1. Dominique Blanc irradie d’une “humanité bouleversante” dans un Testament de Marie diversement perçu :

– “Dominique Blanc incarne Marie avec une sublime vérité et bouleverse le public. Sobriété, humanité, délicatesse : Deborah Warner a réussi le spectacle parfait. Dans un décor stylisé, Dominique Blanc porte toute la douleur de la mère qui a perdu son enfant et se retrouve dépossédée de son amour. Le regard triste, ardent, elle paraît si proche, si humaine, tout en assumant la dignité et la grâce de l’icône. Marie rendue à la terre, aux hommes et à l’effroi du monde : tel est le sens de ce spectacle fulgurant, qui ne cherche pas à choquer les croyants, mais rend simplement son humanité à la femme qui fut au coeur d’un des plus grands mystères de tous les temps.” – Les Echos

– “Loin de la Vierge iconique et dématérialisée, Dominique Blanc donne à ce corps “fait de souvenirs autant que de sang et d’os” une réalité concrète. Profonde et subtile, faisant passer tous les sentiments, émotions et blessures, dans sa variété de jeu, de la révolte à la douleur, elle interroge l’humanité.” – Le Journal du dimanche

– “On suit Marie dans son récit très personnel de l’engrenage fatal qui a mené son fils vers la mort. Dans sa bouche, tout est à la fois familier et très différent. Dominique Blanc fait de Marie un personnage infiniment vivant, proche de nous dans son indignation et son chagrin. Bien que profane, le texte de Colm Toibin n’attente nullement au sentiment religieux. Mais elle ouvre au public des strates vertigineuses de réflexion, sur la religion, la fabrication de l’Histoire, le rôle muet dévolu aux femmes, les soubresauts contemporains. Tout, de la mise en scène au jeu virtuose de Dominique Blanc, concourt à en faire une pièce rare.” – Le Point

– “Marie, c’est Dominique Blanc. Mater dolorosa profane, d’une profondeur, d’une humanité bouleversante. Un jeu d’une grande subtilité, d’une grande profondeur. Deborah Warner signe une mise en scène se jouant de l’iconographie traditionnelle qu’elle détourne avec humour. Elle désacralise sans état d’âme ce qui de loin ou de près participe de la fabrication de l’Histoire officielle, se concentre sur la parole de Marie. C’est cela qui est mis en scène avec un juste dépouillement qui n’est pas austérité. Et ça, cette fable, ce stabat mater, c’est aussi l’histoire contemporaine qui se rappelle à vous sans crier gare.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Une mise en scène rythmée, sans effets spectaculaires, en prise directe avec le réel. Avec talent, Dominique Blanc porte ce monologue comme une partition, en délivrant les fractures palpables de cette mère déchirée avec vitalité, densité, et parfois des accents bouleversants. Une évocation de Marie, qui n’a pas pour but de stigmatiser les croyances, mais de faire entendre la profonde humanité d’une femme.” – Webthéâtre

– “Colm Toíbín a-t-il voulu associer dans ce monologue de 2011 l’image du Christ aux actuels terroristes ? Faire de Marie, leur mère symbolique à tous ? Si assimiler Jésus aux terroristes est absurde, la pièce provoque habilement. Deborah Warner en fait un show surdimensionné. Forcée à d’inutiles virtuosités, Dominique Blanc se défend.” – Télérama Sortir

– “La nouvelle dont est adaptée la pièce aurait fait scandale il y a cent ans. Aujourd’hui la subversion chatouille tout juste… Si le texte vaut, c’est plutôt pour ses accents terriens, son incarnation dans les détails du quotidien… Ce que la pièce décrit, c’est une rivalité de voix : celles des apôtres, qui souhaitent un récit d’évidences propre à enflammer la croyance, et celle d’une femme en colère, qui n’a vu dans la passion de son fils que «la pire espèce de catastrophe». Seule en scène du début à la fin, Dominique Blanc lui donne très charnellement corps, avec ses grands yeux interloqués et son pas décidé, occupant sans mal tout l’espace. Hélas, la mise en scène, très démonstrative décalque les tableaux connus jusqu’à tourner à vide. Deborah Warner fait très bien appel à l’émotion des spectateurs, mais sollicite un peu moins leur intelligence.” – Libération

– “Pas de quoi troubler. Encore moins choquer. A priori ce monologue de Colm Toibin a de quoi séduire. Détaché des discours officiels, il invite à un autre regard… Las. Le charme s’épuise vite sous l’effet de trop de lourdeurs et raccourcis faciles. Privé d’un minimum de hauteur et de distance, le texte vire à l’anecdote. Un sentiment renforcé par les effets appuyés de la mise en scène et de la direction d’acteur. Loin d’un jeu en épure qu’elle maîtrise à la perfection, Dominique Blanc s’agite, s’exténuant et exténuant le spectateur dans une vaine course au quotidien. Sans doute, laisse-t-elle, par instants, affleurer une humanité vraie. Trop peu pour convaincre.” – La Croix

– “Dans une scénographie somptueuse, Dominique Blanc, débit précis et clair, restitue chaque seconde [de cette histoire mythique], avec le calme et la gravité qui lui sont propres. Marie, simple femme qui n’a rien compris à cette révolution mystique, nous interpelle frontalement par le témoignage de sa propre histoire. On peut être très touché par ce texte iconoclaste, qui pulvérise le mythe de Marie et de Jésus par une relecture terriblement actuelle. On peut aussi s’interroger sur l’intérêt de cette narration qui revisite les moments clés de la crucifixion, sans susciter pour autant chez nous plus de surprise ni d’émotion. Sauf à admirer une grande comédienne.” – Artistik Rezo

1. Au Théâtre 13, Les Peintres au charbon, un conte humaniste mis en scène et interprété avec une belle énergie :

– “Un beau conte populaire à la Ken Loach. Dommage que la traduction de Fabrice Melquiot soit si littéraire : on aurait aimé ressentir mieux et plus fort le verbe des mineurs. Reste la mise en scène inventive du jeune Marc Delva — espace bifrontal, tableau-vidéo, toiles transparentes ou blanches… Il place le public au coeur de ce beau conte populaire que les acteurs incarnent avec fièvre.” – Télérama

– “Une scénographie certes contraignante mais efficace, qui renforce encore l’aspect humaniste du propos. La pièce sait jouer habilement de la corde humoristique sans jamais tomber dans l’outrance ou la caricature. La longue marche vers l’appropriation du geste artistique est nullement décrite comme un chemin bordé de roses. On perçoit au contraire toute la difficulté de la chose, les retours en arrière durables ou non, les frustrations possibles. Mais on voit surtout l’immense ressource créatrice dissimulée au sein de chaque homme pour des raisons tenant plus à la réalité sociale qu’à l’héritage génétique. Le spectacle est bien mené, sans faiblesse ni relâchement. À la fin du spectacle, les mineurs chanteront Working class hero, de John Lennon, hymne de circonstance saluant une épopée humaine qui fait chaud au cœur.” – Marianne

– “Dans une mise en scène dynamique de Marc Delva, en un temps resserré qui nous embarque sur la dizaine d’années qui vit émerger le mouvement pictural du Ashington Group – groupe de mineurs artistes du milieu du XXe siècle -, les Peintres au charbon réveille le spectateur en lui rappelant que, au-delà de l’accès à l’Art avec un grand A, la colère et l’injustice doivent servir d’outil. Car c’est bien la colère qui pousse ces mineurs à peindre, à s’exprimer, à témoigner. Un moment plus qu’à propos, tenu par une jeune équipe prometteuse.” – La Vie

– “Le sujet, toujours d’actualité, est intéressant, mais la pièce est longue. Les acteurs surjouent inutilement pour interpréter le prolo d’époque. Le spectacle est plaisant, mais demanderait à être resserré sur les rapports entre les mineurs et l’art.” – Télérama Sortir

– “C’est une équipe jeune qui s’attaque à cette formidable pièce de l’auteur de “Face de cuillère” ou “La Cuisine d’Elvis”. La plupart n’ont pas l’âge des rôles mais qu’importe. Ils sont tous absolument crédibles en quelques minutes. On retient donc de ce spectacle le bel engagement et l’esprit “fraternel” qui y règne. Malgré des redondances dans le texte un poil bavard de Lee Hall (et c’est là son unique défaut), on ne lâche pas ces attachants comédiens qui défendent avec fougue et talent sur plus de deux heures le destin extraordinaire de ces mineurs anglais dans ce portrait social et engagé. Une bien belle réussite.” – Froggy’s delight

– “Avec le spectacle du collectif La Cantine, l’on est au cœur de la mine : le sas d’entrée embaume la fumée ou le charbon. L’important est de donner à chaque personnage son caractère, sa différence. Les acteurs savent trouver la rudesse, le sens de l’affirmation, l’émotion sous la carapace, tandis que, dans le rôle du prof, Paul Emile Pêtre exprime à la fois le décalage culturel et la complicité. Les rôles de femmes sont particulièrement bien tenus. La troupe est jeune, manque parfois un peu de technique, mais elle porte l’oeuvre dans la sincérité et la vérité, avec pas mal d’imagination. L’implication de cette troupe a quelque chose de l’engagement dans lequel les mineurs d’Ahington se sont impliqués. D’où un fort sentiment d’authenticité, et une nervosité qui rend la soirée passionnante comme un feuilleton.” – Webthéâtre

@ Ch. Vootz

1. Un voyage poignant dans la mémoire, avec Votre Maman, de Grumberg, emporté par une Catherine Hiegel remarquable :

– “La pièce est brève, mais elle dit beaucoup. Mise en scène avec justesse, elle commence sur le mode comique grinçant, puis, dans les dernières scènes, on est plongé dans la tragédie de la mémoire qui s’étiole, de la disparition physique et mentale des derniers témoins de la Shoah. Catherine Hiegel est remarquable dans ce rôle ardu. Sans pathos, avec grâce, presque légèreté, elle incarne la fin de vie brouillée d’une femme qui a beaucoup aimé, beaucoup souffert… morte juste avant d’avoir tout oublié. Le dernier échange entre le fils et sa mère nous laisse la gorge serrée.” – Les Echos

– “La maman en question n’a plus toute sa tête, mais garde de la répartie. Campée par la formidable Catherine Hiegel, elle ne s’en laisse pas conter… On rit à ses frasques, avant que le sourire ne se fige, au fur et à mesure que la pièce file vers son sujet glaçant : les souvenirs épars de la Shoah qui remontent à la surface dans la mémoire trouée de la mère. Vieille dame indigne, rebelle et fragile, Catherine Hiegel est bouleversante dans le rôle de la mère. Une pièce brève et forte.” – Le Parisien

– “Jean-Claude Grumberg sait dire sans raconter. Dans Votre maman, comme dans ses autres pièces sur le sujet, le passé est là, présent et indicible. … En un instant, [Catherine Hiegel] impose une présence, un personnage, une vie. L’une de nos plus grandes actrices.” – Le Monde

– “Un spectacle attachant dont la loufoquerie fait fonction de masque pudique, servi par la mise en scène de Charles Tordjman, sobre et parfaitement accordée au rythme du texte et par des comédiens de grand talent. Catherine Hiegel est parfaite dans le rôle de la vieille dame. Le fils est interprété par Bruno Putzulu, très touchant ; il exprime avec justesse le désarroi et la solitude de son personnage… Cette nouvelle collaboration entre Grumberg et Tordjman confirme les affinités électives entre ces artistes qui ont l’art de traiter avec légèreté et grâce les sujets les plus graves.” – Webtheatre

– “On retrouve l’humour noir de l’auteur servi par des comédiens talentueux et attachants. Bruno Putzulu, ancien pensionnaire de la Comédie-Française, retrouve son ancienne doyenne et circule entre eux une tendresse communicative. Le public rit beaucoup jusqu’au final où les gorges se serrent. Grumberg continue ici son travail sur le devoir de mémoire, tellement nécessaire.” – Toute la culture

– “Une pièce toute en finesse. Catherine Hiegel et Bruno Putzulu forment un duo mère-fils des plus touchants. Jean-Claude Grumberg, par petites touches délicates et pudiques, drôles et virant à l’absurde, crée une atmosphère toute en vulnérabilité… L’auteur une nouvelle fois écrit sur la thématique qui tisse histoire et intimité, hantise et légèreté, brouillant le temps et l’espace. La mise en scène souligne au plus près les contours de cet univers, qui laisse affleurer l’émotion à travers l’humour et la subtilité. La rencontre entre Catherine Hiegel, d’une finesse sans pathos, et Bruno Putzulu, qui rayonne de tendresse, bouleverse le public.” – Artistik Rezo
 

@ Danica Bijeljac

2. Maïa Sandoz monte avec vivacité L’Abattage rituel de Gorge Mastromas, une comédie grinçante et actuelle :

(à noter, actuellement, par Chloé Dabert, une autre mise en scène du même texte se joue au Rond-Point)

– “Dennis Kelly est un esprit féroce qui met face aux réalités du moment. Maïa Sandoz met en scène avec malice. Aurélie Vérillon, fine et vive, est éblouissante. Adèle Haenel, qui aime travailler avec Maïa Sandoz, est, elle aussi, excellente, avec ce mélange de gravité et d’humour qu’elle distille avec délicatesse. Leurs camarades, unis et très personnels, servent avec vivacité le propos. Aussi noire soit l’inspiration de Dennis Kelly, le spectacle ne pèse pas. Il est souvent très drôle. On rit franchement. Maïa Sandoz a le sens des mouvements, des accélérations, des transformations rapides des images. Du théâtre libre, joyeux, enjoué qui repose sur une liberté bien tempérée.” – Figaroscope

– “Dennis Kelly sait l’art d’éveiller aux turpitudes et au cynisme politique, économique de notre société libérale pas si avancée, qui pervertit volontiers l’individu. Maïa Sandoz a monté musicalement le texte à la structure éclatée, où le temps n’existe plus, où la forme labyrinthique reste énigmatique. Elle a opté pour un chœur d’acteurs, où les voix plurielles racontent, comme dans un kafkaïen procès, ce drôle de personnage tragique… Les acteurs jouent collectif et bien. On ne peut s’empêcher d’aimer particulièrement Adèle Haenel, farouche et rebelle.” – Télérama Sortir

– “Cette pièce permet de voyager à l’intérieur de l’incarnation et de la mise à distance, offrant une grande richesse de déploiement aux interprètes.”
entretien avec Maïa Sandoz– La Terrasse

– “La personnalité polymorphe de George est distribuée entre six acteurs, comme un chœur antique, qui font tourner la parole de sa biographie… Sur un plateau tournant, tel un ring, se déroulent des affrontements, professionnels, amoureux, familiaux… Abattage ? Oui, le sang coule, balafre les victimes, tache les mains. Indélébile. …le rire peut fuser, complice, amer, coupable de participer de cette mascarade généralisée qu’est notre société. Spectacle efficace, sans temps mort, d’une santé dérangeante propre à déciller les aveuglements contemporains.” – Spectacles Sélection

– “La forme est très jubilatoire pour les comédiens. Elle est chorale. Les comédiens, galvanisés, sont excellentissimes. Aurélie Vérillon, idéal Tanagra, possède une très forte présence et un sens des nuances, des passages, tout à fait impressionnant. Adèle Haenel que l’on avait vue déjà excellente, entre les mains de Maïa Sandoz, possède le charme et la fantaisie qui conviennent. Les garçons aussi sont tous engagés, audacieux, libres et rigoureux à la fois, tous. On rit beaucoup. La pièce est très allègre, mais répétons-le très cruelle. Un théâtre d’aujourd’hui dans le fond comme dans la forme. Rare, si rare !” – Le Grand Théâtre du Monde, Armelle Héliot
 
@ JL Fernandez

3. Stanislas Nordey met en scène au Rond-Point, Eric von Stroheim, de Christophe Pellet, trio troublant :

– “Stanislas Nordey magnifie l’audacieux poème érotique de Christophe Pellet. Cru, porté par un trio de feu, le spectacle bouscule et bouleverse. Le jeu puissamment distancé des comédiens décuple la force des mots. La pièce devient opéra des sens, porté par trois acteurs en apesanteur. Laurent Sauvage émeut dans la peau du « harder » fatigué. Thomas Gonzalez a l’allure d’un dieu grec, venu sur terre pour se frotter à la nature, à la vie. Emmanuelle Béart est sublime en maîtresse-femme blessée, mélange d’autorité, de tristesse et de sensualité. On ne sort pas indemne de ce court spectacle énigmatique et troublant.” – Les Echos

– “Portés par une mise en scène formidable, les trois comédiens rayonnent. La langue, démonstrative ou elliptique, fait toujours à elle seule spectacle. Comme dans le meilleur du grand répertoire. Pellet cherche. Nordey cherche. Ses acteurs cherchent. Et leur quête partagée rayonne. Tous trois ont choqué, troublé, fasciné, apaisé le public. Avec un lyrisme, une émotion qu’on n’avait encore jamais vus dans les spectacles de Stanislas Nordey, en pleine maîtrise d’un art électrique et fulgurant. Et ce lyrisme-là emporte et embrase.” – Télérama

– “Comme souvent dans le théâtre de Stanislas Nordey, il y a les mots, la densité de l’écriture. Pourtant, dans « Erich von Stroheim », c’est autre chose qui marque de son empreinte les enjeux de la représentation. C’est un corps. Le corps nu du jeune acteur Thomas Gonzalez. Il impose sa présence physique au sein d’une scénographie alliant dépouillement et monumentalité. On est loin, dans cette mise en scène d’une grande intelligence, des recettes éculées qui dévêtissent certains interprètes pour provoquer les rires ou mettre à mal les pudeurs. La nudité que convoque ici Stanislas Nordey est ample, exigeante, agissante. Stanislas Nordey trouve le point d’équilibre entre stylisation et corporalité. Son « Erich von Stroheim » regorge d’une puissance insolite.” – La Terrasse

– “La pièce est violente, âpre et audacieuse, elle dérange, taraude et questionne. Le propos est radical, le texte parfois cru. La mise en scène tendue de Stanislas Nordey renforce le poids des mots. Enchâssé, sinon écrasé par le décor spectaculaire qui s’ouvre et se referme comme un objectif, le texte accuse ses (quelques) fragilités mais le huis clos y résonne obstinément. Formidablement présente et engagée, Emmanuelle Béart incarne cette femme dominatrice avec une force magistrale face à ses deux valeureux partenaires.” – Le Journal du Dimanche

– “Stanislas Nordey cadre le désert sentimental de ce trio sexuel dans la démesure lyrique de deux immenses battants qui s’ouvrent et se ferment en n’embrassant que des espaces vides. Le strip-tease des âmes s’avère une voie sans issue, une fabrique de coquilles creuses, qui dénonce notre monde de la marchandisation… La désillusion est sans appel pour ceux qui osent tomber le masque. Romantiques s’abstenir.” – Les Inrocks

– “Une écriture incisive, âpre, violente, rythmée. Un poème noir, à l’humour féroce et à la langue fragmentée qui interroge en creux le monde d’aujourd’hui, la relation à l’autre, le désir et le travail. Il questionne aussi l’enfance fracassée et la perte d’innocence. Stanislas Nordey orchestre d’un geste sûr et puissant cette danse de mort dont la fureur des mots magnifiquement rendus, résonne de cette compromission impossible. Des corps qui habitent la langue et une langue qui percute le corps, telle est la partition que servent à merveille les trois comédiens dans un abandon aussi troublant que poignant. Bravo.” – Publik’Art

@Sébastien Normand

1. Un Ubu survolté aux Bouffes du Nord :

– “La farce potache d’Alfred Jarry peut paraître désuète, difficile à lire pour un théâtreux du XXIe siècle, et pourtant « Ubu » tient le coup… La saga de ce roi crétin, qui tue tout le monde, reste un manifeste « anar » et antitotalitaire efficace. Et surtout, elle constitue un formidable matériau de théâtre. Le jeu burlesque, sans temps mort, orchestré par un Olivier-Ubu survolté décuple l’humour farcesque. Les gags font mouche. Nos cinq musclés jouent la carte de l’absurde, de la gaudriole, du mauvais goût assumé, sans sombrer dans la grossièreté. Gesticulant et transpirant une heure durant, ces marionnettes nous ont bien divertis, en faisant un sort aux champions de la tyrannie.” – Les Echos

– “Les cabrioles de cette séance d’aérobic en folie, éclairent des répliques que l’on croirait taillées pour Trump et Madame. Quel homme cet Olivier [Martin-Salvan] ! Ce qui est le plus frappant, c’est sa légèreté. Il en joue, s’en joue.” – Figaroscope

– “Structure scénique légère, comédiens survoltés aux dégaines d’hurluberlus… Le metteur en scène Olivier Martin-Salvan adapte les pièces d’Alfred Jarry avec rage et drôlerie. Ce que la pièce peut avoir de théorique dans sa déstructuration affichée est renouvelé dans une forme joyeuse qui dégraisse et dynamise le texte. On rit face à ces comédiens aux dégaines d’hurluberlus, aux mimiques insensées, aux yeux terrorisés. On retrouve son effronterie enfantine. En s’amusant de la pièce, Oliver Martin-Salvan et sa bande lui ont rendu d’irrésistibles nerfs.” – Télérama

– “Comme dans un combat de boxe, tout va très vite et les coups fusent. Face à cette farce irréelle ayant le don de s’éterniser à grande vitesse, on se sent évidemment amusé, peut-être lourdement diverti mais, aussi, étrangement captivé, saisi de ne pouvoir s’empêcher de penser aux plus ubuesques des dirigeants actuels, à commencer par Donald Trump… A la fois tenue et défoulée, rigoureuse et déjantée dans sa forme, cette performance restera dans les annales des innombrables variantes offertes au mythique despote.” – Le Journal du dimanche

– “Avec cette farandole de corps hurlants et dégoulinants, les comédiens repoussent la limite du grivois, titillant la limite du supportable et réaffirmant la cruauté de ce personnage immonde. Emportés par leurs gémissements et les éclats de rire du public, on passe un moment des plus absurdes, et on applaudit la troupe pour son énergie et sa folie de rigueur.” – La Vie/span>

– “L’enjeu est de pouvoir représenter l’avidité guerrière du pouvoir dans son entêtement, dans cette tension entre grotesque et cruauté, entre farce potache et quête pulsionnelle et tragique. L’univers choisi permet de mettre en scène la méchanceté des jeux d’enfance – et Ubu est à maints égards un grand enfant -, la puissance des pulsions, le goût irrépressible du pouvoir et une forme d’abrutissement radical. Mais une fois passés l’effet de surprise et ses ressorts, ce qui prend le pas sur tout le reste, c’est la gesticulation et sa répétition lassante. La scène finale que l’on n’espère pas prophétique a beau avoir un certain style, l’exercice a ses limites et, au fil du spectacle, la métaphore perd de sa vigueur.” – La Terrasse

2. Au Théâtre du Rond-Point, Biopigs, spectacle farfelu, dont la folie vivifiante peut tourner à l’exercice de style ultra-référencé :

– “L’heure est au kitsch avec ce spectacle farfelu écrit par la folle compagnie du Zerep. La performance, haute en couleur, s’ouvre ainsi dans un déluge de costumes et de perruques face à une sorte d’immense sculpture représentant vaguement la silhouette dégoulinante de Jabba the Hut. Une performance survoltée.” – Time Out

– “Ils ne sont que trois pour faire défiler une galerie de personnages fantasques. A force de perruques et de pirouettes, ils réinventent — encore mieux que d’habitude — un art jouissif du clown pour dire que notre monde est une farce.” – Télérama Sortir

– “Spectacle sans queue ni tête comme sait en faire la compagnie du Zerep, Biopigs est tellement déroutant qu’il risque de vous perdre en route. Il y a des moments hilarants mais aussi des chorégraphies répétitives et beaucoup de passages où le sens de l’humour à la fois absurde et référencé de Xavier Perez et Sophie Boussiron perd le spectateur. Tout n’est pas réussi. Et la succession de saynètes instaure un rythme soutenu et une forme de zapping où la vitesse d’enchaînement fatigue quelque peu l’attention.” – La Terrasse

– “Une caricature un peu vaine. Rompus à la pratique du mauvais esprit, jusqu’au malaise, le duo d’agités formé par Sophie Perez et Xavier Boussiron depuis une quinzaine d’années officie au croisement du spectacle vivant et des arts plastiques. Sous des applaudissements mécaniques a lieu un déboulonnage en règle des vieilles lunes du théâtre contemporain, de Chéreau à Nordey, et d’un esprit de sérieux qui plombe parfois le répertoire comme l’institution. L’actualité récente l’a montré, notre besoin de caricature est inextinguible, tout comme la mise en perspective critique et le dynamitage. Une fois établi, ce constat ricanant et un peu vain signale peut-être pour la compagnie du Zerep l’épuisement d’un système, surtout quand la création collective menace à tout moment d’engloutir la verve des trois interprètes, inaudibles.” – Libération

– “Biopigs est conçu comme la succession de fin de spectacle que focalisent les saluts faussement improvisés et la réception des applaudissements. Le tout est estampillé de l’humour provocateur et référencé de Sophie Perez et Xavier Boussiron dans une énergie aussi furieuse que généreuse. A l’abri d’une esthétique baroque et outrancière qui renvoie à l’envers du décor, la compagnie du Zerep éprouve pour mieux s’en moquer mais aussi les revisiter, les formes de la représentation théâtrale. Un geste salutaire.” – PublikArt

– “Habituée du grand n’importe quoi, avec “Biopigs”, la compagnie du Zerep ne déçoit pas : costumes kitsch à souhait, scènes trash et humour caustique, tous les ingrédients sont réunis pour concocter un cabaret déjanté dont seuls Sophie Perez et Xavier Boussiron ont le secret. Hommage, critique, parodie ou moquerie ? On hésite tant la compagnie se fait un malin plaisir à déjouer les codes du genre, à tordre le cou au bon goût… Nombreux sont, en effet, les moments hilarants dans Biopigs. Mais, s’il est bien connu que la culture c’est comme la confiture, l’étalage et l’accumulation de références a de quoi désorienter le spectateur… A la fin, toute en queue de poisson, les applaudissements du public – le vrai, cette fois-ci – paraissent bien timides comparés à ceux qui ont ponctué la représentation. Signe peut-être du sentiment de lassitude face à un tel zapping…” – Toute la culture

3. Au Vieux-Colombier, Eric Ruf présente Bajazet, de Racine :

– “La situation politique est assez confuse, mais on ressent bien les forces, la fureur, la haine et l’amour qui lient les personnages. Dans sa mise en scène, Eric Ruf utilise des armoires de bois pour délimiter le cœur du sérail, lieu intime. L’ensemble est bien mené. Clotilde de Bayser (Roxane) et Denis Podalydès (Acomat) sont excellents.” – Télérama Sortir

– “Tout n’est que grâce, suggestion, fantasme, aveu arraché ou consenti. Les acteurs de cette tragédie sont portés par la fluidité de l’alexandrin racinien qui rajoute une touche de poésie dans une histoire où Atalide et Bajazet sont les seuls êtres mus par d’autres sentiments que la volonté de pouvoir.” – Marianne

– “La scénographie sert parfaitement la mise en scène minutieuse, propice à l’exposition d’une tragédie dont l’authenticité exotique sert de miroir à une Cour occidentale semée, elle aussi, de chausse-trapes. Où conduisent le pouvoir jaloux d’Amurat, l’ambition traitresse d’Acomat, l’amour contrarié de Bajazet, la jalousie morbide de Roxane et l’amour inconditionnel d’Atalide sinon à la destruction ? Leur état d’esprit, à son paroxysme dès le début, se déploie et s’enflamme, chaque acte ponctué par quelques mesures de musique. Pas le moindre ennui, pris que nous sommes par le déroulement des actes dévastateurs commis, et la tragique fatalité du dénouement.” – Spectacles Sélection

– “Comme à son habitude, Racine déploie ici la ferveur magnifique d’un texte qui déshabille les passions. Dans cette pièce rarement donnée, Clotilde de Bayser et Denis Podalydès sont éblouissants de maîtrise et de vérité scénique. Eric Ruf, qui signe ici la mise en scène et le décor, crée une atmosphère austère et douce à la fois, que les costumes de Renato Bianchi, longues robes souples et fuselées et costumes contemporains, rendent intemporelle. Entendre ce texte vibrant d’émotions réfrénées et explosives, c’est une expérience délibérément salutaire et réjouissante.” – Artistik Rezo

1. Au Théâtre Monfort, Le Pas Grand Chose, les vertiges pataphysiques de Johann Le Guillerm :

– ” Sur quelle planète vit Johann Le Guillerm ? La sienne, assurément, comme tout artiste digne de ce nom. Sur cet astre-là, les lois communes n’ont plus cours… Le monde leguillermien est devenu tellement riche, qu’il fallait bien un nouveau spectacle pour faire le point. Le voilà : il s’appelle « Le pas grand chose », il est absolument réjouissant.” – Le Monde

– “Captivant. Il joue sur les mots, sur les codes, mêle Raymond Devos au professeur Nimbus sans jamais se départir de son sérieux ou chercher la complicité avec son public. C’est vertigineux. C’est décalé, insolite, absurde, complétement imprévisible, mais construit avec une logique désarmante.” – Le Figaro

– “Introduction à une pensée des plus singulières, la pièce invite à réinventer le monde à partir de presque rien. Et il le fait bien. Derrière une carriole-établi de son cru avec caméras, lampes articulées et tiroirs multiples, Johann Le Guillerm s’empare du genre bien connu de la conférence théâtrale. Il relève [le défi] en donnant à son exposé une forme aussi hybride que sa pensée. Dans « Le Pas Grand Chose », le point ne marque pas la fin d’une histoire : il rebat les cartes d’ « Attraction » et en ouvre un nouveau chapitre, tout aussi étonnant et poétique que les autres.” – La Terrasse

– “Le travail artistique de Johann Le Guillerm tisse une toile complexe autour d’un projet global (Attraction) recoupant plusieurs entités qu’il appelle « des monstrations ». Un spectacle sur piste, des outils d’observation, des sculptures et performances et un spectacle-conférence : Le « Pas Grand Chose ». Une conférence hallucinée – pour ne pas dire hallucinante – qui participe à renouveler les codes du cirque contemporain avec humour et de nombreuses expériences scientifiques.” – Time Out

– “Le sujet est ardu, les termes employés parfois savants du registre scientifique, la voix monocorde et le visage impassible. On comprend que ce sera douloureux ! Les explications sont très longues, tout est disséqué, les expériences sont menées en temps réel et parfois ratées et /ou décevantes. Et l’absurde éclate aussi sûrement que les éclats de rire du public. Car c’est hilarant. Ce curieux mélange déroutant est plein d’humour froid et salvateur. Son sens de l’absurde est délectable. Son personnage est loufoque d’austérité !” – Un fauteuil pour l’orchestre

2. Aux Abbesses, Vera, une comédie grinçante de portée par une fantastique Karin Viard :

– “Karin Viard, époustouflante et irrésistible. Si l’on rit deux heures durant, il y a une grande mélancolie dans ce spectacle. On passe par les douleurs de vivre, les questions sans réponse. Très bien entourée, Karin Viard donne une dimension tragique à sa Vera. Elle est d’une vérité confondante. C’est la Maillan pour la puissance comique, c’est une Casarès jouant un drame pour la puissance émotionnelle. Une des plus belles interprètes de sa génération.” – Le Figaro

– “Découpée et rythmée au couteau, la comédie – énergiquement mise en scène – enchaîne les séquences comme pour un film. Vera y tombe de solitude en solitude, professionnelle, familiale, personnelle… Dans ce rôle terrifiant, Karin Viard est exceptionnelle de vitalité ébréchée.” – Télérama Sortir

– “Ce conte, narrant la grandeur et la décadence d’une petite Tchèque sans provisions, est ouvertement « théâtralisé » par le duo Vigier/Di Fonzo Bo : les tableaux s’enchaînent dans un tourbillon échevelé… On regarde sans ennui les prouesses de la scéno’, et des comédiens… on suit le fil plaisant d’une pièce qui n’est pas déplaisante ; certaines images sont de vraies trouvailles ; souvent, toutefois, tant de vibrionnage crispe un peu… Il est peu de dire que la pièce doit tout entière sa réussite à ses acteurs, et surtout à ses actrices. Helena Noguerra compose une galerie de personnages féminins redoutables. Karin Viard incarne Vera avec la gourmandise et la férocité qu’on lui connaît. Vera présente donc, grâce à Karin Viard, un magnifique portrait de femme.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Grandeur, décadence… et humour ! Une comédie grinçante parfaitement maîtrisée. L’efficacité de la comédie tient également à son rythme. L’enchaînement des scènes se fait à la manière de plans cinématographiques. L’omniprésence de la vidéo confirme cette esthétique, laissant penser que le travail du dramaturge est empreint de son expérience de réalisateur. Plus la pièce avance, plus l’intrigue se condense. Les intermèdes chantés ponctuent les changements de décor en même temps qu’ils provoquent un décalage comique. On ne s’ennuie pas une seconde pendant les deux heures que dure la pièce.” – Les Trois Coups

– “L’écriture de Petr Zelenka lorgne vers celle de Fassbinder, sans la même saveur. C’est une comédie chic, avec parfois des bons mots un peu faciles. On sourit, on se demande si on ne s’est pas trompé de salle… Et puis la profondeur ressurgit dans la deuxième partie du spectacle. La mise en scène d’Elise Vigier et de Marcial Di Fonzo et le talent de Karin Viard retournent la situation. On assiste à la déchéance de Véra. Contraste saisissant. Karin Viard se transforme. La comédienne se donne à 200% sur le plateau. Et avec cette troupe bondissante, elle parvient à effacer les quelques faiblesses du texte. ” – Scene Web

– “Histoire séduisante sur le papier, mais qui tourne bien mal sur scène. Certes, le sujet était fait pour Karine Viard. Elle se démène comme elle peut pour donner vie, chair, âme et souffrance à son personnage, au point parfois d’en faire des tonnes. Mais la pauvreté du scénario, l’invasion des clichés, l’excès des facilités formelles transforment cette histoire en farce d’un goût douteux. Résultat : tout le monde descend aux enfers avec Karine Viard, y compris ceux qui sont venus assister à ce spectacle tape à l’œil.” – Marianne

3. À La Tempête, Timon d’Athènes : une occasion de découvrir cette pièce peu jouée, aux résonances actuelles :

– “Entre crise financière, crise des institutions et crise morale, le texte de Shakespeare résonne parfois jusqu’au rire jaune. Le jeu des comédiens est à la hauteur du défi, et Patrick Catalifo, en Timon, est impeccable dans ses excès de naïveté joyeuse comme de violence. On regrette les transitions dansées et la partition jazz un peu criarde du début de la pièce, qui heureusement se fond ensuite dans la mise en scène sobre et ingénieuse de Cyril le Grix.” – La Vie

– “Le propos de Shakespeare est plus amer que jamais dans cette tragédie, aucune illusion, aucun pardon. La mise en scène joue avec efficacité sur le vide d’une humanité vraie, accentué par le flot des paroles.  Le plateau est immense, inhabité… les personnages y virevoltent, flatteurs ou agressifs. Le mouvement est incessant, scandé par les stridences de la trompette et du saxo, rythmé par le lancinant staccato des percussions. Emouvant Patrick Catalifo-Timon, aussi vibrant dans le sourire des jours heureux que dans l’imprécation du désert. L’ensemble de la troupe imprime un rythme asphyxiant à une folie collective. Et chaque témoin de ces déchirements quitte le lieu, renvoyé sans pitié à la désespérance du non-amour et à l’impossibilité de la générosité.” – Spectacles Sélection

– “Excellent. Points forts : la beauté et l’intelligence de ce texte peu connu, montrant l’aveuglement d’un homme qui bascule d’une générosité béate à une misanthropie extrême. Des comédiens caméléons qui incarnent à eux seuls tout un peuple. Le décor est grandiose, un groupe de jazz ajoute une atmosphère urbaine à la pièce. Une pièce peu connue de Shakespeare, à découvrir dans cette mise en scène puissante, et bien interprétée.” – Culture Tops

– “Dénonciation d’une société patriarcale mue par l’esprit de lucre et le mensonge. Le moins que l’on puisse dire est que Patrick Catalifo sait exploiter les ressources du texte lui-même. Il est un comédien shakespearien. Il est puissamment aidé par la mise en scène de Cyril le Grix. La pièce de Shakespeare n’a rien perdu de son allant et le public ovationne.” – La Revue du spectacle

– ” On a un peu l’impression d’assister à une œuvre didactique et presque édifiante de Brecht… L’émotion est absente. L’intelligence en berne. Une pièce, en tout cas, rarement montée et qu’on a, là, l’occasion de découvrir. C’est déjà beaucoup.” – Le Figaro

1. Avis mitigés de la critique pour Honneur à Notre Elue, d’après le roman de Marie N’Diaye, actuellement au Rond-Point :

– “Scénographie démesurée, utilisation de micros, texte controuvé, comédiens flottants… Au Rond-Point, la nouvelle pièce de Marie NDiaye déçoit.” – Le Figaro

– “La première a eu lieu le 1er février, et c’était un événement attendu, comme toutes les créations des pièces de Marie NDiaye, la première auteure à être entrée de son vivant au répertoire de la Comédie-Française, à 35 ans.” – Le Monde

– “Ce parti pris grandiose et volontiers onirique fonctionne à certains moments – lors de l’arrivée quasi fantastique des faux parents de l’élue, notamment -, mais il a tendance à diluer les quelques aspérités et saillies du texte. La direction d’acteur n’arrange rien : le jeu doublement distancié – par le phrasé et l’usage des micros hf – engendre une monotonie qui rend le spectateur extérieur.” – Les Echos

– “L’écriture à la fois lyrique et concrète de Marie Ndiaye étudie à merveille les relations entre les êtres, dans ce qu’elles ont de plus complexes. La distribution, très homogène, les changements de décors, très rythmés, accompagnent cette fine étude de personnalités littéralement consumées par la politique, dans ce qu’elle a de plus intègre ou de plus détestable.” – Ouest France

– “L’auteur choisit une posture, celle de l’innocence, et observe les conséquences sur l’élection à venir, qui verra l’opposant gagner. La pièce n’est pas vraiment convaincante et la mise en scène lourde, jouant sur des éléments fantastiques faciles et ne laissant percer aucun trouble, aucun mystère.” – Telerama Sortir

– “Dommage que la mise en scène de Frédéric Bélier-Garcia ne donne pas plus d’ampleur au trouble et au mystère qui la composent. On reste ici, essentiellement, dans la lumière crue du quotidien. Et on passe à côté des cavités, des zones d’ombre et de déséquilibre qui font la singularité de cette tragi-comédie à dimension onirique.” – La Terrasse

– “La mise en scène de Frédéric Bélier-Garcia met en lumière les nuances du texte de Marie NDiaye dans un décor grandiose, avec d’énormes reproductions de tapisseries dans sa première partie, puis dans le gymnase de la commune ensuite. Dommage qu’il introduit quelques personnages secondaires peu utiles, comme une majorette ou un chœur d’enfants, façon d’ancrée la pièce dans la réalité de la vie quotidienne de la cité. Le récit n’a pas besoin de cela car Marie NDiaye signe une grande pièce sociale et politique.” – SceneWeb

– “En ces périodes pré-électorales, le spectacle pourrait nous offrir une fable délicieuse. Malheureusement, la mise en scène ne parvient pas à nous embarquer au cœur du système. Les luttes de pouvoir nous ennuient plus qu’elles ne nous passionnent, et ce n’est pas seulement parce qu’on est lassé de Nos Elus.” – Les5pièces

– “Sur le grand plateau de la Salle Renaud Barrault, devant d’immenses tapisseries d’Aubusson, des écrans géants ou des chœurs d’enfants, décor traditionnel des salles de réunion des mairies, les personnages plus vrais que nature n’apparaissent que mus par leur propre intérêt. Seule Isabelle Carré, “Notre Élue”, choisit de s’abstraire du jeu social dans une attitude d’impassibilité en héroïne hitchcockienne. Sacrifice qui nous laisse quelque peu sur notre faim.” – Artistik’Rezo

– “Le contrastre entre le jeu très froid, presque inexpressif, d’Isabelle Carré et celui du reste de la distribution peine à créer le malaise que suggère le texte. Censée confiner au fantastique, l’irréductible intégrité de Notre Elue apparaît en effet sous les traits d’une grande banalité qui, au lieu de captiver, ont tendance à reporter l’attention sur l’Opposant, incarné par un Patrick Chesnais délicieux.” Time Out

– “Entourés d’une belle troupe de seconds rôles, tous crédibles (Jean-Charles Clichet, Jan Hammenecker, Agnès Pontier, Christelle Tual), les deux comédiens sont inoubliables dans cette pièce aux confins du fantastique, aussi captivante que burlesque, qui sonde l’inconscient des protagonistes et laisse une impression troublante de malaise sur le monde politique.” Froggy’sDelight

– “Certaines scènes pourraient entièrement être mises dans la bouche de certaines personnalités politiques.” – Isabelle Carré pour  France Info

2. Au Théâtre de l’Atelier, Didier Bezace adapte et met en scène Le Cas Sneijder, un roman de Jean-Paul Dubois, avec Pierre Arditi dans le rôle titre :

– “Bien entouré – par Sylvie Debrun (Anna) Morgane Fourcault (Marie), Thierry Gibault (le patron de DogDogWalk), Didier Bezace « himself » (Wagner-Leblond, l’avocat), sans oublier le sémillant chien Fox (Charlie) ! Pierre Arditi-Paul Sneijder nous mène sans faillir jusqu’au bout de ce voyage tragi-comique, invitation à prendre la tangente, à se rebeller contre une société verticale, où les ascenseurs font chuter ceux qui ne savent pas monter droit.” – Les Echos

– “TT – C’est la voix off de Pierre Arditi qui accompagne la chute de son propre personnage, qu’on voit errer pauvrement sur scène dans un espace qui s’ouvre et se ferme au gré des souvenirs, des rêves, du présent aussi. On pénètre habilement dans le cerveau dépressif d’un déserteur de la vie. Que le monde n’intéresse plus, dégoûte. Juste à partir d’une étude sur ces ascenseurs qui ont bousillé son existence…” – Telerama Sortir

– “Présent lui-même sur le plateau dans l’habit d’un agent d’assurances prégnant d’humanité, Didier Bezace s’est entouré de comédiens complices de longue date, tous aussi stupéfiants de justesse.” – La Croix

– “Ce que Didier Bezace met en scène, c’est peut-être surtout l’obstination de la pensée, la liberté du doute, contre un destin incontrôlable qui vous broie. C’est aussi la consolation fugace du rêve, quand tout vous est arraché. A travers cette quête si humaine, Didier Bezace et les siens proposent un moment de théâtre vraiment fort et émouvant.” – La Terrasse

– “Didier Bezace a adapté le roman avec fidélité ; sa mise en scène accentue avec subtilité la dimension intérieure et fantasmatique. Avec Jean Haas, il a imaginé un espace principal, à la fois le bureau, où le personnage vit en reclus volontaire, et espace mental (…) Pierre Arditi interprète magnifiquement ce pauvre homme à la dérive, bouleversant solitaire qui soliloque sur le non-sens de la vie.” – WebTheatre

– “La mise en scène savamment rythmée de Didier Bezace déploie avec force et maîtrise la chute programmée d’un homme meurtri et insoumis. Pierre Arditi, méconnaissable, incarne corps et âme cet anti héros revenu de tout dont la solitude éperdue qui embrasse celle de la condition humaine, nous étreint.” – Publik’Art

– “Le récit de Jean-Paul Dubois est comme une leçon de vie, à la fois dramatique et critique envers la société. La noirceur et l’humour de son écriture font jaillir un personnage attachant. Pierre Arditi tout en fragilité – bien loin des rôles de séducteur qu’on lui connaît – donne de la profondeur à ce Sneijder transformé par cet accident de la vie.” – SceneWeb

3. Le passage à la scène du roman de Christine Angot Un Amour impossible, c’est à Odéon-Berthier dans une mise en scène de Célie Pauthe :

– “Pour le théâtre, c’est Célie Pauthe (ex-assistante de Stéphane Braunschweig, Ludovic Lagarde…) qui, après l’avoir dévoré d’une traite, a obtenu les droits du livre. Devenue partie prenante du projet, Christine Angot a voulu signer l’adaptation et les dialogues. Cette démarche donne en fin de compte un spectacle limpide et singulier qui, bien qu’un peu froid et pas franchement gai, doit sa belle et haute tenue à ses deux interprètes, Bulle Ogier et Maria de Medeiros.” – Le JDD

– “Maria de Medeiros incarne avec clarté et une juste colère Christine enfant, adolescente et jeune femme adulte. Tout juste lui reprochera-t-on de jouer un peu toujours sur les mêmes notes cristallines. Bulle Ogier est remarquable de douleur rentrée, mère maladroite, revenue de tout, femme niée, mais debout – bouleversante à la fin quand elle ouvre son coeur à sa fille.” – Les Echos

– “C’est un spectacle simple, qui ne cherche pas midi à 14 heures, mais restitue le roman, devenu une pièce écrite par Christine Angot et nourrie par les discussions entre l’auteure et la metteuse en scène.” – Le Monde

– “L’écriture au quotidien de Christine Angot peine à atteindre le tragique que Célie Pauthe croit y déceler.” – Le Blog de Mediapart

– “On est entre Bergman et Duras. Célie Pauthe réussit une très belle pièce sur la noirceur de l’existence guidée par les principes de la société. Une pièce à fleur de peau orchestrée par deux très grandes comédiennes.” – SceneWeb

– “Inscrite dans un grand espace vide qui tient, tout à la fois, de salle de restaurant, de café, de salon, la mise en scène, réglée au cordeau, mêle, par petites touches, passé et présent, pleurs et révoltes, violence et tendresse. Avec des pics d’émotion lorsque la fille renvoie sa mère venue dîner chez elle, parce qu’incapable de supporter les non-dits. Ou bien, quand toutes deux se retrouvant, elles s’acceptent, s’étreignent.” – La Croix

– “TT – La rare qualité de ce texte-là, simple, direct, plutôt silencieux, est de plonger radicalement et mystérieusement au coeur de la relation tumultueuse des mères et des filles.” – Telerama Sortir

– “Bulle Ogier (Rachel) et Maria de Meideros (Christine) incarnent tour à tour leurs apparences respectives à différents stades de leur vie, qui ont contribués à l’évolution de leurs rapports, pénétrées par les mots qu’elles prononcent pour les exprimer autant par leur voix que par leurs corps. Drôles, cocasses, tragiques ou meurtries, avec une sensibilité à fleur de peau, elles contribuent à instaurer une force dramatique souvent bouleversante.” – WebTheatre

– “Hormis le très bon choix de mobilier et son agencement, les allers et venues des techniciens et de quelques comédiens grimés en serveurs et maître d’hôtel ne parviennent pas à donner un peu d’énergie à la scénographie. Il manque à ces deux femmes quelque chose de plus intense, de plus violent et de plus passionnel, que l’on attendra malheureusement jusqu’à la fin…” – Les5Pièces

– “Bulle et Maria, ce sont deux actrices qui ont inscrit, de manière différente, quelque chose théâtralement.” – Christine Angot pour Le Figaro