@ Michel Corbou

1. Alain Françon charme en délicatesse avec Un mois à la campagne de Tourgueniev au Déjazet :

– “La comédie pourrait n’être que bourgeoise, si Tourgueniev n’avait l’art de fouir au plus profond des zones obscures du cerveau, des sentiments et de la raison, pour en ramener à la lumière les sentiments les plus secrets… Si, aussi, la mise en scène et la direction d’acteurs d’Alain Françon ne s’avéraient d’une telle finesse, d’une telle justesse. Voire – sans rien édulcorer de la dureté, parfois, du propos – d’une si troublante délicatesse. Dans une irrépressible montée en tension, la distribution, portée par la traduction vivante de Michel Vinaver, fait corps avec les mots, avec la langue, comme s’ils nous faisaient entrer dans la tête des personnages, au fil des pensées qui se construisent et s’affaissent en direct.” – La Croix

– “Imposante, cette mise en scène picturale donne vie et acuité à la pièce d’Ivan Tourgueniev. Au centre d’une distribution de haut vol, Anouk Grinberg fait vibrer toute la beauté de son art. Ce qu’elle accomplit dans le rôle de Natalia Petrovna est magistral. Pour compléter sa distribution, Alain Françon a réuni des interprètes eux aussi remarquables. Ils donnent corps à la matière rayonnante de ce spectacle vif et délicat, aiguisé et spirituel. Rien n’est jamais superflu ou forcé dans ce travail d’orfèvre. La justesse, l’ampleur, la nécessité s’imposent ici en tout.” – La Terrasse

– “Alain Françon met en scène “Un mois à la campagne” avec son doigté et sa finesse habituelle. Tout se fait par touches délicates, par nuances, par allusions, par non-dits. Dans un décor fait de grandes parois aux teintes pastel, les personnages sont à l’image de leurs costumes, d’un charme désuet mais intact. Anouk Grinberg campe une Natalia plus vraie que nature, rappelant ainsi qu’elle est l’une des actrices les plus brillantes de sa génération, malgré ses trop rares apparitions sur scène. En séducteur frustré, Micha Lescot est digne d’un Don Juan touché par l’échec. Tous les autres acteurs brillent de mille feux grâce à la patte magique d’Alain Françon.” – Marianne

– “TT L’œuvre du dramaturge russe est magnifiée par la mise en scène délicate d’Alain Françon. Alain Françon a monté avec délicatesse et cruauté confondues cette histoire banale et terrible de sentiments avortés. Comme les costumes, les décors de Jacques Gabel sont modernes et d’époque, vifs et anciens. Anouk Grinberg est fascinante en mère de famille en proie au coup de foudre. Micha Lescot distille toujours son élégance insaisissable et poignante. Tous les acteurs accompagnent superbement le couple frustré. Au milieu de cette campagne où le temps passe d’ordinaire si lentement, mais où il vibre ici avec tant d’électricité.” – Télérama

– “Plus qu’un personnage, c’est l’analyse d’un sentiment à l’œuvre qui est au cœur de la pièce. Anouk Grinberg est exceptionnelle dans le rôle de Natalia Petrovna. Micha Lescot tout en subtilité, donne à voir le bouleversement intérieur du personnage derrière la façade. Dans un beau décor, à peine dessiné, de Jacques Gabel, la mise en scène d’Alain Françon est toute de légèreté, de transparences, relevée d’un léger voile d’humour qui souligne la vanité de toute cette agitation.” – Webthéâtre

2. Aux Bouffes du Nord, la nouvelle création de Peter Brook, The Prisoner, envoûte ou égare, mais sa remarquable interprétation fait l’unanimité :

– “Cela ressemble à un conte oriental ou africain. Et comme souvent dans les contes, ça va loin. Les acteurs se glissent comme des chats dans la grâce délicate, l’humour en loucedé et l’évidence des gestes simples du mouvement brookien. Déployant les atours de sa fondatrice convention, le théâtre est là, devant nous, perpétuellement naissant. Comment ne pas lui en être reconnaissant ?” – Mediapart

– “TT Etrange texte, que cinq acteurs portent avec une rare douceur, sans cri et sans colère. Etrange parabole, dont les énigmes restent intactes. Peut-être faut-il ne pas chercher de réponses là où il n’y a que des questions, s’accommoder de l’irrésolution et accepter le doute en soi. Si telle est la leçon de Peter Brook, alors il a atteint son but.” – Télérama Sortir

– “L’argument est mince et la fable, obscure. Menée avec lenteur et précision, elle soulève plus d’interrogations qu’elle n’ouvre de chemins. Sur ce fil ténu et court, les acteurs de Brook avancent en funambules sereins, dont chaque pas, chaque geste, chaque mot est empreint d’une densité calme et riche. Dans un anglais limpide, ils donnent vie à ce conte que magnifient les éclairages chaleureux de Philippe Vialatte et l’éternel décor de pierre rouge vieillie des Bouffes du Nord, agrémentée de quelques branches mortes et torsadées. Si l’inspiration laisse le spectateur sur sa faim, l’exécution, simple et puissante, soulève l’admiration.” – L’Echarpe rouge / L’Express.fr

– “À 92 ans, le maître mondial de la mise en scène revient dans son beau théâtre des Bouffes du Nord pour raconter l’histoire d’un meurtrier, condamné à vivre mentalement son sentiment d’emprisonnement. Les jeunes acteurs, la scénographie magique, tout invite au rêve, à la réflexion et à la spiritualité. Un moment de partage intense, de rêverie et de sagesse.” – Artistik Rezo

– “Entre conte et haïku théâtral. Les acteurs, lumineux, ont tous une présence d’une grande intensité, un jeu très physique, des corps déliés, souples, entre animalité et pur esprit. Peter Brook creuse toujours plus subtilement le sillon de l’épure dans une sorte de méditation philosophique et poétique qui tel un haïku théâtral est toujours plus économe de moyens pour délivrer plus de sens.” – Webthéâtre

3. Au Monfort, une Ménagerie de verre, toute en transparences :

– “Une très belle Ménagerie de verre, où se croisent beauté scénographique, intelligence scénique et excellence du jeu. On se dit que les partitions écrites par Tennessee Williams font le régal de ces acteurs, mais aussi que Daniel Jeanneteau a su admirablement bien les diriger. Les personnages sont mouvants, surprenants. Et terriblement humains. Une grande réussite.” – La Terrasse

– “Une version ouatée et envoûtante. Daniel Jeanneteau sait donner une dimension de songe éveillé à ces souvenirs fondateurs de l’auteur, cette mémoire familiale et primitive qui si souvent taraude, lamine, abîme. A moins qu’on en fasse de l’art. Comme Tennessee Williams, auteur compulsif déchiré entre ciel et enfer, Christ et diable, chair et esprit. L’écriture fut son antidépresseur sublime. Le théâtre peut l’être aussi.” – Télérama Sortir

– “Dans le rôle de Laura, Solène Arbel est d’une étrangeté absolue. Elle évite tous les pièges du rôle en faisant montre d’un art du presque rien, en laissant poindre à peine un affleurement de ses tensions intérieures. Olivier Werner dans le rôle de Tom et Pierre Plathier dans celui de Jim sont, eux aussi, on ne peut plus justes.” – Balagan / Mediapart.fr

– “Une mise en scène éthérée. De la beauté, il y en a, dans ce spectacle. Une beauté pure et transparente, mais elle emprisonne Tennessee Williams…” – Le Monde

– “Dominique Reymond, en tête de distribution, éclaire ce huis clos familial. Son jeu dramatique et parfois drôle donne de l’épaisseur à une mise en scène trop lisse. Le beau décor contraste avec la violence du ressenti des personnages. La mise en scène va bien dans ce décor : sobre, soigneuse, mais aussi trop lisse. Ce sentiment nous habite au sortir du spectacle : une histoire dramatique qui a perdu sa dimension tragique de l’abandon au profit d’un environnement rassurant.” – Sceneweb

@Pauline Le Goff

1. Au Théâtre de la Bastille, avec le dyptique “Iliade/Odyssée” Pauline Bayle et ses comédiens s’emparent avec énergie et modernité de la langue d’Homère :

– “Pour rendre compte de ce voyage au bout de l’honneur, Pauline Bayle s’appuie sur une troupe de comédiens qui portent à merveille la puissance du texte. L’œuvre originelle est condensée, parfois retravaillée pour la rendre abordable, mais sans altération du propos initial. Pauline Bayle et sa bande signent ainsi une pièce d’une rare puissance, empreinte de dynamisme et de féérie.” – Marianne

– “En trois heures chrono, Pauline Bayle et ses cinq jeunes comédiens surdoués nous font vibrer au rythme des chants d’Homère. Dans un décor minimal et astucieux, rencontre inédite avec les héros et les dieux. Le spectacle ne joue pas au plus fin avec Homère. La modernité s’inscrit dans le jeu, ou dans ces quelques écarts scéniques ou textuels, qui ferrent d’emblée le public.
Dans un phrasé clair, intense, sans afféterie ni pathos, les cinq acteurs nous font revivre la tragédie vécue par ces guerriers, la sauvage guerre de Troie, puis le retour sans fin d’Ulysse en son pays. Ils sont étonnants de présence et de justesse. Pauline Bayle les dirige au cordeau. Heureux qui comme les spectateurs de la Bastille ont fait ce beau voyage…” – Les Echos

– “Pauline Bayle adapte L’Iliade avec une intelligence scénique et dramaturgique éblouissante. Elle s’installe, en compagnie des cinq jeunes comédiens qu’elle dirige, dans la cour des grands. Un remarquable spectacle !
On voit rarement autant d’irrévérence drolatique alliée à un sens aussi aigu du tragique : l’adaptation que signe la jeune Pauline Bayle atteste d’une connaissance parfaite du texte et de ses enjeux anthropologiques et dramaturgiques. Ce spectacle témoigne de l’éclatant talent des jeunes gens qui l’interprètent et le dirigent : à ne manquer sous aucun prétexte !” – La Terrasse

– “Épaulée par cinq formidables comédiens, Pauline Bayle nous fait redécouvrir la langue et le monde d’Homère. Sans céder aux vertiges de l’actualisation ou du péplum, son diptyque « Iliade – Odyssée » exalte le dépouillement pour faire émerger l’imaginaire et la réflexion. Une réussite.
Pauline Bayle parvient à nous faire ressentir avec une force nouvelle la beauté d’une formule ou d’un épisode oubliés, en taillant dans le texte, en le cousant avec talent.
Les comédiens sont tous investis et convaincants. Leur jeunesse redonne du lustre à des figures figées dans leur sacralisation littéraire. Un beau moment théâtral.” – Les Trois Coups

2. A la Pépinière-Théâtre, on retrouve un succès du Off d’Avignon 2017 : “En attendant Bojangles”, condensé d’émotions inspiré du best-seller d’Olivier Bourdeaut :

– “L’histoire se croque à pleines dents, se savoure, tel un tourbillon de vie et de bonheur. Victoire Berger-Perrin, avec la collaboration artistique de Grégori Baquet, a formidablement adapté le roman d’Olivier Bourdeaut, en faisant naître sur le plateau des existences hors du commun… Le public, touché en plein cœur et happé par cette fête enivrante, applaudit à tout rompre.” – Vaucluse Matin

– “Victoire Berger-Perrin adapte le roman d’Olivier Bourdeaut avec trois comédiens épatants qui manient humour et légèreté pour dissimuler angoisse et tristesse.
Quand progressivement la mère s’écarte des rives de la raison, d’abord rien ne change ; puis il devient impossible de (se) dissimuler son voyage sans retour. Jusqu’au bout du possible. Sans pathos inutile, c’est tout à la fois très drôle, tendre et émouvant.” – L’Humanité

– “Adaptant et mettant en scène En attendant Bojangles, Victoire Berger-Perrin parvient à faire vivre avec délicatesse les personnages attachants de cette histoire d’amour fou et ultime entre une jolie fêlée et un dandy. Anne Charrier est parfaite, d’un charme fou. Didier Brice a la distinction de son rôle, mari éperdu d’amour. Victor Boulenger, le fils, passe de la narration au jeu d’un clignement d’œil et incarne les autres personnages clés du roman avec une aisance confondante. Ils sont cette famille qu’on a aimée dans le livre et qu’on adore aussitôt dans ce petit bijou d’émotions.” – Le Parisien

– “Une absolue réussite. On ressort bouleversé par cette fable familiale… avec une seule idée en tête, partager cette pépite.
La justesse, l’osmose entre les trois comédiens, la mise en scène délicate et enlevée de la jeune Victoire Berger-Perrin qui signe également l’adaptation, les décors simples et judicieux de Caroline Mexme, produisent un miracle de petit spectacle dont les émotions qu’il procure perdurent bien après la représentation. Bouleversant et dont on sort cependant dans un état profond de bonheur.” – Culture Box

3. A L’Atalante, Agathe Alexis montant “Un jour en octobre” offre une plongée très intrigante dans l’œuvre d’un auteur expressionniste peu joué en France :

– “Un décor enveloppant qui laisse la place aux songes, heureux ou funestes, au-delà d’un univers suggéré de maison bourgeoise… Une pièce très singulière, une déraison qui subjugue et transcende le réel. Le tout dirigé à la perfection, accompagné de belles pages de musique et joué avec sensibilité.” – Le Figaro

– “Rien n’est crédible dans la pièce de Georg Kaiser, auteur allemand de la fin du XIXe siècle et c’est ce qui la rend fascinante. Les faits forment un tourbillon, jusqu’à toucher au délire pur et dur. La mise en scène suit ce mouvement comme elle le peut. Pas toujours avec bonheur. Elle semble tiraillée entre une approche psychologique et la nécessaire déréalisation que supposent les situations. Les acteurs tâtonnent à la recherche du jeu juste. Et si certains sont proches du but, d’autres en sont encore loin.” – Télérama Sortir

– “On aurait pu douter de l’intérêt de le rejouer aujourd’hui, mais la version d’Un jour en octobre proposée par Agathe Alexis convaincra dès ses premières scènes les plus réticents. Théâtre d’un autre temps, dont Brecht vantait l’intérêt, la pièce de Georg Kaiser n’a pas vieilli dans sa forme et pas tant que ça dans son propos.
On soulignera la belle scénographie de Robin Chemin. Tout concourt à faire de cette œuvre dynamique une réussite qui donnera envie d’en savoir plus sur cet auteur…” – Froggy’s delight

– “Un jour en octobre, que l’Atalante nous fait découvrir dans une traduction nerveuse de René Radrizzani, n’a jamais été joué dans notre pays. Et c’est une étrange pièce, d’une forme qu’on jugera datée ou historique selon l’intérêt qu’on y prendra.
L’œuvre est à la frontière de l’expressionnisme, de l’énigme pirandellienne et de la « psychologie des profondeurs ». Bizarre, bizarre ! La mise en scène d’Agathe semble s’amuser de ces difficultés, et c’est pour cela qu’on y prend un plaisir inattendu. On saute sans cesse d’un univers, d’une sensibilité, d’une version de faits à son contraire. C’est une curiosité dont l’audace ancienne finit par nous emporter comme une audace d’aujourd’hui.” – Webthéâtre

1. Dominique Valadié, impressionnante dans Au but, noire comédie de Thomas Berhnard, au Poche-Montparnasse :

– “Une pièce aussi puissante que dérangeante. Dominique Valadié incarne d’une manière hallucinante toutes les nuances perpétuellement changeantes du «personnage». Valadié, c’est une comédienne absolue, unique, d’une finesse, d’une profondeur vertigineuse. Elle raconte à sa fille, Léna Bréban, qui, elle aussi, a une partition très difficile qu’elle suit avec une acuité remarquable. Christophe Perton dirige ses interprètes avec une grande rigueur. L’essentiel repose sur les épaules de Dominique Valadié. Sur sa voix, très mélodieuse, moirée, une voix qui porte l’âme de ce personnage effrayant et d’une humanité qui déchire. Le très grand art d’une comédienne exceptionnelle, au service d’un texte écrit par un écrivain musicien.” – Figaro

– “Si Dominique Valadié n’existait pas, il faudrait l’inventer. L’actrice est au théâtre français ce que la Jaguar est à la 2CV : une Rolls Royce. Aller voir la comédienne en scène, c’est être le témoin d’une performance exceptionnelle qui ne se laissera plus jamais oublier. Rappelons que le texte, infernal, est de Thomas Bernhard, auteur autrichien que son extrême lucidité rendait aussi méchant que drôle.” – Télérama Sortir

– “Une Dominique Valadié impressionnante qui est comme une lionne sortie de sa cage… Comme d’ordinaire chez l’auteur autrichien, le noir est la couleur de saison, quelle que soit la période de l’année…” – Marianne

– “Christophe Perton, confronté à l’étroitesse de la deuxième salle du Poche, en tire un admirable parti, en nous plaçant dans une double pièce étriquée où le monde extérieur, sa grandeur et sa plénitude, n’entreront qu’à la dernière seconde. L’interprétation très bernhardienne de Dominique Valadié mêle étonnamment l’intelligence et la mécanique, la lassitude et la passion, l’indifférence et l’implication. Léna Bréban joue avec délicatesse la dépendance, l’existence sous la soumission. Yannick Mozelle, qui interprète l’écrivain, le double de Thomas Bernhard, est convaincant, en auteur débutant et timide. Toute la soirée orchestrée par Perton est sur le fil du rasoir, affûtant « Au but » jusqu’à son tranchant le plus extrême.” – Webtheatre

– “Dans une litanie aussi corrosive que d’acides reflux gastriques, Thomas Bernhard ressasse à l’envi toutes ses récurrentes ratiocinations sur la vacuité et l’absurdité de la condition humaine, l’art et le théâtre, épinglant notamment le goût abêti du public et l’auteur dramatique qui se complait dans l’observation voire la dénonciation sans être un homme d’action. “Au but” constitue un opus qui ne serait qu’assommant, dans tous les sens du terme, n’était la maîtrise technique de Dominique Valadié, comédienne au sommet de son art, qui (dé)livre une prestation magistrale et donc, ravira les inconditionnels de Thomas Bernhard.” – Froggy’s delight
 

2. Audrey Dana dresse un étonnant portrait d’Indociles aux Mathurins :

– “On ne sait ce qui appartient consubstantiellement à sa vie, et ce que l’imagination des deux auteurs a ajouté. Peu importe, au fond. Indociles, c’est du théâtre. Un déploiement de toutes les facultés de cette femme entreprenante, décidée, mais qui doute sans cesse. Une acrobate à grande sensibilité, une chanteuse, une imitatrice, une interprète profonde et spirituelle. La mise en scène la fait s’agiter beaucoup. Un peu trop. Car ce qui est le plus touchant ici, c’est le mystère et le dévoilement, les confidences et les masques. C’est Audrey Dana dans sa complexité et sa simplicité.” – Figaroscope

– “A cocher avec méthode les cases où se logent les drames de la vie, Indociles crée le malaise. Trop de pathos tue l’émotion, c’est certain. Et dommage, car l’actrice Audrey Dana se jette avec panache dans ce solo rythmé en live par une batterie. A son actif, quatorze personnages, qu’elle incarne avec conviction. Elle est l’héroïne, les parents de l’héroïne, les amis de l’héroïne, les amis des parents, etc. Une performance, c’est vrai, mais qui a tout d’un rouleau compresseur, aveugle à ce qui pourtant semblait être le propos fondateur du spectacle : la rage d’exister.” – Télérama Sortir

– “Ces indociles nous font parfois rire. D’autres nous dégoûtent, comme le photographe vicieux. Et même si certains personnages manquent parfois d’épaisseur, l’émotion n’est jamais bien loin. Créations et/ou souvenirs de Murielle Magellan, d’Audrey Dana ou des deux à la fois, les personnages qui défilent sous nos yeux nous touchent et nous transportent d’une émotion à l’autre. Il faut dire aussi que la batterie de Lucie Antunes accompagne superbement l’intégralité du spectacle et semble encourager et porter l’actrice. Audrey Dana et Lucie Antunes réussissent une belle performance, originale, violente et touchante.” – Reg’Arts
 

3. Suaves Trahisons au Lucernaire :

– “Conçue comme un flash-back venant piocher dans des scènes du passé, Trahisons est une pièce diaboliquement construite, qui ménage le suspense jusqu’à sa conclusion. Il faut pour la porter des acteurs souples comme des chats, qui se faufilent de gravité en légèreté. Les interprètes que met en scène Christophe Gand mènent leur partition en sourdine. Un choix de violence rentrée qui colle à l’exiguïté d’un plateau intimiste, mais enlève au spectacle des reliefs qu’on aurait aimés parfois plus mouvementés.” – Télérama Sortir

– “La mise en scène guide subtilement les trois comédiens. Gaëlle Billaut-Danno, Emma en quête d’un bonheur inaccessible, a pris tous les risques. Yannick Laurent, Jerry, lui aussi marié et père de deux enfants, dont l’épouse reste en retrait, n’a obtenu que l’accomplissement fugace d’un coup de foudre. François Feroleto fait parfaitement évoluer les états d’âme plus complexes de son personnage. Devenu cynique et indifférent avec le temps, Robert a manipulé les deux amants qui ont poignardé son amour. L’attention portée aux costumes et aux éclairages est une contribution non négligeable à la réussite totale de cette représentation.” – Spectacles sélection

– “Avec Pinter souvent, on fait ce qu’on veut, on met les couleurs qu’on veut. Ici, Christophe Gand préfère la position de l’entomologiste social. Il ne privilégie aucun animal de ce zoo humain. Le spectacle bénéficie d’une scénographie très mobile de Goury – une scénographie de Goury, c’est toujours d’une ingéniosité folle. Elle permet là de transformer l’espace comme on joue avec des cubes. La pièce de Pinter est en elle-même un jeu, qu’on peut prendre comme un cri, une satire ou une dissection. La mise en scène de Christophe Gand ne choisit pas entre le déchirant et le diabolique, nous plaçant à la fois devant et derrière une vitre. Voilà bien longtemps que l’on n’avait vu une si belle vision et une si belle interprétation de Trahisons.” – Webtheatre

– “Souvent ce classique du théâtre contemporain n’est que l’occasion d’adaptations tièdes ou convenues. Au Lucernaire la bonne surprise est plurielle. Les trois acteurs sont justes et respectueux avec leur personnage et avec le texte. Il y a un vrai plaisir à voir jouer ce trio. La tragédie est devant nous et à chaque étape un drapeau est planté avec douleur.
Le trio est attrapé par la tragédie première de chacun, au-delà de la demande d’amour, de fortune ou de plaisir, au-delà des égoïsmes et des quant à soi, le temps se replie sur chacun d’eux et sur leur solitude. Ils sont sur terre et c’est sans remède dirait Beckett.” – Toute la culture
 

Et aussi, à saluer : la naissance d’un nouveau lieu de culture : Le 13e Art place d’Italie, Paris XIII – Télérama
 
 

@ Guido Mencari

1. Au Printemps des Comédiens à Montpellier, le très remarqué Democracy in America de Castellucci, à retrouver à la MC93 de Bobigny à l’occasion du Festival d’Automne :

– “Le nouveau spectacle du créateur italien questionne les mots et impressionne encore par ses images.” – Le Monde

– “La force de la pensée, celle des images, l’humour qui n’interdit jamais lucidité, émotion, étrangeté, questions qui taraudent, tout ici subjugue. Un spectacle saisissant. On comprend beaucoup et beaucoup échappe. Un moment à part. À méditer.” – Armelle Héliot, Le Grand Théâtre du monde

– “Une succession de tableaux à la fois saisissants, poétiques et angoissants. Jouant avec de grandes toiles transparentes, créant des jeux de lumières d’une grande beauté, Castellucci fait appel à “l’écran mental” du spectateur et crée des images indélébiles, qui échappent à tout contrôle. Mais au-delà des tableaux marquants, sont notamment évoqués la tyrannie de la majorité et l’affaiblissement de la liberté intellectuelle face au populisme…” – Ouest France

– “Castellucci multiplie les images magnifiques, obscures ou saisissantes, jouant des grands rideaux de tulle et des jeux de lumière pour créer des tableaux à la Turner ou Rothko…” – La Libre Belgique

– “Tocqueville est juste un prétexte, un moyen de prendre à contrepied l’idéologie libérale et de peindre un tableau des Etats-Unis confrontés à des figurations d’autres civilisations et à des songeries fantasmées… Tantôt l’image est crue, tantôt elle passe par une série de filtres visuels qui la rendent trouble et énigmatique. On s’agace et l’on est subjugué.” – Webtheatre

– “Cette pièce « librement inspirée » de l’essai d’Alexis de Tocqueville, « De la démocratie en Amérique », dépasse de loin la question de la démocratie pour aller aux origines des Etats-Unis vers les questions qui obsèdent Castellucci : le mal, la représentation, les mots…” – Toute la culture

– “Au-delà de son titre et de son contexte politiques, la pièce est l’assurance d’une réflexion plus complexe qu’il n’y paraît. Disons-le d’emblée, beaucoup de choses marchent dans cet ambitieux théâtre. En premier lieu, la virtuosité de Romeo Castellucci à mettre en scène l’onirisme… [Cependant] « Democracy in America » est parfois trop sibyllin. Si la conclusion est aussi attendue, elle appelle néanmoins à un questionnement intéressant : les mots sont-ils la source de tous les maux ?” – BSCNews

– “Librement inspiré de Tocqueville, « Democracy in America » n’a pas la force viscérale des grands Castellucci. Le metteur en scène italien entre au plus profond de la nature humaine, interroge l’individu et la communauté, extériorise violemment la douleur contenue, mais il semble trop axé sur la narration et les dialogues, lui qui sait si bien en faire l’économie habituellement. Ses actrices sont en état de grâce. Mais cette fois ci, Castellucci n’atteint pas la terre promise.” – Sceneweb
 

@ Lot

2. Au Théâtre de la Huchette, une adaptation réussie de L’Ecume des jours de Vian, portée par une distribution pleine de charme :

– “On passe là un moment exceptionnel, on y vit un bonheur comparable à celui que donne à l’écolier la récréation. Tout y est : la libération, le jeu et le rêve. La qualité de ce spectacle tient à l’harmonie exceptionnelle qui règne entre l’œuvre et son interprétation. L’adaptation du roman au théâtre est remarquable. Quant aux comédiens, ils sont d’une fraîcheur, d’une grâce, d’une sincérité merveilleuses. Pas un effet superflu, pas une once de vulgarité, pas la moindre trace d’amateurisme. Un travail impeccable. Léger, aérien, spirituel. Boris Vian sort non seulement intact de cette fête, mais grandi.” – Figaro Magazine

– “Un moment de théâtre plein de finesse et de grâce. Les trois jeunes comédiens font beaucoup pour la réussite du spectacle. Il y a les deux garçons, Maxime Boutéraon et Antoine Paulin, tous deux très justes. Mais c’est surtout Roxane Bret qui en fait le charme. Avec sa voix si particulière, sa gestuelle sensuelle, elle aurait enchanté Boris Vian. Une réussite de plus pour le petit théâtre de La Huchette…” – Figaroscope

– “L’adaptation est très réussie. On y retrouve poésie, fantaisie, jeux verbaux. Le spectacle rend bien cette atmosphère loufoque et fantastique… C’est vif, plaisant et les trois comédiens sont très bons. Un spectacle où toute la famille trouvera son compte. Il sera visible tout l’été.” – Télérama Sortir

– “Il y a des pirouettes, de la fantaisie, des évasions dans le fantastique. De temps en temps, Chick saisit sa guitare et plaque un accord. Il faut que ça swingue. Les acteurs se mettent à chanter. « Il y a seulement deux choses, écrivait Vian dans son prologue : l’amour, avec des jolies filles, et la musique de La Nouvelle-Orléans et de Duke Ellington. » Les choses n’ont pas tellement changé. Le texte suit la musique. Les dialogues sont allégés pour que rien ne pèse.” – Figaro

– “De ce roman-culte qui n’a cessé de charmer les générations, la mise en scène sans repos et surtout l’irrésistible jeunesse joyeuse et ironique des trois comédiens expriment la poésie tendre et nostalgique, tout en lui imprimant les rythmes contrastés de la passion amoureuse et de la malédiction. Sourires et émotion au bord des larmes, comme une pirouette en pied-de-nez à la mort. C’est frais, rieur et délicieux.” – Spectacles sélection

– “Dans un décor de papier peint découpé avec malice, Sandrine Molaro et Gilles-Vincent Kapps ont conçu un spectacle qui est plus un récital littéraire et musical qu’une représentation obéissant aux lois du genre dramatique. La soirée […] repose avant tout sur ses acteurs-chanteurs. Roxane Bret, Maxime Boutearon et Antoine Paulin ont la jeunesse des héros du livre de Vian, une tendresse, une mobilité, une joliesse, une plasticité que l’on peut compresser en une seule formule : ils ont un charme fou…” – Webtheatre
 

@ D.R.

3. Une comédie-ballet au Théâtre de l’Epée de Bois : un Monsieur de Pourceaugnac qui préfère la farce et le rire :

– “Un spectacle alerte qui tire résolument la pièce de Molière du côté de la farce. Ce spectacle rythmé rend justice à la vivacité de cette comédie-ballet. L’ensemble baroque La Rêveuse s’insère parfaitement dans le dispositif scénique. De fait, le metteur en scène traite cette comédie-ballet créée en 1669 comme ce qu’elle fut à ses origines : un pur divertissement. Le parti pris dramaturgique se focalise essentiellement sur le rire sans insister sur sa face noire : la cruauté. On pourra le regretter à l’égard d’une des pièces les plus sombres de Molière… Mais après tout, Brecht lui-même ne disait-il pas : « Depuis toujours, l’affaire du théâtre, comme d’ailleurs de tous les autres arts, est de divertir les gens. » ?” – La Terrasse

– “L’intrigue ne brille évidemment pas par sa vraisemblance, mais plutôt par le déchaînement de ruses délirantes. Le rire est au programme de chaque épisode, les costumes et masques carnavalesques accentuent encore davantage le choix de l’excès clownesque. Le travail de mise en scène est remarquable, sur un plateau qu’arpentent en tous sens les acteurs en constante diversité et souplesse. Le recours aux masques est très judicieux, ainsi que les trappes par lesquelles apparaissent joyeusement les visions cauchemardesques qui hantent le pauvre persécuté. L’ensemble est irrigué d’une joie collective et communicative à laquelle on ne saurait résister. A voir absolument.” – Spectacles Sélection

– “La cohérence et l’harmonie entre cette troupe du Théâtre de l’Éventail, très active, basée à Orléans, et l’ensemble musical baroque La Rêveuse, séduisent. Comédiens et chanteurs sont au même niveau de talent et de justesse. C’est simple, sans esbroufe mais mine de rien, rempli de références théâtrales empruntées à la commedia dell’arte, aux masques, au carnaval, au théâtre de tréteaux, aux marionnettes napolitaines…” – Culture Tops

1. Pascal Rambert met en scène Une Vie au Vieux-Colombier, pièce qu’il a spécialement écrite pour six comédiens de la troupe :

– “Il y a de la beauté et du plomb dans l’écriture de Rambert, honoré par pléthore de traductions et de prix, dont, en 2016, celui du Théâtre de l’Académie française. Beauté (un brin épuisante) de la litanie, et de la solitude des personnages, avocats avant tout d’eux-mêmes. Beauté des acteurs aussi, beauté enfin de la pluie plombée de l’égocentrisme et des propos à l’emporte-pièce.” – Libération

– “Rambert écrit pour les acteurs, il les jette corps et âme dans la bataille. Avec eux, le passé et le présent, la vie et la mort s’interpénètrent et alimentent l’œuvre et son créateur, objets principaux d’un discours à la fois analytique et sensible sur l’homme et l’existence, avec ses merveilles et ses gratuités dans le propos.” – SceneWeb

– “L’artiste n’a pas de nom, mais un corps : comme toujours quand il joue, Denis Podalydès est à la fois tout à fait reconnaissable, et ­complètement autre. L’art de la transformation propre à l’acteur prend chez lui une dimension magique : elle s’impose, sans que l’on arrive à percer quelle alchimie l’a produite.” – Le Monde

– “Rambert mêle modernité (le théâtre de plateau-radio) et classicisme (l’intervention des fantômes), tragique et burlesque, dialogues incisifs et monologues lyriques. Ballotté, le spectateur rit, s’émeut, s’énerve parfois… Bluffé par la virtuosité de la langue, il peut s’agacer de sa préciosité. S’il se régale, quand l’interviewer titille l’artiste ou se lance dans une folle énumération botanique, il risque de trouver le temps long, lorsque le frère Amer n’en finit pas de déverser sa bile… Mais malgré ces trop-pleins et ces imperfections, il se laisse emporter par le tourbillon d’Une vie.” – Les Echos

– “L’ensemble est bien mené, non sans quelques longueurs inhérentes à l’écriture de Pascal Rambert, toujours menacé par l’emphase. Sans doute stimulés par une problématique qui les concerne au premier chef, les acteurs se coulent dans leurs personnages avec avidité, à commencer par Denis Podalydès, impressionnant de présence. Une vie d’artiste vue par un artiste, c’est un travail d’artiste.” – Marianne

– “En neuf tableaux, cette tentative de recomposer une vie est aussi une sublimation de la langue, que Pascal Rambert défend en privilégiant toujours une relation intime avec ceux qui l’incarnent : « je n’écris pas sur la vie privée des acteurs, j’écris pour leur voix, leur corps, leur énergie, précise-t-il, ce sont des êtres humains, pas des personnages de papier ». En prise directe avec le concret, ce théâtre nous assure de sa force en développant une plasticité du temps, une porosité entre l’art et la vie.” – Artistik’Rezo

– “Est-ce parce que le texte a été écrit pour les comédiens, ils sont tous excellents, complices, à l’aise dans leur rôle comme dans un costume familier. Chez Rambert le texte est souvent un peu bavard, mais il impose un style, une écriture moderne et en même temps très littéraire, parfois alambiquée, une singularité de point de vue qu’on retrouve dans la mise en scène.” – WebTheatre

2. Emmanuel Meirieu adapte pour la scène Des hommes en devenir de Bruce Marchart, un formidable travail à découvrir au Théâtre Paris-Villette :

– “Emmanuel Meirieu plonge ses acteurs dans un grand bain d’émotions. Sur la scène embrumée de nuées et traversée de flashs de lumière, chacun dit son texte face à un micro sur pied – chuchotant, frissonnant, sans jamais sombrer dans le pathos. Des images quasi subliminales (phares de voitures, corps, visages) projetés sur un voile devant la scène créent une atmosphère onirique.” – Les Echos

– “Il faudra donc avoir l’estomac bien accroché, ne pas se laisser contaminer par leurs idées noires, leurs destins sans avenir, pour supporter les récits des paumés mis en scène par Emmanuel Meirieu. Surtout qu’ils sont tous grimés, parfois sanguinolents ou porteurs de prothèses. D’aucuns les diraient affreux, sales et méchants. Ils sont d’autant plus saisissants qu’ils sont interprétés par Stéphane Balmino, Jérôme Derre, Xavier Gallais, Jérôme Kircher et Loïc Varraut et, qu’alors même qu’ils évoluent dans une absence de décor, leurs visages géants sont projetés à l’avant de la scène.” – Froggy’sDelight

– “Ces portraits impeccablement écrits et adaptés nous happent et deviennent une bulle entre fiction et absolue normalité qui questionne la notion de perte, de lien social, de communication. Il n’est pas question de défendre la légèreté à tout prix, mais d’encourager à surprendre, et pourquoi pas à multiplier les tons et les formes pour éviter la lourdeur de s’installer. Lorsqu’on est surpris, lorsque certains fragments nous prennent de court, c’est encore plus beau. C’est dire si Des Hommes en devenir est déjà d’une grande beauté.” – Un Fauteuil pour l’orchestre

– “Qu’il s’agisse de la mort du chien, du bébé, du jeune homme… pour tous, c’est gagné. Et l’on en sort lessivé. Les yeux brillants. L’angoisse au ventre. Le plexus en aiguille. Ces Hommes en devenirtémoignent et tentent, on l’a compris de se reconstruire. A la recherche d’une main tendue, d’une écoute charitable, d’un regard de secours. D’une épreuve partagée. A la recherche d’un semblant de nouveau bonheur. Inaccessible sans doute. C’est glaçant mais brillant.” – L’Humanité

– “Les cinq comédiens sont les instruments parfaitement accordés et exceptionnellement justes d’un blues métaphysique aux accents déchirants. La rage et la tendresse mêlées de ces êtres terriblement humains les haussent alors à la hauteur de héros tragiques, qui transcendent leur condition en ayant le courage d’en faire le récit. Si notre besoin de consolation est insatiable, ce spectacle en est l’impeccable et hypnotique rappel.” – La Terrasse

– “Michel Vuillermoz est exceptionnel de virtuosité dans le rôle de Pinglet qui le confronte à la déroute de son stratagème.  Anne Kessler et Florence Viala sont des conjointes étonnantes de candeur et de folie tandis que Laurent Lafitte incarne un Bastien aussi ambigu que maléfique. Quant à Christian Hecq, il est abracadabrantesque de drôlerie dans le rôle de Mathieu, l’ami bègue et crédule flanqué de ses quatre filles.” – Artistik Rezo

– “Pour le spectateur, il ne s’agit pas d’une navigation paisible face à ces trajectoires tragiques, mais d’une mise en position de témoin et parfois d’empathie douloureuse avec les personnages, en fonction de son vécu et de son degré de sensibilité. La représentation se déroule dans un espace abstrait, plus ou moins coloré et nuageux sous les lumières, et ponctué de projections vidéo discrètement indicatrices en premier plan, instaurant un climat adapté.” – WebTheatre

– “Dans les rôles de Ray et Dean, Xavier Gallais s’illustre encore ici comme l’un des plus grands acteurs de sa génération. Les mots ne semblent pas descendre de sa mémoire mais monter en jets saccadés depuis les tripes. Jérôme Kircher et Jérôme Derre partagent cette justesse et la maîtrise suffisante de leur texte pour ne jamais tomber dans l’excès.” –  SceneWeb

3. Après plus de 200 représentations autour du monde, la Compagnie Käfig poursuit sa tournée de Boxe Boxe au Théâtre du Rond-Point, un surprenant spectacle de danse :

– “Chaque performance s’accompagne d’une magnifique composition musicale orchestrée par le quatuor Debussy, également présent sur scène. Un répertoire globalement classique qui laisse toutefois la place à quelques morceaux de Philip Glass (un kiff intersidéral pour les fans).” – Les5pieces

– “Les couleurs sont sobres, le ton aussi. Sur ce ring poétique, on propose des images. Même si la musique classique déstabilise parfois, nous empêchant d’apercevoir en son sein le rythme tapé, caractéristique à la danse hip-hop, on est bercé par une bande originale variée et magnifique. Quand enfin le beat traditionnel du genre fait son entrée, on est d’autant captivé.” – Un Fauteuil pour l’orchestre

– “TT – Avec un titre qui boxe deux fois, on imagine l’uppercut. Le spectacle de Mourad Merzouki, directeur du Centre chorégraphique de Créteil, se place à la fois sur le terrain du combat et sur celui de la force plastique de la boxe. Sans céder à la violence sanguinolente de ce sport, le chorégraphe hip-hop en offre une vision onirique soutenue par les partitions musicales exécutées live par le Quatuor à cordes Debussy. ” –Telerama

– “L’accompagnement musical du Quatuor Debussy se présente de son côté à la fois comme le contrepoint et le compagnon du spectacle, tantôt onirique, tantôt mystérieux, parfois comique, qui se déroule sur le plateau. Ce sont de brèves séquences empruntées à Ravel, Verdi, Mendelssohn, Philip Glass, Henryk Gorecki ou au Schubert du quatuor La jeune fille et la mort. On ne s’ennuie pas un seul instant à cette fête d’interactions entre danse, musique et boxe.” – WebTheatre

– “La performance est physique mais également esthétique. Les ruptures de rythmes produisent des effets hypnotiques : les actions ralenties des danseurs mêlées aux lumières de Yoann Tivoli semblent sortir d’un mirage. Les danseurs fantomatiques  avancent sur nous. Le résultat est stupéfiant.” – Etat Critique

– “Sur le ring de boxe ou le tapis de danse, l’artiste sue, se bat, s’expose au regard du public, des critiques, de l’arbitre. Il combat ses limites et son adversaire. Solos, duos, mouvements collectifs, Boxe Boxe invite Mohamed Ali et ses sauts dansés. La pièce convoque les fantômes de Laurel et Hardy dans la fantaisie burlesque d’une boxe des débuts, drôle de lutte.” – Artistik’Rezo