Les références sont posées: Tarkovski, 1972, grand prix du festival de Cannes. Stanislas Lem, 1961. Bam. Du lourd. Mais peu importe, le pari est lancé: on ne voit pas tous les jours de la science-fiction sur un plateau de théâtre, et c’est l’occasion ou jamais d’en faire l’expérience, que vous soyez fan de SF ou novice en la matière, c’est le moment de vous faire surprendre, vous allez vite comprendre pourquoi…

Imaginez une planète où vos souvenirs deviennent réalités – jusque là, ça peut être plutôt pas mal – mais où votre passé vient vous rendre visite sous la forme de créatures intelligentes jusqu’à vous faire perdre le contrôle de vos sentiments et de votre raison – là, ça commence à être un peu chaud… – et bien, bienvenue sur Solaris.

C’est ce à quoi est confronté le psychologue Kris Kelvin, envoyé en mission sur la station d’observation autour de Solaris suite à la présence de phénomènes étranges détectés sur la station et provoqués par un océan intelligent. Comme ses confrères, il est victime des surgissements de son inconscient sous forme d’apparitions. Sa femme décédée y a 10 ans par exemple… Il y a de quoi devenir fou.

Si « science sans conscience n’est que ruine de l’âme » – merci Rabelais – ici ce serait bien la confrontation de l’homme face à son inconscient et à ses propres limites qui pourrait le faire courir à sa perte (comme c’est le cas du docteur Gibarian). Cet océan intelligent met en effet l’homme face à l’épreuve de la séparation et du détachement – les apparitions ne concernant que des personnes déjà disparues de la vie des personnages.

«Nous ne recherchons que l’homme.
Nous n’avons pas besoin d’autres mondes.
Nous avons besoin de miroirs.» Stanislas Lem, Solaris.

Paradoxe donc de la science-fiction qui a recours à un autre monde pour mieux sonder les abîmes de l’homme, son énigme, son mystère. Paradoxe du théâtre qui a recours à la projection d’une réalité imaginaire pour mieux saisir l’âme humaine.

Paradoxe réussi dans cette mise en scène de Solaris. On aime la fumée, les lumières – effets SF garantis – , la base spatiale, on y est et on y croit. Mission Solaris, décollage immédiat ! on prend vite sa place, les départs en station Solaris se font jusqu’au 30 septembre.

© Avril Dunoyer 

Au Théâtre de Belleville jusqu’au 29 janvier 2019 (lundi et mardi 21h15, dimanche 20h30)
Texte Stanislas Lem
Adaptation pour la scène Rémi Prin, Thibault Truffert
Avec Thibault Truffert, Louise Emma Morel, Quentin Voinot et Gabriel Laborde
Voix Mathilde Chadeau, Fabrice Delorme et Pierre Ophèle-Bonicel

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VOUS AVEZ DIT BANAL ?

L’histoire semble banale, justement. D’un côté, deux gars de province, Alex et Rémy qui passent leur temps à rouler des joints et regarder passer des trains assis sur des pneus en bord de chemins de fer. De l’autre, Luc quitte ses deux amis pour monter à la capitale. Dans le wagon-bar, il rencontre Marion, une parisienne. Un échange se noue, banal lui aussi.

Et pourtant…

On ne tombe pas dans un cliché entre Paris et la province, ni dans les images, ni dans un type de langage car l’écriture y est subtile. Lucas Hennaf n’emploie aucune fioritures, c’est là la force de son écriture, elle est précise et impactante. Elle nous fait vivre pleinement au présent la situation des personnages. Elle nous embarque. Elle rend le banal beau. Ce banal qui nous rejoint tant finalement. C’est peut être là que l’on touche quelque chose de vrai. Comme le dit ce cher Paul Valéry, « l’expression du sentiment est toujours banale. Plus on est vrai, plus on est banal. »

Ces simples tranches de vie deviennent touchantes, la mise en scène est simple est précise, belle, et les acteurs… incroyablement justes.

Si vous voulez terminer l’année en beauté, allez voir A fond.

  Anne-Céline Trambouze 

A FOND
Texte et mise en scène : Lucas Henaff
Avec Sylvain Begert, Nicolas Guillemot, Paul Delbreil, Marjorie Ciccone
Scénographie : Bérangère Sabatier

Les 20 et 21 décembre au Centre Paris Anim les Halles – Le Marais à 20h

Réservation : 01 40 28 18 48 – ou Actisce.org

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La démonstration se fait en alexandrins, dans une langue affûtée, où valse le vocabulaire globish de la finance, en révolution autour du soleil Sarkozy et des affairistes-bouffons.
 
Trois banquiers affairistes au bord du failli viennent quémander l’aumône à l’Etat, représenté par le Président de la République, une altesse qui a tout de Sarkozy (le très impressionnant Loïc Risser), jusqu’aux tics et aux tocs, avec sa potiche de Carlita (Alexandrine Monnot), star de la chanson et cantatrice à ses heures. Et les pompes si bien cirées par les banquiers, le Président n’hésitera pas une seconde à prêter les deniers de l’Etat, à un taux si ridiculement bas, qu’on le prendrait pour le Parrain lui-même. Et le Président, soutenu par le Gouverneur de la Banque Centrale (Didier Boulle), de prêter sans compter à ses amis banquiers, qui ont table ouverte chez lui, bien que le conseiller de l’Elysée (Alain Veniger) s’oppose à ce prêt avec tous les arguments de la raison, et c’est pourtant lui, le conseiller, qu’on qualifiera d’irresponsable.
Les banques re-prospèrent vite avec tout ce bel argent et plutôt que relancer le crédit, elles placeront tous leurs sous dans les marchés boursiers, dans des produits financiers sans transparence pour mieux s’en mettre plein la panse. Quand il faudra rembourser, les banques rembourseront, mais l’Etat, lui, aura bel et bien été endetté jusqu’au cou et décrédibilisé et d’ailleurs, peut-on encore parler d’Etat là où tout est privatisé, où tout tourne autour du Capital et de la propriété privée ? La rigueur sera la sempiternelle solution de l’Etat. Mais pas pour tout le monde. Parce que les banquiers font dans le champagne et le Château Lafitte jusqu’à la crise de foi(e) et remettent ça sans arrêt.
 

« Vos actes sont parlants, surtout leur hiérarchie,
qui disent quel est l’ordre où les gens sont servis :
d’abord les créanciers, le peuple s’il en reste,
voilà en résumé la trahison funeste »

 
Le conseiller aura bien conseillé la nationalisation des banques, mais rien qu’au mot « nationalisation » la verdite s’empare du Président. Et celui-ci ne cherchera même pas à réguler le « milieu » bancaire et tous les bouffons-fielleux-cyniques-drogués-pachas continueront à se gaver sur le dos de l’argent public. Le Président, soudain pris d’une illumination, déclarera qu’il faut moraliser le « milieu » et en terminer avec les scandales. Une vraie religion d’Etat où la Justice n’aura rien à dire…
 
C’est avec l’envie de chialer et une certaine jubilation qu’on sort du théâtre de la Reine Blanche – un endroit qu’il faut absolument fréquenter, inattendu dans cette partie du XVIIIe quelque peu désertique, qui mêle à sa programmation, théâtre, sciences et littérature. Non qu’on ait appris quelque chose qu’on ne saurait pas déjà en voyant d’ « Un retournement l’autre ». Quoique ! La trame et l’analyse sont si limpides qu’elles nous sautent aux yeux et qu’on ne peut plus dire qu’on ne savait pas. Et le constat est si désastreux et la langue de Frédéric Lordon si bien écrite, si bien aiguisée et si drôle avec ses alexandrins qui rappellent la Cour de Louis XIV à une autre époque où un certain Molière venait y scander pour mieux moquer le pouvoir.
 

 
Chaque personnalité si importante de cette démonstration porte un costume de garnement à culotte courte – sauf le conseiller, seul adulte à bord -, tailleur bermuda. Faut-il y voir une relation avec le triangle des Bermudes et les paradis off-shore ? Faut-il y voir la taille que ces cyniques en chaussettes de Superman opèrent sur les deniers du peuple ? Ou tout simplement, faut-il y trouver un symbole de l’infantilisme et du crétinisme de cette engeance.
Les personnages perchés comme à l’Assemblée et si imbus d’eux-mêmes, devant des pupitres d’écoliers à guirlande électrique, reçoivent la lumière divine du régisseur lumière en douche ou en plein phare dans un dispositif scénique sobre et efficace.
Carlita la lyrique-virgin-débile, oubliera un moment qu’elle n’est plus de gauche et entonnera soudain l’ « Internationale » quand elle n’entonne pas l’ « Ave Maria ».
 
Les gilets jaunes, pour finir, nous prennent aux tripes malgré nous, et nous monteraient presque les larmes aux yeux. Parce que peut-être que quelque chose est en train de se jouer aujourd’hui dans l’anarchique et donc, en quelque sorte incontrôlable, mouvement des gilets jaunes et même si un autre que Sarkozy a pris la suite, avec d’autres mythes du pouvoir, cependant tout aussi capitalistes et tout aussi libéraux que le Président précédent, on se dit que cette pièce est bien d’actualité et n’a pas pris une ride.
 
À savoir, est-ce que l’histoire racontée dans « D’un retournement l’autre » est la vérité des milieux financiers, on aurait tendance à le croire au vu du parcours de Frédéric Lordon et tant son langage crie bien ce qu’il en est. Un texte précieux, un moment précieux. Cette pièce tourne depuis 7 ans et a encore de beaux jours devant elle.

Isabelle Buisson

D’UN RETOURNEMENT L’AUTRE
De Frédéric Lordon
Mise en scène Luc Clémentin
Avec Didier Simon Bellahsen, Didier Boulle, Gérald Cesbron en alternance avec Denis Ardant, Alexandrine Monnot, Loïc Risser, Alain Veniger, Luc Clémentin
La Compagnie Ultima Chamada
Au théâtre de la Reine Blanche, métro La Chapelle, jusqu’au 9 décembre, à 20h45, dimanche 15h.

C’est une déflagration soudaine. Une entrée fracassante, dès le début de la pièce.
« Tu ne viens pas sur mon lieu de travail, je t’ai suffisamment tolérée » – Marina Hands déboule sur le plateau à la rencontre d’Audrey Bonnet qui sort du fond de scène côté cour. L’adresse est implacable, le ton est donné.

Nous allons assister pendant 90 minutes à un affrontement. Règlement de Comptes à OK Pascal (Rambert).
L’argument est simple. Elles sont sœurs. La cadette, Audrey, journaliste, débarque sur le lieu de travail de Marina. Leur mère vient de mourir, et Audrey n’accepte pas de ne pas avoir été prévenue par Marina.
À travers cette joute virtuose, il s’agira d’ausculter la singularité des liens qui tissent la relation entre deux sœurs et de dérouler les fils emmêlés de leurs blessures : celles, évidentes, qui sont verbalisées, et surtout les autres, celles qui sont enfouies, les profondes, souvent les plus douloureuses. Il y a comme un vertige à assister à cela. Pourquoi cette haine entre deux sœurs ? Comment la sororité la porte-t-elle à son paroxysme ? Et si ce n’était au fond qu’une manifestation d’un terrible et plus puissant amour encore ?

©Jean-Louis Fernandez

Marina – je ne retire rien toi-même tu ne retires jamais tu n’as jamais retiré jamais toutes les aiguilles que tu m’as balancées dans le corps pendant toutes nos années de jeunesse puis de jeunes femmes puis de femmes et maintenant d’ennemies.

Pascal Rambert reprend la recette qui a fait le succès planétaire de « Clôture de l’Amour », ce grand texte contemporain devenu déjà un classique : la lutte terrible entre deux êtres qui se sont aimés, le torrent de reproches et les phrases qui font mal, ces affrontements en diagonale. Ce sont deux sœurs qui sont ici au cœur de ce combat sans merci.

C’est un choc tonitruant, un torrent d’émotions, un combat de titanes dont nous sommes les témoins. Il y a aussi au milieu de la pièce cette grande pause, cette trêve avant la reprise des hostilités, qui était d’ailleurs déjà présente dans « Clôture » (la merveilleuse chorale d’enfants chantant « Happe » d’Alain Bashung). On ne révèlera rien de ce grand moment d’émotions, mais il est à lui seul une magnifique illustration de la mystérieuse relation entre deux sœurs qui peuvent se haïr, mais qu’un « lien » indicible continuera d’unir, ce qui rend ce dialogue encore plus déchirant.

 ©Jean-Louis Fernandez
Audrey – tu étais alors la pire des soeurs, la soeur perverse qui jouait à la gentille devant les parents et qui me pinçait dans la nuit en disant meurs est-ce que des soeurs peuvent souhaiter leur mort réciproque ? oui nous sommes des soeurs comme ça

Il fallait des géantes pour aborder ce nouvel Himalaya textuel qu’a écrit Pascal Rambert. Il fallait des comédiennes à la hauteur de ce grand texte, possédant à la fois puissance de jeu et grande sensibilité pour s’approprier aussi profondément les mots de Rambert. Marina Hands et Audrey Bonnet sont absolument prodigieuses. Si différentes, et en même temps si proches dans le combat. L’une, forte, terrienne, plongée dans les horreurs du monde par son métier, l’autre, « bombe de larmes », si fragile, mais si déterminée à tout faire exploser, à « déclencher une émeute ».
Pascal Rambert explique que c’est en répétant « Actrice », son précédent spectacle choral, qu’il eut l’envie de tirer plus loin le fil de cette relation entre les deux comédiennes. Déjà, en effet, Audrey-Ksenia affrontait sa sœur Marina-Eugénia. Cet affrontement n’était pas le cœur d’ «Actrice», mais il en incarnait sans aucun doute le climax absolu, au cours d’une scène d’anthologie.

Aujourd’hui, grâce à ce grand spectacle qu’il ne faut pas manquer, nous pouvons profiter pleinement de ce duo à la folle intensité, à l’insensée énergie dramatique.
C’est très beau, c’est absolument vertigineux. On sort de « Sœurs (Marina & Audrey) » au bout d’une dernière tirade poignante d’Audrey, qui rejoue par procuration la fin de vie de sa mère adorée qu’elle n’a pu accompagner. Le noir se fait brusquement, aussi brusquement que s’était produite l’entrée tonitruante des deux comédiennes 90 minutes plus tôt. On quitte lentement la salle étourdi, fasciné par cette joute d’exception et questionné sur le mystère absolu des liens fraternels. On a la certitude d’avoir assisté à un spectacle important qui fera date dans l’œuvre de Pascal Rambert. Et on se prend à espérer, qu’il y ait, quelque part, à l’issue de ce dialogue impossible, un chemin tortueux pour atteindre la clôture de la haine.

 – Stéphane Aznar –

©Pauline Roussille

Soeurs ( Marina & Audrey ) à l’affiche du Théâtre des Bouffes du Nord 
Jusqu’au 9 décembre  – mardi au samedi 20h30, dimanche 16h
Texte, mise en scène et installation : Pascal Rambert
Avec Audrey Bonnet et Marina Hands