La vie en vrai (avec Anne Sylvestre), un spectacle en-chanteur

Marie Fortuit, la comédienne, brune, voix grave, au grain charnu et Lucie Sansen, la musicienne, blonde, voix plus flûtée et cristalline, yin-yang assumé autant que discret, sont parfaites de délicatesse, de légèreté et de gravité pour donner à effleurer l’univers d’Anne Sylvestre. 

“Effleurer”, car en une heure, on ne peut qu’effleurer, toucher du bout du doigt, picorer parmi ces décennies de chansons et d’engagements d’Anne Sylvestre, chanteuse, militante, femme sorcière, sororale compagne d’esprit de ses auditeurices. Elles le font avec beaucoup d’intelligence, de malice et d’émotion.

 
© GuillaumeNiemetzky
 
Le spectacle s’ouvre sur un plateau habité simplement de la voix de Michèle Bernard, rendant hommage à sa consœur et amie. Les deux comparses surgissent, pour un entretien croisé hilarant, dézingueur des lieux communs du « male gaze ». Le ton est donné, complice, drôle, féministe. Mais oui, « féministe », ce n’est pas un gros mot ! « Féministe, c’est la seule étiquette que je ne voudrais pas qu’on me décolle », proclamait Anne Sylvestre. 
Marie Fortuit rappelle avec Audre Lordre que « la colère est nécessaire », pour ne pas admettre les violences imposées aux femmes par un patriarcat bien assis (et rassis) pendant la longue carrière la chanteuse, pour avoir le cran d’être libre, tête haute et âme claire. La colère d’Anne Sylvestre est sans amertume, colère de joyeuse rébellion. 
Mots et mélodies d’Anne Sylvestre s’enchevêtrent à la vie de Marie : elle en compose une balade pleine de charme(s) entre confidences intimes, questionnements sociologiques, et chansons, interprétées d’une belle voix ample, sur les orchestrations savoureuses de Lucie.

Merci pour la tendresse, chantait Anne Sylvestre.
“Merci pour la tendresse”, a-t-on envie d’adresser à Marie Fortuit et Lucie Sansen, pour ce gracieux moment de théâtre et de vie, délicat et profond, chaleureux, puissant et poétique.




Marie-Hélène Guérin

 

© Esmeralda Da Costa
 

LA VIE EN VRAI (AVEC ANNE SYLVESTRE)
Au Théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet, salle Christian Bérard, jusqu’au 5 mai 2024
Conception Marie Fortuit • Arrangements musicaux Lucie Sansen
Collaboration artistique Agathe Charnet et Mélanie Charreton • Scénographie Louise Sari • Création lumière et régie générale Thomas Cottereau • Régie son Jules Tremoy
Administration et diffusion Olivier Talpaert – En votre compagnie
Presse Delphine Menjaud / collectif overjoyed
Photos © Guillaume Niemetzky
et Esmeralda Da Costa

Ce spectacle s’inscrit dans la saison Jeune Création de la Salle Christian-Bérard, en partenariat avec Prémisses.

Production : Les Louves à Minuit
Co-production : CDN de Besançon
Soutiens : Le Phénix – scène nationale de Valenciennes – pôle européen de création, Comédie de Béthune – Centre dramatique national, Les Plateaux Sauvages (Paris), Théâtre de l’Atelier (Paris).

Le Cercle de l’Athénée et des Bouffes du Nord et sa Fondation soutiennent la saison Jeune Création 23-24 du Théâtre de l’Athénée Louis-Jouvet.

À la ligne, un seul-en-scène puissant et sensible à la Huchette

Y’a de la joie à la Huchette !
La chanson revient comme un mantra et s’impose comme une évidence.
C’est l’histoire vraie* de Joseph, ouvrier intérimaire.
Malgré des études de Lettres brillantes, Joseph se retrouve sur la ligne de production d’un abattoir breton. Un boulot inattendu ! Mais bon, « l’usine c’est pour les sous » .
Alors, va pour l’inattendu ! Suivons la ligne. Suivons Joseph !
Mais suivre Joseph dans son quotidien, c’est comprendre que la ligne, même implacablement droite, n’est pas le chemin le plus court entre l’homme et son accomplissement. Suivre Joseph, c’est entrer « en usine » comme d’autres entrent en religion. C’est croiser des collègues hauts en couleurs, des chefaillons bas de plafond, des odeurs putrides, des sons à vous crever les tympans. C’est s’exposer à la souffrance des corps, celle des hommes épuisés, celle de bêtes suppliciées. C’est se demander chaque jour pourquoi on le fait et chaque jour y retourner sinon, ça manque ! Suivre Joseph dans son quotidien, c’est écrire tout ça, cette expérience, cet épuisant foisonnement de vie et de mort mêlées ! Écrire pour témoigner, parce que c’est nécessaire, jusqu’à ce que la fatigue, l’inhumaine fatigue vienne à bout de cette nécessité. Parce que l’Usine, ça épuise tout. Tout, sauf la dignité, le partage, la solidarité… les rêves ! Tout sauf la joie. L’indicible, l’incompréhensible joie. La joie comme tuteur devant les vicissitudes de la vie ouvrière. La joie qui tient debout.
Au centre du plateau, le guitariste Tonio Matias accompagne et ponctue le récit de rythmes, de notes, de chants. Double musical de Joseph, frère de labeur. Compagnon précieux pour route sinueuse.
Autour de lui, sur tous les fronts, d’une humanité rayonnante et combative, Grégoire Bourbier incarne Joseph. Une performance puissante et digne, sensible et engagée. Il frappe fort et juste. Bravo ! La mise en scène de J-P Daguerre est au cordeau ! Millimétrée, précise, empathique.
C’est sûr, Y’a de la joie à la Huchette !

CLDDM

*(Joseph Ponthus, décédé prématurément en 2021, a publié « A la ligne », roman autobiographique, en 2019).

À LA LIGNE
Au Théâtre de La Huchette, du mardi au samedi à 21h jusqu’au 26 juin 2024
De Joseph Ponthus
Adaptation Xavier Berlioz, Grégoire Bourbier, Frédéric Warringuez
Avec Grégoire Bourbier, accompagnement musical Tonio Matias ou Valerio Zaina
Musiques et arrangements : Tonio Matias
Mise en scène : Jean-Philippe Daguerre
Lumière : Moïse Hill
Régie : Yves Thuillier
Durée : 1h05

Clôture de l’amour, manifeste théâtral

Ce soir-là, au Théâtre 14, est une soirée particulière. Nous assistons à la 200e représentation d’une pièce référence du théâtre contemporain français, la plus grande œuvre de Pascal Rambert, l’auteur français le plus joué et le plus représenté au monde. Depuis 2011 et sa création triomphale au festival d’Avignon, Audrey Bonnet et Stanislas Nordey interprètent le double monologue Clôture de l’amour. D’autres l’ont fait après eux, dans d’autres mises en scène, dans d’autres langues. Mais Audrey Bonnet et Stanislas Nordey restent les maîtres de ce texte, écrit pour eux, et dont les personnages portent leurs prénoms.
C’est l’histoire d’une rupture, d’un couple qui se sépare. Point. L’histoire est aussi simple que cela. Et il n’y aura pas de rebondissements, pas de péripéties. Pas d’intrigue. C’est un texte avant tout et un spectacle sur la langue. La langue qui claque, la langue projetée, la langue débitée. Les mots de Pascal Rambert qui résonnent, que l’on entend loin, très loin. Le déversement du verbe, un tsunami verbal qui nous ébranle, comme l’auteur sait nous le proposer. Les flots qui sortent de la bouche de ses interprètes, à gros remous, emportant tout sur leur passage, laissant les comédiens vidés et les spectateurs chahutés, bouleversés. Lorsque la lumière s’éteint puis se rallume pour les saluts, on observe le plateau hébété, comme ces images du journal télévisé après une inondation. Sidération. Tout a été chamboulé, lavé, remué par la force et la brutalité du courant.


 
Clôture de l’amour est composée de deux parties, deux monologues et un choc. D’une brutalité et d’une violence inouïe. Carambolage. L’homme s’élance immédiatement, sans attendre. Il annonce que c’est fini. Catégoriquement. Sans conditions. Sans négociation. Unilatéralement. Il met tout à terre. Il coupe net. La femme est là. Elle reçoit. Encaisse. Parfois, l’émotion la submerge. Le vase déborde mais elle attend. Elle attend que l’homme termine, qu’il vide sa cartouche. Elle entend tout. Retient tout. Elle prépare déjà sa réponse. Puis, elle répond. Contre-attaque. C’est le début de la joute. D’une intensité inouïe. D’une précision et d’une clarté absolues. Elle vise dans le mille à chaque fois, à chaque mot. Elle déploie ici son ultime geste face à celui qui a tout détruit, qui est allé trop loin. Elle place et dit la vérité.
Il n’y a plus d’amour. Ou plutôt si. Il y a tant d’amour. Trop d’amour. Chaque mot, chaque coup, chaque geste, chaque larme, chaque respiration transpire l’amour. Mais le coup est parti et rien ne peut l’arrêter. Il faut avancer et tout détruire, saccager, piétiner ce qu’il reste. Le désastre. Désolant.
Audrey Bonnet et Stanislas Nordey sont spectaculaires. Au présent constamment sur le plateau, droit dans leurs adresses mutuelles, d’une rectitude phénoménale, ils se sont totalement emparés du texte et des mots de Pascal Rambert. Il n’y a plus de Pascal Rambert. Il y a Audrey et Stan. C’est tout. La guerre est déclarée. L’affrontement inéluctable.

Clôture de l’amour est une formidable pièce sur le théâtre, sur le travail de l’acteur au plateau dans une intense dialectique avec son partenaire. C’est Audrey qui le formule. Elle énonce la définition du théâtre, la plus simple, la plus vraie qui soit. Une personne s’avance et parle. Une autre entre et elle n’est pas d’accord. C’est là que commence le travail. Ce sont des acteurs qui travaillent pendant près de deux heures.
Un texte fondamental pour comprendre le théâtre et plonger si profondément dans la pensée, dans l’âme, dans ce que l’être humain peut ressentir de plus central, de plus essentiel. Clôture de l’amour est un manifeste.

Alban Wal de Tarlé

 

CLÔTURE DE L’AMOUR
Au Théâtre 14 jusqu’au 4 mai
Texte, conception, réalisation Pascal Rambert
Avec Audrey Bonnet et Stanislas Nordey

Parures La Bourette
Musique arrangement Alexandre Meyer de la chanson Happe (Alain Bashung – Jean Fauque), avec l’aimable autorisation des éditions Barclay/Universal©. Le chœur est interprété par la chorale de la Cité Scolaire François Villon, Paris 14ème, sous la direction d’Amaury Pierre et de Rebecca Meyer.
Lumières Pascal Rambert et Jean-François Besnard
Régie générale Félix Löhmann | Régie lumière Olivier Bourguignon
Direction de production Pauline Roussille | Coordination de production Sabine Aznar
Production déléguée Structure Production
Coproduction Festival d’Avignon, Théâtre du Nord – CDN Lille Tourcoing
Le texte de Clôture de l’amour est publié aux éditions Les Solitaires Intempestifs.

Punk.e.s à La Scala : bonbon acidulé

temps de lecture 6 mn

1976, « Le futur est tellement noir qu’il a disparu »

Leurs chemins vont bientôt se croiser dans les rues des nuits londoniennes. Le quatuor est éclectique, elles ont entre 14 et 21 ans, nées fin des années 50 début des années 70. Une brune lesbienne de Newcastle virée de la maison pour cause d’allergie paternelle à ses préférences affectives : Tessa Pollit (Kim Verschueren) ; une Espagnole militante antifranquiste qui a fait de la tôle : Paloma dite Palmolive (Salomé Dienis Meulien) ; une petite ouvrière débarquée d’Australie qui garde ses jobs deux jours – Viv Albertine (Camille Timmerman) ; une ado nourrie aux bonnes manières et à la contre-culture par sa maman Nora, fille de magnat de la presse allemande et future épouse de Johhny Rotten : Ari Up (Charlotte Avias). Quatre gamines (trop) vite grandies. Quatre indociles.

C’est Nora Forster, maman d’Ari Up et bientôt manager du groupe The Slits, qui sera la narratrice de l’aventure du quatuor, portée avec humour par Rachel Arditi, irrésistible en perruque et accent berlinois.

Elles veulent devenir Patti Smith, et n’ont plus ou moins jamais tenu un instrument. Ari Up et Palmolive fondent les Slits, bientôt rejointes par Tessa, Viv puis Budgie, futur batteur des Siouxie ans the Banshees. Les silex de leurs individualités se frottent et mettent le feu aux poudres. Elles se lancent dans la musique comme si leur vie en dépendait. Elles jouent vite et fort. Elles ne sont pas devenues Patti Smith, elles font du punk et vivent comme elles l’entendent. Dans cette Angleterre thatchérienne appauvrie et corsetée, elles jettent leur rage, leur insolence et leur fureur sur scène.
Leurs arguments rhétoriques favoris : tirer à la carabine (PalmOlive) ou s’immoler par le feu (Ari Up). Elles bosseront leurs instruments et affineront peu à peu leur pensée politique sous l’influence de Nora et de leurs « grands frères » des Sex Pistols ou des Clashs. Elles ne se revendiquent pas féministes, même pas “groupe de filles” (“– on est un groupe.” “– de filles” “– non, un groupe”) mais se vivent féministes, féroce liberté, sororité joyeuse et combative et pied de nez au patriarcat. Ça ne suffira pas à les inscrire durablement dans l’imaginaire collectif, mais les amateurs eux se souviennent qu’elles furent parmi les premières femmes à jouer du punk. Et qu’elles furent – car elles l’avaient vu venir avec ses gros sabots, leur producteur, qui voulait jouer à la poupée avec elle, leur choisir leurs tenues, leurs noms, leur répertoire… – le premier groupe au monde à obtenir le contrôle total de leur image auprès de leur maison de disque.

Ce sont les personnalités des membres du groupe qui font la matière de PUNK•E•S, plus que leur musique. Rachel Arditi et Justine Heynemann s’attachent à elles et leurs compères (tous interprétés avec justesse et fantaisie par James Borniche), font un portrait vivace et tonique de cette bande, sans passer sous silence leurs parts d’ombres et les heurts de la vie, mais sans s’y appesantir.
On les quitte adultes, car après le no future, il y a un futur… des enfants, la maladie, d’autres pays, de la musique encore, de la danse, de l’écriture, d’autres façons de continuer à vivre sa vie de femme et d’artiste.

Les six interprètes, tou.te.s fantastiques, jouent rôles et musique avec une belle énergie, et presque trop de technique pour cette musique un peu cracra que fut le punk. Où sont passés les morceaux des Slits, on ne sait pas trop, hormis leur titre le plus emblématique Typical Girl – qui moquait le mythe de “la fille standard“; mais on se réjouira d’un plaisir spontané d’entendre de bien bonnes reprises de standards de l’époque (playlist aux petits oignons croisant Clash, Sex Pistols, Iggy Pop et chanson anarcho-républicaine espagnole…), exécutées avec une jubilation communicative.
La mise en scène et l’écriture sont rythmiques et pétillantes, coup de chapeau aux maquillages et perruques très seventies, et aux costumes délicieusement insolents.

Dans une scénographie joliment indus’ et graphique, faite d’échafaudages où des néons claquant couleurs primaires, précisent, comme tracés à main levée, un mât de bateau, une échelle, une alcôve, où neige de papier et nuages de bulles glissent un souffle de poésie, PUNK•E•S, bonbon acidulé aussi tendre que piquant, dresse en creux un tableau de l’époque, et surtout rend un enthousiasmant hommage à la soif de vivre, à la folle énergie et l’humour de ces enfants punkes. C’est jouissif, ragaillardissant, et salué d’une ovation debout tous les soirs par des spectateurs électrisés.

Marie-Hélène Guérin

 

PUNK•E•S
Ou comment nous ne sommes pas devenues célèbres

De Rachel Arditi et Justine Heynemann
Mise en scène Justine Heynemann
Avec Rachel Arditi, Charlotte Avias, James Borniche, Salomé Diénis Meulien, Camille Timmerman et Kim Verschueren
Photos © Arnaud Dufau

Assistantes à la mise en scène Stéphanie Froeliger et Marine Torre
Scénographie Marie Hervé | Compositeur Julien Carton  | Lumières Héléna Castelli | Chorégraphe Alexandra Trovato | Régie son Soizic Tietto | Costumes Camille Aït-Allouache | Perruques et maquillage Julie Poulain | Régie générale Fouad Souaker

Production : Soy Création et ZD Production
Co-production ville de St Quentin, Théâtre de St Maur et scène nationale de Chalon-sur Saône.
Soutiens : Fonds théâtre SACD, Région Île-de-France, ADAMI

Finlandia, de Pascal Rambert, aux Bouffes du Nord : couple sous haute tension

temps de lecture 5 mn

Dans l’espace si théâtral des Bouffes du Nord, une chambre d’hôtel aseptisée, à l’élégance internationale, va pendant 1h20 enclore un couple comme une boîte de Petri où s’agitent des bacilles affolés.

La chambre d’hôtel et la pièce ont été inventées pour Irène Escolar et Isreal Elejalde, acteurs madrilènes familiers de Rambert (elle, dans Hermanas, lui dans La Clausura del amor – les versions espagnoles de Sœurs et Clôture de l’amour), puis transplantées aux Bouffes du Nord. Ce sont Victoria Quesnel – particulièrement intense, interprétation à vif, et Joseph Drouet – plus contenu, mais toujours juste, déjà appréciés chez Julien Gosselin, qui s’emparent avec acuité du texte désormais traduit.

Ils sont un couple d’artistes, parents d’une enfant de 9 ans. Elle s’impose au premier plan dans le cinéma grand public, lui poursuit sa carrière dans l’ombre. Il y a deux jours, il a quitté Madrid en voiture pour la retrouver en Finlande où elle tourne dans une grosse production chinoise. Ils sont en pleine séparation, il vient réclamer son dû d’explications, et compte repartir avec leur fillette, endormie dans une chambre voisine sous la garde d’une nounou. Il a roulé 40 heures, il est arrivé en pleine nuit, il est épuisé et plein de colère. Elle est attendue à 7h pour le début de sa journée de tournage, elle est épuisée, et pleine de colère. Il veut parler, elle veut dormir. Le réveil à côté du lit indique 3 :47.

Comme dans Clôture de l’amour ou Ranger, le temps du jeu et le temps de la vie se superposent exactement, sans ellipse ni parenthèse. Plan-séquence radical et sans échappatoire sur une désunion, entre deux ex-aimés ex-aimants qu’on découvre en pleine crise.

Si Finlandia n’a pas – ou pas encore – la compacité, la densité de pièces antérieures de Rambert, l’auteur continue de tracer son sillon, creusant toujours plus profondément la veine du couple et de la famille, d’une écriture moins lyrique qu’elle ne le fût, plus concrète, aiguë et rapide.
« L’amour n’est pas une chose intime, l’amour, c’est l’affrontement de deux mondes réfugiés dans deux corps », dit Joseph ; et c’est cela que porte Finlandia, cet affrontement de deux mondes, ces deux corps remplis de leurs rêves et de leurs sensibilités mais aussi de leurs familles, leurs milieux sociaux, leurs cultures, leur argent. Passée la tempête chimique de dopamine, sérotonine, ocytocine, passé l’éblouissement, l’amour est colonisé par le monde, et le couple doit faire avec, ou contre.

Pascal Rambert aère ou plutôt contraste ce pugilat verbal de silences épais envahissant la chambre un instant éteinte pour une tentative de sommeil ; mais aussi de moments d’une folle drôlerie qui font jaillir les éclats de rire (le potentiel comique de Pascal Rambert n’est pas assez reconnu !) avant que la cruauté banale, ou la banalité cruelle, de la dispute ne nous les fassent ravaler sèchement.
On est de plain-pied dans le noyau dur de l’affrontement entre Victoria et Joseph – comme dans Clôture… les personnages portent les noms des acteurs –, chacun s’évertuant à se montrer sous son pire jour tout en accablant l’autre de reproches. Le texte acéré est débité sur un rythme tendu. Toute tentation de connivence ou d’empathie se trouve balayée en deux répliques, chacun a raison, chacun a tort, chacun est le monstre de l’autre et en désamour comme en amour le cœur a ses raisons que la raison ignore…

Pour s’interdire autant toute séduction, il faut l’audace de la jeunesse et la solidité de l’expérience, et Pascal Rambert possède largement de ces deux richesses. Le parti pris est sans concession, le couple ne s’extirpera ni de sa chambre d’hôtel, ni de sa crise. De cette victoire à la Pyrrhus, nul ne sort indemne. Pourtant, la conclusion, encore un peu brouillonne dans sa réalisation mais d’une très tendre et très jolie idée (une chanson traduite, dont les paroles malheureusement à force de superposition se perdent) apporte une accalmie ; comme un œil du cyclone autour de l’enfant, dont la présence mutique se transforme en un espace d’apaisement.

Marie-Hélène Guérin

 

FINLANDIA
Au Théâtre des Bouffes du Nord jusqu’au 10 mars
Avec Victoria Quesnel et Joseph Drouet
Et avec Blanche Massetat, Anna Nowicki et Charlie Sfez en alternance
Texte et mise en scène Pascal Rambert
Lumières Yves Godin | Costumes Marion Régnier | Collaboration artistique Pauline Roussille
Photos © Pauline Roussille

Production structure production
Coproduction Centre International de Créations Théâtrales / Théâtre des Bouffes du Nord

À la vie ! : interroger la mort, et les vivants, avec tendresse.

Démarrage en trombes. En fond de scène, un « théâtre dans le théâtre », un rideau bleu, trois coups, mille morts, répétées, loufoques, crépitantes, languissantes, tragiques, bavardes, hystériques, secrètes…
On meurt sur un matelas placé au centre du plateau, ou n’importe où alentour, en vrac sur le parquet, en tas sur une volée de marches, en Médée, en Cyrano, à l’arme blanche, en flammes, avec panache, en une tentative sinistre et jubilatoire d’épuiser le sujet sous les éclats de rire déchaînés du public.

Puis on mourra pour de vrai, ça prendra plus de temps, dans les mots tranchants de la médecine, dans la compassion des siens et des soignants, on mourra sans le savoir d’un cancer muet comme une tombe, d’un cœur au bout du rouleau.

Devant l’ample et épuré décor gris-bleu composé avec pertinence par Charles Chauvet, un haut rideau se déplace pour modeler l’espace. La limpide mise en scène d’Elise Chatauret s’y inscrit avec délicatesse. L’espace et les comédiens glissent d’un lieu – chambres, salle de repos, salle d’attente – et d’un rôle à l’autre – tour à tour médecins, proches, patients – avec beaucoup de fluidité et de lisibilité, accompagnés par la discrète et rigoureuse création lumières de Léa Maris. Une composition électro étoffe ou allège l’air, l’enjoue ou en élargit l’émotivité.

La troupe est très homogène, tous sont également justes et sensibles, ont une grande plasticité, une acuité de jeu les rendant aussi évidents dans tous les personnages qu’ils endossent. La plupart ont déjà travaillé avec Elise Chatauret et sont familiers de son univers et sa méthode.
Juliette Plumecoq-Mech, nouvelle venue dans la compagnie, particulièrement fine et tendue, apporte son charisme et sa voix si singulière à cette troupe à la belle incarnation.

Ce spectacle a la densité de la vie qu’il représente, nourri d’enquêtes et de rencontres. Elise Chatauret travaille volontiers ainsi, puisant dans le réel et l’aujourd’hui, mettant en scène la parole d’une nonagénaire (Ce qui demeure, vu et aimé en 2016 à La Manufacture à Avignon), celles d’habitants d’un hameau français (Saint-Félix, enquête sur un hameau français – 2018), celles de pères (Pères).

Ici, le spectacle est né d’une envie d’interroger la mort, et ce qu’elle raconte d’une société.
Car le sujet est tout autant intime que politique, mystérieux qu’anthropologique. Elise Chatauret et sa compagnie sont allées se frotter à l’hôpital, puisque c’est là que souvent on meurt, et puisque c’est là que souvent la question se fait cruciale. Ils ont appris du centre d’éthique clinique, de récits personnels, se sont nourris aussi de leur confrontation à la pandémie qui les a envahis, comme l’ensemble de la société, pendant qu’ils avançaient dans cette création, et s’est télescopée à leur vie comme à leur réflexion.

Comment appréhender ce passage de la vie à la mort quand, côté patients ou côté soignants, on doit le parler, le peser, quand ce n’est pas la nature seule qui fait son œuvre mais des êtres conscients qui vont devoir prendre des décisions… Quand il y a la loi, et qu’il y a les souffrances. Quand il y a chacun, et qu’il y a la société.
Les patients sont jeunes ou presque centenaires, tous « à la limite », là où la vie s’échappe, bon gré ou mal gré. À ce moment où ni patients ni médecins ne peuvent plus se dispenser de penser la mort à venir – moment que certains refusent, que d’autres réclament.

« La loi ne bouge que pousser aux fesses par la vie » revendique une de l’équipe médicale, « y’a que les riches qui ont le droit de mourir proprement » rage la sœur d’un patient à bout de forces mais pas assez à bout de vie pour la loi Clayes-Leonetti (qui accepte la sédation si la fin est à court terme, c’est à dire à quelques jours), « j’ai prêté le serment d’Hippocrate » répond celle-ci, « on ne peut pas me demander de tuer quelqu’un » se défend celui-là.
Les voix pour, les voix contre… « Pour » ou « contre » ce sont toutes des voix humaines.

De cette matière hautement documentée, Elise Chatauret et la compagnie Babel ont sculpté un spectacle hautement théâtral. La véracité n’appauvrit pas la théâtralité : à l’inverse, elles se nourrissent et s’intensifient l’une l’autre.
L’espace se défractionne, les lieux s’interpénètrent. Parfois même, une incursion onirique, un enfant devenu adulte redevient enfant au bord du lit de son père au cœur usé, et retourne dans les récits fantastiques et initiatiques pour y apprendre la fin de l’histoire.
Les mots tragiques d’autrefois se tressent aux douleurs contemporaines pour les faire résonner au travers des temps. Des enregistrements des débats récents au Sénat et à l’Assemblée nationale soulignent l’acuité et l’urgence du propos.
Sur une chanson de Dalida, surgit une danse sauvage, gaie et déchirante du dégingandé Charles Zevaco qui expulse chagrin et rage, et exulte.
Le spectacle est à l’image de cette chanson populaire : grave, tonique, poignant et en mouvement. On y parle beaucoup, on y ressent encore plus. Il ne nous donne pas de réponses, mais d’utiles et vivifiantes questions. Ou plutôt, une réponse tout de même : on quitte le spectacle dans l’art, dans la beauté et dans la douceur. Et c’est un fragment de réponse, déjà, à notre peur de mourir.

Marie-Hélène Guérin

 

À LA VIE !
Un spectacle de la Compagnie Babel
Au Théâtre Silvia Monfort, Paris (75) du 6 au 16 mars 2024
Ecriture Élise Chatauret, Thomas Pondevie et la Compagnie Babel
Mise en scène Élise Chatauret
Dramaturgie et collaboration artistique Thomas Pondevie
Avec Justine Bachelet, Solenne Keravis, Emmanuel Matte, Charles Zévaco et Juliette Plumecocq-Mech
Conseil médical à l’écriture Véronique Fournier (directrice du centre d’éthique clinique de l’Hôpital Cochin)
Photographies © Christophe Raynaud de Lage

Puis en tournée : 27 > 29 Mar 24 Le Grand T – Théâtre Loire-atlantique, Nantes (44)
28 Mai 24 Les Quinconces – Scène nationale, Le Mans (72)

Backlash, au Théâtre de Belleville

Backlash, littéralement, c’est le contrecoup. En 1991, l’Américaine Susan Faludi a employé le terme pour titre de son essai féministe : Backlash : la guerre froide contre les femmes.
L’expression, passée dans le langage courant, désigne les réactions conservatrices et masculinistes face aux progrès des droits des minorités et en particulier ceux des femmes, et revient dans l’air du temps avec le retour de bâton réactionnaire post-MeToo.

Un lundi matin, un homme américain, qui fut mieux classé professionnellement, qui fut plus heureux en famille et en ménage, un homme américain nouvellement chômeur, divorcé papa d’un ado qu’il perd de vue entre deux vacances scolaires, amoureux d’une Courtney pas méchante mais qui ne s’en laisse pas conter, découvre un nouvel espace d’empowerment masculin, un endroit où il va enfin se sentir de nouveau bien, de nouveau puissant, de nouveau agissant. Un lundi matin, un homme américain, un peu désabusé, pas mal désoeuvré, errant dans le vortex de google, tombe sur Angry Alan.
 

Angry Alan, gourou des Men’s Rights, prend les hommes dans ses bras, dans ses rets, dans les filets de son discours à la fois lénifiant et belliqueux.
À ceux qui n’ont pas le secours d’une pensée politique élaborée, d’un soutien familial ou professionnel, d’une souplesse de caractère ou d’une force mentale pour trouver d’autres réponses à leur désarroi, Angry Alan offre le réconfort d’une cause à leur rage et leur faillite : le gynocentrisme. Pas la dureté d’une société capitaliste où compétitivité et narcissisme tiennent lieu de vertus. Pas la solitude, pas le manque d’échanges. Les femmes, voilà l’ennemi.
Avec un ennemi commun, on peut redresser la tête, se serrer les coudes et se sentir fier.
Angry Alan redessine la carte d’une société où les hommes seraient les grandes victimes. Maltraités par les femmes, et par voie de conséquence par la justice, le monde du travail, les médias, la culture. Asservis. Cantonnés aux tâches subalternes. Mal payés. Séparés de leurs enfants par les juges des affaires familiales lors des divorces. Pointés du doigt à chaque blague déplacée. Rabroués. Moqués, vilipendés. Victimes. Et les victimes ont le droit légitime de se défendre. S’organiser. Prendre les armes s’il le faut. L’instinct de survie dictera jusqu’où il faudra aller.
Angry Alan fait payer cher le billet d’entrée à ses colloques masculinistes et antiféministes, mais chacun jette son obole pour la grande cause anti-gynocentriste, pour la consolation, pour la confraternité.

Angry Alan n’est ici qu’une image sur un écran, comme il l’est pour Danny et tous les followers de sa chaîne vidéo. Il est interprété avec une finesse glaçante par Guillaume Trotignon, filmé dans un élégant noir & blanc.
 

C’est Danny qui occupe la scène. Danny et son inextinguible soif de chaleur humaine. Son pathétique besoin de justification. Sa terrible nécessité d’un monde binaire, simple à décoder. Hommes, femmes, victimes, bourreaux, ce qui mérite et ce qui ne mérite pas. Danny pris au piège de la réthorique masculiniste, dont le manichéisme l’empêchera d’entendre le monde plus complexe et plus nuancé de son enfant, qui cherche à conquérir de nouvelles libertés, de nouvelles façons d’être soi. Danny qui payera son aveuglement un prix incommensurable. Le “backlash”, le contrecoup, a lui aussi son contrecoup.

Acteur au jeu très sûr et très juste, à l’incarnation fluide et concentrée, Philippe Bodet offre la normalité de son grand corps d’adulte et l’expressivité déliée de son visage à ce Danny en chute libre. Il fait basculer ce gars de la bonhomie du pote qui traverse une mauvaise passe avec vaillance, à la joie naïve de se découvrir des frères de combat, puis à la joie mauvaise de se découvrir un ennemi à affronter. On le voit se défaire sous nos yeux, croire trouver un sens à sa vie puis le perdre.

Le beau ciel projeté sur un large cyclo de l’ouverture du spectacle laisse place, en alternance aux vidéos youtube d’Angry Alan, à un habillage vidéo très graphique, souvent intéressant, mais disparate, qui aurait gagné sans doute à trouver une forme plus homogène, qui aurait densifier l’attention.
Mais cela n’altère ni la réception du texte de Penelope Skinner, à l’écriture rapide, dont la dureté est allégée par un humour piquant et un sens précis du quotidien, ni la perception du jeu à vif, débordant de sincérité, de Philippe Bodet.

Ce qui est beau, et fort, c’est que texte et interprétation ne jugent pas Danny. Guillaume Doucet et Bérangère Notta, qui ont amené ce texte sur scène dans une traduction de Guillaume Doucet, ne cherchent pas le procès, ils cherchent l’humain.
L’autrice et le comédien font de Danny un être de chair et de vie, d’espoirs et de peines, un être fragilisé emporté par une spirale qu’il rêvait salutaire et qui, nourrie de haines de soi et des autres, ne pouvait être que destructrice. 
Une descente aux enfers, implacable, pudique et subtile, magnifiquement incarnée.

Marie-Hélène Guérin


 
BACKLASH
Un spectacle du Groupe Vertigo
Au théâtre de Belleville jusqu’au 30 mars 2024
Un texte de Penelope Skinner
Traduction Guillaume Doucet
Conception Guillaume Doucet et Bérangère Notta
Interprétation Philippe Bodet
Avec la participation de Guillaume Trotignon
Création lumière Juliette Besançon | Création sonore Maël Oudin | Régie Adeline Mazaud
Administration Marine Gioffredi, Hélène Lega, Chloé Montel

Photos Caroline Ablain

Production Théâtre de Belleville & Le Groupe Vertigo
Coproduction L’Archipel Pôle d’action culturelle (Fouesnant), Pont des Arts (Cesson-Sévigné), Pôle Sud (Chartres de Bretagne)
Soutiens DSN Dieppe Scène Nationale – Dieppe, Centre Culturel Juliette Drouet – Fougères, EVE – Scène Universitaire – Le Mans, Théâtres L’Arche-Le Sillon – Pleubian-Tréguier, Espace Beausoleil – Pont-Péan, La Manekine – Pont-Sainte-Maxence, Le Strapontin – scène de territoire de Bretagne pour les arts du récit – Pont-Scorff, Le Tambour – Rennes
Avec le soutien de la Ville de Rennes et de la Région Bretagne
Le groupe vertigo est conventionné par le Ministère de la Culture – DRAC Bretagne

Zoé, de Julie Timmerman : Tuer le père ou tuer l’insouciance ?

Je pense qu’il vaut mieux commencer par le sujet : Zoé raconte l’histoire poignante d’une enfant en proie aux tumultes de son père bipolaire, oscillant entre dépression et manie. Avant de passer à l’écriture… Julie Timmerman, dans une explosion textuelle explosive parsemée de citations et de références classiques à Hugo, Corneille et Racine, nous plonge dans l’univers intérieur de cette enfant dont chaque erreur, chaque fragilité, est jugée inadmissible.

L’univers de Zoé, incarnée par Alice Le Strat, se dévoile à nous dans un tourbillon de couleurs et de fumées, une mosaïque de souvenirs qui s’enchaînent. Nous devenons les témoins de cette croissance entravée par un environnement parental tourmenté, une enfant qui ne saisira la complexité et la dureté de son passé que bien des années plus tard. La pièce nous interpelle, nous engage, par l’universalité de son sujet : nombreux sommes-nous à avoir été au moins déstabilisés par les traces des névroses parentales qui, parfois, vont jusqu’à nourrir nos pulsions autodestructrices.
 

À mesure que l’esprit de Zoé s’alourdit de souvenirs poignants, la scène se remplit d’un chaos poétique, teinté de nostalgie.
Zoé se révèle être une toile visuelle captivante, habilement tissée pour refléter les tumultes intérieurs de la protagoniste. La scénographie évolue avec le personnage et nous sommes d’abord plongés dans un univers coloré et fait d’artifices évoquant la perspective de l’enfant. Puis, à mesure que la narration progresse et que les souvenirs douloureux s’accumulent, l’espace se fait de plus en plus chaotique, traversé d’éclairs de lumière projetant des ombres évocatrices, comme les fantômes du passé de Zoé. Tout est pensé pour accentuer progressivement l’intensité émotionnelle de l’expérience.
Zoé se révèle être une œuvre psychanalytique, cathartique et profondément personnelle, écrite avec les tripes. La générosité du texte est appuyée par les performances solides de Mathieu Desfemmes, Julie Le Strat et Jean-Baptiste Verquin, entraînés par la virtuosité d’Anne Cressent, incarnant magistralement la mère.

Zoé explore les profondeurs complexes de l’âme humaine. Julie Timmerman offre au public une méditation sur l’influence durable des expériences familiales sur notre propre développement. En naviguant à travers ce tumulte émotionnel, la pièce laisse une empreinte indélébile dans l’esprit du spectateur, rappelant que, parfois, c’est dans la confrontation avec nos démons intérieurs que se trouve la clé de notre libération.

Janis Bordes

 

ZOÉ
Un spectacle de la compagnie Idiomécanic
Au Théâtre de Belleville jusqu’au 29 février
Conseillé à partir de 10-12 ans
Texte et mise en scène Julie Timmerman
Avec Anne Cressent, Mathieu Desfemmes, Alice Le Strat et Jean-Baptiste Verquin
Dramaturgie Pauline Thimonnier | Collaborateur artistique et conseiller musical Benjamin Laurent | Assistante à la mise en scène Véronique Bret | Scénographie James Brandily assisté de Laure Catalan et Lisa Notarangelo | Lumières Philippe Sazerat | Costumes Dominique Rocher | Création sonore Xavier Jacquot assisté de Paul Guionie | Directeur technique Vincent Tudoce
Chargée de production & diffusion Anne-Charlotte Lesquibe | Construction du décor Benjamin Bertrand et Agnès Champain
Attachée de presse Nicole Czarniak | Administratrice Isabelle Frank pour Gingko Biloba

Photos © Pascal Gély

À voir en tournée :
2 mars : dans le cadre des ATP de l’Aude
6 mars : Espace culturel Boris Vian, Les Ulis
10-11 mars : Centre culturel Marcel Baschet St-Michel-sur-Orge
15 mars : Théâtre des 2 Rives, Charenton-le-Pont
26 mars : dans le cadre des ATP de Nîmes
28 mars : dans le cadre des ATP d’Uzès
11 avril : dans le cadre des ATP de Dax
16 avril : dans le cadre des ATP d’Avignon
18 avril : dans le cadre des ATP de Lunel
3 mai : dans le cadre des ATP de Roanne
25 mai : dans le cadre des ATP de Villefranche-de-Rouergue
28 mai : Espace Jean Legendre, Théâtres de Compiègne

Production Idiomécanic Théâtre
Coproductions Fédération d’Associations de Théâtre Populaire (FATP) – Espace Jean Legendre, Théâtre de Compiègne – Théâtre Jean Vilar, Vitry-sur-Seine –Théâtre des 2 Rives, Charenton-le-Pont.
Soutiens Espace culturel Boris Vian, Les Ulis
Coréalisation Théâtre de Belleville, Paris
Résidences de création Scène de Recherche de l’ENS Paris-Saclay, Théâtre des 2 Rives – Charenton-le-Pont, Espace Jean Legendre – Théâtre de Compiègne, Super Théâtre Collectif – Charenton-le-Pont
Subventions Conseil départemental du Val-de-Marne, Département de l’Essonne, Spedidam
Mécénat MNA Taylor

Comme le nageur au fond des mers au Théâtre Ouvert

De Bérangère Jannelle, j’avais vu Z comme zigzag, dont j’avais beaucoup aimé l’intelligence très vive et l’humour allègre. C’était un spectacle libre, fou, drôle et philosophique inspiré par Deleuze, c’était au 104, un 13 novembre 2015, pendant qu’à l’extérieur du théâtre Paris saignait.

Pour sa nouvelle création, la belle et spectaculaire scénographie signée par Alban Ho Van impose d’emblée un espace très théâtral.
Sur le grand plateau du Théâtre ouvert, dynamique salle de création contemporaine, une estrade, immense, surmontée et cernée d’éléments fonctionnels, frigo, chaises, tables, lit, cartons. Au sol, un miroir d’eau. Au-delà de sa force esthétique, l’eau interfère, contraint la démarche des protagonistes, clapote et ondule, reflète et miroite. Elle n’est pas pour rien dans cette histoire. En fond de scène, comme un écran, derrière un tulle, un cube au décor de clinique, dont la blancheur et l’épure contrastent avec l’espace encombré et sombre qui occupe le plateau.

Thomas se présente, il est documentariste sonore, et part en Grèce à la poursuite d’une histoire d’amour. Gunther a perdu la mémoire quand il a perdu la trace de sa bienaimée lors d’un séjour sur l’île de Milos. Lui projetait d’y enregistrer les sons, les échos, les poussières des temps mythologiques tandis qu’elle, avocate à la Cour du droit d’asile, devait recueillir les témoignages de réfugiés d’un campement voisin. Gunther laisse à Thomas quantité d’enregistrements audio et vidéo, de carnets et de notes, lui confiant la tâche de retourner sur place, reconstituer les jours de la disparition, réajuster les sons et les souvenirs au réel, refabriquer une mémoire.

Mais à l’hôtel, l’aubergiste lui présente sa chambre « telle que vous l’avez laissée ». La cliente avec qui il sympathise ressemble à s’y méprendre au médecin qui lui remettait des résultats d’analyse plus tôt. Thomas décline son identité, et lui-même glisse de Thomas à Gunther. La convention du théâtre nous permet d’accepter sans ciller les espaces et les temps qui se superposent dans un même lieu, les acteurs qui endossent plusieurs rôles. Pourtant le doute grandit, on a vu Shutter Island , et on commence à se méfier…

C’est nous, finalement, qui sommes comme un nageur au fond des mers, à ne plus savoir où est le haut, où est le bas, où est le passé, où est le futur, où sont les vivants, où sont les morts. Les espaces se chevauchent et les temps se télescopent, les enquêtes s’entremêlent, on traverse le Styx en ferry, Charybde et Scylla renversaient les embarcations antiques, et les corps des migrants noyés rejoignent ceux des compagnons d’Ulysse et des nageurs avalés par les vagues submersion.

Les interprètes sont solides, et il faut l’être pour naviguer dans des eaux aussi troubles.
On retrouve avec grand plaisir Félix Kysyl, dont on avait apprécié le jeune talent dans Madame Bovary, il est toujours précis et sensible; Emmanuelle Lafon et Elios Noël ont un beau naturel, un jeu concret qui apporte chair et humour ; Leïla Muse, la plus jeune, qui est une délicate mais un peu appliquée amoureuse, a de la nuance, et gagnera, c’est certain, en liberté de jeu au fil des représentations, pour se mettre au diapason de la sincérité, de la générosité et de la justesse de ses partenaires.

La fresque brasse ample, comme l’imaginaire lié à la Méditerranée. Confrontant la quête des échos des temps mythologiques au présent de ceux qui migrent trop pauvrement sur des rafiots sans capitaine. Télescopant les drames du monde au chagrin d’un homme.

Comme le nageur au fond des mers est un spectacle en forme de puzzle, de labyrinthe. Se balade-t-on dans un paysage, dans des souvenirs, dans un inconscient ?
L’écriture alterne réalisme et onirisme, l’espace scénique devient plus mystérieux et sensoriel au fur et à mesure que l’on s’enfonce plus profond dans les méandres de la quête.
Suivant le cheminement d’un homme dans son travail de deuil et de reconquête de lui-même, le spectacle foisonne, buissonne, zigzague dans les strates temporelles d’un même lieu. Puis, comme les sédiments se déposent au fond des eaux calmes, les fragments et indices, les témoignages et souvenirs se déposeront au fond de l’esprit où ils tourbillonnaient. Les eaux redeviendront claires et les vivants, apaisés, pourront reprendre pied sur des rivages fermes.
Une pièce complexe et dense, énigmatique et touchante, portée par une mise en scène très maîtrisée et une création visuelle et sonore magistrale.

Marie-Hélène Guérin

 

COMME LE NAGEUR AU FOND DES MERS
De la compagnie La Ricotta
Au Théâtre Ouvert jusqu’au 10 février 2024
Texte et mise en scène Bérangère Jannelle
Avec Félix Kysyl, Emmanuelle Lafon, Leïla Muse, Elios Noël
et avec la voix de Mafing Traoré
Scénographie Alban Ho Van
Costumes Isabelle Deffin | Création sonore Félix Philippe | Création lumières Léandre Garcia-Lamolla | Photographie Benjamin Géminel
Régie générale Emmanuel Humeau | Régie lumières Hervé Frichet | Régie son Vincent Dupuy
Photographies © Pierre Grosbois

Je suis Gréco : un portrait poétique qui questionne les tumultes de l’être et du paraître

Fruit de la collaboration entre Léonie et Mazarine Pingeot, Je suis Gréco questionne l’articulation entre l’identité et l’image à l’occasion d’une descente dans les enfers personnels de Juliette Gréco, le tout dans un voyage fait de poésie et d’onirisme. Elles nous proposent un théâtre qui investit pleinement l’imaginaire, le rêve, l’expérimentation, le fantasme avec un humour précis emprunté à la muse de Saint-Germain-des-Prés.

Au départ la pièce, en prenant des allures de conférence, nous propose une transition du réel de nos vies et de la salle de théâtre vers ce monde imaginaire qu’est l’icône Juliette Gréco. Nous voici alors transportés dans la férocité du combat d’une femme qui doit toujours rendre des compte sur qui elle est ou ce que le public projette sur elle. Juliette Gréco c’est cette femme qui sent qu’on lui dérobe son identité, cette femme qu’on essaye à tout prix de mettre dans des cases mais qui s’y refuse et qui tantôt déjoue ces cases avec humour, tantôt s’en agace voire s’en met en colère.
En abordant notamment le rapport de Juliette Gréco aux hommes, la pièce explore un aspect très féminin et subtil. Elle offre ainsi une perspective sur les relations humaines, ajoutant une couche de complexité à l’exploration de l’identité. “Je suis Gréco” résonne comme un appel à réfléchir sur les multiples facettes de notre identité, à explorer les méandres du paraître et de l’être dans un monde saturé d’images et de représentations.
 

Cette expérimentation théâtrale musicale, dépourvue de trame narrative conventionnelle et osant le mélange des genres, rend bien compte de ce fantasme Gréco et de la sensualité presque violente qu’on lui accole. La mise en scène offre une expérience visuelle immersive. Les acteurs, portés par une diction impeccable, naviguent avec aisance entre les différentes dimensions du texte, captivant le public avec un jeu nuancé. Les moments musicaux soulignent habilement les émotions et contribuent à l’atmosphère envoûtante de l’ensemble.
Sur la scène, le lieu par excellence du paraître, la pièce soulève des questions essentielles : sommes-nous réellement maîtres de notre image, de notre identité ? L’articulation entre être et paraître se fait-elle naturellement, telle une symbiose, ou sommes-nous appelés à exercer un contrôle actif, à faire des choix délibérés entre les deux ? Ces questions restent en suspens, laissant le public immergé dans un songe théâtral où les frontières entre réalité et fiction s’effacent.
 

À l’occasion d’une conversation avant la pièce, Mazarine Pingeot, co-autrice de la pièce et mon ancienne professeur de philosophie, ayant elle-même été un objet médiatique, s’est confiée à moi sur son expérience du poids des fantasmes projetés, soulignant que cela à tendance à éloigner autrui et complique la construction de soi. Pour autant, Je suis Gréco est très loin d’être l’exutoire des démons personnels de l’autrice car c’est au contraire une réflexion beaucoup plus universelle que nous propose la pièce.
Au détour de cette conversation, l’autrice a aussi tenu à appeler la jeune génération à “réinvestir le théâtre et l’art comme des lieux d’imaginaires, d’expérimentations, de fantasmes”. Elle regrette cette vision qu’a la jeune génération d’un art qui doit se mettre au service d’un slogan sans quoi il serait un chose qui détourne de l’urgence politique. “Je comprends le sentiment d’urgence politique mais je crois que ça dessert et l’art et le combat politique que de faire de l’art un slogan” m’a-t-elle précisé.

Au final, c’est une pièce profondément contemporaine que nous propose Léonie et Mazarine Pingeot car, à une époque où l’image règne en maître et où chaque instant peut être capturé sur les réseaux sociaux, Je suis Gréco offre un miroir critique de cette ère où le privé devient public, où l’intime est médiatisé et où chacun est amené à se justifier sur l’image qu’il renvoie.

Janis Bordes

 

JE SUIS GRÉCO
Un spectacle de la Compagnie Framboise
Au Théâtre du Rond-Point jusqu’au 10 février 2024
Texte Mazarine Pingeot et Léonie Pingeot
Mise en scène Léonie Pingeot
Avec Raphaël Bancou, Elsa Canovas, Geoffroy Rondeau, Gaël Sall

Collaboration artistique : Lisa Garcia | Création musicale et arrangements : Raphaël Bancou | Scénographie : Damien Rondeau | Création lumière : Quentin Pallier | Création sonore : Raphaël Pouyer | Costumes : Sophie Porteu de la Morandière | Voix enregistrées : Alexis Ballesteros, Benjamin Gomez, François Pérache, Antoine Quintard, Florian Westerhoff | Tapissière : Charlotte Winter | Construction régie plateau : Brice Delorme, Cynthia Lhopitallier, Raphaël Pouyer
 

Mentions de production
Production déléguée EMC (Saint-Michel-sur-Orge) Direction Régis Ferron / Administration Joana Urquijo / Production Léa Laroche Diffusion Olivier Talpaert/ Coproduction Théâtre Romain Rolland – Villejuif, Les Bords de Scènes – Grand-Orly Seine Bièvre, Espace culturel Bernard Marie Koltès – Metz, Comédie Framboise
Avec le soutien du CENTQUATRE-PARIS et du Grand Parquet
Remerciement à Julie Rossini Projet soutenu par le département de l’Essonne – DRAC Île-de-France – Région Île-de-France