We love Arabs, Hillel Kogan, Adi Boutrous, Pianopanier, Théâtre du Rond-Point

Love love love

Silence. Noir. Soudain, un cercle de lumière. Au centre, un homme grand, svelte, immobile. Hillel Kogan, juif, professeur, chorégraphe, conférencier, bute sur la surface. Il peine à danser. L’espace le gêne, lui résiste, se rebiffe, se cabre. Et s’il se trouvait empêché par un autre territoire ? Celui de l’Autre ?

Tout à coup, sans crier gare, sans même qu’on l’ait vu arriver, l’Autre est là. Adi Boutrous l’Arabe fait face à Hillel Kogan le Juif et la danse peut démarrer. Première partie : le mur. Un mur métaphorique qui se construit dans les corps enchevêtrés de ces deux-là. Ça sent l’amour sur le plateau – un plateau aussi nu et désert que le décor évoqué par Hillel scénographe – « on prépare une pièce qui va durer trois jours dans le désert, Adi ».

We love Arabs, Hillel Kogan, Adi Boutrous, Pianopanier, Théâtre du Rond-Point@Gagi Dagon 

“Tu comprends l’identité, Adi?“

Adi n’est pas très bavard. Il est aussi mutique, perplexe, dubitatif que son alter ego est exubérant et prolixe. Ensemble, ils forment le ying et le yang, à l’image de leur posture « identiques mais à l’envers » dans laquelle Adi se retrouve à faire le poirier à côté d’Hillel. On rit beaucoup, d’abord parce la confrontation entre ces deux personnages aussi opposés est irrésistible. Il y a une forme d’autodérision dans ce spectacle : Adi se moque ouvertement d’Hillel et nous avec lui.

Quelques passages sont jubilatoires, à l’image de ces chorégraphies d’objets tellement cocasses : la danse du couteau et de la fourchette, la danse du houmous… Lorsque Hillel décide de dessiner une étoile de David sur son tee-shirt et un croissant islamique sur le front d’Adi – « comme ça, ils comprennent », dit-il en évoquant le public – on pourrait se sentir mal à l’aise, si Adi ne jetait pas d’un ton mi-blasé mi-amusé : « mais je suis chrétien ». Tout le spectacle est construit sur cette ironie furieusement salvatrice.

We love Arabs, Hillel Kogan, Adi Boutrous, Pianopanier, Théâtre du Rond-Point

“Je n’ai jamais rêvé que la danse puisse changer le monde, mais j’ai rêvé que les êtres humains puissent eux-mêmes le changer ».

Découvert en 2016 au Festival Off d’Avignon, We love Arabs a déjà une belle carrière derrière lui et va poursuivre une tournée bien méritée. Il ne faudra pas louper Adi et Hillel, il faudra s’y ruer. Parce que ce spectacle, c’est cinquante-cinq minutes de bonheur. Cinquante-cinq minutes de paix. Cinquante-cinq minutes d’amour. Brut. Charnel. Comme une évidence. Une nécessité. Cinquante-cinq minutes de love, love, love.

WE LOVE ARABS
À l’affiche du Théâtre du Rond-Point  du 12 septembre au 8 octobre 2017 (18h30)
Texte et chorégraphie : Hillel Kogan
Avec : Adi Boutrous et Hillel Kogan

De Pékin à Lampedusa, Gilbert Ponté, Théâtre Essaïon, Pianopanier

De Pékin à Lampedusa

Un génie a dû frotter intensément la corne de l’Afrique, en faire sortir Malyka R. Johany pour qu’elle puisse enchanter les sables de ses pays brûlants. Et puis le génie lui a demandé d’interpréter la vie de Saamiya Yusuf Omar au creux des pierres du théâtre Essaion, pour lui offrir un écrin d’éternité.

Saamiya Yuzuf Omar est née en 1991, l’année où la guerre civile éclate en Somalie et lui arrache son père. L’enfant meurtrie découvre les horreurs de la guerre et la folie des hommes, ceux dont les dents blanches luisent de cette fierté glaçante, décérébrée et imbibée d’alcool, assassinant au nom d’un Dieu qui a dû renier la sienne et préfère regarder ailleurs.

Saamiya est une adolescente portée par la passion de courir, « courir comme une gazelle que les lions ne pourront jamais rattraper ». Elle réussira à intégrer l’équipe qui représentera la Somalie aux JO de Pékin et à courir les qualifications pour le 200M. Son chronomètre importe peu, sa performance est ailleurs, sa victoire est d’être là, son rêve doit s’écrire à Londres en 2012.

e Pékin à Lampedusa, Gilbert Ponté, Théâtre Essaïon, Pianopanier@La Birba compagnie

Mais comment se préparer, en Somalie, « terre en lambeaux, où l’air est irrespirable », où il est impossible d’exister en tant qu’athlète. « Je n’étais qu’une femme! »

Alors elle part. Elle devient malgré elle le symbole de ces migrants qui risquent tout, animés du feu de l’obsession d’aller en occident. Partir ou mourir, risquer de mourir en partant, mais s’y risquer quand même, parce que rester c’est la mort, la mort assurée. Fuir l’enfer de la Somalie des Chebabs pour rejoindre un autre enfer, celui de l’exil qui lui prendra tout, son humanité et sa vie.

Saamiya s’était entraînée à courir, à endurer toutes les épreuves, à résister au pire… Pas à survivre, écrasée au fond d’une cale de bateau. Le médecin italien qui tentera en vain de la réanimer à Lampedusa, décrira un visage de madone. L’écriture de sa vie deviendra alors une nécessité.

Malyka R. Johany, seule en scène, nous emmène dans un périple intime avec une très touchante et authentique interprétation. Elle doit être un peu la réincarnation de Saamiya, enveloppée dans les drapés colorés de la Somalie, son bandeau blanc de sportive sur le front pour « retenir ses belles boucles brunes. »

Le texte de Gilbert Ponté est poignant et profond, sa mise en scène, toute en couleurs et en volute, est parfumée de chants d’ailleurs. Intenses moments de théâtre et d’espace vide, remplis des émotions des voyages intérieurs.

« De Pékin à Lampedusa » est une histoire de passion hors norme, une tragédie moderne. C’est aussi un magnifique message d’humanité et de courage face au mépris de l’Europe et à son égoïsme amnésique. « On n’est jamais préparé à la souffrance », et tant qu’on ne l’a pas vécue, on ne sait pas ce qu’elle est.

De Pékin à Lampedusa, Gilbert Ponté, Théâtre Essaïon, Pianopanier

DE PEKIN A LAMPEDUSA
À l’affiche de l’Essaïon Théâtre jusqu’au 9 janvier 2018 (lundi et mardi à 19h45)
Texte et mise en scène : GIlbert Ponté
Avec : Malyka R. Johany

Les passagers de l'aube, Violaine Arsac, Avignon 2017, Pianopanier

Les Passagers de l’aube : expérience de vie imminente

C’est troublant de terminer son festival d’Avignon par un fait du hasard, une attirance, une invitation toute en délicatesse à monter à bord, tel le dernier passager pressé de faire partie du voyage, avant que le vaisseau ne s’efface devant les murailles encore brûlantes qui l’ont vu naitre. Mais y a-t-il vraiment un hasard dans les attirances soudaines?

D’abord, il y a le synopsis : Noé est un brillant neurologue qui termine sa thèse et vit une passion amoureuse avec Alix, photographe dans le milieu musical. Ils sont beaux, heureux, plein de vie et d’envies. Mais Noé va être confronté à plusieurs cas et témoignages de mort imminente, patients en situation de mort clinique avérée, revenus du « couloir », imprégnés de sensations. Tous les préceptes scientifiques cartésiens sur lesquels reposent ses études s’en trouvent déstabilisés. Noé ressent alors la nécessité indicible de creuser, de chercher, de remettre en cause ce qu’on lui a appris, quitte à devoir affronter ses pairs et à délaisser l’amour de sa vie. Mais y a-t-il vraiment un hasard dans ces attirances soudaines ?

Si Noé arrête ses recherches, il se renie, renonce à ses rêves, un peu comme on arrêterait de vivre en ayant peur de la mort, en prenant au final le risque de mourir sans avoir vraiment vécu. Alors Noé se risque, fait le choix de sa vie et de sa liberté.

Le sujet grave et concernant est une possible remise en cause de notre médecine occidentale, dont l’éthique est fissurée de toute part par le lobby des certitudes et des intérêts financiers. Médecine moderne, qui porte par sentiment de supériorité un regard condescendant sur les autres façons de soigner le corps et l’âme… Alors que nous savons si peu et qu’il nous reste tant à apprendre et à découvrir… Alors que notre façon de traiter la maladie et de regarder la mort fait probablement sourire ces chamanes de l’autre monde qui choisissent leurs plantes médicinales en leur parlant et en les écoutant.

Violaine Arsac nous offre un texte précis, travaillé, documenté, enchanté par cette « matière dont sont faits les rêves » : les dialogues nous transportent sans nous perdre, nous interrogent et nous bouleversent.

Passion intellectuelle et passion amoureuse se regardent, se séduisent, s’affrontent, se trahissent, exultent. Et comme au théâtre tout est plus dense et plus intense, c’est dans la vie que ces passions explosent pour façonner la tragédie promise. Grandiose déséquilibre, qui confère son vertige à notre existence. C’est au-delà de la mort qu’elles se rejoindront, dans un tourbillon de danse et de musique, comme un éclat d’éternité, sublimé par une mise en scène brûlante de lumières et d’émotions.

La tension établie par les acteurs avec le public est subtile, la mélodie du HALO de Beyoncé enchante chacune de nos respirations.

Expérience de théâtre imminent, expérience de vie imminente, vous ne serez plus un simple spectateur devant la pièce de Violaine Arsac. Plutôt le passager d’un voyage pas comme les autres qui vous emmènera bien plus loin que vous ne pouvez l’imaginer. Au théâtre, tout est plus dense, plus intense. Vraiment. Le décès accidentel brutal du directeur du théâtre de la Luna, quelques jours avant la toute première représentation de ce spectacle qu’il aura soutenu et voulu, laisse à l’évidence des orphelins aux joues humides. Mais il aura donné naissance à une lumière bien singulière, comme un dernier clin d’œil malicieux à ceux qu’il a aimés. « L’inverse de la mort c’est la naissance… c’est un passage ». Il doit être écrit quelque part que cette aube-là est un voyage qui n’aura pas de fin.

Mais y a-t-il vraiment un hasard dans les attirances soudaines ?

Les passagers de l'aube, Violaine Arsac, Avignon 2017, Pianopanier

LES PASSAGERS DE L’AUBE Compagnie Le théâtre des possibles
Écriture et mise en scène : Violaine Arsac
Avec : Aïda Asgharzadeh, Julie Cavanna, Matthieu Hornuss, Charles Lelaure ou comédiens en alternance

Spectacle créé au Festival Off d’Avignon 2017 au théâtre de la Luna

Littoral, une pièce de Wajdi Mouawad mise en scène Stéphanie Dussine, Compagnie Esbaudie, festival Off d'Avignon 2017

Littoral, de Wajdi Mouawad

Le texte intense de Wajdi Mouawad issu de sa quadrilogie (dont le fameux INCENDIES porté au cinéma par Denis Villeneuve) est servi par une mise en scène brillante qui révèle toutes les facettes drôles et graves de ce voyage initiatique. Un plongeon les yeux grand ouverts dans un monde où le réel se mêle aux rêves. Une invitation à devenir le complice rieur, inquiet et ému d’un jeune homme qui cherche un lieu pour enterrer son père et garder sa mémoire dans ces « pays de déserts et de soleils », où il n’y a « ni pierre ni statue pour graver les noms des morts ».

LITTORAL est une très belle réussite pour une pure création jouée pour ses premières fois à Avignon cette année.

« La mort n’est pas une mince chose, la vie non plus ».

Très prometteur. Attention talents !

Littoral, une pièce de Wajdi Mouawad mise en scène Stéphanie Dussine, Compagnie Esbaudie, festival Off d'Avignon 2017

LITTORAL Compagnie Esbaudie
Auteur : Wajdi Mouawad
Mise en scène : Stéphanie Dussine
Avec : Maxime Berdougo, Geoffrey Couët, Fabrice Delorme, Anne-Laure Denoyel, Stéphanie Dussine, Olivier Hamel, Thibaud Lemoine, Sébastien Ventura

L'enseignement de l'ignorance, Jean-Claude Michéa, Sab Lanz, festival d'Avignon, Compagnie DDCM

L’enseignement de l’ignorance

A Avignon cette année, « L’Enseignement de l’ignorance » a accueilli son 4444e spectateur et a joué quasi complet, comme en 2016.

Le texte directement inspiré de l’essai controversé de Jean-Claude Michéa, est un coup de poing, qui ne laisse que peu de temps à la respiration. Il est projeté, arrêté, suspendu aux notes de musique de Seb Lanz et aux regards interrogateurs des deux acteurs complices qui le découvrent, en même temps que le spectateur. On se surprend à penser qu’il ne puisse s’agir ici que d’exagération, de déformation, d’une outrageuse provocation et on lit interpellé des phrases ciselées, au rythme des notes de musique.

L'enseignement de l'ignorance

Nous sommes face à un monde où les élites, bien loin d’œuvrer au progrès de l’humanité, n’auraient pour dessein cynique que de fabriquer des individus dociles, dépourvus de capacités de réflexion et d’indignation, un monde d’ignorance, de consommateurs béats, avides de superflus et dont le niveau se doit cesser de baisser pour servir au mieux les intérêts de la vieille « main invisible » d’Adam Smith.

Sauf que ce monde-là n’est pas post apocalyptique façon « wall-E », mais bel et bien le nôtre, le monde de l’ignorance… recherchée.

Sauf que dans cette tragédie, il serait trop simple de nous poser en victime et de désigner le seul libéralisme sauvage comme coupable. L’ENSEIGNEMENT DE L’IGNORANCE nous confronte aussi à nous-mêmes.

Si nous y regardons de plus près, c’est notre égoïsme et notre capacité à l’indifférence qui nous sautent violemment à la figure, nous faisant (il faut bien le reconnaitre) le plus souvent « préférer une catastrophe mondiale à une égratignure sur notre doigt ».

L'enseignement de l'ignorance, Jean-Claude Michéa, Sab Lanz, festival d'Avignon, Compagnie DDCM

Si le désastre écologique dans lequel plonge une modernité qui se dit évoluée et se pense invincible, nous a habitué à nous questionner sur le monde que nous allons laisser à nos enfants, Seb Lanz prend le contrepied et se réapproprie la formule de Jaime Semprun : « Quels enfants laisserons nous à notre monde? ». Comment est il possible que le développement économique porté au rang de quasi religion et adopté par une planète qui ne jure que par la croissance comme déesse bienfaitrice de l’humanité, bien loin de rassasier notre égoïsme, semble au contraire nourrir le monstre sans fin et annoncer un épilogue effrayant ? Promotion de l’ignorance par complicité collective.

On se souvient de la tirade d’un ex dirigeant de TF1 qui assumait avec naturel et non sans cynisme que la grille de programmes avait pour vocation première de rendre le cerveau du téléspectateur disponible pour les plages de publicité. Et en 2013 à l’occasion de la sortie de son livre  »petite poucette » Michel Serres, mêlant amusement et stupéfaction consternée, faisait remarquer que nous avions gagné 3h37 d’espérance de vie par jour par rapport à nos ancêtres et que c’est exactement le temps que nous passons devant la télé. Nous y sommes !

Alors pour une fois, méfions-nous vraiment du complot, méfions nous de nous-mêmes surtout, et attendons la suite que Seb Lanz nous prépare, avec impatience… »LA CULTURE DU NARCISSISME » … comme si ignorance et narcissisme n’étaient que des jumeaux maléfiques, des ombres de nous-mêmes. Un spectacle prémonitoire qui devrait être rendu obligatoire.

L’ENSEIGNEMENT DE L’IGNORANCE – Compagnie DDCM
Auteurs : Jean-Claude Michéa, Seb Lanz
Avec : Héléna Vautrin, Fred Guittet, Seb Lanz

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

Une tragédie trop mortelle

À travers quatre fenêtres, le spectateur ahuri assiste à une altercation entre deux gangs. Mais ce qui semble n’être qu’une rixe entre de jeunes délinquants est en fait l’un des plus célèbres affrontements du répertoire. Montaigu et Capulet s’opposent depuis si longtemps qu’ils ignorent la raison de leur haine. Apparaît alors un Roméo amoureux et désespéré, qui, se rendant à une fête chez les Capulet, oublie ses préoccupations passées pour s’abandonner à un amour plus fou… et plus dangereux. Car Roméo Montaigu aime Juliette Capulet, et leur passion ne pourra finir qu’en la plus connue des tragédies.

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

Ces quatre baies vitrées et un modeste lit en fer servent d’unique décor pour une mise en scène à la fois moderne, rock, drôle et intelligente. Juliette n’est plus la jeune fille si mûre qu’on nous a habitués à connaître, mais bien une fillette de 14 ans (touchante Magali Genoud) oppressée par des parents pressants… bref, une adolescente d’aujourd’hui. Roméo (charismatique Axel Drhey) n’est plus ce meneur ténébreux, mais bien un garçon jeune et frivole qui va rencontrer le véritable amour. C’est ici l’exploit que réalise Anthony Magnier : revenir à l’essence même, au sens premier de ce chef-d’œuvre, tout en le modernisant et en le parsemant d’humour et d’énergie. Le talentueux batteur Axel Hache ajoute encore du dynamisme au spectacle, mais aussi de la poésie…

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

De la même façon, les personnages hauts en couleur tels que la mère, le frère Laurent, la nourrice ou le déjanté Mercutio sont incarnés avec modernisme par d’excellents comédiens : Benjamin Egner, Vanessa Koutseff, Lauri Lupi, Lionnel Pascal.
C’est donc avec une palette d’émotions qu’Anthony Magnier nous transporte à Vérone et nous livre un Roméo et Juliette énergique, drôle et émouvant.

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

ROMEO ET JULIETTE – Compagnie VIVA
D’après : William Shakespeare
Mise en scène : Anthony Magnier
Avec : Axel Drhey, Magali Genoud, Benjamin Egner, Vanessa Koutseff, Lauri Lupi, Lionnel Pascal
Batterie : Axel Hache

C'est (un peu) compliqué d'être l'origine du monde, Les filles de Simone, Festival d'Avignon, Pianopanier, Chloé Olivères, Tiphaine Gentilleau , Claire Fretel

Natal Kombat

Quand on entre dans la salle, elles sont déjà sur le plateau.
Si vous croisez leur regard, elles vous accueillent d’un « bonjour » aussi dynamique que déterminé. Tendues déjà comme des arcs, s’échauffant des orteils aux épaules, avant les batailles à suivre, Tiphaine Gentilleau et Chloé Olivères sont des guerrières prêtes au combat.
Car il s’agit bien d’un combat auquel nous allons assister, d’une nature bien particulière : un combat contre les préjugés, contre des siècles de stéréotypes, contre le mythe sacralisé du bonheur maternel.

Alors oui, Gustave Courbet a beau jeu de la ramener avec son célèbre tableau. Car être maman, être à l’origine du monde, ce n’est vraiment pas une sinécure.
Il y a tout d’abord ce sentiment de malaise qui vous prend aux tripes : ok, c’est merveilleux de donner la vie, mais que faire de cette vertigineuse sensation de perdre à jamais une liberté unique ? D’accord, c’est métaphysique cette mission qu’on donne aux femmes, mais comment gérer cette ribambelle d’enquiquinements qui va avec ?

C'est (un peu) compliqué d'être l'origine du monde, Les filles de Simone, Festival d'Avignon, Pianopanier, Chloé Olivères, Tiphaine Gentilleau , Claire Fretel

« Le trait de gauche est là… Le voilà, le voilà ! »

La pièce commence avec l’étape obligatoire du test de grossesse, et va explorer tous les stades que traversent les futures mamans : les soucis physiques qui font souffrir et rendent la vie moins drôle, la visite chez le gynéco d’où l’on repart à la fois lestée d’angoisses et privée de tous les petits plaisirs quotidiens qu’il va falloir arrêter, la préparation très New Age à l’accouchement, le rendez-vous chez le psy… et cette fichue culpabilisation de ne pas ressentir du tout ce « merveilleux bonheur maternel » dont on nous rabâche les oreilles.
On suit aussi la période post naissance, quand il faut devenir une superwoman et penser absolument à tout, quand il faut remonter lentement le chemin d’une libido secouée moralement et/ou physiquement, quand il faut affronter sa propre mère qui voit son instinct maternel resurgir soudainement de façon inappropriée…

On est bien au-delà d’une classique chronique façon « 9 Mois » : les deux comédiennes qui sont devant nous s’emparent du texte tonique qu’elles ont écrit avec Claire Fretel pour revisiter, avec énormément d’humour, les chemins tortueux qui mènent à la maternité. C’est vif, original, de bout en bout intelligent, diablement réjouissant et toujours très drôle.
Chloé Olivères est absolument irrésistible et sait, d’un mouvement de tête, d’un regard vers le public, provoquer l’hilarité générale. Son monologue « Rachida Dati » est un monument à lui seul.

C'est (un peu) compliqué d'être l'origine du monde, Les filles de Simone, Festival d'Avignon, Pianopanier, Chloé Olivères, Tiphaine Gentilleau , Claire Fretel

« Suis-je si égoïste ? Une sorcière ? Une déjà mauvaise mère ? »

Tiphaine Gentilleau, dans un registre plus grave, n’en est pas moins touchante, y compris dans son rôle de comédienne enceinte : elle nous montre ainsi qu’être enceinte dans ce métier, c’est ajouter un zeste d’Himalaya à un parcours déjà très montagneux…
Dans la salle, les femmes applaudissent haut et fort, les hommes regardent souvent leurs petits souliers. Il y a un féminisme revendiqué, mais nullement gratuit ou bêtement appuyé car il ne se prend jamais au sérieux. D’ailleurs, plusieurs grandes figures qui ont écrit sur la maternité (Antoinette Fouque, Edwige Antier, Yvonne Knibiehler, Elisabeth Badinter…), sont régulièrement convoquées sur le plateau, et les spectateurs jouent ainsi à « Devine-Tête » avec les deux comédiennes qui, un post-it collé sur le front, les incarnent à tour de rôle. Sans oublier la statue du commandeur, Simone de Beauvoir, qui ponctue le spectacle de ses aphorismes.

Ce spectacle, créé en 2015 au décidément indispensable Théâtre de la Loge, à Paris, est incontestablement très bien rôdé : après deux programmations au Théâtre du Rond-Point, deux Avignon Off, il fait en 2017 une longue tournée en région.
Les Filles de Simone, le nom du collectif de Claire Fretel, Tiphaine Gentilleau et Chloé Olivères, creusent leur sillon et préparent déjà un nouveau spectacle.
On a hâte de découvrir ce nouveau bébé.

C’EST (UN PEU) COMPLIQUE D’ETRE L’ORIGINE DU MONDE –
Création collective : Les Filles de Simone, Claire Fretel, Tiphaine Gentilleau, Chloé Olivères
Avec : Tiphaine Gentilleau, Chloé Olivères

Le dernier cèdre du Liban, Aïda Asgharzadeh, Nikola Carton, Magali Genoud et Azeddine Benamara, Condition des Soies, Festival Off Avignon 2017, Pianopanier

Le Dernier Cèdre du Liban: Je t’aime en héritage

C’est l’histoire d’Anna Duval, journaliste hors norme qui défie la guerre, court les conflits, shoote les impacts de balles sur les corps décharnés pour en ramener les fantômes à l’occident qui veut voir et savoir.

Un portrait sans concession d’une femme virile, comme seule une femme peut l’être, avec ses forces et ses failles. Une femme qui vit plus vite, plus fort, en recherche de l’adrénaline des émotions fortes, qui fuit pour oublier ses blessures, mais qui se trahit par les verres de whisky qu’elle avale et sa quête de sexe rapide sans lendemain. Une femme fière et invincible qui flirte avec la mort au Vietnam, défie ses geôliers du Hezbollah à Beyrouth, échappe au crash du vol UTA en snobant Arafat, se soûle pendant que Rostropovitch donne des fissures au mur de Berlin à coups de cordes de violoncelle.

Elle fait la guerre à la guerre, pour se faire aussi la guerre à elle-même, hantée par les survivants qu’elle fuit bien plus que par les morts qu’elle photographie. Une guerre fascinante, esthétique, qui déroule inexorablement son scénario macabre sous un ciel toujours bleu, « comme si le ciel n’en avait rien à foutre des hommes. » Elle la trouve belle la guerre, elle la trouve fascinante la guerre. Elle n’a sans doute pas trouvé plus fort prétexte pour parler au monde et pour se laver un peu, elle qui se trouve si sale.

Le dernier cèdre du Liban, Aïda Asgharzadeh, Nikola Carton, Magali Genoud et Azeddine Benamara, Condition des Soies, Festival Off Avignon 2017, Pianopanier

Une femme qui passe son temps à défier la vie, et qui se fait surprendre lorsque c’est à elle de la donner.  Alors arrive Eva, qu’elle va abandonner à la naissance, parce qu’elle préfère « mourir loin d’elle à côté de gens qu’elle ne connait pas, plutôt que de vivre à ses côtés ».

Quand la mort s’annonce, comme si c’était « son tour de payer son dû pour toutes les horreurs qu’elle a photographiées », Eva a 18 ans, et Anna va lui laisser un héritage, un « INCENDIE » façon Wajdi Mouawad, une boite contenant des enregistrements et les secrets de sa vie.

Magali Genoud crève le plateau d’une prestation duale époustouflante : elle est Eva et Anna. Son partenaire Azeddine Benamara tout en charisme lui sert les répliques, les joutes physiques et les silences, incarnant avec superbe l’homme de toutes ces vies, vies données, vies sauvées, vies hors normes et multiples qui donnent naissance à l’éternité.

Le dernier cèdre du Liban, Aïda Asgharzadeh, Nikola Carton, Magali Genoud et Azeddine Benamara, Condition des Soies, Festival Off Avignon 2017, Pianopanier

Le Dernier Cèdre du Liban, c’est la métaphore de la vie éternelle, l’âme qui survit à l’enveloppe charnelle, la luciole qui murmure qu’on ne meurt jamais entièrement, qu’il reste toujours quelque chose… c’est le plus douloureux et le plus beau des héritages qui fait enfin éclore le JE T’AIME libérateur, attendu toute une vie et qui semblait ne vouloir jamais venir.

Le Dernier Cèdre du Liban, c’est une salle debout, transportée par une histoire de passions passionnante, écrite par des doigts de fée, transcendée par une mise en scène et une musique qui se disent JE T’AIME dans la plus parfaite des harmonies.

LE DERNIER CEDRE DU LIBAN – À la  Condition des Soies, Avignon, jusqu’au 30 juillet
Texte : Aïda Asghardzadeh
Mise en scène : Nikola Carton
Avec :  Magali Genoud et Azeddine Benamara
Scénographie : Vincent Lefèvre

Revue rouge - Norah Krief, dans un spectacle conçu par David Lescot, mis en scène par Eric Lacascade - photo Brigitte Enguérand

Revue rouge : la lutte à gorge déployée !

Ah bon sang, mais voilà un spectacle qui requinque, qui remet les idées en place, ah, ça, oui, ça fait du bien par où ça passe, se sentir à l’unisson, entendre chanter la liberté, la solidarité, la fraternité… ça remet de la vie dans les concepts, c’est toujours ça de pris et pourvu que ça dure !

El pueblo unido jamás sera vencido ! On rentre directement dans le vif du sujet… Norah Krief, menue, le regard brillant, entame pourtant le concert en douceur, déambulant sur la scène, s’asseyant un instant sur le rebord de l’estrade du claviériste. Elle laisse le temps aux spectateurs de venir à elle, quelques minutes pour que chacun se sente au diapason de tous.
Eric Lacascade met en scène ce spectacle conçu par David Lescot. Épaulée par ses complices de longue date, accompagnée par quatre musiciens impeccables, à l’énergie dense qui se répand en ondes électriques sur le public, Norah Krief nous fait découvrir et redécouvrir des chansons révolutionnaires, écrits ou composés par Brecht, Eisler, Ferré, et parfois par des oubliés, des anonymes. Un travail de vidéo pertinent, voire percutant, étoffe le propos.

Revue rouge - Norah Krief, dans un spectacle conçu par David Lescot, mis en scène par Eric Lacascade - photo Brigitte Enguérand

Paroles du XIXe, XXe, XXIe siècles : la rébellion traverse le temps ; mots en français, en allemand, en espagnol, en russe : la révolte traverse les frontières. De Brecht aux Pussy Riot, chants de luttes, paroles courageuses. Antifascistes, féministes, prolétaires : c’est la voix des petits, des opprimés, de ces masses qu’on dit pourtant « minoritaires », qui gronde, gonflée d’espoirs et de la force qui naît de la confraternité et de la certitude de combattre l’injustice. Et si les textes peuvent paraître ancrés dans leur époque – on a oublié au fil des générations ce qu’est le prolétariat, qui était Nestor Maknov et sa Maknovtchina, ce que c’est de s’enrôler à vingt ans dans une armée insurrectionnelle -, l’impression s’efface en un instant tant les combats qu’ils portent et l’énergie qu’ils relèvent restent actuels.
Norah Krief, qu’on connaît sans doute plus comme comédienne, s’impose au chant avec une évidence tranquille ; d’une balade à l’énergie contenue à un punk déchaîné, elle garde la voix claire, l’articulation nette – on ne perd rien des textes, et c’est tant mieux -, et la présence intense.

Revue rouge - Norah Krief, dans un spectacle conçu par David Lescot, mis en scène par Eric Lacascade - photo Brigitte Enguérand

« Ces chansons rouges, militantes, nous émeuvent et nous mettent en mouvement, collectivement. Elles libèrent la parole. » Norah Krief

Quelques apartés nous entraînent plus loin au cœur de l’histoire de ces chants prolétariens, communards, féministes – on se souvient ou on apprend que les Pussy Riot (« Mère de Dieu, mets Poutine dehors, Mère de Dieu, deviens féministe ! ») ont passé quelques années en camp en Sibérie, que Montélus à la fin du XIXe a été condamné pour « incitation à l’avortement » pour sa « Grève des mère » qui invitait les femmes à faire la grève des ventres, cesser de donner des enfants à la guerre… Chanter parfois se paye cher !
Au milieu de ces airs portés par la mémoire collective, un hommage délicat de David Lescot à Rosa Luxembourg « Tire une balle dans ma tête » – « tire une balle dans ma tête, fais-moi entrer dans la légende », et c’est toi qui vas perdre, « j’étais, je suis, je serai ».

Les orchestrations, rock, sont sèches, sourdes, sombres, parfois martiales. Mais la rage est dosée avec justesse, et laisse la place à des moments plus retenus. Une trompette à la mélopée lente et déchirante fait se serrer les gorges pendant l’anti-franquiste « El quinto regimento », et c’est Fred Fresson qui enchaînera, s’accompagnant seul au clavier, par une interprétation limpide des « Anarchistes » de Ferré.

La fougue des textes, la fièvre des interprétations, la densité des orchestrations touchent direct ! On a le sang qui pulse un peu plus vite, on sent le frisson partagé ; pas besoin d’avoir « la carte » au parti ceci, à la confédération cela, il suffit juste d’avoir le cœur qui bat au même rythme que la musique, et que le cœur de ses frères humains ! Un spectacle vivifiant et salutaire.

« Ces chansons de lutte sont à la fois témoignages d’espoirs collectifs et de révoltes, souvenirs d’insurrections et de résistances mais surgissant de l’histoire elles nous embrasent. Aujourd’hui encore ces paroles, ces refrains, ces musiques nous soutiennent, nous portent et j’espère nous entraînent vers de nouveaux combats. Il est temps. » Éric Lacascade

 

Revue Rouge, au 11, Avignon, jusqu’au 30 juillet
Chant : Norah Krief
Mise en scène : Éric Lacascade
Conception et direction musicale : David Lescot
Piano, chœur : Fred Fresson / Basse, chœur : Adrian Edeline / Batterie, chœur : Philippe Floris / Guitare et trompette, chœur : Antonin Fresson en alternance avec David Lescot
Vidéo Stéphane Pougnand
photos @ Brigitte Enguérand

Denis Lavant - portrait © Nathalie Sternalski

Cap au pire, oeuvre monstre

Un tulle coupe la scène en un couloir étroit, ne laissant à l’acteur qu’une bande de plateau, un espace contraint, un territoire-cellule, à un pas des spectateurs, au ras de leurs regards.
Au sol, un carré blanc. Mat. Dans le noir, derrière le tulle, un carré blanc. Lumineux.
Pieds nus, Denis Lavant franchit le 4e mur, entrant par l’avant-scène, pantalon et pull noirs, simples, stricts, silhouette invisible et puissante. Il se campe au centre, les bouts des pieds sur la dalle blanche, les talons dans l’ombre, le corps obscur. Respiration ample. Il occupe l’espace. Il ne bougera plus.
Cap au pire, de Samuel Beckett, m.e.s. Jacques Osinski, avec Denis Lavant - photo © Pierre Grosbois @ Pierre Grosbois

« Encore, dire encore, dire pour soi dit »

Dire pour soi, dire… Cap au pire est un des tous derniers textes de Beckett – je dis texte parce qu’il ne s’agit pas de théâtre, ni vraiment de roman, pas réellement un récit, pas plus un essai, pas tout à fait de la poésie. Un peu de tout cela, surtout quelque chose de l’aveu et de la quête, quelque chose entre gratter une plaie et accoucher.
Un homme s’enfonce dans une forêt des mots. Il sait qu’il ne trouvera jamais celui qui est juste mais il essaie. Encore. Il essaie toujours. Il sait qu’il va tomber mais il se relève. Il essaie malgré les mots qui trahissent. Les mots sont au bord du vide. Il les rattrape. A moins que ce ne soit eux qui le rattrapent. Les mots le font se tenir debout. Encore. Les mots le font tomber. Les mots l’effacent.

« Essayer, rater, essayer encore, rater mieux, rater encore, rater mieux encore »

Ce texte est aride, une fin de trajet, l’écriture d’un questionnement insatiable, d’un épuisement du sujet et de la forme. Beckett a asséché le langage, réduit à l’os, au sec, plus d’humide, de flou, de souple, plus de phrases, de qualificatifs, de subordonnées. A l’essentiel, à peine des verbes, à peine besoin d’un sujet pour s’interroger. Un texte indicible.
Denis Lavant qu’on connut ailleurs bondissant, fauve en liberté, énergie pulsée, course effrénée, ludion insaisissable, se tient à présent là, seul, immobile, dans une concentration intense.
Une voix riche, grondante des heurs de la vie. Un corps sans tension mais sans relâchement. Les mots sortent en une diction géométrique, courbes descendantes, inaltérables. L’attention est toute entière absorbée par ce torrent heurté de mots, acteur et spectateurs plongés ensemble dans un même noir profond.
La dalle blanche s’éclaire, le visage et les mains apparaissent, fantômes d’humains, les pieds semblent comme flotter au-dessus du vide. L’étrange humour de Beckett distillé à froid libère quelques éclats de rire, brèves victoires de l’absurdité sur le désespoir.

Cap au pire, de Samuel Beckett, m.e.s. Jacques Osinski, avec Denis Lavant - photo © iFou pour Le Pôle Media @ iFou pour Le Pôle Media

«Les mots sont des traîtres. Mais ils sont ce qui reste »

Denis Lavant, bonze aux sombres mantras, projette ce Cap au pire et ses litanies abrasives sans un geste, à peine un temps relèvera-t-il la tête, le corps en un bloc condensé, le regard abrupt et sans ciller, les mains sans un tremblement, « tant mal que pis debout » comme se voit Beckett. Il est arrivé tout à l’heure, la démarche simple et directe, s’est campé, droit, bras le long du corps, tête inclinée, plus rien ne l’atteindra d’autre que ce texte qui le traverse. La lumière montera, naitront des ombres, elle s’effacera plus tard, on retournera à l’obscur, là où il n’y a même plus d’ombre. D’une rigueur exemplaire, cette lumière sculpte l’espace et le temps au scalpel. « Moins de vision avec mots que sans », moins d’écoute avec images que sans : la mise en scène de Jacques Osinski est sans concession, ne laisse aucune échappatoire, ni au comédien, ni aux spectateurs. C’est une expérience, une transe, un effort partagé. La performance de Denis Lavant est spectaculaire, un travail d’ascète, un moine qui jeûne 40 jours, un apnéiste des grandes profondeurs, sa voix de chaque syllabe et chaque silence creuse le sillon de Beckett, son immobilité impose l’attention accrue ; en face de lui, les spectateurs n’ont pas le droit au repos, il faut maintenir sa vigilance, son écoute, ne pas se laisser distraire par cette toux ici, ce raclement de pieds là, c’est la moindre des choses, le moindre des respects – mais aussi le seul moyen d’entrer et de rester dans le spectacle. Des spectateurs décrocheront, quitteront la salle, peu nombreux tout de même, fatigués sans doute, distraits peut-être, ça n’a pas pris ou ça n’a pas persisté, Beckett les a perdu dans le labyrinthe de ses interrogations, Lavant n’a pas pu les retenir dans les filets rugueux de son élocution rythmique et hypnotique ; ceux qui ont passé le cap, qui ont accepté les spirales, les retours en arrière, les errements dans la forêt de mots, qui se sont accrochés au peu à voir, au peu à entendre, ceux-là repartiront riches d’un moment rare, extrêmement rare, et précieux, une pépite de nuit dense et troublante.

CAP AU PIRE – Au Théâtre des Halles, Avignon, jusqu’au 29 juillet
De Samuel Beckett
Mise en scène Jacques Osinski
Interprétation Denis Lavant
Lumière Catherine Verheyde
Texte publié aux Editions de minuit, traduit de l’anglais par Edith Fournier