VANIA ou la théorie des planètes alignées

D’abord, il y a un texte.

Et un grand texte. Celui d’Anton Tchekhov, qui a écrit ce chef d’œuvre à l’âge de 36 ans. On connaît l’argument, simplissime, de la pièce : un professeur à la retraite vient séjourner avec sa nouvelle femme chez Vania, le frère de sa première épouse disparue. Sa présence, ainsi que celle d’un médecin, viendra bouleverser l’équilibre fragile des âmes de cette petite société russe de campagne.

Un texte qu’on a souvent vu joué dans des versions ultra classiques, où les patronymes slaves des personnages étaient assénés avec une vigueur qui frôlait parfois le ridicule. Un texte qu’on a vu également représenté dans de prétentieuses tentatives de transpositions modernes. Point d’afféteries de ce type ici.

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© Simon Gosselin coll. Comédie-Française

Ensuite, il y a une mise en scène et une relecture épatantes.

Car on vient voir ici « Vania, d’aprés Oncle Vania ». Et c’est toute l’intelligence et le savoir-faire de la jeune mais déjà très remarquée Julie Deliquet. Le travail au plateau de cette talentueuse metteuse en scène offre aux comédiens la liberté d’ajouter quelques plages improvisées au texte du grand auteur russe. Ce n’est jamais gratuit, c’est toujours à son service. Et le résultat est absolument formidable. Rarement le texte de Tchekhov avait été aussi audible, clair, atteignant directement nos âmes de spectateurs. Rarement nous avions eu ce sentiment d’une totale vérité dans le jeu. Rarement nous avions eu l’impression d’assister au jaillissement en direct d’une création de très grande valeur, de subir un entrechoc d’émotions au sein d’un dispositif bi-frontal qui est ici totalement légitime. Devant nous, il y a la vie, tout simplement.

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Il y a, enfin, une troupe exceptionnelle.

On l’a dit, on le redit, on le crie à nouveau haut et fort : la troupe actuelle du Français est absolument exceptionnelle.
Sept comédiens défendent ici leurs personnages avec force et passion, que ce soit pour quelques répliques (Noam Morgensztern, Dominique Blanc) ou des moments de bravoure qu’on imagine extrêmement jouissifs à incarner (Florence Viala, Hervé Pierre).
Stéphane Varupenne confirme de pièce en pièce qu’il est comme le très grand vin : il vieillit bien mais il est à consommer, lui, sans modération.
Laurent Stocker est un prodigieux Vania. Il réalise le tour de force de faire de cet attachant désespéré un terrien et un aérien à la fois. Sa fantaisie naturelle se mêle habilement à sa sombre dépression. Il passe de l’ivresse à l’émotion en un centième de seconde. Le désespoir qu’il incarne, celui de l’implacable certitude d’avoir raté sa vie, est absolument déchirant. Il est à couper le souffle.
Enfin, Anna Cervinka compose une Sonia inoubliable, fragile, touchante, entre rires et larmes. Son célèbre  monologue de fin (« …nous nous reposerons »), au milieu du silence incroyable d’une salle, et de ses trois partenaires restés sur scène, littéralement suspendus à tant de talent, est un de ces grands moments de théâtre qu’on n’oubliera pas de sitôt.
Il y a ainsi des moments dans la vie d’un spectateur de théâtre où les planètes sont parfaitement alignées. C’est ce délicieux prodige qu’est arrivé à réaliser Julie Deliquet, au Vieux-Colombier, pendant quelques jours de cet automne 2016.

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VANIA (D’APRÉS ONCLE VANIA)
Reprise au Théâtre du Vieux Colombier du 4 octobre au 12 novembre 2017 (mardi 19h, mercredi au samedi 20h30, dimanche 15h)
Mise en scène et scénographie : Julie Deliquet
Avec : Florence Viala, Laurent Stocker, Hervé Pierre, Stéphane Varupenne, Noam Morgensztern, Anna Cervinka et Dominique Blanc.

 

три сестры (Les trois soeurs) , Timofeï Kouliabine, Odéon-Théâtre de l'Europe, Ilia Mouzyko, Anton Voïnalovitch, Klavdia Katchoussova, Valeria Kroutchinina, Irina Krivonos, Daria Iemelianova, Linda Akhmetzianova, Denis Frank, Alexeï Mejov, Pavel Poliakov, Konstantin Télégine, Andreï Tchernykh, Sergeï Bogomolov, Sergeï Novikov, Ielena Drinevskaïa, Critique pianopanire

Il suffira d’un signe

Rarement le terme « d’expérience » aura été aussi juste pour qualifier un spectacle.
Car il s’agit bien d’une expérience à laquelle l’Odéon-Théâtre de l’Europe nous convie, en ouverture de sa saison 2017-2018 aux Ateliers Berthier.
Timofeï Kouliabine, étoile montante de la mise en scène russe, directeur de la troupe du Théâtre de la « Torche rouge » de Novossibirsk, s’est lancé dans un projet aussi incroyable qu’innovant : monter « Les Trois Sœurs » en langue des signes.

Il a embarqué dans ce projet fou toute sa troupe de comédiens qui ont, pendant deux ans, appris à communiquer en langue des signes et à restituer la force du texte d’Anton Tchekhov. Le résultat est saisissant.
Devant nous va se jouer une pièce que l’on a sans doute déjà vue plusieurs fois auparavant, mais qui, aujourd’hui, dévoile, par la grâce du parti pris de Kouliabine, des nuances subtiles qui nous avaient peut-être échappé.

три сестры (Les trois soeurs) , Timofeï Kouliabine, Odéon-Théâtre de l'Europe, Ilia Mouzyko, Anton Voïnalovitch, Klavdia Katchoussova, Valeria Kroutchinina, Irina Krivonos, Daria Iemelianova, Linda Akhmetzianova, Denis Frank, Alexeï Mejov, Pavel Poliakov, Konstantin Télégine, Andreï Tchernykh, Sergeï Bogomolov, Sergeï Novikov, Ielena Drinevskaïa, Critique pianopanire@Victor Dmitriev 

On connait l’argument, simple, des « Trois Sœurs ».
Ces trois soeurs Prozorov, ce sont Olga, Macha et Irina. Elles partagent un appartement en pleine campagne, avec leur frère Andréï et son épouse Natalia. Elles rêvent toutes de repartir à Moscou. Olga, l’aînée, est célibataire et s’épuise en dispensant des cours au lycée voisin. Macha, la benjamine, est mariée à Kouguiline et voit l’arrivée du lieutenant-colonel Verchinine bouleverser sa vie. Irina, la cadette, n’a qu’une envie : rentrer à Moscou. Elle doit composer avec les nombreux prétendants qui la courtisent, dont le sarcastique capitaine Soliony.

On suit l’évolution de ce petit monde, dans la promiscuité du grand appartement que cette communauté partage, au gré des allers et venues des personnages, des peines et des émotions de chacun, des espoirs nourris et des exaltations de tous.
La petite musique tchekhovienne s’entend, paradoxalement, à merveille dans cette version en langue des signes. C’est là toute la magie de ce spectacle, qui nous permet « d’entendre » ce chef d’œuvre comme jamais auparavant.

три сестры (Les trois soeurs) , Timofeï Kouliabine, Odéon-Théâtre de l'Europe, Ilia Mouzyko, Anton Voïnalovitch, Klavdia Katchoussova, Valeria Kroutchinina, Irina Krivonos, Daria Iemelianova, Linda Akhmetzianova, Denis Frank, Alexeï Mejov, Pavel Poliakov, Konstantin Télégine, Andreï Tchernykh, Sergeï Bogomolov, Sergeï Novikov, Ielena Drinevskaïa, Critique pianopanire

« Cela fait longtemps (…) que je caresse l’idée de monter un spectacle qui soit dépourvu de son, ou plutôt qui prive le public de la perception des mots » – Timofeï Kouliabine

Il faut, au début du premier acte, apprendre à entrer dans ce spectacle.
Le spectateur peut être déstabilisé, à devoir jongler entre les sous-titres et à identifier « celui qui parle », car les repères habituels de la parole ont d’un coup disparu.
Mais si l’on réussit à concentrer son attention sur ce qui se joue devant nous, et à s’abandonner dans l’originalité de cette proposition, on percevra alors les variations nouvelles de cette œuvre magistrale, révélées par l’audace du parti pris de Kouliabine.
Soudain, le texte devient d’une limpidité frappante, l’émotion nous submerge.
Car si la parole est absente, les sons, eux sont omniprésents. C’est une assiette qu’on frappe sur la table. C’est une porte qu’on claque. C’est un lit qu’on soulève. Tout est ainsi au service d’un texte dont on (re)découvre la pureté.

три сестры (Les trois soeurs) , Timofeï Kouliabine, Odéon-Théâtre de l'Europe, Ilia Mouzyko, Anton Voïnalovitch, Klavdia Katchoussova, Valeria Kroutchinina, Irina Krivonos, Daria Iemelianova, Linda Akhmetzianova, Denis Frank, Alexeï Mejov, Pavel Poliakov, Konstantin Télégine, Andreï Tchernykh, Sergeï Bogomolov, Sergeï Novikov, Ielena Drinevskaïa, Critique pianopanire

La scène de la déclaration d’amour de Soliony à Irina devient déchirante. La progression de l’histoire d’amour entre Macha et Verchinine, au milieu du « tumulte silencieux » de l’appartement collectif, saute aux yeux. Les scènes collectives, qui sont souvent des morceaux de bravoure de mise en scène dans les pièces de Tchekhov, sont absolument épatantes. On pense à la scène de danse, où chacun suit sa propre partition et son propre rythme, forcément désynchronisé de la musique. On pense à la scène du repas, où le cadeau offert à Irina – une toupie musicale – donne lieu à une image très forte dont on se souviendra, parmi celles qui sont le sel des très grands spectacles.

Il faut aussi parler de la belle scénographie de Kouliabine, qui a choisi astucieusement de représenter toutes les pièces de l’appartement des Prozorov sur le plateau, en « tombant les murs », comme autant de barrières supprimées entre les êtres, mais en les délimitant par des lignes au sols. Il y a du rythme, de la beauté et beaucoup d’énergie dans ce spectacle porté par 14 comédiens absolument formidables.

On regrettera peut-être le parti pris très radical du 3ème acte, qui se joue en grande partie dans la pénombre, à la lueur des lampes de poche, au gré des coupures de courant provoquées par l’incendie qui ravage la ville voisine. Il est demandé au spectateur un effort supplémentaire pour saisir les nuances d’un acte où tout va se jouer, et qui précipite les protagonistes de cette grande pièce dans le désespoir de la fin de leurs utopies et la rancœur du retour à un quotidien étriqué.

Mais au final, on sort de ces quelque 4 heures de spectacle avec le sentiment d’avoir assisté à un moment de théâtre unique, qu’il faut voir, ressentir et… entendre.

(три сестры) LES TROIS SOEURS
À l’affiche de l’Odéon-Théâtre de l’Europe du 5 au 15 octobre 2017 (19h30)
Une pièce d’Anton Tchekhov
Mise en scène : Timofeï Kouliabine
Avec : Ilia Mouzyko, Anton Voïnalovitch, Klavdia Katchoussova, Valeria Kroutchinina, Irina Krivonos, Daria Iemelianova, Linda Akhmetzianova, Denis Frank, Alexeï Mejov, Pavel Poliakov, Konstantin Télégine, Andreï Tchernykh, Sergeï Bogomolov, Sergeï Novikov, Ielena Drinevskaïa
En langue des signes russe, surtitré en français et anglais

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

Une tragédie trop mortelle

À travers quatre fenêtres, le spectateur ahuri assiste à une altercation entre deux gangs. Mais ce qui semble n’être qu’une rixe entre de jeunes délinquants est en fait l’un des plus célèbres affrontements du répertoire. Montaigu et Capulet s’opposent depuis si longtemps qu’ils ignorent la raison de leur haine. Apparaît alors un Roméo amoureux et désespéré, qui, se rendant à une fête chez les Capulet, oublie ses préoccupations passées pour s’abandonner à un amour plus fou… et plus dangereux. Car Roméo Montaigu aime Juliette Capulet, et leur passion ne pourra finir qu’en la plus connue des tragédies.

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

Ces quatre baies vitrées et un modeste lit en fer servent d’unique décor pour une mise en scène à la fois moderne, rock, drôle et intelligente. Juliette n’est plus la jeune fille si mûre qu’on nous a habitués à connaître, mais bien une fillette de 14 ans (touchante Magali Genoud) oppressée par des parents pressants… bref, une adolescente d’aujourd’hui. Roméo (charismatique Axel Drhey) n’est plus ce meneur ténébreux, mais bien un garçon jeune et frivole qui va rencontrer le véritable amour. C’est ici l’exploit que réalise Anthony Magnier : revenir à l’essence même, au sens premier de ce chef-d’œuvre, tout en le modernisant et en le parsemant d’humour et d’énergie. Le talentueux batteur Axel Hache ajoute encore du dynamisme au spectacle, mais aussi de la poésie…

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

De la même façon, les personnages hauts en couleur tels que la mère, le frère Laurent, la nourrice ou le déjanté Mercutio sont incarnés avec modernisme par d’excellents comédiens : Benjamin Egner, Vanessa Koutseff, Lauri Lupi, Lionnel Pascal.
C’est donc avec une palette d’émotions qu’Anthony Magnier nous transporte à Vérone et nous livre un Roméo et Juliette énergique, drôle et émouvant.

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

ROMEO ET JULIETTE – Compagnie VIVA
D’après : William Shakespeare
Mise en scène : Anthony Magnier
Avec : Axel Drhey, Magali Genoud, Benjamin Egner, Vanessa Koutseff, Lauri Lupi, Lionnel Pascal
Batterie : Axel Hache

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier

Un Marivaux acidulé qui donne la pêche !

Succès oblige : nous republions ici notre critique d’un spectacle découvert à sa création, et qui depuis, a fait bien du chemin… Entre le Festival d’Avignon 2016 et le Festival d’Avignon 2017, la pièce a connu une très belle saison au Lucernaire. Et à partir du 5 avril, c’est dans le ravissant écrin du Théâtre Michel que l’on peut (re)-découvrir cette version trépidante du Jeu de l’Amour et du Hasard.

La Compagnie La Boîte aux Lettres, née en 2009 de la rencontre de Salomé Villiers, Bertrand Mounier et François Nabot nous propose une mise en scène pop et acidulée qui a su conquérir de nombreux spectateurs.

Rappelons l’argument de départ de la pièce de Marivaux : Silvia accepte difficilement d’être mariée par son père à un inconnu. Pour observer tout à loisir le caractère de ce fameux prétendant, elle endosse le costume de sa suivante Lisette. Péripéties et rebondissements seront au rendez-vous, jusqu’à ce que l’amour finisse par triompher, par jeu et par hasard !…

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier@ Julien Jovelin 

Le parti pris de Salomé Villiers, qui met en scène et interprète le rôle de Silvia était de donner un côté « rock » à la pièce de Marivaux. Ainsi les costumes d’époque sont-ils remplacés par des tenues mode tendance « psychédélique ». De même, la musique nous entraîne du côté des Sonics et des Troggs. L’usage de la vidéo apporte également un petit côté décalé au spectacle.

Mais le plus important reste le texte, la langue de Marivaux n’ayant pas besoin d’être modernisée tant elle demeure contemporaine. Et cette langue est servie par une troupe de comédiens réellement talentueuse. Salomé Villiers campe une Silvia touchante dans son désarroi, Raphaëlle Lemann une Lisette époustouflante de justesse, Philippe Perrussel un Orgon tout en nuances, François Nambot un Dorante séduisant de sincérité, tandis qu’Etienne Launay et Bertrand Mounier rivalisent de drôlerie.
Ensemble, ils nous font rire, nous émeuvent, nous étonnent et nous enchantent.

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier@ Karine Letellier 

Trois raisons d’aller faire un petit tour au Théâtre du Roi René :

1 – Pour découvrir ou redécouvrir ce texte toujours aussi moderne de Marivaux – sans doute l’une de ses plus belle pièce.
2 – Pour les comédiens réunis par Salomé Villiers, avec mention spéciale « aux filles » : Salomé Villiers et Raphaëlle Lemann sont bourrées de talent.
3 – Rien de tel pour chasser « le spleen du dimanche soir » : testé pour vous, l’effet est garanti, sur les grands et les petits ! Un Marivaux acidulé et bourré de peps, puisqu’on vous le dit !

LE JEU DE L’AMOUR ET DU HASARD
À l’affiche du Théâtre du Roi René du 7 au 30 juillet 2017 17h55
Une pièce de Marivaux
Mise en scène : Salomé Villiers
Avec : Etienne Launay, Raphaëlle Lemann, Bertrand Mounier, François Nabot, Philippe Perrussel et Salomé Villiers

La résistible ascension d'Arturo Ui, Bertolt Brecht, Katharina Talbach, Comédie-Française

Fasci(s)nant Arturo Ui

C’est la petite bête qui monte qui monte qui monte… Les doigts taquins se hissent irrésistiblement jusqu’au creux de notre cou où arrivent à leur paroxysme ces chatouilles tant attendues et redoutées… On se souvient de notre ambivalence d’enfant face aux chatouilles qui nous faisaient passer du plaisir au supplice. Cet Arturo est chatouilleur, horriblement détendant, redoutablement amusant, merveilleusement terrifiant.

Guili-guili-guili… Cette petite bête nous fait passer de l’humour au sarcasme, de l’adhésion au rejet, de la bêtise à l’intelligence, du grotesque à la poésie, de la joie au macabre… On est dans l’absurde et le rationnel, c’est une délicieuse imposture. On adhère, on s’englue, on se ment, on devient schizophrène, on adore – c’est le danger.

Brecht nous met en péril. On sombre sans l’avoir vu venir. La pièce dresse une analogie entre l’ascension d’Hitler et les gangs du Chicago des années 30 qui symbolisent le pouvoir du capitalisme naissant.

On oublie l’Histoire et notre brûlante actualité, pour se délecter comme un gamin devant Monsieur Loyal (Bakary Sangaré) le cousin du clown Krusty (irrésistible Serge Bagdassarian), l’acteur déchu et aviné (énorme Michel Vuillermoz), cette idiote de Dockdaisy (atomique Florence Viala) ces gangs de la pègre investis d’une mission de Blues Brothers (Eric Génovèse, Jérôme Pouly et Elliot Jenicot incarnent un terrifiant Joker tricéphale), un démoniaque Ernesto Roma (Thierry Hancisse), un hilarant duo « père & fils » (Bruno Raffaelli et Nicolas Lormeau) et ces hommes araignées dont la toile se referme sur nous. Le malaise s’installe… On ne voit plus la petite bête… mince… ne jamais perdre de vue le danger… on le savait pourtant…

La résistible ascension d'Arturo Ui, Bertolt Brecht, Katharina Talbach, Comédie-Française
@Christophe Raynaud de Lage, coll. Comédie-Française

« Si les petits gagnent de moins en moins, qui nous achètera notre chou-fleur ? »

Elle est où la petite bête? Ah ! Elle est là, timide, hésitante, désorientée… Pas si terrible en fait… Le voici, ce ridicule pantin capricieux et piètre orateur qui veut juste pouvoir se tenir debout et droit, qui veut simplement apprendre à marcher, à parler… Touchant de fragilité, si petit cet Arturo qu’on lui donnerait presque la main, qu’on lui remettrait sa mèche en ordre, qu’on lui cèderait la place. Gigantesque Laurent Stocker ! Ne point trop en dire, afin qu’à votre tour vous vous laissiez surprendre par la petite bête… Juste saluer son immense performance : il passe d’un état à l’autre avec la rapidité sidérante d’un personnage cartoonesque.

Il est pervers, ce théâtre qui nous fait oublier le mal et l’urgence.

Katharina Thalbach, épaulée par Ezio Toffolutti pour la scénographie et les costumes, porte à la perfection le parti pris du théâtre populaire recommandé par Brecht, terrain d’expression de son père à elle (Benno Besson). C’est du pur Shakespeare (Brecht y fait référence) dont nous oublions qu’au Globe il devait avant tout divertir un public inculte. C’est un jeu vif, efficace, fulgurant. Les acteurs sont magnifiques dans cet exercice.

La résistible ascension d'Arturo Ui, Bertolt Brecht, Katharina Talbach, Comédie-Française

« Si n’importe qui peut faire ce qu’il veut, et ce que sa folie lui dicte, si un monstre abominable peut débouler dans n’importe quel lieu public, une arme à la main, alors c’est la guerre de tous contre tous, et donc, le règne du chaos. »

Enfin le décor, le son, les effets, la musique, la lumière… Tout, absolument tout sert ce théâtre populaire ! Les références à la culture du peuple sont innombrables : Chaplin, Keaton, la BD (on se surprend à parcourir des planches de comics), le cirque, le pantomime, Pacman, les arts de la rue, les automates, le robot dont la voix s’enraye parce qu’il n’a plus de pile – ou serait-ce une allusion à l’obsolescence programmée à laquelle nous conduit la société de consommation ? C’est si délectable et divertissant qu’on en oublie l’ascension des mauvais et le filet qui nous emprisonne. La petite bête qui monte a tissé sa toile – de la dictature, de l’argent roi, de la mondialisation, de l’internet.

Le rideau ne s’était-il pourtant pas ouvert sur une vision hyper-réaliste d’Hitler, de Goering et d’Hindenburg ? Leurs trois visages plus vrais que nature étaient éclairants – signalisation du danger -… oups… On les avait oubliés ! On salue ici le travail de la géniale plasticienne Valérie Lesort-Hecq.

Comment en sommes-nous arrivés là ? Comment avons-nous oublié le fascisme et ses armes de séduction pernicieuse ? Comment avons-nous pu fermer les yeux sur les laissés pour compte du capitalisme ? On s’est fait manipuler. On a même adoré ces jeux du cirque et leur abjecte cruauté hilarante. On est terrifié. On devrait fuir mais on y est terriblement attaché… irrésistible Arturo Ui.

La résistible ascension d'Arturo Ui, Bertolt Brecht, Katharina Talbach, Comédie-Française

LA RESISTIBLE ASCENCION D’ARTURO UI
À l’affiche de la Comédie-Française jusqu’au 30 juin
Une pièce de Bertolt Brecht
Mise en scène : Katharina Thalbach
Avec : Thierry Hancisse, Eric Génovèse, Bruno Raffaelli, Florence Viala, Jérôme Pouly, Laurent Stocker, Michel Vuillermoz, Serge Bagdassarian, Bakary Sangaré, Nicolas Lormeau, Jérémy Lopez, Nâzim Boudjenah, Elliot Jenicot, Julien Frison
Et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française : Tristan Cottin, Pierre Ostoya Magnin, Marina Cappe, Amaranta Kun et Axel Mandron

Songes et Métamorphoses, création de Guillaume Vincent d'après Ovide et Shakespeare, photo Elizabeth Carecchio

Songes et Métamorphoses : promesses tenues !

Le titre nous annonce « Songes et Métamorphoses », on aura songes et métamorphoses.
Guillaume Vincent a l’amour du théâtre et le démontre ici puissance 10. Les acteurs joueront des rôles de comédiens ; l’espace offert aux yeux des spectateurs se clôt de larges lambris blonds : ce bois clair nous permettra d’être avec autant de facilité et d’évidence dans une salle de classe, une salle de bal, une forêt, ou sur des tréteaux élisabéthains ; et le plateau est nu pour pouvoir laisser la place à d’autres scènes, mobiles, qui apparaîtront ou disparaîtront au gré des mises en abymes. Car c’est ici un théâtre qui joue au théâtre : s’en amuse, s’en joue – du théâtre qui se déguise en théâtre, le représente, l’utilise, le détourne, l’interroge.

Le prologue chanté aux belles voix profondes d’Estelle Meyer et Candice Bouchet impose dès le noir fait une envoûtante atmosphère onirique et baroque : éclairage des bougies et préciosité des chants… atmosphère raffinée déjouée avec malice par le décor peint qu’on distingue en arrière-plan, une forêt gaie, pimpante et colorée. Le ton est donné, le beau et le ludique se tiennent par la main.

 

Songes et Métamorphoses, création de Guillaume Vincent d'après Ovide et Shakespeare, photo Elizabeth Carecchio

 

« Un petit sentiment de liberté »

Les chanteurs se dispersent, le podium de papier crépon et de carton-pâte s’avance, des enfants s’y placent… pour une fraîche autant que précise représentation du mythe de Narcisse. La nymphe Echo est amoureuse, le charmant Narcisse aussi, mais c’est de lui-même, tout cela finira mal comme il se doit, et les parents d’élèves venus assistés au spectacle de leurs bambins hésitent entre fierté devant la prestation des petits prodiges et perplexité devant le choix du texte… L’instituteur (Gérard Watkins) pour les mettre au clair avec le monde fantasque et terrifiant d’Ovide nous annonce les cruautés et bizarreries à venir… Du spectacle de fin d’années des mômes, on va passer au club théâtre des lycéens, puis au club d’adultes amateurs, puis à la troupe professionnelle. Les lycéennes, interprétées avec vivacité par Elsa Agnès et Elsa Guedj, se collètent , entre rébellion et goût de l’escapade, à l’histoire d’amour homosexuelle entre Iphis et Ianthé, puis, intégrant à leur aventure deux camarades amicaux (Hector Manuel, Makita Samba, sincères, alertes), à « Myrrha » – une fille amoureuse de son père, qui, l’inceste consommé à l’insu du paternel, enceinte, rongée, réclamera l’intervention des dieux « Dieux, bannissez-moi des deux royaumes, faites que me soient interdits la vie et la mort » et  finira transformée en arbre. Occasions pour ces grands ado de régler quelques comptes avec l’autorité professorale et parentale, d’élargir leurs territoires d’expression. « Un petit sentiment de liberté », disent trouver ces lycéens dans leur local de répèt ; petit sentiment de liberté nécessaire pour pouvoir continuer de jouer comme des enfants, et commencer à s’imposer comme des adultes. Occasion pour Guillaume Vincent, par la voix de Gérard Watkins, d’instituteur devenu prof de lettres et meneur du club théâtre, de rappeller que « Le théâtre est un champ de forces très petit, mais où se joue toute l’histoire de la société, et qui, malgré son exiguïté, sert de modèle à la vie des gens », dixit Antoine Vitez

 

Songes et Métamorphoses, création de Guillaume Vincent d'après Ovide et Shakespeare, photo Elizabeth Carecchio

 

On gardera précieusement en mémoire une gracieuse et étonnante pépite, l’image qui clôt la narration du mythe d’Hermaphrodite. Puisque le théâtre est le lieu du songe et des métamorphoses, l’espace de tous les possibles ; puisque sur un plateau, ce n’est pas la réalité qui se passe, mais que toutes les vérités peuvent  y naître…  on gravera aussi  l’instant plein de délicatesse où Alexandre Michel traduit les paroles d’ « Eleanor Ridgby » des Beatles, ah look at all the lonely people « c’est tout simple, et pourtant ça me donne envie de pleurer », ou ce Pygmalion en jogging se rêvant une poupée de silicone en femme parfaite, d’une mélancolie sans fond.

« Moi j’croyais que le théâtre c’était le lieu de la transposition… »

Les comédiens se glissent maintenant dans la peau d’acteurs qui portent leur propre nom, au sein d’une troupe en pleine création, la spirale du théâtre dans le théâtre est de plus en plus serrée ! Le thème de travail : « jouer quelqu’un de sa famille »… l’instituteur-prof de lettres devient Gérard Watkins et se remémore le moment où son grand-père l’a emmené voir à Londres « Le Songe d’une nuit d’été » par La Royal Shakespeare Company, quelques répliques de Puck lui reviennent, en anglais… Emilie Incerti Formentini se dresse, rétive « c’est quoi, c’est le terrorisme de la vérité vraie ? moi j’croyais que le théâtre c’était le lieu de la transposition »,  elle évoque son projet, rapporter la parole d’une femme de ménage qu’elle a rencontré « à l’occasion de la résidence à Reims », en costume « d’époque », pour offrir un décalage et un bel écrin à cette parole. Kyoko Takenaka s’engouffre dans la brèche, fustige le carcan de sa couleur de peau et revendique de pouvoir jouer la sœur d’Emilie…  La scène mobile se rapproche à nouveau, Emilie, présence ample et jeu intense, majestueuse en robe renaissance de velours noir, apparaît dans un décor d’appart moderne, noir mat. Monologue, les souvenirs de la femme de ménage rémoise, ses rêves, ses échecs, les enfants arrivés trop tôt, les années à se prendre des coups. Une clope allumée, confidences d’une voix râpeuse. Quelques notes de piano, la rude vie de cette femme va se superposer à celle de Procné, celle qui se vengera cruellement de son mari qui violé sa sœur (interprétée par Kyoko, comme promis).

L’instituteur nous avait prévenu : une donzelle se promène cul nu, une amoureuse incestueuse est transformée en arbre, un homme et une femme ne font plus qu’un, une femme cuisine ses enfants et les fait manger à son mari… Tout était dit, mais rien n’était attendu car Guillaume Vincent et sa troupe volubile et talentueuse ont le sens du théâtre, celui qui invente des mondes, et qui laisse aussi sa part d’invention au spectateur.

« Le théâtre, c’est un grand oui ! »

« Le Songe d’une nuit d’été » arrive en continuité, comme la mise à l’épreuve de toutes ses questions, tous ses chemins de théâtre empruntés plus tôt. On pourra peut-être le trouver presque un peu sage après les folles « Métamorphoses ». Pourtant, Guillaume Vincent veille à ne pas laisser les choses rentrer dans l’ordre ! Titania et Obéron sont interprétés par les deux chanteuses, toutes deux grandes, flamboyantes, Obéron, en verte robe de soirée actuelle, souliers rouges, a la prestance nécessaire pour pouvoir être appelée « monseigneur », Titania fastueuse en robe de velours Renaissance. C’est la course effrénée des amoureux, des amants, des aimés, de ceux qui n’aiment pas, dans la forêt traversée de musique (de Métamorphoses en Songes, de Purcell en techno, de Beatles en Britten…). Quelques gouttes d’élixir dispensées à mauvais escient par un Puck facétieux, la ronde des désirs et sentiments s’embrouille à foison… C’est Gérard Watkins qui, après avoir été le guide en théâtre bienveillant et attentif des « Métamorphoses », donne là sa légèreté et son œil rieur à ce Puck bouffon, cette fois guide fantasque, guide en errance, insaisissable, sans cesse mobile, souple.

 

Songes et Métamorphoses, création de Guillaume Vincent d'après Ovide et Shakespeare, photo Elizabeth Carecchio

 

« Le théâtre c’est un grand oui, un grand oui à la vie, à l’amour, à l’humour ! » s’enflamme la metteur en scène des artisans pour stimuler ses troupes. On s’amuse de sa fougue, et on applaudit à cette belle et tonique profession de foi !
Les frontières sont brisées, les hommes croisent le monde des fées. Titania s’amourache d’un menuisier métamorphosé en âne… Les nobles au fil de la nuit sont de plus en plus crasseux, loqueteux ; la délaissée Elena se retrouve enlacée et chérie par deux jeunes hommes et croit être raillée par les deux… c’est le désordre général ! Les paillettes tombent en pluie, bien sûr pour une fête techno enivrée, mais aussi, plus tard dans la nuit, moins joyeusement, pour troubler la quiétude, et faire l’air crépitant, couvrant le sol d’un tapis de feuilles mortes scintillantes. Brumes, ombres, feux follets, bruissements étranges, mélodies, onomatopées, sorts et potions magiques… à l’aurore, l’heure où le jour et la nuit ne sont pas encore séparées, les jeunes nobles quittent la forêt et ses sortilèges à l’état de semi-zombies, hagards, déboussolés. Heureusement, tout va finir par une pièce de théâtre… ! d’Ovide, la boucle est bouclée.

Le spectateur sort de ces quatre heures de spectacle peut-être tout aussi désorienté que ces personnages ensorcelés qui peinent à démêler le rêve de la réalité, mais Guillaume Vincent n’est pas un petit Puck distrait et moqueur, ce n’est pas pour endormir ses victimes qu’il distille ses philtres enchanteurs mais pour les tenir éveillées ! et leur donner à goûter les riches sucs de l’art du théâtre, la liqueur parfois amère, mais toujours vitale, de la pulsion d’aimer,  et les saveurs innombrables d’une humanité aux multiples formes.

 

SONGES ET METAMORPHOSES
À l’affiche du Théâtre de l’Odéon-Berthier jusqu’au 20 mai
Une création de Guillaume Vincent
d’après Ovide et Shakespeare
avec Elsa Agnès, Paul-Marie Barbier, Candice Bouchet puis Jeanne Cherhal, Lucie Ben Bâta, Emilie Incerti Formentini, Elsa Guedj, Florence Janas, Hector Manuel, Estelle Meyer, Alexandre Michel, Philippe Orivel, Makita Samba, Kyoko Takenaka, Charles Van de Vyver, Gérard Watkins, Charles-Henri Wolff

photos @Elizabeth Carecchio

BAAL, Bertolt Brecht, Christine Letailleur, La Colline, Stanislas Nordey, Pianopanier

Blessés par BAAL

« Baal ». On ne le sait pas encore mais tout se résume à ce mot, inexpugnable, ineffable et pourtant si évocateur. La pièce, mise en scène par Christine Letailleur, commence sur un chant enjoleur qui déjà intrigue et fait peur, où « Baal » apparaît écrit en grand, en lettres rouge sang.

Là commence la quête de l’identité de cet homme mi-ange mi-démon. Dès le début, on veut s’éprendre, mais petit à petit par ses entourloupes et ses lâchetés, il nous repousse, nous sidère, nous inquiète, et, au fond, tout au fond, on s’amourache malgré tout de ce poète maudit, de celui qui aime tant flétrir autrui au gré du pire de ses frasques et de ses tromperies.
Scène par scène, passant d’une épouvante à un blasphème, le spectateur est lui aussi presque meurtri par Baal, en redemande, s’enquiert de jusqu’où ira son petit roi, son esclave fétiche. À l’instar des protagonistes : « Baaaaaal ! Baaaaaal ! » on appelle ce nom, on le crie, on le hurle. Et ce cri déchire autant la mère que l’amante de toute personne qui serait entrée en la présence démoniaque – si doucement, si succulemment perverse – de Baal.

BAAL, Bertolt Brecht, Christine Letailleur, La Colline, Stanislas Nordey, Pianopanier@ Brigitte Enguerand 

« Si une femme a des hanches grasses,
Je la fous dans l’herbe verte
Robe, culotte, tout ça valse
Radieux – car j’aime ça. »

Dans cette première pièce de Brecht écrite en 1919, Baal, mi-bête, mi-poète, est un Don Juan décuplé. Il séduit, tente, corrompt, bafoue. Il n’épargne rien ni personne. Il jouit. En maître et possesseur, buveur de sexe et de schnaps, cracheur de mots, il se fait poète sauvage incandescent en quête de liberté absolue incarnant une errance existentielle.
Par-dessus tout, il y a quelque chose de tendu dans Baal, de contorsionné, d’éclatant. L’écriture de Brecht s’y reflète viscérale, incroyablement poétique et sensuelle. Baal a de l’appétit, un appétit du monde qu’il veut consommer en consumant les êtres qui l’entourent, il ne participe pas à la Création – lui qui évoque si souvent le ciel – il la détruit. Et par là-même de se demander jusqu’où ses dépravations ne sont pas des exaltations qui servent à leur tour la Nature que Baal rêve de souiller.

BAAL, Bertolt Brecht, Christine Letailleur, La Colline, Stanislas Nordey, Pianopanier

Ce texte, ces folies de verbe, sont admirablement servis par la mise en scène de Christine Letailleur, qui aide parfaitement à cette descente aux enfers. On est emporté jusque dans l’antre rougeoyante de la pièce, avec style et précision, mais non sans un onirisme puissant et subtil. Stanislas Nordey s’empare avec puissance de son personnage, il lance et vocifère les mots de cet ange de mort, aussi fascinant qu’effrayant, jusqu’à incarner dans un décharnement physique et mental une beauté à couper le souffle.
On ressort éperdu et presque fébrile des aventures de Baal, de son épopée du Rien et de la solitude – et, au seuil de sa quête, la plus terrifiante des questions, celle qui nous revient comme dans un miroir : « Auras-tu pitié, spectateur ? »

BAAL, de Bertolt Brecht au Théâtre de la Colline
Du 20 avril au 20 mai 2017 , mercredi au samedi 20h30, mardi 19h30 et dimanche 15h30
Mise en scène : Christine Letailleur
Avec : Youssouf Abi‑Ayad, Clément Barthelet, Fanny Blondeau, Philippe Cherdel, Vincent Dissez, Valentine Gérard, Manuel Garcie‑Kilian, Emma Liégeois, Stanislas Nordey, Karine Piveteau, Richard Sammut

Bajazet, Racine, Eric Ruf, Denis Podalydès, Clotilde de Bayser,

Bajazet ou le déchirement au Sérail

Quelle belle pièce que cette tragédie !

Ce texte magnifique nous laisse ébahis,

Racontant la lutte pour gagner le pouvoir,

Et puis les passions, enfin le désespoir.

Bajazet prisonnier, Amurat guerroyant,

Roxane est au pouvoir, Acomat le briguant.

Se nouent alors complots et manipulations,

Entraînant tragédies, crimes et conspirations.

Ce texte méconnu offre un drame mythique,

Où se mêlent intrigues amoureuse et politique.

Nous plongeant, spectateurs, au cœur du pugilat,

Éric Ruf livre ici un spectacle de choix,

Une mise en scène au milieu du sérail,

Une scénographie, résultant d’un travail,

Assurément bien long, et très laborieux,

Quand on sait que l’équipe eut, de temps, vraiment peu !

@ Vincent Pontet, coll. Comédie-Française 

Un jeu de lumières beau et angoissant,

Parachève cet ensemble sombre et sanglant.

Et puis évidemment ce spectacle serait

Bien moins fort sans ces sept comédiens parfaits.

Podalydès campe un inquiétant Acomat,

Qui complote contre le sultan Amurat ;

Clotilde de Bayser confirme son talent,

En tant que tragédienne, ce qui n’est pas courant !

Natrella est touchant, saisissant de justesse,

Forcé de cacher son amour pour la princesse ;

Rebecca Marder est elle aussi très poignante,

En triste Atalide, princesse apitoyante.

Et nous ne parlons pas des autres personnages,

Zaïre en confidente et Osmin en vieux sage.

Ces acteurs émouvants nous emmènent si loin,

Que de ce spectacle on ne sortirait pour rien !

Me risquer à écrire cette critique en vers,

Ne fut, je vous l’assure, pas une mince affaire !

BAJAZET – de Jean Racine
Mise en scène : Éric Ruf
Avec : Alain Lenglet, Denis Podalydès, Clotilde de Bayser, Laurent Natrella, Anna Cervinka, Rebecca Marder, Cécile Bouillot
Du 5 avril au 7 mai 2017 à la Comédie-Française, Vieux-Colombier

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier

Un Marivaux acidulé qui donne la pêche !

Succès oblige : nous republions ici notre critique d’un spectacle découvert à sa création, et qui depuis, a fait bien du chemin… Entre le Festival d’Avignon 2016 et le Festival d’Avignon 2017, la pièce a connu une très belle saison au Lucernaire. Et à partir du 5 avril, c’est dans le ravissant écrin du Théâtre Michel que l’on peut (re)-découvrir cette version trépidante du Jeu de l’Amour et du Hasard.

La Compagnie La Boîte aux Lettres, née en 2009 de la rencontre de Salomé Villiers, Bertrand Mounier et François Nabot nous propose une mise en scène pop et acidulée qui a su conquérir de nombreux spectateurs.

Rappelons l’argument de départ de la pièce de Marivaux : Silvia accepte difficilement d’être mariée par son père à un inconnu. Pour observer tout à loisir le caractère de ce fameux prétendant, elle endosse le costume de sa suivante Lisette. Péripéties et rebondissements seront au rendez-vous, jusqu’à ce que l’amour finisse par triompher, par jeu et par hasard !…

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier@ Julien Jovelin 

Le parti pris de Salomé Villiers, qui met en scène et interprète le rôle de Silvia était de donner un côté « rock » à la pièce de Marivaux. Ainsi les costumes d’époque sont-ils remplacés par des tenues mode tendance « psychédélique ». De même, la musique nous entraîne du côté des Sonics et des Troggs. L’usage de la vidéo apporte également un petit côté décalé au spectacle.

Mais le plus important reste le texte, la langue de Marivaux n’ayant pas besoin d’être modernisée tant elle demeure contemporaine. Et cette langue est servie par une troupe de comédiens réellement talentueuse. Salomé Villiers campe une Silvia touchante dans son désarroi, Raphaëlle Lemann une Lisette époustouflante de justesse, Philippe Perrussel un Orgon tout en nuances, François Nambot un Dorante séduisant de sincérité, tandis qu’Etienne Launay et Bertrand Mounier rivalisent de drôlerie.
Ensemble, ils nous font rire, nous émeuvent, nous étonnent et nous enchantent.

Le jeu de l'amour et du hasard, Salomé Villiers, Marivaux, Compagnie la Boite aux lettres, Théâtre mIchel, Pianopanier@ Karine Letellier 

Trois raisons d’aller faire un petit tour au Théâtre Michel :

1 – Pour découvrir ou redécouvrir ce texte toujours aussi moderne de Marivaux – sans doute l’une de ses plus belle pièce.
2 – Pour les comédiens réunis par Salomé Villiers, avec mention spéciale « aux filles » : Salomé Villiers et Raphaëlle Lemann sont bourrées de talent.
3 – Rien de tel pour chasser « le spleen du dimanche soir » : testé pour vous, l’effet est garanti, sur les grands et les petits ! Un Marivaux acidulé et bourré de peps, puisqu’on vous le dit !

LE JEU DE L’AMOUR ET DU HASARD
À l’affiche du Théâtre Michel du 5 avril au 6 mai 2017 (21h, et matinée le week-end 16h15)
Une pièce de Marivaux
Mise en scène : Salomé Villiers
Avec : Etienne Launay, Raphaëlle Lemann, Bertrand Mounier, François Nabot, Philippe Perrussel et Salomé Villiers

Amphitryon, Molière, compagnie Oghma, Theo Théâtre, Pianopanier

Amphitryon, ou l’espièglerie baroque

« Le baroque, c’est d’abord le théâtre, ou si l’on préfère c’est, par nature, par essence, la chose du baroque, son mode d’expression cardinale ». Eugène Green

Vous n’aurez jamais entendu Amphitryon de la sorte – en déclamation baroque. Vous avez dit … « déclamation baroque » ? C’est une prononciation d’époque : on roule les r, on prononce « oué » plutôt que « oi », les « en » se transforment en « a-an ». L’oreille doit s’y habituer mais c’est pour mieux renouveler l’écoute des mots et prêter une meilleure attention aux sens. Tenez-vous bien, la compagnie Oghma redonne au vers et à la parole toute sa sacralité. On redécouvre la puissance des mots et leur musicalité.

Amphitryon, Molière, compagnie Oghma, Theo Théâtre, Pianopanier@ Côme Di Meglio

Le geste baroque qui accompagne la parole, la rend d’autant plus vibrante. Il la souligne, l’explicite, et décuple son sens avec verve et mordant. Le geste y est précis, vif, implacable. C’est tout un texte gestuel, comme un langage dans le langage. Les corps présentent un gracieux maintien, les positions des pieds rappellent celles de la danse classique, les visages peints en blancs et soulignés de noir y sont très expressifs. Un sourcil relevé, un petit doigt replié, une inclinaison de tête prennent soudain toute une ampleur et une signification – grave, drôle, inquiète ou espiègle. Force du détail, beauté de la précision. Voilà une fascinante partition que nous donnent à voir les acteurs d’Oghma.

Amphitryon, Molière, compagnie Oghma, Theo Théâtre, Pianopanier

« J’aime mieux un vice commode qu’une vertu fatigante » Amphitryon

La pièce s’inspire de personnages de la mythologie antique. Amphitryon joue de manière habile sur le motif du double, du miroir et du quiproquo. Sosie, serviteur d’Amphitryon se retrouve magiquement pris au piège face à son double qui apparait devant lui comme par enchantement. Amphitryon subit le même sort et se retrouve lui aussi face à son propre miroir. Le spectateur s’y méprend presque, emporté par la magie du baroque et la malice de Molière. Ce farcesque subterfuge du double souligne finalement à quel point il peut être effrayant de se retrouver face à soi-même… Nous voilà face à la question de l’autre et de son double, le tout dans un contexte « méta-théâtral ».

On rit d’un Sosie drôle et grimaçant roué de coups de bâton – Charles Di Meglio y est malicieux et extrêmement habile – on s’émerveille de la langue de Molière, on admire les costumes faits main, brillants à la lueur des bougies, bref, on se laisse emporter et surprendre, on aime ! Vous pouvez vous plonger dans cet incroyable univers baroque tous les vendredis à 21h et les samedis à 17h15 au Théo Théâtre jusqu’au 29 avril. Viiiite, on vous le rrrrrr-e-comm-a-annnn-de !

Amphitryon, Molière, compagnie Oghma, Theo Théâtre, Pianopanier

AMPHITRYON
Á l’affiche du Theo Théâtre – du 24 février au 29 avril 2017 (vendredi 21h, samedi 17h15)
Une comédie de Molière
Mise en scène : Charles Di Meglio
Avec : Valentin Besson, Joseph de Bony, Ulysse Robin, Pauline Briand, Romaric Olarte, Manuel Weber, Charles Di Meglio