesse de nous confronter à une cinquantaine de personnages d’horizons différents, voire discordants.
3 – Ce qui se passe avec Ça ira (1) – Fin de Louis, c’est que deux jours après on songe déjà à revenir voir le spectacle pour approfondir les émotions qu’il nous a procurées. En attendant, secrètement, l’arrivée du (2)…

Sabine Aznar

Maxime d’Aboville règne en maître dans The Servant

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The Servant – Spectacle vu le 28 octobre 2015
A l’affiche du Théâtre de Poche-Montparnasse jusqu’au 8 novembre 2015, puis en tournée à partir de Janvier 2016 (dates ici)
Une pièce de Robin Maugham
Mise en scène Thierry Harcourt

The Servant_affiche
THE SERVANT de Robin Maugham - Mise en scene de Thierry Harcourt - Theatre de Poche-Montparnasse
HE SERVANT de Robin Maugham - Mise en scene de Thierry Harcourt - Theatre de Poche-Montparnasse
©Brigitte Enguerand

 

La brillante adaptation de Thierry Harcourt nous propulse en pleine dialectique du maître et de l’esclave 

N’ayant pas vu le célèbre film de Joseph Losey j’ai tout bonnement découvert le texte de Robin Maugham sur la scène du Poche-Montparnasse. Et quel texte ! Comment Barrett, le tout nouveau domestique du so british Tony, va-t-il parvenir à inverser les rôles. Comment, à force de séduction perverse, ce serviteur hors pair va-t-il peu à peu prendre l’ascendant sur son maître. Et comment le maître en question va-t-il accepter d’être manipulé au point de sombrer dans une oisiveté qui le réduira au presque néant. Tels sont les enjeux de cette pièce dérangeante et fascinante.

Les motivations des deux personnages sont volontairement laissées en suspens dans la mise en scène de Thierry Harcourt. C’est au spectateur de choisir son option, de fournir sa propre réponse. A première vue, Tony semble avant tout attiré par un confort de vie qui peu à peu confinera au laisser-aller. Cependant, il prend un tel plaisir à ce jeu de soumission que sa finalité est peut-être bien plus profonde… De son côté, Barrett n’est pas simplement en quête de pouvoir. Il ne s’inscrit pas uniquement dans une lutte des classes qui le pousserait à une sorte de revanche sur Tony. Il ne souhaite pas seulement faire le mal, il est le mal, intrinsèquement.

Pour interpréter ce duo complexe et fascinant, Thierry Harcourt ne s’est pas trompé. Xavier Laffite, parfait dans le rôle du dandy flegmatique, se laisse piéger dans la toile d’un Maxime d’Aboville redoutable et effrayant d’ambivalence. Ce rôle qui lui a valu le Molière du meilleur comédien en 2015 lui permet de déployer l’étendue de son talent. Tour à tour douceâtre, obséquieux, visqueux, puis insensible, cruel, maléfique : il fait réellement froid dans le dos. Adrien Melin, Alexie Ribes et Roxane Bret complètent la distribution sans faute de ce huis-clos haletant.

Il n’est hélas presque plus temps de les applaudir à Paris, d’autant qu’ils jouent à guichet fermé, alors ne les loupez pas en tournée :

1 – Dès la première scène, on est happé par le rythme palpitant de ce récit plein d’humour cynique.
2 – Maxime d’Aboville attendait sans doute ce rôle pour s’imposer comme le génial comédien que l’on découvre.
3 – De façon extrêmement subtile, ce texte nous renvoie à nos propres contradictions : maître ou esclave, qui sommes-nous réellement?…

 

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