Le Voyage de Miriam Frisch, Compagnie Hanna R

Le Voyage de Miriam Frisch

De longues tablées de bois clair attendent les spectateurs, à leurs bouts deux estrades, sur les côtés deux écrans. On prend place, un petit verre à la main, coude à coude avec son compagnon peut-être, ou un inconnu. Quatre jeunes gens entament des silencieux rituels, lavage des mains, allumage des bougies… Des bouteilles d’eau, de vin, passent de main en main… Autour de ces tables de banquet va pouvoir se déployer l’histoire du spectacle.
Linda Blanchet a composé ce récit à partir l’ histoire de Miriam Coretta Frisch, jeune Allemande qui a décidé de partir en kibboutz pendant 7 semaines, l’année de ses 25 ans, en 2012. Du témoignage de cette expérience, enrichi par un travail collectif de la troupe sur les questions d’identité, de transmisson, elle a fait naître une forme hybride – théâtre documentaire autant que monologue polyphonique -, où se côtoient fragments de réalité et fantaisie, faux reportage et vraies confidences, entretien à la webcam et séances diapos, touchants moments de chants et cuisine paternelle…
Et si le « kibboutz » signifie la « collectivité », Miriam dans sa quête de sens et de communauté sera collégiale : ils seront quatre à offrir leur voix, leur corps, leurs souvenirs, à Miriam, la jeune femme en quête d’identité : elle sera brune, blonde, garçon ou fille, elle changera de taille, de couleur de peau, d’accent !

Qu’est-ce qui fait courir Miriam Frisch ?

« Je voulais voir ce qui se cache derrière l’idée du collectif, comment les gens s’organisent ensemble »… mais aussi « je me demandais qu’est-ce qui était possible en dehors du capitalisme »… mais surtout « j’avais une sorte de culpabilité abstraite » : un besoin – pour celle qui est de la génération d’après la génération d’après – de prouver qu’être un Allemand ce n’est pas forcément être « un monstre », de passer outre le passé, sans l’oublier. Miriam, jeune femme allemande, non juive, pérégrinant en ce début de XXIe siècle de kibboutz en kibboutz, porte ces questions de son temps. Les rêves personnels, les envie d’utopie se frottent au lourd poids de l’Histoire, et de l’histoire familiale.

4 bonnes raisons de prendre part au voyage de Miriam Frisch :

1 – Les comédiens, tour à tour dans la narration ou l’action, ont tous les quatre de la pertinence, de la bienveillance et de la sincérité. Quatuor harmonieux et vivace, ils sont aussi justes dans la légèreté fantasque que dans la gravité.
2 – Il est bon parfois de laisser de côté les réponses pour offrir de l’espace et du temps aux interrogations. Ici, on leur accorde la place d’honneur – aux « pourquoi », aux « comment », aux « que faire avec hier », aux « pourquoi faudrait-il forcément faire avec hier », « comment faire pour demain »… chacun fera son propre voyage en compagnie de Miriam Frisch pour débusquer celles qui résonnent en lui, celles qui creuseront un sillon qui fera une place à une réponse, peut-être, un jour.
3 – L’intelligence du dispositif, qui s’affranchit des frontières entre réalité et fiction à chaque rouage : dans l’écriture, dans la mise en scène, dans le registre de jeu, dans le rapport « scène-public ».
4 – Un de ces cadeaux que fait parfois le théâtre au spectateur : l’occasion d’un partage.
 

Marie-Hélène Guérin

 

Le Voyage de Miriam Frisch, Compagnie Hanna R Photo © Gaëlle Simon

LE VOYAGE DE MIRIAM FRISCH
Un spectacle écrit et mis en scène par Linda Blanchet
Avec Calypso Baquey, Angélique Zaini, William Edimo, Cyril Texier ou Maxime Coggio
Avignon Off 2018 : à La Manufacture du 6 au 26 juillet à 17h55

Chili 1973 : rock around the stadium

Chili 1973 : Rock around the Stadium

Le foot et le rock ont une emprise et un retentissement mondial sans équivalent. Les dictatures aussi ! En mettant en parallèle le déclin de l’esprit du rock, la montée des dictatures en Amérique du Sud et la consécration du roi football, la compagnie Escabelle propose un spectacle coup de poing, une pièce de théâtre musical non fictionnel que ne renierait pas Elise Lucet.

Chili 1973 : rock around the stadium

Le 11 septembre 1973, coup d’état au chili. Le stade de Santiago se transforme en camp de concentration où plus de 12 000 opposants y seront torturés, violés, assassinés -il est vrai qu’un stade de foot, pour ça, c’est idéal !… Le tube planétaire Angie des Rolling Stones, sorti la même année, y sera diffusé à fond par le pouvoir militaire pour couvrir les cris des torturés. Le cynisme du pouvoir est poussé à son paroxysme au moment des phases de qualification pour la coupe du monde 1974… Que vont-ils bien pouvoir imaginer pour jouer à domicile dans « le stade de la mort » ?

Chili 1973 : rock around the stadium

Trois raisons de prendre son billet pour les tribunes de CHILI 1973: ROCK AROUND THE STADIUM

1 – Un dirigeant de la FIFA vous confiera qu’un moindre niveau de démocratie est parfois préférable pour pouvoir organiser une coupe du monde dans de bonnes conditions. Et ce n’est pas faux !
2 – Un spectacle percutant, efficace, redoutablement ciselé, qui confère tout son sens au théâtre, en remplissant parfaitement sa fonction d’éveilleur des consciences.
3 – En revivant des évènements oubliés ou juste ignorés, ce spectacle est une succession de révélations toutes plus hallucinantes les unes que les autres, sur les liens terribles entre rock, foot et dictatures… ou comment le foot a été tué par Pinochet. Guitare et batterie live sur scène vous accompagneront devant le peloton d’exécution !

-Jean-Philippe Renaud-

CHILI 1973 : ROCK AROUND THE STADIUM
Ecrite et mise en scène : Hugues Reinert
Interprétation : Hugues Reinert , Kevin Le Quellec
Lumière / vidéo : Karim M’Sir
A la CASERNE DES POMPIERS du 7 au 23 juillet 2018, 19h15

Les Idiots

Des adolescents qui attentent tout de la vie, qui veulent la réinventer, qui veulent de l’amour, du vrai. Des cris de jeunesse face à l’immobilité du monde, face à la frustration morbide de ces adultes, qui cherchent à lui faire porter « leurs valises » pour qu’elles leur soient moins lourdes. Parce que eux ne veulent pas avoir peur, parce que eux aiment la vie. « On dit, les idiots. Ces idiots ne sont pas des idiots. Ils ont développé leur intelligence en dehors des règles. La véritable intelligence n’est pas de savoir ce que tout le monde sait. C’est d’inventer sa vie ».
 

 

Trois raisons d’aller voir (absolument) LES IDIOTS:

1 – pour la première scène qui instaure une tension digne d’une prise d’otages. Vous avez le souffle coupé, vous êtes cernés, vous êtes en joue, vous êtes un jouet. Vous êtes inquiets? Vous avez raison. Mais c’est du théâtre
2 – pour la mise en scène, pour le rythme, pour la modernité, pour la composition musicale et la musique live, pour le texte, pour le jeu. Vous voyez les lumières au dessus de la scène ? ce sont les âmes de Bonny and Clyde qui les font scintiller.
3 – LES IDIOTS a reçu le prix de la meilleure mise en scène 2018 au festival A Contre Sens … et vous allez comprendre pourquoi !
 

 
LES IDIOTS
Une pièce de Claudine Galea
Mise en scène : Théa Petibon
Avec Alice Daubelcour, Tanguy Vrignault, Emilie Lehuraux, Quentin Kelberine, Tali Cohen, Paul Meynieux, Paul Lourdeaux, Richard Pfeiffer
Avignon Off 2018 : à L’Archipel Théâtre, du 6 au 29 juillet, relâche les mardis

La Magie lente - Benoit Giros

La Magie lente, plongée en eaux sombres et remontée vers la surface

« Madame le ministre, monsieur le doyen… » le narrateur s’apprête à livrer l' »histoire d’un homme » à une assemblée docte autant qu’institutionnelle. On nous annonce une conférence, c’est un témoignage intime qui va se dérouler devant nous.
 

« Il y a au fond de moi une épave, et ça remonte morceau par morceau, l’enfant que j’étais.
On ne voit rien en surface que de l’eau, du bleu-vert,
et en dessous, l’épave qui remonte par morceaux. »

 

Depuis 10 ans, Louvier croit que ses désirs sont des hallucinations, car le psychiatre que, troublé par des pensées sexuelles obsessionnelles, dépressif, il avait consulté alors, ne pouvait entendre ces désirs. Puisque ses pulsions ne peuvent être, le psychiatre les définit comme distorsions mentales, et voilà Louvier définit comme hétérosexuel schizophrénie. Il lui faudra pas à pas devenir l’homosexuel bipolaire qu’on lui a refusé d’être, et rester schizophrène le temps de faire le chemin.
 

« – Bipolaire, c’est moins grave que schizophrène ou je me trompe ?
– Dans votre cas, vous avez raison.
– Alors c’est une bonne nouvelle. »

 

La Magie lente - Benoit Giros
 

Ce qui va se dévoiler là, c’est le trajet que Louvois, accompagné par un nouveau psychiatre, consulté parce que le mal-être ne se résout pas, va accomplir pour déconstruire ce diagnostic, cette définition de lui-même imposée par un tiers.
La « magie lente », c’est le lent et difficile apprentissage d’être soi, ce « bain révélateur » qui s’opère par le langage, par la cure psychanalytique, cette alchimie précieuse que les mots peuvent opérer.
Louvier et son nouveau thérapeute vont dénouer les fils de l’enfance, faire surgir de derrière les murs épais du déni et de l’innommable, ou plutôt le trop longtemps innommé, le traumatisme de l’enfance violée, l’inceste.
 

« Ce qui n’est pas dit pourrit dans le noir sans pour autant exister »

 

Le texte de Denis Lachaud est à la fois très cru et très pudique, on appelle une bite une bite, et un pédophile un pédophile, on parle de douleur et d’effroi, on avance à mots modestes et pourtant puissants vers la reconstruction d’un être.
Le jeu comme la mise en scène tiennent à distance tout pathos. Des chaises noires, toutes simples, des verres ou des bouteilles d’eau posées sur l’assise; à l’avant-scène, une table de bureau, un ordinateur portable. Dans le texte, il était écrit que ce spectacle serait joué par un homme seul : le metteur en scène Pierre Notte l’a pris au mot, et c’est l’acteur qui assure la régie, se chargeant des changements de lumière ou des lancements sonores. La voix à peine plus posée pour le thérapeute, à peine plus brisée pour Louvier, Benoît Giros entrelace les deux facettes du travail de la psychanalyse, glisse de celui qui écoute à celui qui dit, de celui qui dévoile à celui qui entrevoit, enfin. Pas de lyrisme, pas de fioriture, si l’émotion nait c’est avec retenue, presque discrétion. Un travail exemplaire d’intelligence et de justesse.

Marie-Hélène Guérin

 

La Magie lente - affiche
 

LA MAGIE LENTE
À l’Artéphile, Avignon, du 6 au 27 juillet à 19h40
Texte Denis Lachaud
Mise en scène Pierre Notte
Avec Benoit Giros

Un Homme Qui Fume c'est plus sain Collectif Bajour Festival Avignon La Manufacture coup de coeur Pianopanier

Frères humains

Il y a des spectacles qu’on aimerait ralentir tellement on y prend du plaisir. On regrette qu’ils passent si vite.
Bien sûr on pourrait revenir les voir mais on sait que ce ne sera pas la même chose. Comme les bons livres, on envie ceux qui ne les ont pas encore lus. On voudrait pouvoir retrouver la virginité.
Comme un enfant ébloui à la fête foraine, de tant de lumières, de tant de bruits, on tourne la tête dans tous les sens, on ouvre le cœur à tous les vents, prêts à être surpris par une autre émotion.
On suffoque presque de tant de grâce. En douceur.
Déjà en le voyant, on voudrait le garder en entier en nous. Pouvoir s’y replonger.
On y repense comme à une rencontre amoureuse. Une soirée, une nuit d’amour.
Tel moment. Tel geste. Tel frisson. Tel regard.

Pas lu le programme. Juste une envie. Une intuition. On arrive à la Patinoire de la Manufacture.
De quoi ça cause?
Une fratrie. Nombreuse. Perdues au milieu, deux soeurs. Une absente, une présente.
Un chant. Délicat. Friable. Des chants.
Pas de micros. Ouf.

Une jeunesse s’approprie le théâtre, le fait avancer. Sans révolte. En douceur et en précision. Sur le fil de la justesse. Sans excès. Ou si plutôt : avec une telle justesse dans les excès qu’on l’y accompagne sans effort.
On pourrait citer sans doute des inspirateurs, des parrains de théâtre, conscients ou inconscients, mais ces fantômes sont déjà loin, digérés, intégrés. Ce théâtre-là est ici, maintenant; il est jeune, il regarde devant.

Un Homme Qui Fume c'est plus sain Collectif Bajour Festival Avignon La Manufacture coup de coeur Pianopanier

Dans ce spectacle le théâtre tremble, vit, progresse.
Avec intelligence, sans affectation, sans outrance, sans posture.
Il travaille le vrai, la matière humaine, la fouille sans la résoudre, sans la dissoudre. L’écorche et l’émeut.
Des pépites.
Je les garde.
Je ne raconte pas.

Allez-y.

Agnès T.

Un Homme Qui Fume c'est plus sain Collectif Bajour Festival Avignon La Manufacture coup de coeur Pianopanier

 

UN HOMME QUI FUME C’EST PLUS SAIN
Manufacture du 6 au 26 juillet, 11h30
Création collective de BAJOUR
Mise en scène Leslie Bernard

Heroe(s)

Heroe(s), des humains d’aujourd’hui

Un premier spectacle à Avignon, c’est une première fois.
Comme pour toutes les premières fois, on n’a pas envie d’être déçu.
On sait que ce spectacle ne sera pas comme les autres. Quel qu’il soit. Il est le premier. Il donnera la couleur. Il donnera le ton. Il mettra du temps à s’effacer.
Même sans le vouloir, on y met ses espoirs, ses envies. Presque tous ses espoirs, et toutes ses envies. Malgré soi. On ne partage pas (encore) avec les petits frères et petites sœurs à venir.
On y vient entier. Ouvert. En friche.
Alors ça fait du bien quand la première graine semée est de qualité. On sent que « ça part bien. » On sort ragaillardi, confiant, serein, même si on sait que le mauvais temps surgit toujours sans prévenir, malgré toutes nos certitudes, et que le risque se renouvelle à chaque fois qu’on entre dans une salle.

Heroe(s)

Trois hommes s’adressent à nous. Leur projet, faire un spectacle à trois compagnies. Ils sont trois metteurs en scène. Un projet longue durée. Un spectacle sur le monde d’aujourd’hui. Et tout un rêve d’interactivité, et de déambulation, … enfin surtout, l’envie (l’utopie ?) d’un partage avec le public, d’une adéquation, d’une cohérence du théâtre avec le monde qui l’entoure.

Des hommes. Trois. Différents. Qui surgissent et se parlent. Expliquent et sont.
La sobriété des chiffres, leur froideur, l’immatérialité de ces suites de zéro trop longues pour qu’on ait envie de tenter de les compter.
Et comment lutter? quoi faire contre un système?
Les scandales du capitalisme révélés par les robins des forêts d’algorithme.
Étranges super-héros que ces êtres que rien ne protège.
Rien.
Pire que les repentis de la mafia. Un mauvais film. Ou — pire — un bon…
Pas de la fiction. Du cinéma du réel.
Un film de guerre. Non. Pas un film. LA guerre. La Guerre d’aujourd’hui. Pas le vieux re^ve d’hier, englué dans les contes et les fictions d’antan
Vous ne savez plus ce que c’est que la guerre.
La résistance est à réinventer.
Le théâtre se réinvente aussi.

Le musicien…? on n’avait pas tout de suite compris. Cette silhouette à capuche sur le plateau, comme un mystère, une menace,… la caricature d’une menace, oui. Une capuche serait menaçante? (Honte de cette pensée)
Cette présence physique de la musique sur scène, présence à la fois humaine et technologique nous ressemble, à nous êtres humains de 2018, à la fois humains et technologiques.
Un ordinateur, un violon électrique, et surtout un être vibrant qui les anime, les caresse, les guide.
Branchés en permanence à nos machines. Presque perdus sans elles, nous sommes.
Ou tentons d’être.
Nous restons terriblement humains, charnus, transpirants. Veules, faibles parfois.

Les bulles électroniques naissent et retombent dans le silence.
Et chante le cri écorché du violon électrique.

 

Heroe(s) - affiche

Heroe(s).
De Guillaume Barbot, d’après un travail collectif
Mise en scène et interprétation : Philippe Awat / Guillaume Barbot / Victor Gauthier-Martin
Création sonore et musique live : Pierre-Marie Braye-Weppe
A La Manufacture, du 6 au 26 juillet 2018, à 10h20

 

Dévaste-moi, Emmanuelle Laborit

Dévaste-moi, le corps des femmes chansigné

Une étrange silhouette, très longue robe rouge quelque part entre le sensuel et le solennel, recouvrant étroitement le visage, quelques notes de Carmen égrenées à la trompette, le corps d’Emmanuelle Laborit se courbe, ses doigts s’envolent, on voit l’amour, on voit les oiseaux, on voit la loi et on voit le « non ».
Bientôt elle va dégager son visage, et retrouver une expression moins abstraite, où la mobilité des traits accompagne la vivacité des gestes.
 

Qu’est-ce que ça veut dire chanter en langue des signes ?
« Avant tout chanter, c’est transmettre un message, s’exprimer, exprimer une énergie, un sentiment, des émotions, exprimer ce que nous a dit un texte, l’histoire qu’il raconte et ce qu’il nous raconte, à nous-même. » Emmanuelle Laborit

 

Dévaste-moi, Emmanuelle Laborit, © Jean-Louis Fernandez
 
Emmanuelle Laborit, actrice, metteure en scène, fondatrice et directrice de l’International Visual Theatre, s’avance aujourd’hui sur scène pour nous offrir son chant, son chant de femme sourde qui n’« oralise » pas mais qui, nous rappelle-t-elle, n’est pas muette, et parle avec ses mains dans sa langue, la langue des signes française, parle avec les sons de sa gorge, avec son souffle et son expression physique. Et ici, il s’agit bien d’un chant, qui n’est pas la parole du discours ou du quotidien : son chansigne nait de la langue des signes comme la poésie nait de sa propre langue natale, s’y nourrit, s’y structure, s’en détache, s’en envole, parfois même s’y rebelle. Et ça devient alors une langue neuve et personnelle, un poème, une danse.

Johanny Bert, créateur de spectacles hybrides, en collaboration avec Yan Raballand pour le travail chorégraphique, crée un espace élégant, soigné, inventif – écrin mais pas carcan ; les costumes sont poétiques, spectaculaires. The Delano orchestra l’accompagne avec une joyeuse énergie folk-rock, tonique et électrisante.
 
Dévaste-moi, Emmanuelle Laborit, © Jean-Louis Fernandez
 

Une veste d’homme – rose à la boutonnière, un bustier de laine tressé, très beau, tombent des cintres ; glamour, rock, en escarpins, en maillot 1900, éventail de plumes et petite tournure, en peignoir ou en simple pantalon noir, Emmanuelle Laborit est multiple comme les femmes. Et c’est avec sa propre multiplicité qu’elle parle d’elle, mais aussi de la multiplicité de ses sœurs les femmes, et de leurs corps, sans fausse pudeur, parfois avec une cocasserie détachée, souvent avec une sensibilité à fleur de peau maîtrisée autant que vibrante.
Le propos est sans équivoque féministe, mais sans didactisme ni pesanteur. Féminin, en fait. Politique, au sens large. Vivace. Vivant, par-dessus tout.
 

« La liberté, c’est tout ce qui me fait jouir, ô liberté ma tourterelle, à toi seule je reste fidèle et quand je te trompe, tu t’en fous !) (Infidèle, Evelyne Gallet)

 

Certains titres seront surtitrés, d’autres non. Ceux qui ne connaissent pas la LSF se repèrent parfois aux mélodies familières, et de toutes façons se laissent porter par la force d’interprétation de la comédienne et la précision délicate de cette langue. Ainsi on découvre au générique final le titre de Magyd Cherfi, Classée sans suite, dont on comprendra qu’on avait discerné assez justement le propos.
La chanson qui donne son nom au spectacle, Dévaste-moi, de Brigitte Fontaine, restera un moment particulièrement fort, Emmanuelle Laborit au micro, les sons de sa gorge, sa respiration, les sons de son corps martelé, brusqué, peau frappée, textile froissé.

D’un tango des vapeurs, burlesque adieu aux ragnagnas, à la difficulté d’être mère (Anne Sylvestre : « que savent-ils de mon ventre, moi qui suis tant de choses »), des coups reçus au désir brûlant, Emmanuelle Laborit met en jeu mille moments, mille pulsions de femme. Ce sont des mots et des airs populaires ou moins connus, d’hier ou d’aujourd’hui : on croise souvent Brigitte Fontaine, mais aussi Bizet, Bashung (pour un gracieux Madame rêve), Amy Winehouse, Agnès Bihl (« Le Très-Saint Père a dit, il faut faire des gosses, même séropos, ils iront vite au paradis, d’toutes façons ici y’a pas d’boulot »), Donna Summer, Ariane Moffat – autant d’hymnes à la liberté, à l’affirmation de soi, à la pulsion de vie, avec ses fêtes et ses duretés, avec sa voracité et sa tendresse.
Porté par une interprète intense, précise et généreuse, un spectacle rare, qui met l’esprit et les sens en éveil.
 

Marie-Hélène Guérin

 

Dévaste-moi, Emmanuelle Laborit, © Jean-Louis Fernandez

DÉVASTE-MOI
Aux Métallos jusqu’au 8 juillet, puis en tournée (voir ci-dessous) : une date exceptionnelle le 17 juillet à Avignon
Mise en scène Johanny Bert
en collaboration avec Yan Raballand
Comédienne chansigne Emmanuelle Laborit
Musiciens The Delano Orchestra : Guillaume Bongiraud, Yann Clavaizolle, Mathieu Lopez, Julien Quinet, Alexandre Rochon
Interprète voix off Corinne Gache

Accessible au public sourd et malentendant

TOURNÉE
17 juillet : Avignon (84) – Festival Contre Courant (île de la Barthelasse)
24 juillet : Périgueux (24) – Festival Mimos (L’Odyssée, scène conventionnée d’intérêt national « Art et création »)
9 et 10 octobre : Dunkerque (59) – Le Bateau Feu, scène nationale
18 > 20 octobre : L’apostrophe – Scène nationale Cergy-Pontoise & Val d’Oise (95)
6 > 9 novembre : Lyon (69) – Théâtre de la Croix-Rousse
20 et 21 novembre : Brest (29) – Le Quartz, scène nationale
15 et 16 février 2019 : Besançon (25) – Les Deux Scènes, scène nationale
8 mars 2019 : Mâcon (71) – Le Théâtre, scène nationale (Mois des Drôle de Dames)
 

Le Maître et Marguerite@Antonia Bozzi

Les Sans Cou(p)… de Maître !

Pas de doute, « Les Sans Cou » ont l’art et la manière de raconter des histoires. Leur incroyable énergie, leur inventivité, leur humour potache, leur façon de détourner le plateau, leur plaisir à être ensemble, tellement palpable et communicatif : autant de raisons qui nous font suivre fidèlement chacun de leurs projets. Et, cependant, cette fois-ci, c’est plutôt dubitatif que l’on s’est rendu au Théâtre de la Tempête pour découvrir leur adaptation du Maître et Marguerite. Car s’attaquer au chef d’oeuvre de Boulgakov relevait d’une gageure plutôt monumentale. D’autant que le pari avait été relevé avec brio par Simon Mc Burney dans la Cour d’Honneur d’Avignon, pour l’ouverture du Festival  2012.

En effet, l’intrigue du roman, qui se divise en trois actions entremêlées, est à la fois riche et complexe. « Pour être tout à fait sincère, il me semble presque utopique de faire une pièce de théâtre de l’histoire du Maître et Marguerite« , déclarait lui-même Igor Mendjisky avant de s’atteler à la tâche.

Théâtre de la Tempête, Le Maître et Marguerite@Antonia Pozzi , critique Pianopanier

“ Comment pouvez-vous diriger quoi que ce soit, vous ne savez même pas ce que vous ferez ce soir !“

Pari réussi : cette version du Maître et Marguerite est d’une audace, d’une vitalité, d’une gaîté qui nous embarquent dès les premiers instants. Le dispositif trifrontal nous immerge immédiatement dans les rebondissements de cette incroyable saga. Tout débute par les mésaventures de personnages de la Russie stalinienne dans les années 1930 et par  l’arrivée impromptue du Diable -prénommé Woland- à Moscou, accompagné d’acolytes hauts en couleur et d’un chat singulièrement doué de parole. Cette petite troupe croisera le directeur d’une revue littéraire Mikhaïl Berlioz, le poète Ivan Bezdomny, Jésus-Christ, Ponce Pilate… et bien entendu « le Maître » – lui aussi poète, et amoureux fou de Marguerite…

Que l’on ait lu ou non le roman, le propos qui ressort du spectacle est limpide, et c’est la première réussite qu’il faut saluer. Les péripéties s’enchaînent sans que l’on soit jamais submergé, jamais perdu, jamais gagné par l’ennui. Le dispositif scénique, toujours ingénieux, nous conduit en quelques transformations d’un asile de fous à un restaurant moscovite, d’un jardin de Jérusalem à une salle de bal, des coulisses d’un théâtre au Mont du Calvaire.

Le Maître et Marguerite@Antonia Bozzi

“Qui aurait envie d’avoir quelqu’un de sain chez les fous ? » 

Autre trouvaille et réussite du spectacle : l’enchevêtrement des langues venues d’ailleurs. Tous les comédiens explorent le grec ancien et le russe avec une étonnante facilité, donnant ainsi aux différents tableaux un relief encore plus puissant. Des comédiens qu’il faudrait citer intégralement ; certains rôles sont interprétés en alternance, notamment celui du Maître, tenu le soir de la représentation par un excellent Marc Arnaud.

Si vous n’avez plus le temps de courir au Théâtre de la Tempête pour applaudir cette impeccable adaptation (jusqu’au 10 juin), notez dans vos tablettes que le spectacle se jouera au Festival Off d’Avignon, au 11 Gilgamesh. L’occasion inespérée de voir (entre autres pépites) un chat énigmatique interpréter une version chaude et sensuelle de l’un des plus beaux tubes de Lou Reed…

-Sabine Aznar-

Le Maître et Marguerite@Antonia Bozzi

À l’affiche du 11 Gilgamesh Avignon du 6 au 29 juillet à 19h40
Adaptation et mise en scène : Igor Mendjisky
Avec Marc Arnaud, en alternance avec Adrien Melin, Romain Cottard, Pierre Hiessler, Igor Mendjisky, Pauline Murris, Alexandre Soulié, Esther Van den Driessche, en alternance avec Marion Déjardin, Yuriy Zavalnyouk

Wade in the water : en apnée

Un décor tout simple, adossé à deux pans de mur : une esquisse de chambre d’un côté, grand lit, table de chevet; une cuisine de l’autre, évier, poste de radio, meubles de bois clair, une fenêtre. Autour, l’obscurité d’une cage de théâtre pendrillonnée de noir, obscurité dense et douce propice à la naissance des rêves.
Dans les jolis gestes du quotidien d’un couple mixte, en quelques scènes muettes, toute une intimité se dessine, s’y écrivent la tendresse des deux amoureux, l’épreuve à venir, la présence attentive de l’ami présent et chaleureux.

On suit le délicat parcours d’un homme confronté à l’expérience du deuil de soi. Une lumière palpite, un verre reste suspendu en l’air car les mains du malade n’ont plus la force de le retenir, un autre éclate sous l’impact d’un cri muet; un homme peut devenir une ombre, se dissoudre, s’effacer peu à peu; deux amis peuvent ne plus se mouvoir dans le même temps, chacun au rythme de ses propres tourments; une femme aimée peut faire s’envoler de joie un homme aimé. Presque avec une simplicité innocente, enfantine, on voit se matérialiser des états psychiques. Déni, colère, marchandage, dépression, acceptation : les 5 stades théorisés par la psychiatre d’Elisabeth Kübler-Ross dans les recherches sur le deuil prennent forme dans les boucles, suspens, flottements, répétitions obsessionnelles, fragments et brisures du temps qui rythment le spectacle. Devant l’étrangeté et la beauté, incrédulité et logique s’estompent, et s’ouvre la possibilité d’accueillir l’inouï.

Les notes d’Ibrahim Maalouf sculptent l’espace, percussions hypnotisantes, trompettes déchirantes, entremêlant chants traditionnels puissants (Like a motherless child, ou l’éponyme Wade in the water, poignant chant d’esclave) et compositions électroniques captivantes. C’est Aragorn Boulanger qui a conçu les chorégraphies du spectacle. A lui, dont le personnage accomplit le solitaire et âpre chemin vers l’acceptation de sa mort proche, la partition la plus obscure et la plus mystérieuse, à lui le le plus impossible. A ses côtés : Marco Bataille-Testu et Ingrid Estarque, dans les rôles de l’ami et la compagne. Deux belles présences, sobres et intenses. Tous les trois sont à la fois aériens et ancrés, pudiques et vibrants. Dans ce spectacle aux teintes sombres, les liens entre eux apportent aussi parfois les douces ou franches couleurs d’un dialogue amical, d’une danse partagée, éclats de joie. La vie n’est pas d’un bloc, et même la douleur a ses respirations : Wade in the water s’irise de toutes ces complexités, ne cherchant pas à échapper au noir mais le parant de mille reflets riches et sensibles.

Ici la magie de Clément Debailleul et Raphaël Navarro (fondateurs de la compagnie 14:20, et concepteurs de ce spectacle) accomplit la grande illusion, qui fait disparaître la magie elle-même, invente un autre espace-temps, un espace où la relativité du temps prend corps. Et ce spectacle muet, nourri d’artifices et d’invention, palpite de mots, d’émotions, de réalité et de vie.

Ce spectacle n’est plus à l’affiche à Paris, mais à guetter en tournée.
On peut aussi suivre les autres créations de la compagnie 14:20, aller découvrir leur collaboration avec la Comédie-Française pour un Faust magique ou les autres spectacles du festival « Magie nouvelle » au Rond-Point : Le Paradoxe de Georges (Yann Frisch), Les Limbes … jusque fin mai !

WADE IN THE WATER
Avec Marco Bataille-Testu, Aragorn Boulanger, Ingrid Estarque
Conception et mise en scène : Clément Debailleul, Raphaël Navarro
Dramaturgie : Valentine Losseau
Chorégraphie : Aragorn Boulanger
Lumière : Elsa Revol
Scénographie : Céline Diez
Ecriture : Aragorn Boulanger, Clément Debailleul, Valentine Losseau, Raphaël Navarro, Elsa Revol
Musique originale : Ibrahim Maalouf

Photos : Giovanni Cittadinicesi

Wade In The Water from Cie 14:20 on Vimeo.

La Guerre De Troie (en moins de deux!) Théâtre 13 critique Pianopanier

Superpositions

Déjà, le détour au Théâtre 13 n’est pas sans surprise. On y découvre un théâtre en hémicycle, moderne et confortable, conçu pour bien voir et bien entendre de partout. Un petit bijou d’architecture signé Éric Pannetier.
Ensuite, le projet du Théâtre Mantois qui nous propose « La guerre de Troie (en moins de deux !) » est un projet ambitieux qui fait appel à bien des corps de métier. Comment raconter toute la guerre de Troie en une heure vingt sans s’emmêler les pinceaux et en rendant l’ensemble attractif ? C’est le pari de cette pièce. Forcément, même si le pari est tenu et même si l’ambition nous parvient, c’est un peu comme lorsqu’on visite les monuments d’Europe en miniature dans un parc dédié : l’impression est stupéfiante, l’idée est géniale mais on a indubitablement l’impression d’une contrefaçon.
Pourtant, l’histoire, tellement rocambolesque, de ces dieux et demi-dieux nous parvient malgré tout grâce à plusieurs facteurs. D’abord, l’écriture, car il y en a une, malgré les nombreuses réécritures qui ont vu ce texte remanié, malgré les nombreux auteurs antiques convoqués. Il y en a une portée par un souffle épique mêlé à une modernité de langage, comme quand Achille et Ajax se battent à coup d’insultes métaphoriques, on croirait presque entendre du Léo Ferré.

La Guerre De Troie (en moins de deux!) Théâtre 13 critique Pianopanier © Laure Ricouard

Ensuite, l’économie de moyens : une table, des chaises, de la lumière, qui fait la part belle aux costumes, superposition encore une fois des époques de l’antique au contemporain. Comme les demi-jupes longues à motifs treillis des guerriers face à Troie, semblables aux robes de princesses sorties d’un char d’assaut. Un autre élément encore n’est pas à négliger, c’est la musique au piano, qui accompagne tout le spectacle, une composition originale de Christian Roux, qui colle parfaitement à ce qui nous est raconté, qui nous entraine entre concerto classique et musique pour films muets. Et les chansons aussi, drôles et écrites, qui s’inspirent de la chanson de geste et convoquent ici le Moyen-Age, où le Graal, le cheval de Troie et les westerns se chevauchent.

La Guerre De Troie (en moins de deux!) Théâtre 13 critique Pianopanier

Toute l’histoire est narrée à la troisième personne, chaque personnage, distancié de lui-même nous raconte les faits, un résumé dans les grandes lignes, les moments clefs. Et même si l’on sent le tour de force que cela a dû être pour unifier l’histoire et le style, en conséquence, l’ensemble manque un peu d’incarnation et d’émotion du fait de cette distanciation. C’est plus l’amusement qui mène les troupes. Parce qu’on rit beaucoup des facéties de ces héros, de leur rencontre avec la modernité, de la petitesse des dieux finalement et des trouvailles de mise en scène. Les comédiens s’amusent comme des enfants inventant leur jeu au fur et à mesure qu’il se déroule, le public s’amuse, le pianiste s’amuse jusqu’à simuler son propre assassinat par l’un des héros de l’histoire. Et c’est incontestable qu’on passe un bon moment de 7 à 77 ans.

Isabelle Buisson

La Guerre De Troie (en moins de deux!) Théâtre 13 critique Pianopanier

LA GUERRE DE TROIE (EN MOINS DE DEUX !)
À l’affiche du Théâtre 13 jusqu’au 10 Juin
Texte Eudes Labrusse, d’après Homère, Sophocle, Euripide, Hésiode, Virgile…
Mise en scène Jérôme Imard et Eudes Labrusse
Compagnie Théâtre du Mantois (Ile-de-France)
Avec : Catherine Bayle, Audrey Le Bihan, Hoa-Lan Scremin, Laurent Joly, Nicolas Postillon, Loïc Puichevrier, Philippe Weissert
Musique de scène (piano / guitare) Christian Roux