Clitoris, speculum et Distilbène

« Speculum », comme un gros gâteau, un spéculos dans le vagin ou plutôt comme un instrument rappelant les tortures d’autres époques, spéculons donc sur ce « Speculum », à l’angle négatif d’une histoire de la gynécologie, spéculons sur son impact sur son auditoire, spéculons sur sa capacité à nous transmettre les images crues de ses pratiques, spéculons sur les tabous que cette pièce lève. Et spéculons surtout, sur la manière dont le corps médical s’est emparé du corps des femmes aujourd’hui et les en a dépossédées, ce qui est fort bien montré en filigrane de toute la pièce.

C’est à partir d’un travail d’enquêtes et d’une écriture à quatre mains qu’est née cette pièce. Les autrices auraient pu nous parler de tout ce qui a changé en bien dans la vie des femmes avec l’émergence de cette science. Elles préfèrent évoquer tout ce qui n’a pas été et tout ce qui ne va toujours pas et nous en dresser un catalogue mortifère. Le sujet est original, inattendu, périlleux. Et pourtant, tout passe par le langage, les actes que l’on peut voir sont soit symboliques soit burlesques, aucune violence visuelle ne nous est imposée, or la violence des mots frappe à notre oreille à travers le récit de cette histoire de la gynécologie, initiée par des hommes, dirigée et gérée par des hommes, pour toujours mieux contrôler le corps des femmes.
 

Dès l’ouverture, une série de petites phrases assassines que toute femme fréquentant les médecins ou même que tout individu fréquentant les médecins et leur monde pressé, a dû entendre un jour. Phrase qui réduit la patiente à un contenant, phrase culpabilisatrice, phrase odieuse feignant l’empathie, phrase dogmatique et méprisante, phrase pressée, parce qu’en effet, la gynécologie comme toutes les autres disciplines médicales n’a plus le temps de rien, si ce n’est d’abattre du chiffre.

Ensuite, s’enchaînent des scènes de la vie des cabinets de gynécologie, des scènes de la vie intime entre femmes des femmes, un colloque qui se finit en viol, des interviews de gynécologues pour la plupart d’une phallocratie insupportable, des drames cachés de la vie des femmes : l’enfant mort dans le ventre de la mère, les avortements clandestins, les césariennes à la file et leur violence au corps des femmes, parce qu’on n’a plus le temps d’attendre qu’un bébé pointe sa fontanelle par voie basse, la table d’opération faite pour mieux ausculter la femme gestante, mais en aucun cas pour aider celle-ci à accoucher. Comment voulez-vous donner toute votre énergie à pousser quand vos fesses et vos reins sont coincés et que votre dos est rompu ? Le mec qui a inventé la table d’accouchement encore usuelle aujourd’hui n’a sans doute jamais consulté les femmes. Toutes ces scènes si bien rendues dans leur crudité et leur vérité sont mêlées à une galerie de portraits tant féminins que masculins et à l’histoire officielle de la gynécologie qui naquit aux Etats-Unis en temps de ségrégation, où les pontes de l’époque opéraient les Noires à vif, jusqu’à 30 fois par cobaye, avant de mettre au point leurs techniques et d’ouvrir des cliniques, ce coup-ci avec anesthésie, pour les Blanches.
 

De scène en scène, on aboutit à l’affaire horriblement horrible du Distilbène qui rendit tant de femmes stériles et en fit mourir beaucoup, alors que les laboratoires pharmaceutiques savaient, que le médicament avait été arrêté aux Etats-Unis eu égard aux séquelles et qu’il fut cependant, contre toute raison et contre toute humanité, introduit en Europe pour augmenter son lot de victimes jusqu’à trois générations suite à la prise de ce médicament.
Et cerise sur le gâteau, Benoîte Groult, qui ouvre et ferme ce spectacle, explique sur un plateau de télévision, à heure de grande écoute, ses quatre avortements, comme si cela était du dernier naturel, nous révélant que la France entière, dans les années d’avant la pilule, avortait à tour de bras et à coup d’aiguille à tricoter ou de fil de pêche hameçonné. Benoîte Groult, féministe avant la lettre, nous laisse pourtant pantelants avec une drôle de sensation cruelle au fond du ventre.

L’obscurantisme ne semble pas terminé. Si, en France, des problèmes demeurent, la science gynécologique a sans doute permis à de nombreuses femmes de vivre libérées du fardeau de l’engendrement forcené et a également permis de ne presque plus mourir en couche mais le corps des femmes devra leur être rendu. Et ailleurs, dans des pays plus pauvres, tout semble encore à faire.
On appréciera les interprétations cocasses et pétulantes de Caroline Sahuquet. Une virago comme on les aime.

  Isabelle Buisson

 

SPECULUM
De et avec Delphine Biard, Flore Grimaud, Caroline Sahuquet
Manufacture des Abbesses, jusqu’au 16 février 2019, du mercredi au samedi, à 19h

Solaris - Théâtre de Belleville - Photo Avril Dunoyer

Solaris, où science sans fiction n’est que ruine de l’âme

Les références sont posées: Tarkovski, 1972, grand prix du festival de Cannes. Stanislas Lem, 1961. Bam. Du lourd. Mais peu importe, le pari est lancé: on ne voit pas tous les jours de la science-fiction sur un plateau de théâtre, et c’est l’occasion ou jamais d’en faire l’expérience, que vous soyez fan de SF ou novice en la matière, c’est le moment de vous faire surprendre, vous allez vite comprendre pourquoi…

Imaginez une planète où vos souvenirs deviennent réalités – jusque là, ça peut être plutôt pas mal – mais où votre passé vient vous rendre visite sous la forme de créatures intelligentes jusqu’à vous faire perdre le contrôle de vos sentiments et de votre raison – là, ça commence à être un peu chaud… – et bien, bienvenue sur Solaris.

C’est ce à quoi est confronté le psychologue Kris Kelvin, envoyé en mission sur la station d’observation autour de Solaris suite à la présence de phénomènes étranges détectés sur la station et provoqués par un océan intelligent. Comme ses confrères, il est victime des surgissements de son inconscient sous forme d’apparitions. Sa femme décédée y a 10 ans par exemple… Il y a de quoi devenir fou.

Si « science sans conscience n’est que ruine de l’âme » – merci Rabelais – ici ce serait bien la confrontation de l’homme face à son inconscient et à ses propres limites qui pourrait le faire courir à sa perte (comme c’est le cas du docteur Gibarian). Cet océan intelligent met en effet l’homme face à l’épreuve de la séparation et du détachement – les apparitions ne concernant que des personnes déjà disparues de la vie des personnages.

«Nous ne recherchons que l’homme.
Nous n’avons pas besoin d’autres mondes.
Nous avons besoin de miroirs.» Stanislas Lem, Solaris.

Paradoxe donc de la science-fiction qui a recours à un autre monde pour mieux sonder les abîmes de l’homme, son énigme, son mystère. Paradoxe du théâtre qui a recours à la projection d’une réalité imaginaire pour mieux saisir l’âme humaine.

Paradoxe réussi dans cette mise en scène de Solaris. On aime la fumée, les lumières – effets SF garantis – , la base spatiale, on y est et on y croit. Mission Solaris, décollage immédiat ! on prend vite sa place, les départs en station Solaris se font jusqu’au 30 septembre.

 

Solaris - Théâtre de Belleville - Photo Avril Dunoyer © Avril Dunoyer 

 

Au Théâtre de Belleville jusqu’au 29 janvier 2019 (lundi et mardi 21h15, dimanche 20h30)
Texte Stanislas Lem
Adaptation pour la scène Rémi Prin, Thibault Truffert
Avec Thibault Truffert, Louise Emma Morel, Quentin Voinot et Gabriel Laborde
Voix Mathilde Chadeau, Fabrice Delorme et Pierre Ophèle-Bonicel

La Cartomancie du territoire : lire l’avenir dans les plaies du passé

Dans le cadre du focus « Récits de vie » qui a nourri la programmation des Métallos cet automne, le Québécois Philippe Ducros pose ses bagages quelques soirs parmi nous. Occidental désorienté, Philippe Ducros colle aux basques du réel, et arpente le monde pour mieux l’interroger. Au retour d’errances lointaines, un jour il n’a plus trouvé le réconfort et la quiétude d’un chez-soi; en regardant « le grandiose de nos horizons », il n’y a vu plus que la menace. Alors, comme il l’avait fait pour ses projets en Palestine, en Israël, en République démocratique du Congo, en Ethiopie et ailleurs, il a sillonné le Québec, à la rencontre de ses populations originelles, pour y chercher l’envers du décor, « ce qui se passe derrière les paysages ».
 


 

« La route 138
avec le silence comme miroir »

 
Le plateau des Métallos est large et nu, une modeste chaise, un petit poste radio vieillot attendent d’être utiles.
Une lente et douce ballade en langue innu résonne. C’est Kathia Rock, a capella. La voix haute et claire.
Des photos de plain pied, défilent, immenses sur l’écran occupant toute la largeur de la scène pour mieux nous immerger. Des maisons toutes simples, façades de bois peint devant lesquelles on s’attarde, puis plus tard le « grandiose des horizons », les vastes paysages enneigés où le vent souffle et balaie les routes, les forêts infinies, les lacs gelés, les terres lacérées par l’exploitation minière, les autoroutes où les jeunes femmes autochtones rêvant d’ailleurs se font enlevées entre Nastasquan et Montréal.

Philippe Ducros a ramené de son périple des carnets de voyage, et fait de ses carnets du théâtre. Tenaillé par la nécessité de « tenter de sortir lui-même du legs générationnel », il se tient là pour « conter les réserves, osselets rongés laissés par les colonisateurs ». Il y a là du théâtre documentaire, documentaire, oui, documenté, nourri de données, de connaissances et d’expériences; mais théâtre, tout de même. Force des interprétations, puissance de l’espace laissé ou non entre les êtres sur scène, netteté des déplacements, pertinence et beauté de la scénographie, magie d’une pénombre. Tout semble simple, et tout fait sens.
 

 

« L’écho de leurs mots »

 

Philippe Ducros est un conteur au corps et au regard posés mais au débit rapide comme un fleuve charriant trop d’eaux sales. Chiffres secs et durs taux de chômage, taux de suicide, taux d’incarcération.
Alternance des solo, duo, trio. Trame de la quête de l’auteur, chaîne des témoignages.
Deux fauteuils, confortables sans doute mais un peu usés, un homme est assis, une femme est debout. Marco Collin, Kathia Rock. Grands, corps solides, peaux mates. Natifs des Premières Nations, ils portent la voix de ceux qui ont témoigné, se sont confié, ont confié leurs histoires à l’écoute bienveillante de Philippe Ducros. Récits enchevêtrés des enfances blessées, disloquées, rendues muettes. Sait-on le déracinement, l’acculturation, oui, mais imagine-t-on la brutalité, la cruauté, peut-on seulement entendre, admettre ? On serre les dents, là-bas ou ailleurs, la colonisation c’est la domination, la domination, c’est le pouvoir de. Et quand on a le pouvoir de, on.

Les temps ont changé, mais le mal est fait, et les adultes d’aujourd’hui ont été des enfants arrachés à leur famille, jeter dans « l’horreur des pensionnats », les viols routiniers, les coups « Quand on parlait mal le français. Quand on parlait notre langue. Quand on ne comprenait pas. Alors on se taisait ».
Et les vieux d’aujourd’hui ont été des adultes humiliés, qui ont appris la haine de soi, séparés de leur mode de vie, de leurs croyances et leurs mystères, sédentarisés, traités en mineurs, en sous-citoyens. Ils se souviennent qu’on opérait des stérilisations forcées sur les femmes, savent qu’ils n’ont eu le droit de voter aux élections fédérales sans perdre leur statut d’Indien qu’en 1960. Et même si on joue le jeu, si on se fait un semblant de place dans la société dominante, on reste le sauvage, on reste le confiné dans son lieu, dans son état. On gagne peu pour le beaucoup qu’on perd.

Pourtant, ce sont des « survivants », pourtant les Premières Nations se relèvent; Philippe Ducros veut apprendre d’eux, les exsangues, comment « tenter de sortir du legs générationnel de ces aliénations ».
 

 

« Que les chamanes se lèvent,
que reviennent les caribous »

 

Ce spectacle, ce pourrait être la peau après la plaie. La blessure est toujours là, on peut y lire dans son épaisseur qui a frappé, y déchiffrer dans sa forme avec quels instruments elle a été infligée. Pourtant par endroit, les béances se referment, la chair se reforme. Ce n’est plus la peau d’avant, la peau sacrifiée, l’âme humiliée, c’est quelque chose de fragile encore, mais de régénéré, quelque chose qui témoigne de la blessure, et de la cicatrisation, de l’anéantissement, et de la reconstruction. Quelque chose qui témoigne du passé et du possible. Car devant nous, Philippe Ducros, Marco Collin, Kathia Rock, le fils des colonisateurs, les enfants des colonisés, se tiennent ensemble; et c’est cet « ensemble », et leur courage et leur douceur qui hanteront la scène désertée et les esprits des spectateurs.

Marie-Hélène Guérin

 

LA CARTOMANCIE DU TERRITOIRE
à voir à la Maison des Métallos jusqu’au 16
texte et mise en scène Philippe Ducros
texte publié aux éditions Atelier 10
Avec Marco Collin, Philippe Ducros et Kathia Rock
traduction vers l’innu-aimun Bertha Basilish, Evelyne St-Onge
Images Éli Laliberté

photos de scène : Maxime Côté

Bande annonce – La cartomancie du territoire from Espace Libre on Vimeo.

A fond : vous avez dit banal ?

VOUS AVEZ DIT BANAL ?

L’histoire semble banale, justement. D’un côté, deux gars de province, Alex et Rémy qui passent leur temps à rouler des joints et regarder passer des trains assis sur des pneus en bord de chemins de fer. De l’autre, Luc quitte ses deux amis pour monter à la capitale. Dans le wagon-bar, il rencontre Marion, une parisienne. Un échange se noue, banal lui aussi.

Et pourtant…

On ne tombe pas dans un cliché entre Paris et la province, ni dans les images, ni dans un type de langage car l’écriture y est subtile. Lucas Hennaf n’emploie aucune fioritures, c’est là la force de son écriture, elle est précise et impactante. Elle nous fait vivre pleinement au présent la situation des personnages. Elle nous embarque. Elle rend le banal beau. Ce banal qui nous rejoint tant finalement. C’est peut être là que l’on touche quelque chose de vrai. Comme le dit ce cher Paul Valéry, « l’expression du sentiment est toujours banale. Plus on est vrai, plus on est banal. »

Ces simples tranches de vie deviennent touchantes, la mise en scène est simple est précise, belle, et les acteurs… incroyablement justes.

Si vous voulez terminer l’année en beauté, allez voir A fond.

  Anne-Céline Trambouze 

A FOND
Texte et mise en scène : Lucas Henaff
Avec Sylvain Begert, Nicolas Guillemot, Paul Delbreil, Marjorie Ciccone
Scénographie : Bérangère Sabatier

Les 20 et 21 décembre au Centre Paris Anim les Halles – Le Marais à 20h

Réservation : 01 40 28 18 48 – ou Actisce.org

 

Sombre rivière : flamboyant cabaret post-attentats

 

« Je ne suis pas en train de jouer au poète maudit,
je te dis que je suis un poète visionnaire. »

Une comptine sinistre, filmée en direct dans les coulisses, nous embarque directement dans un théâtre bien d’aujourd’hui, où la caméra fait partie des outils de mise en scène, et où le gros plan plaque les spectateurs aux acteurs.
Il y a quelque chose de lugubre et de grotesque dans cette introduction qui refuse le lisse et le sérieux pour se collecter d’une manière très physique au réel. Et c’est un Lazare de fiction, clownesque, baroque et bricolo qui déboule – enfin, un tiers de Lazare, bientôt suivi par deux autres tiers de Lazare.
 


 

« Dire tout à la fois,
la violence trop actuelle du monde et la force des songes. »

 

C’est l’histoire de la création d’un spectacle né tant bien que mal après les attentats de 2015.
C’est l’histoire d’un pays dont le passé colonial reste en travers de la gorge des colonisateurs comme des colonisés.
C’est l’histoire d’un homme de langage rendu muet par les cris de la barbarie.
 

« Et nous ne faisons rien pour les arrêter et nous n’inventons pas les contre-valeurs, chacun depuis notre lieu. La séparation qui est déjà là, ils veulent la creuser, creuser le fossé de cet « être ensemble » séparé, être ensemble par le sang, par le meurtre. Ils s’attaquent à des lieux de représentation, où ils ne sont pas représentés. Artistes, vraiment, allumez vos lampes d’inventeurs. Mettez les yeux en face des cœurs. Entrouvrez réellement votre porte de lumière. » Lazare, 16 nov. 2015

 

Lazare, lors d’un bel entretien avec Télérama au lendemain des attentats de novembre 2015, clamait « Artistes, allumez vos lampes d’inventeurs ».

Et c’est celui qui dit qui y est, Lazare s’y colle.
La genèse du spectacle, ça devait être les centaines de poèmes que Lazare l’auteur a rédigé dans l’effroi et le silence où l’ont plongé les attentats de 2015. Mais cette castratrice de collaboratrice, rôle assumée dans la vie et sur scène par Anne Baudoux, cofondatrice de la Compagnie Vita Nova, cette castratrice de collaboratrice, allez savoir pourquoi, les a tous censurés un par un. Alors, la genèse du spectacle : deux conversations téléphoniques , l’une avec Ouria, la mère de l’auteur « allô maman », l’autre avec Claude Régy, ami dramaturge, « allô Claude ». Et la volonté de « dire tout à la fois, la violence trop actuelle du monde et la force des songes. »
 


 

« Qu’on soit très clair
il y a la prière bon cœur que fait ma mère et la prière des monstres »

 

Lazare, qui à vingt ans rencontre le métier d’acteur au Théâtre du Fil (théâtre de la protection judiciaire de l’enfance et de la jeunesse), Lazare né d’une mère et d’un père algériens; Lazare dont la mère se souvient du massacre de Guelma, dont la mère se souvient du 8 mai 45 et ce n’est pas la capitulation de l’Allemagne, c’est le jour où elle a vu mourir son père en Algérie, le jour des massacres de Guelma, de Sétif, de Kherrata; Lazare qui aime la vie, le vin et la langue française; Lazare est tiraillé entre deux mondes et jette son corps, son cœur, son théâtre au-dessus du gouffre pour tenter de faire pont. Il se fait personnage, bientôt diffracté en trois acteurs.

Il entraîne avec lui une bande de sales gosses, brillants et joueurs, compagnons de longue date pour la plupart : Anne Baudoux, Mourad Musset, Olivier Leite – tous deux rencontrés au Théâtre du Fil en même temps que Florent Vintrignier, avec qui ils forment le trio La Rue Ketanou, Laurie Bellanca, Ludmilla Dabo, Marion Faure, Julie Héga, Louis Jeffroy, Veronika Soboljevski, Julien Villa. Tous fiévreux et doués, aux talents multiples, chanteurs, acteurs, musiciens, ils ont le même engagement et la même justesse dans la farce comme dans la poésie.
 

« Par-dessus la fosse
on entrechoque les verres de vin aux mille fleurs »

 

La « sombre rivière », c’est, dans un vieux blues, celle où les esclaves en fuite tentaient de cacher les traces de leurs pas. Celle qui délivrait ou noyait.
Sur le plateau, c’est une sorte de folle comédie musicale post-apocalyptique protéiforme; de belles chansons chaleureuses la traversent, du jazz manouche, du gros punk qui tache, des airs de toutes sortes, presque opérette, presque Prévert, presque Renaissance, et tout ça à la fois. Baladin, raï-rap, rock, voix – magnifiques timbres gospel de Ludmilla Dabo, lyrique de Julie Héga, guitares, contrebasse, une flûte passe, une batterie migre de cour à jardin… La vidéo y a sa part, on y croise les sourires irrésistibles, l’œil qui pétille et l’accent mélodieux d’Ouria, la maman de Lazare, quand elle n’est pas sur le plateau interprétée avec finesse par Anne Baudoux.

 


 

C’est un creuset bouillonnant, crépitant. Ça buissonne, ça rhizome, parfois pousse un surgeon tordu, bizarroïde, dont on se voit pas bien d’où il sort ni quel fruit ou fleur étrange en sortira; une pièce de puzzle d’une drôle de forme, d’une couleur mal assortie, mais, bah, ça s’emboîte alors faut croire que c’était la bonne pièce.

La mise en scène est très rythmique, très mobile, mais attention « on ne fait pas de bouffonneries nous c’est très rigoureux ! », déclare un des Lazare – et c’est vrai ! il y a une énergie folle, mais tout est très précis, et, comme dans un jam de freejazz, même au milieu d’un déchaînement de notes qui semblent partir en tous sens, tout le monde se retrouve à l’accord.

Lazare exorcise ses peurs, et les nôtres, tente de les noyer dans l’alcool – « L’alcool, c’est haram. – Dégage, je fais ce que je veux avec mes deux moi » – et jette contre elles tout ce qu’il peut de vie, de passions, de plaisirs, de désirs. « Il n’y a plus d’utopie au bord du Canal », tremble-t-il. Mais le long du Canal, un beau cheval blanc passe devant un mur tagué. Il n’y a plus d’utopie mais la joie, la beauté et la poésie sont encore possibles. Un spectacle d’une vitalité et d’une générosité nécessaires.

Marie-Hélène Guérin

 

SOMBRE RIVIERE
à voir au Théâtre du Rond-Point jusqu’au 30 décembre
Texte et mise en scène : Lazare
Avec Anne Baudoux, Laurie Bellanca, Ludmilla Dabo, Marion Faure, Julie Héga, Louis Jeffroy, Olivier Leite, Mourad Musset, Veronika Soboljevski, Julien Villa
Collaboration artistique : Anne Baudoux, Marion Faure
Avec la participation filmée d’Ouria et Olivier Martin-Salvan

Photos : Jean-Louis Fernandez
 

D'un retournement l'autre

D’un retournement l’autre : « À mort l’Etat ! Qui sont les anarchistes ? »

La démonstration se fait en alexandrins, dans une langue affûtée, où valse le vocabulaire globish de la finance, en révolution autour du soleil Sarkozy et des affairistes-bouffons.
 
Trois banquiers affairistes au bord du failli viennent quémander l’aumône à l’Etat, représenté par le Président de la République, une altesse qui a tout de Sarkozy (le très impressionnant Loïc Risser), jusqu’aux tics et aux tocs, avec sa potiche de Carlita (Alexandrine Monnot), star de la chanson et cantatrice à ses heures. Et les pompes si bien cirées par les banquiers, le Président n’hésitera pas une seconde à prêter les deniers de l’Etat, à un taux si ridiculement bas, qu’on le prendrait pour le Parrain lui-même. Et le Président, soutenu par le Gouverneur de la Banque Centrale (Didier Boulle), de prêter sans compter à ses amis banquiers, qui ont table ouverte chez lui, bien que le conseiller de l’Elysée (Alain Veniger) s’oppose à ce prêt avec tous les arguments de la raison, et c’est pourtant lui, le conseiller, qu’on qualifiera d’irresponsable.
Les banques re-prospèrent vite avec tout ce bel argent et plutôt que relancer le crédit, elles placeront tous leurs sous dans les marchés boursiers, dans des produits financiers sans transparence pour mieux s’en mettre plein la panse. Quand il faudra rembourser, les banques rembourseront, mais l’Etat, lui, aura bel et bien été endetté jusqu’au cou et décrédibilisé et d’ailleurs, peut-on encore parler d’Etat là où tout est privatisé, où tout tourne autour du Capital et de la propriété privée ? La rigueur sera la sempiternelle solution de l’Etat. Mais pas pour tout le monde. Parce que les banquiers font dans le champagne et le Château Lafitte jusqu’à la crise de foi(e) et remettent ça sans arrêt.
 

« Vos actes sont parlants, surtout leur hiérarchie,
qui disent quel est l’ordre où les gens sont servis :
d’abord les créanciers, le peuple s’il en reste,
voilà en résumé la trahison funeste »

 
Le conseiller aura bien conseillé la nationalisation des banques, mais rien qu’au mot « nationalisation » la verdite s’empare du Président. Et celui-ci ne cherchera même pas à réguler le « milieu » bancaire et tous les bouffons-fielleux-cyniques-drogués-pachas continueront à se gaver sur le dos de l’argent public. Le Président, soudain pris d’une illumination, déclarera qu’il faut moraliser le « milieu » et en terminer avec les scandales. Une vraie religion d’Etat où la Justice n’aura rien à dire…
 
C’est avec l’envie de chialer et une certaine jubilation qu’on sort du théâtre de la Reine Blanche – un endroit qu’il faut absolument fréquenter, inattendu dans cette partie du XVIIIe quelque peu désertique, qui mêle à sa programmation, théâtre, sciences et littérature. Non qu’on ait appris quelque chose qu’on ne saurait pas déjà en voyant d’ « Un retournement l’autre ». Quoique ! La trame et l’analyse sont si limpides qu’elles nous sautent aux yeux et qu’on ne peut plus dire qu’on ne savait pas. Et le constat est si désastreux et la langue de Frédéric Lordon si bien écrite, si bien aiguisée et si drôle avec ses alexandrins qui rappellent la Cour de Louis XIV à une autre époque où un certain Molière venait y scander pour mieux moquer le pouvoir.
 
D'un retournement l'autre
 
Chaque personnalité si importante de cette démonstration porte un costume de garnement à culotte courte – sauf le conseiller, seul adulte à bord -, tailleur bermuda. Faut-il y voir une relation avec le triangle des Bermudes et les paradis off-shore ? Faut-il y voir la taille que ces cyniques en chaussettes de Superman opèrent sur les deniers du peuple ? Ou tout simplement, faut-il y trouver un symbole de l’infantilisme et du crétinisme de cette engeance.
Les personnages perchés comme à l’Assemblée et si imbus d’eux-mêmes, devant des pupitres d’écoliers à guirlande électrique, reçoivent la lumière divine du régisseur lumière en douche ou en plein phare dans un dispositif scénique sobre et efficace.
Carlita la lyrique-virgin-débile, oubliera un moment qu’elle n’est plus de gauche et entonnera soudain l’ « Internationale » quand elle n’entonne pas l’ « Ave Maria ».
 
Les gilets jaunes, pour finir, nous prennent aux tripes malgré nous, et nous monteraient presque les larmes aux yeux. Parce que peut-être que quelque chose est en train de se jouer aujourd’hui dans l’anarchique et donc, en quelque sorte incontrôlable, mouvement des gilets jaunes et même si un autre que Sarkozy a pris la suite, avec d’autres mythes du pouvoir, cependant tout aussi capitalistes et tout aussi libéraux que le Président précédent, on se dit que cette pièce est bien d’actualité et n’a pas pris une ride.
 
À savoir, est-ce que l’histoire racontée dans « D’un retournement l’autre » est la vérité des milieux financiers, on aurait tendance à le croire au vu du parcours de Frédéric Lordon et tant son langage crie bien ce qu’il en est. Un texte précieux, un moment précieux. Cette pièce tourne depuis 7 ans et a encore de beaux jours devant elle.

Isabelle Buisson

 

D'un retournement l'autre

 


D’UN RETOURNEMENT L’AUTRE

De Frédéric Lordon
Mise en scène Luc Clémentin
Avec Didier Simon Bellahsen, Didier Boulle, Gérald Cesbron en alternance avec Denis Ardant, Alexandrine Monnot, Loïc Risser, Alain Veniger, Luc Clémentin
La Compagnie Ultima Chamada
Au théâtre de la Reine Blanche, métro La Chapelle, jusqu’au 9 décembre, à 20h45, dimanche 15h.

Les Mystiques ou comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers - photo Baptiste Muzard

Les Mystiques : le gai savoir !

« Les Mystiques ou Comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers » : c’est par la seconde partie du titre que nous commencerons… Sur la vaste scène de ce fantastique lieu de création et d’échanges que sont les Plateaux sauvages, un jeune homme nous attend… Il compte nous narrer la mésaventure qui l’a conduit à égarer dans un train son ordinateur, et avec lui le contenu d’une année de recherches sur les mystiques et la révélation mystique. Très vite, ce n’est plus dans son voyage ferroviaire que nous voilà embarqués mais dans son voyage intellectuel et intime, là où l’a mené son sujet de réflexion.

La tête au ciel et les pieds dans la vie

Si le sujet peut sembler abstrait, c’est sans didactisme que la pièce l’aborde, les deux pieds dans la vie.
Au cours de son travail, le jeune écrivain, frère siamois de l’auteur, confrontera son enquête, sa démarche, à ses proches – amis, parents, collaborateurs, producteurs : autant d’occasions pour Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, avec la collaboration de son demi-frère Eric, dominicain, de proposer un regard multiple sur la question, d’offrir au sujet la possibilité d’être entendu de diverses manières, d’être rejeté ou accueilli, interrogé ou nourri. Mais il faudra aussi au personnage faire sa part du voyage seul – comme il se doit, car c’est dans le secret de l’athanor d’une âme que peut s’accomplir la maturation lente – l’oeuvre au noir – des richesses collectées pour en tirer l’essence -; et découvrir que c’est autant par les matières précieuses que communes, par les tâtonnements que par les découvertes que naissent « force et courage » et qu’on avance sur le chemin.

 
Les Mystiques ou comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers - photo Baptiste Muzard

 

« C’est pas je me connais et après j’apprends mieux ! ou je me connais et après je
vis mieux !
C’est pas du développement personnel ! C’est une quête qui ne s’arrête pas !
C’est toute la vie je cherche ! C’est aller au bout du bout du bout du bout d’une
expérience putain ! »

 

À l’image du cheminement mental du héros, la mise en scène est tout en mouvements, rythmique, fluide; les scènes se glissent les unes dans les autres, des accessoires apparaissent, restent, laissent une trace d’un lieu dans un autre. L’espace scénique est protéiforme, vaste boîte blanche, un incongru point d’eau en forme de rocher, comme un surgissement d’une nature farouche en plein cœur d’un quotidien très civilisé, longue table, chaise, ordinateur, projecteur, un lit et une lampe de chevet dans un coin, des meubles aux formes très fonctionnelles, simples, nettes, qu’on déplace parfois pour créer un lieu différent. Les hauts rideaux blancs qui closent le mur du fond s’ouvrent parfois, sur la nuit, ou sur un ailleurs.
Les morts se baladent et discutent en fumant leur clope, les souvenirs se matérialisent pendant qu’on les évoque, rêves et visions prennent corps, aussi réels que le réel… Le présent et le passé, Niort et Sienne, la cité où l’on se paye une glace au yaourt et le désert où l’on rencontre les mots de Patti Smith, la « mystique sans dieu », le tangible et l’imaginaire… Temps, espaces et états d’existence se chevauchent, s’incluent, s’interpénètrent.
 
Les Mystiques ou comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers - photo Baptiste Muzard
 

Réjouissance de voir une pensée en marche

C’est docte, drôle, poétique. Inspirant. Savant et joyeux. Ça respire l’intelligence et le plaisir.
Ces « Mystiques » ont un humour vif où ce sont autant les situations que les mots dits ou tus qui provoquent le rire – l’humour n’est d’ailleurs pas opposé à la Révélation, quelques malicieux sages, chinois, persans…, en usant comme d’un outil aussi percutant et incontestable que la prière ou la méditation, pourraient vous le confirmer. Il y a des silence vibrants comme certains de ces moments suspendus qu’on trouve dans les ballets de Pina Bausch. Mêlant cérébral et trivial, sérieux et léger, le ton est en accord avec le sujet !

Les comédiens sont tous remarquables. Mention spéciale à Mathieu Genet, au physique et au jeu rapides, fins et déliés. Son personnage est riche et subtil : il a l’élégance de nous faire croire à la facilité de son interprétation. Les autres comédiens ont tous la même aisance, la même liberté, et un beau grain de folie parfaitement maîtrisé. On avait apprécié Makita Samba, mis en scène par Guillaume Vincent dans Songes et Métamorphoses, on retrouve ici sa générosité; Lisa Pajon a une inventivité et une énergie qui semblent inépuisables; Bruno Gouery trimballe d’un personnage à l’autre sa silhouette longiligne et poétique; Mireille Herbstmeyer, comédienne ultrasensible et sobre, en demi-soeur religieuse récitera du Catherine de Sienne en italien, avec une ferveur et une conviction décalée, dérisoire et touchante; Flore Lefebvre des Noëttes apporte sa présence solaire aussi bien à une robuste productrice qu’à une jeune fille pleine de fêlures… C’est un bonheur de voir une telle distribution, plusieurs générations et origines rassemblées en une troupe très homogène, au jeu sans faux naturel mais d’une belle lisibilité, très précis et souple, toujours juste et sincère dans la fantaisie comme dans la gravité.

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre et Lisa Pajon avec leur compagnie du Théâtre Irruptionnel ont manifestement le goût d’une certaine allégresse de la connaissance; ils créent un spectacle populaire et savant, revigorant, stimulant : un théâtre qui a les grandes vertus d’émouvoir, amuser, nourrir l’esprit et le cœur.

Marie-Hélène Guérin

 

« En t’attendant j’ai lu
Catherine de Sienne, Etty Hillesum, Simone Weil…
C’est pas facile
C’est obscur même et puis elles se répètent beaucoup
J’ai laissé tomber plusieurs fois mais comme t’étais pas là, je me suis accrochée
Et puis y a eu cette phrase
Depuis elle m’accompagne
En fait c’est de nous dont ces femmes parlent, sans cesse, à chaque page
C’est pour ça que ça nous touche
Elles nous donnent de la force »

 

Les Mystiques ou comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers - photo Baptiste Muzard

LES MYSTIQUES
ou Comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers

À voir actuellement aux Plateaux sauvages, jusqu’au 30 novembre
Texte et mise en scène Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre
Éditions Les Solitaires Intempestifs
Avec la participation d’Éric Tillette de Clermont-Tonnerre
Dramaturgie Sarah Oppenheim
Avec Mathieu Genet, Bruno Gouery, Mireille Herbstmeyer, Flore Lefebvre des Noëttes, Lisa Pajon, Makita Samba
Création lumière Kelig Lebars – Création sonore Nicolas Delbart – Création vidéo Christophe Waksmann

Photos © Baptiste Muzard

Dates de tournée à venir :
Bar-le-Duc, 6 décembre 2018 – Versailles, 11-12 Décembre 2018 – Bressuire, 20 Décembre 2018 – Saintes, 29 Janvier 2019 – Châtellerault, 31 janvier 2019

À noter : à partir du 8 janvier prochain, la reprise d’un autre spectacle de la compagnie du Théâtre Irruptionnel, Les Deux frères et les Lions au Poche-Montparnasse, à guetter avec intérêt !

 

Soeurs(Marina & Audrey)_Pascal Rambert@Pauline Roussille

Les soeurs titanes

C’est une déflagration soudaine. Une entrée fracassante, dès le début de la pièce.
« Tu ne viens pas sur mon lieu de travail, je t’ai suffisamment tolérée » – Marina Hands déboule sur le plateau à la rencontre d’Audrey Bonnet qui sort du fond de scène côté cour. L’adresse est implacable, le ton est donné.

Nous allons assister pendant 90 minutes à un affrontement. Règlement de Comptes à OK Pascal (Rambert).
L’argument est simple. Elles sont sœurs. La cadette, Audrey, journaliste, débarque sur le lieu de travail de Marina. Leur mère vient de mourir, et Audrey n’accepte pas de ne pas avoir été prévenue par Marina.
À travers cette joute virtuose, il s’agira d’ausculter la singularité des liens qui tissent la relation entre deux sœurs et de dérouler les fils emmêlés de leurs blessures : celles, évidentes, qui sont verbalisées, et surtout les autres, celles qui sont enfouies, les profondes, souvent les plus douloureuses. Il y a comme un vertige à assister à cela. Pourquoi cette haine entre deux sœurs ? Comment la sororité la porte-t-elle à son paroxysme ? Et si ce n’était au fond qu’une manifestation d’un terrible et plus puissant amour encore ?

Soeurs(Marina & Audrey)_Pascal Rambert@Pauline Roussille ©Jean-Louis Fernandez

Marina – je ne retire rien toi-même tu ne retires jamais tu n’as jamais retiré jamais toutes les aiguilles que tu m’as balancées dans le corps pendant toutes nos années de jeunesse puis de jeunes femmes puis de femmes et maintenant d’ennemies.

Pascal Rambert reprend la recette qui a fait le succès planétaire de « Clôture de l’Amour », ce grand texte contemporain devenu déjà un classique : la lutte terrible entre deux êtres qui se sont aimés, le torrent de reproches et les phrases qui font mal, ces affrontements en diagonale. Ce sont deux sœurs qui sont ici au cœur de ce combat sans merci.

C’est un choc tonitruant, un torrent d’émotions, un combat de titanes dont nous sommes les témoins. Il y a aussi au milieu de la pièce cette grande pause, cette trêve avant la reprise des hostilités, qui était d’ailleurs déjà présente dans « Clôture » (la merveilleuse chorale d’enfants chantant « Happe » d’Alain Bashung). On ne révèlera rien de ce grand moment d’émotions, mais il est à lui seul une magnifique illustration de la mystérieuse relation entre deux sœurs qui peuvent se haïr, mais qu’un « lien » indicible continuera d’unir, ce qui rend ce dialogue encore plus déchirant.

Soeurs(Marina&Audrey)_Pascal Rambert_@Jean-LouisFernandez ©Jean-Louis Fernandez
Audrey – tu étais alors la pire des soeurs, la soeur perverse qui jouait à la gentille devant les parents et qui me pinçait dans la nuit en disant meurs est-ce que des soeurs peuvent souhaiter leur mort réciproque ? oui nous sommes des soeurs comme ça

Il fallait des géantes pour aborder ce nouvel Himalaya textuel qu’a écrit Pascal Rambert. Il fallait des comédiennes à la hauteur de ce grand texte, possédant à la fois puissance de jeu et grande sensibilité pour s’approprier aussi profondément les mots de Rambert. Marina Hands et Audrey Bonnet sont absolument prodigieuses. Si différentes, et en même temps si proches dans le combat. L’une, forte, terrienne, plongée dans les horreurs du monde par son métier, l’autre, « bombe de larmes », si fragile, mais si déterminée à tout faire exploser, à « déclencher une émeute ».
Pascal Rambert explique que c’est en répétant « Actrice », son précédent spectacle choral, qu’il eut l’envie de tirer plus loin le fil de cette relation entre les deux comédiennes. Déjà, en effet, Audrey-Ksenia affrontait sa sœur Marina-Eugénia. Cet affrontement n’était pas le cœur d’ «Actrice», mais il en incarnait sans aucun doute le climax absolu, au cours d’une scène d’anthologie.

Aujourd’hui, grâce à ce grand spectacle qu’il ne faut pas manquer, nous pouvons profiter pleinement de ce duo à la folle intensité, à l’insensée énergie dramatique.
C’est très beau, c’est absolument vertigineux. On sort de « Sœurs (Marina & Audrey) » au bout d’une dernière tirade poignante d’Audrey, qui rejoue par procuration la fin de vie de sa mère adorée qu’elle n’a pu accompagner. Le noir se fait brusquement, aussi brusquement que s’était produite l’entrée tonitruante des deux comédiennes 90 minutes plus tôt. On quitte lentement la salle étourdi, fasciné par cette joute d’exception et questionné sur le mystère absolu des liens fraternels. On a la certitude d’avoir assisté à un spectacle important qui fera date dans l’œuvre de Pascal Rambert. Et on se prend à espérer, qu’il y ait, quelque part, à l’issue de ce dialogue impossible, un chemin tortueux pour atteindre la clôture de la haine.

 – Stéphane Aznar –

Soeurs Marina & Audrey)_Pascal Rambert@Pauline Roussille©Pauline Roussille

Soeurs ( Marina & Audrey ) à l’affiche du Théâtre des Bouffes du Nord 
Jusqu’au 9 décembre  – mardi au samedi 20h30, dimanche 16h
Texte, mise en scène et installation : Pascal Rambert
Avec Audrey Bonnet et Marina Hands

 

End/igné : « affronter le feu plutôt que vivre en enfer »

Une morgue stylisée, dont la rigueur blanche et géométrique contraste avec le coin bureau, à l’angle du plateau, tout un fouillis sur un bout de table, bouilloire, radio-cassette, téléphones, paperasses en vrac, panneau couvert d’articles découpés dans divers journaux, un plateau avec des bougies, des verres, sans doute même des trucs à grignoter, mille autres petits objets du quotidien.
C’est la morgue de Balbala, petite bourgade du Sud de l’Algérie; le fief de Moussa, responsable des lieux et auto-proclamé « mage nécrologue ».

Kheireddine Lardjam, metteur en scène algérien, un pied artistique sur chaque continent, s’interrogeait sur le geste de l’immolation. Sur ce qu’on raconte quand on met fin à sa vie de cette façon particulière. Un jeune homme s’est immolé par le feu en décembre 2010 en Tunisie, et ça a été la première onde de choc des révolutions arabes. En 1969, un étudiant tchécoslovaque s’était immolé à Prague, et il a été le symbole du printemps de Prague. D’autres, plus anonymes, en France, au Maghreb, ailleurs. Autant de hurlements de détresse, silencieux, irréductibles.
C’est à Mustapha Benfodil, romancier, journaliste, qui a fait une longue enquête pour El Watan sur ce sujet (Voyage dans l’Algérie des Immolés, janvier 2012) qu’il va s’adresser pour écrire ce texte. End/Igné s’est d’abord appelé Le Point de vue de la Mort. Puis le feu des immolations et la revanche des suicidés se sont glissés dans le titre.
 

 

« Je ne sais plus si je parle dans le dictaphone,
ou si je parle au dictaphone »

 
Mustapha Benfodil fait de cette morgue le réceptacle de toutes les misères et effractions de la ville, et de Moussa son chantre ironique et joueur.

C’est sur un ton de bateleur forain que Moussa nous présente ses colocataires… Ici la vieille femme dont le gourbi a pris feu, là un migrant subsaharien retrouvé déshydraté, là un bébé abandonné dans une ruelle par une trop jeune enfant maman, là l’homme repu claqué de la goutte, ici une bagarre, là une corruption, ici une indifférence, là une injustice.

Moussa prend des notes vocales pour son ami Aziz, le blogueur poète contestataire « sans filtre et sans filet », toujours entre deux procès, qui aimerait écrire une chronique de Balbala vue depuis ses entrailles, la ville du point de vue de la Mort – ou du moins de ses morts… Azzedine Benamara, le jeu franc et fluide, donne à Moussa un bagout, une familiarité, un humour féroce et un désespoir de vivre tout aussi féroce. Même amer, le mage nécrologue reste moqueur et l’on rit beaucoup.
Pourtant déjà des arrêts sur image suspendent parfois le flot comme on retient sa respiration.

Et puis.
De sombres notes de guitare aux accents nickcaviens
Un sac mortuaire au sol
Des bougies allumées une à une
 

 

« J’ai allumé mon corps pour le regarder vivre. »

 

« Qu’est-ce que je note, comme cause du décès ? la fierté, la connerie ? le dégoutage de la vie ? Balbala ? Qu’est-ce que je mets ? »
Dans des nappes obscures de sonorités électriques et de bruissements sourds de machinerie, Moussa noie son deuil dans de larges gorgées de whisky. C’est le corps de son ami Aziz, le poète, le rebelle au bout de sa lutte qui est là, Prométhée saharien couché à ses pieds dans le sac mortuaire.
Ce jour-là, Aziz a décidé de « ne pas retourner dans l’enclos ». Ce jour-là Aziz a décidé « d’être une singularité. »

L’odeur des bougies éteintes par le souffle de Moussa persiste dans l’air.
Noir.

Aziz l’ami mort envahit Moussa l’ami vivant.
On quitte la lumière crue de la morgue et l’ironie au laser de Moussa, on entre dans les ténèbres enflammées d’Aziz, lui qui a « allumé son corps pour le regarder vivre ».
Dans une faible trouée de lumière, Azedine Benamara se redresse, s’avance – dissimulé/dévoilé par la pénombre. Son corps devient plus grand, sa voix plus grave, son regard plus noir. Moussa était en mouvement, arpentant le plateau et bondissant d’une idée à l’autre. Aziz se fige. Condensée dans cette immobilité, l’intensité du jeu très physique d’Azedinne Benamara n’en est que plus saisissante.
Dans cette chair sacrifiée par le feu c’est la chair d’un peuple qui se lit. Dans la violence flamboyante de cette mort se crient ses désirs. Sa dignité. Le texte se gorge d’une force poétique tellurique, se fait incantation. Chant de rage déferlant comme un torrent, bouillonnant de la fièvre de vivre d’une jeunesse entravée. Un texte puissant porté par un acteur puissant. Avec une sensation d’urgence.

Marie-Hélène Guérin

 

END/IGNÉ
Au Théâtre de Belleville, jusqu’au 27 novembre
Texte Mustapha Benfodil
Adaptation et mise en scène Kheireddine Lardjam
Avec Azeddine Benamara
Scénographie Estelle Gautier
Création lumière Manu Cottin
Création son Pascal Brenot

Photos : cie El Ajouad
 

Abeilles - photo Xavier Cantat

Abeilles : récolter le miel doux-amer des familles

« Ma mère, dit le père, elle savait pas lire, elle savait garder les chèvres et parler à ses enfants.
Moi j’aurais été un pont entre les deux, et je suis tombé dans le gouffre »

Un jour d’anniversaire.
Au bord d’une falaise, un père, un grand fils, partagent un sandwich, se cherchent, cherchent les mots pour aller l’un vers l’autre. Le père est né « ailleurs », un ailleurs indéfini mais à portée d’imagination. Le fils est né ici. Autre génération – le territoire est autre, l’époque autre, les valeurs autres. Entre le père et le fils, le pont est fragile, des mots ne viennent pas, alors les poings se serrent, quelques coups partent. A la maison, la fille, 15 ans, attend son frère, il a promis ce portable dont elle rêve. Il ne viendra pas. Son absence sera si dense qu’elle se fera présence et hantera la pièce.

Gilles Granouillet pose la question des langages, des valeurs, de ce qui reste en commun et ce qui échappe. Le regard est sans complaisance mais bienveillant, scrutant avec tendresse les infimes tremblements des êtres. L’écriture est très directe, simple, pour coller au plus près de ses personnages, de leur intimité. Mots de tous les jours. Dialogues faits de silences et de malentendus. Tension de la distance entre ce qu’on voudrait dire, ce qu’on dit, ce qui est entendu.

 

Abeilles - photo Xavier Cantat

 

« Que tu le veuilles ou non, le monde a commencé bien avant toi »
dit la mère à la fille

La mise en scène et la scénographie sont bien de leur temps, discrètement figuratives; pas de frontières entre le bord de mer et la maison, pas de frontières non plus entre le rêveur et le rêvé. Une table, un pouf, un lustre, quelques tapis qui furent beaux, dessinent à eux seuls ce foyer modeste où la famille a grandi, où l’on a bâti ses souvenirs, ses liens et ses silences.

Le père, belle gueule de kabyle usée plus vite qu’à son tour, la dignité mise à mal par la dureté de la vie mais chevillée au corps, l’affection qui brille au coin des yeux mais qui reste nouée dans la gorge parce qu’on ne lui a pas appris. La mère, sourire solaire, cœur généreux, épaules fatiguées mais âme solide. Un père et une mère infiniment touchants, portés par le talent et la densité d’humanité d’Eric Petitjean et Nanou Garcia.
Paul- Frédéric Manolis et Carole Maurice donnent leurs traits au frère et à la sœur, avec un investissement encore un peu appliqué mais une belle sincérité. Elle, avec un juste équilibre entre l’enfant et la jeune adulte, joyeuse et têtue, donne une grâce boudeuse à l’adolescente; lui, en grand frère qui ouvre ses ailes en quête d’émancipation, offre au spectacle, en étonnant cadeau, toutes paroles épuisées, un moment d’une liberté réjouissante.

Au bord de la falaise, le père raconte à son fils qu’il y venait dans sa jeunesse voler le miel des abeilles, pour le vendre cher et nourrir sa famille. C’était dangereux. Raconter cet exploit miniature et risqué, c’est pour le père tenter de distiller un antidote au chômage d’aujourd’hui, à ce quotidien contraint, celui qui fait dire au fils « mon père, sa vie l’a rendu minuscule ». Une tentative de re-grandir. Les abeilles : ce qu’une génération invente pour faire naître la fierté dans le regard de l’autre.

Un spectacle riche de travail, d’intelligence, de cœur, qui ne manquera pas de gagner en intensité et en ampleur au fil des représentations.
 
Abeilles - photo Xavier Cantat
 

ABEILLES
Au Théâtre de Belleville jusqu’au 27 novembre 2018
De Gilles Granouillet
Mise en scène Magali Léris
Avec Nanou Garcia, Eric Petitjean, Paul-Frédéric Manolis, Carole Maurice