Amédée, ma délicieuse pépite du Off

Spectacle vu à Avignon le 10 juillet 2015
Au Théâtre de l’Entrepôt jusqu’au 26 juillet 2015 à 13h45
Une pièce écrite et mise en scène par Côme de Bellescize
Dates de tournée sur le site de la Compagnie Théâtre du Fracas
 


 

A ceux qui se demandent ce que je cherche en enchaînant les spectacles, voici la réponse : d’énormes claques comme celle que m’a flanquée Amédée!

Voici un spectacle rattrapé par l’actualité. Plus précisément par ce qu’il est convenu d’appeler « l’affaire Lambert« .
En référence à Vincent Lambert, maintenu en alimentation artificielle depuis son accident de la route survenu en 2008.
Amédée nous raconte un autre Vincent. Vincent Humbert, accidenté lui aussi, qui réclama pendant des années « le droit de mourir ». Amédée incarne donc ces deux Vincent, pour nous parler du droit à l’euthanasie.

Il ne peut plus danser Amédée, ni s’abrutir de jeux vidéo, ni faire l’amour avec Julie, ni conduire très vite, ni chanter, ni rire. Il ne peut même plus en finir avec la vie, Amédée… C’est de cela que traite la pièce. Sans jamais prendre partie, l’auteur nous amène à réfléchir, à nous questionner sur un sujet tellement sensible.
La prouesse de Côme de Bellescize : raconter la paralysie, l’immobilité, le silence, la vacuité. En faire un spectacle tout en mouvements, ultra énergique et dynamique. Au travers notamment des combats entre Amédée et le personnage imaginaire de Clov – son désir ? son inconscient ? son « bon génie » ?
Et puis, Amédée n’est pas seul. Il est bien entouré. Sa mère, l’équipe médicale, son amoureuse, ses copains, les pompiers qui l’ont secouru : tous s’agitent et bruissent et dansent et rient et pleurent auprès de lui. Jusqu’au jour où…

Ce spectacle que le talentueux metteur en scène considère comme « le coup d’envoi » de son parcours mérite amplement le bouche à oreille sur Avignon. Tout est réuni pour un grand moment de théâtre. Un sujet « qui dérange », une écriture sensible et moderne, une mise en scène brillante et énergique, une brillante pléiade de comédiens – Eric Charlier, Eléonore et Vincent Joncquez, Teddi Melis, Chantal Trichet et Benjamin Wangermée. C’est pour découvrir et vivre des moments de grâce comme celui-ci que je vais au théâtre. Pour citer Ariane Mnouchkine : « Du beau, du vrai théâtre, c’est beaucoup plus rare qu’on ne le dit ». Alors, très sincèrement, merci cher Côme de Bellescize, et vivement votre « coup d’Eugénie » !…

Bonne nouvelle : Amédée part en tournée, surfant sur la vague du succès d’Avignon.

1 – Ne vous laissez pas impressionner par le thème qui peut rebuter.
2 – Pénétrez dans l’univers mi-réalité, mi-imaginaire proposé par un jeune auteur metteur en scène avec lesquels il faudra désormais compter.
3 – Et découvrez ou redécouvrez une formidable troupe de comédiens, énergique, homogène, habitée.

INTERVIEW

 

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Trois ruptures disséquées au scalpel

Trois Ruptures : spectacle vu à Avignon le 12 juillet 2015
Au Théâtre des Halles jusqu’au 26 juillet 2015 à 22h30
Une pièce de Rémi de Vos mise en scène par Othello Vilgard

© Othello Vilgard

Pour faire vivre ce texte tranchant de Rémi de Vos, Othello Vilgard n’hésite pas à nous installer dans la posture du scientifique…

Elle lui reproche de lui préférer sa chienne. Il lui avoue son amour fou pour un pompier. Ils ne supportent plus leur progéniture.
Trois points de départ. Trois fins d’histoires d’amour. Trois ruptures. Disséquées devant nous. Façon laboratoire.
Car le metteur en scène prend le parti de nous exposer ces couples au bord de l’implosion. De les « mettre sous cloche ». Nous installant dans la posture d’un chercheur, d’un scientifique qui étudierait les différentes étapes de toute rupture.
Cette scénographie nous surprend, nous gêne, nous met parfois mal à l’aise.
Mais un texte aussi cru, aussi tranchant, un texte au scalpel, valait bien un bocal de 3 mètres sur 5.
De même qu’il méritait deux formidables interprètes. Johanna Nizard et Pierre-Alain Chapuis sont magistraux, saisissants de justesse. Ils nous émeuvent, nous arrachent des rires nerveux, nous terrorisent, nous interrogent.
Pour un peu, on se croirait derrière une vitre sans tain, à épier deux dangereux meurtriers en puissance. A moins que cette vitre ne soit le reflet de nos propres questionnements et agissements…

Merci à la Compagnie Rémi de Vos pour ce spectacle quasi « chirurgical » :

1 – Un texte percutant, sans fioriture, un texte qui met en exergue la cruauté et la bassesse humaine.
2 –  Une scénographie au scalpel, mitonnée avec soin par le talentueux Othello Vilgard.
3 –  Deux comédiens prodigieux, qui parviennent à traverser le quatrième mur, aussi vitré soit-il…

 

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Souterrain Blues ou la saisissante rencontre entre Yann Collette et Peter Handke

Souterrain Blues : spectacle vu à Avignon le 11 juillet 2015
Reprise au Studio Hébertot du 15 septembre au 29 novembre 2015
Une pièce de Peter Handke mise en scène par Xavier Bazin

© Gala Collette

Au détour d’une ruelle d’Avignon, il est possible ces jours-ci d’emprunter une rame de métro, et d’embarquer pour un voyage initiatique façon misanthrope 

Je patiente dans la file, déjà contente d’avoir ma place pour un spectacle dont la liste d’attente s’allonge de jour en jour.
Je pénètre dans la Condition des Soies. Lieu chargé d’histoire. L’une des plus anciennes salles de spectacle d’Avignon. Un théâtre aussi fascinant que son nom laisse à espérer.
Je m’installe, premier rang, mon préféré. Je ne le vois pas tout de suite, intriguée que je suis par cet immense miroir qui nous reflète, moi et mes compagnons de voyage…
Tout à coup, je lève la tête et je l’aperçois. Il nous espionne depuis un moment, le bougre! A peine repéré, il dégringole de son refuge et débute sa harangue. Une harangue en vingt stations. Ah oui, j’oubliais : il existe un passage secret entre cette fameuse Condition des Soies et une rame de métro anonyme. Me voici donc avec mes camarades d’infortune, prête à me faire invectiver une heure durant. Et bien figurez-vous que j’aime ça, me faire insulter, critiquer, houspiller, moquer, rudoyer, harceler, engueuler! Suis-je dans un « rapport sado-maso » avec ce forcené qui me prend à partie? Ai-je la tentation de rétorquer, de me défendre, de lui clouer le bec, de lui en coller une?… Absolument pas! A aucun moment je ne me sens agressée par ses paroles, aussi rudes soient-elles. Pourquoi? Simplement parce que ces mots résonnent en moi de façon tellement juste. Je les ai prononcés si souvent moi-même, intérieurement, sans jamais oser hausser le ton. Sans faire l’effort d’être entendue. Sans avoir son courage à lui, le désespéré, qui me toise de son oeil – ô combien unique!

Car cet enragé au verbe fou qui me malmène avec tant d’empathie a eu la bonne idée de se glisser dans la peau du formidable Yann Collette. Quel comédien! Communiquer toute cette humanité en si peu de temps, si peu d’espace. Transcender à ce point un texte aussi efficace, incisif et superbe. Bravo Peter Handke, bravo Yann Collette, bravo Xavier Bazin. Merci d’avoir touché du doigt mon côté misanthrope, je ne prendrai plus jamais le métro comme avant…

Ne ratez surtout pas le prochain arrêt de cette rame si spéciale. Ce spectacle est tout simplement une sensationnelle déclaration d’amour…

1 – Le texte de Peter Handke est à la fois poétique, drôle, touchant, vindicatif et nostalgique.
2 – Xavier Bazin s’empare du texte de façon physique, quasi charnelle, à l’opposé du cérébral et du conceptuel.
3 –  Et l’incarnation de ce texte n’aurait pu tomber plus pertinemment que sur ce formidable comédien qu’est Yann Collette.

 

INTERVIEW

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Innocence de Dea Loher au Français

Une mise en scène pas si innocente que cela…

Spectacle vu à la Comédie-Française le 23 avril 2015
A l’affiche de la Salle Richelieu jusqu’au 1er juillet 2015 
Une pièce de Dea Loher
Mise en scène par Denis Marleau

© Christophe Raynaud de Lage

Le metteur en scène Denis Marleau n’a pas facilité la tâche des comédiens du Français…ni celle des spectateurs !…

 

Fidèle de la Comédie-Française depuis des années et des années, je suis toujours curieuse des nouvelles entrées au répertoire. Car s’il est vrai que la vocation de ce lieu est de revisiter nos auteurs classiques, il nous fait parfois découvrir des auteurs contemporains.
Ce texte, Innocence de Dea Loher accueilli avec un énorme enthousiasme par le Bureau des Lecteurs l’avait consacrée première auteure de langue allemande à entrer de son vivant au répertoire de la Comédie-Française.

Jeudi dernier, je m’installe donc dans une salle Richelieu seulement aux trois-quarts pleine – fait assez rare pour être souligné. La pièce qui se joue depuis fin mars est loin de faire l’unanimité, on peut même parler de semi-échec, malgré quelques critiques bienveillantes. Armelle Héliot évoque notamment une pièce « qui exige beaucoup du spectateur ». Elle n’a pas tort. Il faut « s’accrocher pour accrocher ». Pour ne pas décrocher, et se retrouver totalement perdu…

Plutôt en forme ce soir-là, je me suis donc accrochée et j’ai trouvé le texte intéressant. Le but de l’auteur est de nous faire réfléchir à la responsabilité individuelle et collective. Au travers d’une douzaine de personnages qui composent une vingtaine de tableaux successifs. On y croise deux immigrés clandestins, une femme errante, des parents bouleversés par l’assassinat de leur fille, une jeune femme aveugle, une ancienne communiste diabétique, sa fille et son gendre, un jeune médecin, un candidat au suicide, une philosophe…

Pourquoi cela ne fonctionne-t-il pas ? Pourquoi n’ai-je été à aucun moment émue par ce spectacle ? Pourquoi ai-je le sentiment qu’il ne m’en restera pas grand-chose dans quelques semaines ? La faute à qui ?
Sans doute pas à l’auteure : j’ai plutôt envie de relire le texte à tête reposée. Certainement pas aux comédiens : toujours aussi talentueux, ils sont formidables, on ne le dira jamais assez. Au metteur en scène, évidemment ! Quelle idée d’avoir emprisonné les douze personnages sur le plateau du début à la fin. D’avoir « cassé » le rythme de cet enchaînement de tableaux pour proposer une immense fresque incompréhensible. Pauvres comédiens ! On a mal pour eux, on sent qu’ils ne prennent aucun plaisir à jouer, et ce malaise est communicatif.

Si vous souhaitez découvrir un nouvel auteur, prenez-vos places à la Comédie-Française : peu de chance que la pièce y soit reprise la saison prochaine !

 

Des gens bien, avec Miou-Miou

Des gens bien : le prototype même du spectacle « sympatoche »

Spectacle vu au Théâtre Hébertot le 22 avril 2015
A l’affiche jusqu’au 31 mai 2015 à Paris, puis en tournée 
Adaptation française par Gérald Aubert de « Good People », la pièce de David Lindsay-Abaire
Mise en scène : Anne Bourgeois

Une distribution sans faute, une Miou-Miou que l’on a plaisir à retrouver sur scène, une pièce plus qu’honorable : pas de quoi bouder son plaisir. 

J’avais lu beaucoup de très bonnes critiques sur ce spectacle à l’affiche du théâtre Hébertot depuis trois mois. Cela me semblait même un peu « suspect » : se serait-on risquer à « descendre en flèche » le retour de Miou-Miou au théâtre ?… Alors je suis allée me faire mon idée.

Nous sommes dans la banlieue de Boston – celle des gens bien dont parle la pièce : ils y habitent depuis leur naissance. Ces gens bien : ce sont Margie incarnée par Miou-Miou et ses amies d’enfance. Sans compagnon, sans boulot, sans argent, elles se serrent les coudes et tentent de survivre.

Et puis un jour, Margie croise la route d’un ancien amoureux. Lui aussi habitait les quartiers pauvres, lui aussi a connu une enfance difficile. Mais il est devenu médecin, a épousé une diplômée de Harvard et s’est installé dans une superbe maison des quartiers chics de la ville. Que va-t-il ressortir de ces retrouvailles ?

Miou-Miou est touchante dans ce rôle de « mère courage », tellement crédible qu’on a envie de la serrer dans ses bras. Ses partenaires sont très justes également. Mention spéciale à Brigitte Catillon, irrésistible en grande gueule sans concession. La mise en scène d’Anne Bourgeois n’est pas révolutionnaire mais très efficace.
Malgré quelques longueurs, voici donc un spectacle « sympatoche ». Selon l’expression favorite de Pierre Murat au Masque et la Plume. Sympatoche n’est pas péjoratif. Sympatoche comme un spectacle tout à fait honorable. Sympatoche pour signifier : qui ne se prend pas au sérieux. Sympatoche comme un succès qui continue d’attirer les foules, et c’est tant mieux !

Il vous reste un petit mois pour aller applaudir Miou-Miou et ses partenaires au Théâtre Hébertot. Et pour les provinciaux, la tournée se prépare…

1 – La pièce qui fut un gros succès à Broadway offre une réflexion cynique sur la condition humaine.
2 – Brigitte Catillon est tellement drôle : chacune de ses apparitions est un bonheur pour le spectateur.
3 – Miou-Miou est une comédienne qu’on a plaisir à retrouver dans ce rôle d’une « fille bien » : je lui prédis le Molière de la meilleure comédienne demain soir !…

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Orlando ou l’impatience

A la manière d’un conte pour enfants

Spectacle vu à sa création au Festival d’Avignon en juillet 2014
Actuellement en tournée, du 8 au 18 avril au Théâtre de la Ville
Auteur et metteur en scène : Olivier Py

© Christophe Raynaud de Lage

Dans cette nouvelle création d’Olivier Py, on s’amuse à chercher les différentes clés et on retrouve son âme d’enfant…

D’Olivier Py, je n’avais vu que ses pièces pour enfants inspirées des Frères Grimm. Notamment « La Vraie Fiancée » ou « La Jeune fille, le Diable et le Moulin ». J’avais été emballée, mes enfants aussi. L’été dernier j’ai découvert à la FabricA sa toute dernière création, « Orlando ou l’impatience », création dont la tournée passe actuellement par le Théâtre de la Ville.

Que me reste-t-il de ce spectacle, 9 mois plus tard ? Le « pitch » d’abord, assez simple, comme le sont les contes pour enfants. La mère d’Orlando lui donne des pistes pour trouver son père. Autant de pistes que de pères possibles. Une piste par acte. Chacune de ces pistes, chacun de ces pères possibles est aussi un théâtre et une philosophie de vie. Il me reste de cette quête de 3h30 des souvenirs épars et plutôt agréables.

Je me souviens des décors impressionnants sur l’immense plateau de ce nouveau lieu d’Avignon qu’est la FabricA.
Je me souviens d’un Jean-Damien Barbin irrésistible dans tous ses personnages : professeur de diction fou, directeur de cabinet fou, apnéiste fou, 
ostéopathe fou, affirmatologue fou, troueur fou, milliardaire fou et théâtreux fou.
Je me souviens de quelques scènes graveleuses, car il y en a toujours chez Olivier Py.
Je me souviens d’une Mireille Herbstmeyer magistrale dans le rôle de la grande actrice qu’est la mère d’Orlando.

Je me souviens de cet éternel recommencement, à chaque début d’acte.
Je me souviens d’avoir eu l’impression de plonger dans une sorte de conte pour enfants.
A la manière de Hansel et Gretel qui partent à la recherche de leurs parents.
A la manière de Peau d’Ane dont les robes changent de couleur, tout comme les costumes de la mère d’Orlando.
A la manière, surtout, des histoires les plus magiques : celles qui vous marquent, celles que vous gardez en mémoire, comme les légendes de votre enfance.

Amateurs d’Olivier Py, vous serez sans doute touchés par sa nouvelle création 

1 – Vous y retrouverez une partie de sa tribu de comédiens, notamment les excellents Mireille Herbstermeyer  et Jean-Damien Barbin.
2 – Vous ne pourrez vous empêcher de chercher les multiples clés et références glissées dans ce spectacle.
3 – Vous y retrouverez votre âme d’enfant, car Olivier Py a fabriqué ici son propre conte.

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Toujours la Tempête

Des origines de Peter Handke…

Vu le 2 avril 2015 aux Ateliers Berthier – Odéon Théâtre de l’Europe
Actuellement en tournée, jusqu’au 26 septembre 2015
Mise en scène : Alain Françon

© Michel Cobra

Dans ce spectacle hypnotique, il est question de langue, de pays de naissance, de mémoire collective et finalement de la place de chacun sur Terre…

Qui est Peter Handke ? D’où vient-il ? Quelle est son histoire ? Son spectacle « Toujours la Tempête » écrit en 2012 répond en partie à ces questions. A travers l’histoire de son héros, qui n’est autre que Peter Handke lui-même. Le personnage incarné par un Laurent Stocker éblouissant ne s’appelle-t-il pas « Moi »?… Moi est né Slovène. Il est né à l’aube de l’une des périodes les plus sombres de l’histoire de ce pays. Celle de la seconde guerre mondiale, qui vit des milliers de Slovènes de Carinthie encerclés par l’Allemagne ennemie. C’est en grande partie de cela qu’il est question dans ce spectacle : de l’appartenance à une patrie. On y parle beaucoup de langue commune, de place, de territoire, de références, de mémoire collective… Comment ne pas entendre la résonance de ce texte avec l’actualité qui nous entoure ?

Laurent Stocker est prodigieux, magistral de retenue, définitivement un immense comédien. Alain Françon lui a offert une famille exceptionnelle : Pierre-Félix Gravière et Stanislas Stanic sont ses frères, Nada Strancar et Wladimir Yordanoff ses grands-parents, Dominique Valadié sa tante « Snezena » et Gilles Privat son oncle « Jonathan ». Et puis, surtout, il y a Dominique Reymond qui interprète sa mère. Cette comédienne est tellement douée que j’ai ressenti une légère frustration de ne pas la voir réapparaître dans la seconde partie du spectacle!

Ce sentiment de frustration, je l’ai éprouvé aussi au moment des saluts. Tous les spectateurs l’ont éprouvé, lorsque la lumière s’est rallumée, donnant le signal de vider les lieux. Eh oui, nous étions frustrés! Frustrés dans notre élan d’applaudissements, frustrés de n’avoir pas assez remercié les comédiens et le metteur en scène de cette incroyable mise en abyme.

Trois raisons de guetter le passage près de chez vous de la tournée de Toujours la Tempête 

1 – Pour le texte de Peter Handke, foisonnant, riche, dense, philosophique, et tellement contemporain.
2 – Pour la mise en scène tout en délicatesse d’Alain Françon, l’un des « maestro » français.
3 – Pour Laurent Stocker – l’un de mes chouchous du Français!… – qui tient la scène de la première à la dernière note.

 

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Les larmes amères de Petra Von Kant

Beaucoup d’hystérie, très peu d’émotion…

Vu le 12 mars 2015
Actuellement au Théâtre de l’Oeuvre
Mise en scène : Thierry de Perretti

 

Copyright : Huma Rosentalski

 

Comment réduire une pièce sur une passion dévorante et destructrice à une banale histoire de sexe ? Thierry de Peretti y parvient à merveille, laissant le spectateur sur sa faim.

Je n’aurais probablement pas eu l’idée d’aller voir « Les larmes amères de Petra Von Kant » si je ne l’avais pas montée l’année dernière dans le cadre de mes activités « extra-professionnelles »…
Je la connais bien cette histoire entre Petra, créatrice de mode mondialement connue, et Karine, la jeune fille qu’elle décide de prendre sous son aile par amour. Un amour né d’un véritable coup de foudre. Un seul regard de Petra sur Karine suffit à la rendre totalement esclave de cette dernière. Je pense que c’est ce qu’a voulu raconter Fassbinder. C’est d’ailleurs ce que l’on voyait dans son film sorti en 1972.

De cette période seventies, Peretti a reproduit un décor et des costumes mi-kitsch, mi-hippies.
Mais du texte il n’a pas su tirer la « substantifique moelle ». Il est passé totalement à côté de ce coup de foudre dont je parlais. A côté de ce premier regard, celui qui vous fait battre le cœur, de la tête jusque dans l’estomac. Ce regard qui vous embarque dans une histoire d’amour à mort.
Le metteur en scène a préféré mettre le paquet sur quelques scènes sulfureuses entre Petra et Karine. Poussant le vice jusqu’à inclure Marlène dans une sorte de ménage à trois. Quelle erreur d’interprétation de la pièce! Car Marlène est aussi folle d’amour pour Petra que Petra est folle d’amour pour Karine.
Mais comme aucune émotion ne se dégage jamais, on ne croit ni à l’une ni à l’autre de ces deux histoires d’amour. Et cette fois-ci c’est nous, spectateurs, qui passons à côté…

Valéria Bruni Tedeschi campe une Petra totalement hystérique qui devient lassante à force de hurler durant les deux heures que dure la pièce. Aucune nuance dans son jeu -sans doute la faute du metteur en scène, une fois encore. Il la réduit à une quadra fumant, embrassant goulûment Karine, hurlant, vidant verre sur verre et bouteille sur bouteille… Elle se saoûle,  et le public avec…

Pour une fois, j’aurais du mal à vous donner trois raisons d’aller voir cette très mauvaise mise en scène  

 

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André

Dans la peau d’André Agassi

Vu pour la première fois à Avignon en juillet 2013
Au Rond-Point / Carreau du Temple jusqu’au 20 mars 2015
Un projet de Marie Rémond

 

 

« Quand une talentueuse auteure, metteuse en scène et interprète se glisse dans la peau de l’un des plus grands joueurs de tennis de tous les temps… »

Petit conseil à mes amis lecteurs qui n’auraient pas encore vu André et qui ne connaîtraient rien au sujet de la pièce : vous en avez déjà trop lu!
Courez voir ce spectacle au Carreau du Temple à Paris, ou en tournée, avant de reprendre votre lecture…
Car si « l’effet de surprise » est plus ou moins marquant selon les spectacles, il est ici presque essentiel.

J’espère donc m’adresser à vous, lecteurs qui avez eu comme moi la chance d’assister à ce projet assez hors du commun. Un projet né dans la tête de Marie Remond. Marie Remond qui en plus d’être une formidable comédienne a une très jolie plume. Elle a aussi deux camarades de promotion du Théâtre National de Strasbourg : Sébastien Pouderoux (désormais pensionnaire à la Comédie-Française) et Clément Bresson. Sur une idée de Marie, tous trois ont travaillé « au plateau » pour créer « leur propre « André », empreint de leurs sensibilités, de leur humour, de leurs interrogations ».

Qui est ce fameux André? André Agassi, surnommé « le Kid de Las Vegas » l’un des joueurs les plus talentueux de sa génération. Vous le connaissez tous, vous gardez sans doute en mémoire ses coups droits, son revers à deux mains, sa coupe de cheveux, ses shorts bariolés, son mariage ultra-médiatisé avec Brook Shields…

André, c’est aussi… Marie Rémond. Elle est juste… dingue! Du haut de son mètre soixante, elle parvient à se glisser dans le costume et sous la perruque d’Agassi avec une aisance inouïe. Et surtout : elle nous communique le mal-être de ce champion mondial de tennis qui détestait par-dessus tout…le tennis.

Pour donner la réplique à Marie et incarner aussi bien le père, le frère, le coach, la fiancée, la femme d’Agassi : deux comédiens ont remplacé les camarades de promo de Marie Rémond. Jamais simple de reprendre un rôle qui a été créé « sur mesure ». Christophe Garcia et Laurent Ménoret s’en sortent à merveille.

André : après le Carreau du Temple, une dernière mini tournée et puis c’est fini? Quel dommage!…

1 – Si vous ne savez pas encore à quel point André Agassi a souffert d’être l’un des plus grands joueurs de tennis de tous les temps…
2 – Marie Remond est une artiste accomplie, aussi douée de sa plume que sur une scène de théâtre.
3 – Parce que « les gens qui doutent » sont toujours plus fascinants, émouvants, attachants…

 

INTERVIEW


Cliquer pour consulter l’interview de Marie Rémond par Nelson Monfort

 

 

Mangez-le si vous voulez…

Inspiré de faits réels

Vu pour la première fois à Avignon en 2013
Mise en scène : Clotilde Morgièvre et Jean-Christophe Dollé – Compagnie Fouic Théâtre

 

Copyright : Gérard Flandrin

« Quand la talentueuse compagnie des “Fouic” met en scène le roman de Jean Teulé, cela donne un spectacle ultra rock à déguster sans modération… »

Mieux vaut prévenir : ce spectacle est de ceux qui dérangent, qui mettent mal à l’aise.
De ceux qui questionnent sur l’humanité. Ou plutôt sur la part d’inhumanité qui sommeille en chacun de nous…

En juillet 2013, je découvre “Mangez-le…” à Avignon, dans une salle minuscule qui affiche très vite complet, bouche-à-oreille oblige…
Je suis “scotchée”, tous mes sens en émoi. A la fois écoeurée et ravie de voir ces comédiens repousser les limites de l’ignominie.

Pour ceux qui n’ont jamais entendu parler de ce spectacle, malgré le buzz de l’année dernière, petite séance de rattrapage…
Le titre de la pièce “Mangez-le si vous voulez” est la réplique qui fait tout basculer. Car “le” n’est ni un steack, ni un éclair au chocolat.
“Le”, c’est “lui” : Alain de Moneÿs, aristocrate d’une trentaine d’années dont la seule erreur fut de se trouver sur une foire de paysans un jour de 1870.

La pièce est tirée du roman de Jean Teulé, lui-même inspiré du fait divers de Hautefaye.
Fait divers, drame criminel, “affaire” : autant de termes qui recouvrent une réalité. Celle d’un notable de province que ses voisins et amis ont lynché, torturé, immolé par le feu…pour finalement le dévorer.

Comment mettre en scène un tel supplice? Rendre compte de la bêtise humaine ? Raconter en une heure trente cette folle journée de 1870?
Les Fouic ont relevé le défi. Ils n’ont pas lésiné sur les effets de mise en scène. Offrant notamment un rôle en or à une cuisine en formica très « fifties » ainsi qu’à deux musiciens électro.

Pascal Guillaume -de la société de production Ki m’aime me suive – avait repéré cette pépite à Avignon. Il lui a offert “une seconde vie” dans son théâtre parisien, le Tristan Bernard, entre janvier et avril 2014.
Ce qui a contribué à lancer la tournée actuelle et m’a accessoirement permis d’en reprendre une bouchée!…

Trois raisons de ne pas louper le spectacle « Mangez-le si vous voulez » lorsque la tournée passera près de chez vous

1 – Pour le talent de mise en scène et d‘interprétation de Jean-Christophe Dollé et Clotilde Morgièvre. Pour leur audace, surtout – ils osent repousser les limites jusqu’à l’insoutenable …
2 – Pour les deux musiciens à qui l’on doit le côté “rock&drôle” de ce spectacle-réalité.
3 –Pour réfléchir sur notre propre part de folie, car le “drame de Hautefaye” n’est hélas qu’une illustration de cette “bascule” qui peut s’opérer en chacun de nous.

INTERVIEW

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