© Céline Chariot

1. Rumeur et petits jours, Raoul joue Collectif, au Théâtre de la Bastille jusqu’au 18 mars :

– “On dirait la tribune du « Masque et la Plume » sauf que l’objet de l’émission est incertain… C’est potache, parfois très drôle, parfois moins. Derrière la blague, il y a une réflexion sur le groupe, le collectif, au théâtre comme dans la vie. Les Raoul semblent d’accord avec Winston Churchill, pour qui « la démocratie est le pire des régimes, à l’exception de tous les autres déjà essayés dans le passé ».” – Figaroscope

– “Quel plaisir ! un spectacle à la fois très grand public, à mourir de rire, et âprement politique, sans jamais que le propos ne soit frontal.
Le risque d’un tel spectacle, c’est qu’il soit statique, chacun derrière la table du studio. Il ne l’est pas. Ne serait-ce que parce que les membres, animés par la colère, ne peuvent s’empêcher de se lever, s’invectiver, s’auto-exclure… Mais surtout parce qu’au milieu de la représentation, une Tina sort du corps de Robert, celui-là même qui conspuait le libéralisme. Tina comme «There is no alternative», la célèbre formule de Margaret Thatcher. Tina n’est pas une personne, même si elle se déploie sur scène. C’est une formule, et c’est toute l’intelligence de Raoul collectif d’en avoir fait un personnage comique, à la Amanda Lear, plutôt qu’une idée à démonter…” – Libération

– “TT Pas évident de faire rire des intellectuels fatigués dans une société fermée sur ses préjugés… Raoul Collectif y parvient avec un esprit dada incendiaire et convainc qu’il existe toujours une alternative à l’épuisement de penser… Sarcastique et déglingué, le collectif belge met à sac les idées toutes faites avec un humour ravageur. Réjouissant.” – Télérama Sortir

– “La bande des cinq belges qui composent le « Raoul Collectif » a pris la scène de la Bastille d’assaut avec un sens de l’humour et de la provoc à toute épreuve. La charge est menée à fond de train, avec forcément des moments plus faibles que d’autres, vu qu’il est difficile de tenir un tel rythme sans déraper ou sans ralentir. Mais ne cherchons pas des poux dans la tonsure des membres d’un collectif qui balance un cocktail molotov humoristico-idéologique sur la scène du théâtre Bastille, où la filière belge a ses entrées depuis si longtemps. Des spectacles de ce cru, on ne s’en lassera jamais.” – Marianne

– “Au-delà de l’amusement et des pistes de réflexion qu’elle peut faire naître, cette fantaisie donne l’impression de manquer d’audace et de complexité théâtrales. Le propos défendu par le collectif belge aurait, en effet, sans doute été plus fort s’il avait engendré une représentation dépassant le cadre de ce théâtre de genre. D’apparence loufoque mais finalement assez lisse, Rumeur et petits jours se révèle trop sage. On aurait aimé plus de liberté. Plus d’invention. En somme, plus d’anticonformisme. En s’émancipant des codes du déjà-vu, les artistes du Raoul Collectif nous auraient épargné certaines facilités…” – La Terrasse

– “Un doux délire.
Il y a bien des manières de parler de politique, et de tenter de cerner l’impuissance et l’impasse dans laquelle nous nous enfonçons un peu plus chaque jour. Il y a celle, plus légère, mais qui n’en a pas moins sa pertinence, au vu du bel accueil public reçu par leur spectacle, du Raoul Collectif. On retrouve leur manière de se promener, surréalisante…” – Le Monde

– “Le club des cinq garçons loufoques du Raoul Collectif récidive. Spectacle réjouissant qui s’interroge sur une alternative au néo-libéralisme dominant. Glaçante et désopilante, Tina affirme sa primauté sur le monde contemporain, sans discussion possible. Face à ce mur dogmatique aux allures charmantes, ne reste plus qu’à se raconter des histoires … alternatives. En cela, le Collectif Raoul (donc le groupe) excelle. Jamais à court de ressources, d’imagination, d’inventivité, de drôlerie…” – Rue du théâtre

– ” S’ils se moquent des tentatives récentes, de “Podemos” à “Occupy Wall Street”, c’est avant tout parce qu’il y a en eux cette étincelle surréaliste qui caractérise bien de nombreux Belges, qui n’ignorent pas que la Belgique est le plat pays du surréalisme et du situationnisme… Occuper la scène théâtrale plutôt que Wall Street, contester par le rire, proposer par la poésie, c’est le programme du Raoul Collectif dans ce “Rumeur et petits jours” qui s’inscrit dans cet air du temps théâtral qui ausculte le politique et le social. Le Raoul Collectif cherche une voie théâtrale de contestation qui ne se contente pas du constat et brandit à nouveau l’étendard d’une utopie collective la plus joyeuse possible.” – Froggy’s delight

© Martin Argyrolo

2. La Nuit des taupes : Philippe Quesne nous entraîne dans une exploration ludique mais profonde, au Théâtre des Amandiers jusqu’au 26 novembre :

– “A la fois drolatique et inquiétante, la pièce est une performance qui se fonde sur l’imbrication entre le scénique et le scénographique, sans le secours d’une narration claire ou d’un jeu théâtral incarné. Formé aux arts plastiques, Philippe Quesne fait naître une écriture de plateau hétéroclite et bricolée et bâtit des mondes ou des écosystèmes où habitent des communautés insolites. Souligné par des lumières très réussies, le voyage suit son cours à travers diverses saynètes et diverses situations, plus ou moins évocatrices et frappantes…” – La Terrasse

– “Réjouissant. Philippe Quesne cache une inquiétude lucide sous un masque fantaisiste et désinvolte, capable de donner vie à l’inanimé et de faire vivre un plateau par la grâce exquisément malhabile d’interprètes plus occupés à découvrir l’espace où il les parachute qu’à tenir les rênes d’une narration trop bien ficelée. A l’homme jetable, Philippe Quesne oppose une réjouissante humanisation de l’animal.” – Les Inrockuptibles

– “Le metteur en scène Philippe Quesne explore avec malice et poésie ce qui se trame dans les sous-sols. Cette représentation singulière, un brin utopiste, file la métaphore : et si, à l’image de la taupe, nous trouvions nous aussi des refuges pour échapper à ce qui pèse sur nos épaules ? Philippe Quesne aime plonger le public dans des univers décalés, bucoliques et animaliers. Sa représentation, même souterraine, est un véritable bol d’air.” – La Vie

– “Philippe Quesne est un homme de théâtre plasticien par qui tout peut arriver…Y compris cet insensé et burlesque spectacle à base de taupes (les acteurs y sont devenus invisibles dans leurs costumes de fourrure !)
Malgré quelques longueurs, l’aventure théâtrale pose de passionnantes et jubilatoires questions sur l’imaginaire des grottes, du sous-sol, des abris. Sur nos origines donc, comme sur nos fins dernières… Seul Philippe Quesne prend encore le risque aujourd’hui de spectacles aussi fous…” – Télérama Sortir

– “On dit parfois que la dramaturgie ne supporte pas les temps morts. Je crois à l’inverse que le théâtre permet de dilater le temps. Je suis persuadé que les théâtres ont cette fonction dans l’espace public d’être un lieu où il est encore possible de réfléchir ensemble.
[Enfant, je] collectionnais les insectes, et j’élevais notamment des phasmes, ces insectes qui survivent grâce à un paysage dans lequel ils se fondent. Sont-ils une métaphore de la vie de l’artiste ? Quand il y a un danger, ils cessent d’être repérables. Au théâtre aussi, j’aime ralentir la vitesse du monde, me fondre dans le décor, arrêter le tumulte, et vivre et faire vivre un voyage immobile.” – Libération

“On dit parfois que la dramaturgie ne supporte pas les temps morts. Je crois à l’inverse que le théâtre permet de dilater le temps.”

– “A l’aveugle, on s’engouffre avec ces taupes pour découvrir, stupéfait, un royaume en sous-sol, allégorie d’un monde certes replié sur lui-même mais complètement délirant. On fait son trou dans la superbe et ingénieuse scénographie figurant une grotte de carton-pâte… Toutes aussi farfelues que réflexives, les taupes de Caveland nous invitent dans leur terrier pour mieux reconsidérer notre rapport au monde et à l’existence. C’est bien l’enjeu de la proposition ludique et utopique de Philippe Quesne.
Ces mammifères mal aimés deviennent des compagnons irrésistiblement attachants et même électrisants lorsque, affranchis de tout, ils jouent de la batterie, de la guitare et du thérémine dans un esprit rock underground onirique jusqu’au bout de la nuit.” – Toute la culture

– “Cette plongée dans un univers parallèle nous permet d’observer les mœurs les plus intimes de ce peuple de mammifères à la vue approximative. Elle nous permet surtout d’admirer l’incroyable univers visuel et sonore qu’a construit l’actuel directeur du théâtre Nanterre Amandiers… Nous découvrons un univers fascinant, uniquement fait de bruits et de sons. Passé l’effet de surprise et d’amusement, ces 24h passées dans la vie d’une troupe de taupes s’avèrent une expérience aussi euphorisante que perturbante. La nuit des taupes est d’abord une invitation magnifique à la divagation et à l’expérience sensorielle.” – Un fauteuil pour l’orchestre

3. Un Richard III, Royauté me lie forain, bariolé et fantasque, au Théâtre de l’Aquarium jusqu’au 3 décembre :

– “TT Éblouissant spectacle. Une œuvre collective pour mettre en scène un Richard III burlesque dans une scénographie poétique et brillante, où l’on ne sait plus si l’on est dans un théâtre, un cirque ou une foire. C’est magique. Un spectacle ingénieux et poétique où, malheureusement, le texte est souvent écrasé par toute cette inventivité.” – Télérama Sortir

– “La truculente scénographie de Stéphane Blanquet et Jean Lambert-wild offre un écrin magique à deux comédiens éblouissants.
On rit au spectacle d’une méchanceté si aboutie et on tremble d’être caution d’une telle infamie ! Le théâtre est rendu à sa vertu cathartique : l’histoire du fléau de sa race est une tragédie vertigineuse et frémissante. On retrouve l’originalité corsetée par une maîtrise hallucinante des arts de la scène des précédents spectacles de Jean Lambert-wild. ” – La Terrasse

– “Entretien avec Jean Lambert-wild” – RFI

“L’oralité des mots m’est importante, comment un mot va “crocher” dans la langue, c’est physique, il y a une “physicalité” des mots”

– “Un Richard III étonnant, épatant, d’une invention formidable, une machine à jouer, un théâtre de foire tragique et sanglant, un jeu expressionniste et bouffon… Deux sacrés monstres s’enfonçant dans la folie d’une représentation non moins génialement monstrueuse. Jean Lambert-wild et Elodie Bordas. Deux heures d’une création radicale, étonnamment claire et lumineuse dans la noirceur poisseuse. C’est un cauchemar burlesque que souligne la scénographie de Stéphane Blanquet, ce castelet infernal, palais du rire figé dans un rictus d’horreur, mais peuplé de fantômes étranges…” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Jean Lambert-wild a choisi de placer les cruelles aventures de Richard dans une espèce de “Palais des Merveilles” dans lequel chaque niche contient une surprise que l’on ne devine jamais et que l’on attend à chaque fois avec un plaisir toujours renouvelé. Création de Stéphane Blanquet, cette véritable œuvre d’art est en soi, une des raisons de ne pas manquer ce “Richard III” qui n’a pas peur de la beauté.
Si l’on voulait initier à l’art dramatique quelqu’un qui n’aurait jamais mis les pieds dans un théâtre, le “Richard III” de Jean Lambert-wild serait le spectacle idéal, le spectacle total. Car, outre le verbe shakespearien et les surprises visuelles, il serait confronté à deux véritables athlètes qui se dépensent sans compter pour montrer combien une représentation théâtrale peut être magique et loin du réel quotidien.” – Froggy’s delight

– “Un spectacle créé par une équipe ultra talentueuse, qui fait confiance au travail et aux idées poétiques pour nous donner à sentir, simplement mais sûrement. Quelques scènes apparaissent un peu longues, du fait d’un trop-plein de texte et d’images shakespeariennes. Mais on est très heureux qu’à d’autres moments, Richard s’adresse à nous frontalement, de façon burlesque… Malgré la sobriété des effets, fureur et emportement se manifestent. C’est que le spectacle sait faire confiance aux artistes, et à leur talent, pour nous étonner. On le remercie grandement.” – Toute la culture

© Claire Acquart

4. Hamlet Transgression, une forme courte et dense, en prélude à Richard III… au Théâtre de l’Aquarium jusqu’au 3 décembre :

– “TT On est sous le charme, même si l’on ne comprend pas tout. La tension tragique est sensible sur le plateau et dans la salle. Cette courte pièce, qui s’apparente davantage à une performance, est d’une grande poésie et constitue un très beau geste artistique.” – Télérama Sortir

– “Sur le plateau deux comédiennes portent les mots du prince du Danemark, en les clamant les chantant les hurlant et un miracle se produit. La difficulté à vivre, la mélancolie de Hamlet que secrètement chacun de nous partage avec lui dévoile son visage et de ce partage émerge en nous une joie optimiste.
Les deux comédiennes sont divines, quasi célestes. Ces 35 minutes de bonheur nous font du bien. Il se sera produit dans la petite salle du Théâtre de l’Aquarium une chose extrêmement rare entre hallucination et rêve éveillé.” – Toute la culture

– “Touché en plein cœur par la dualité des sentiments et de leur jeu, on sort exsangue de cette joute verbale lyrique et mortifère, de cette petite folie bouleversante qui secoue l’âme. Tour à tour, vers chantés et parlés se mêlent en une puissante litanie qui nous trouble et nous ébranle.
Fasciné par le talent ciselé des deux artistes, on est séduit par cet étrange OVNI qui allie l’art opératique et l’art théâtral avec virtuosité et ingéniosité, par cette douce et poétique aliénation des âmes solitaires qui s’unissent en un cri étourdissant et universel.” – BSC News

1. À l’Odéon-salle Berthier, The Foutainhead : Ivo von Ove en grand architecte quasi incontesté de l’art théâtral et de la direction d’acteur !

– “Un savoir-faire et des comédiens éblouissants, et, parfois, une dimension spectaculaire qui phagocyte la représentation.
La confrontation enfiévrée et exacerbée semble parfois manquer de nuances, comme si elle était prisonnière de sa dimension spectaculaire, très frontale et radicale. Peut-être parce que la dimension technique, certes impeccablement maîtrisée, est trop envahissante. Certaines scènes – celles où Roark (Ramsey Nasr) dessine et celle où il détruit des logements sociaux qui ne lui conviennent pas – sont vraiment très belles, et les comédiens comme à l’accoutumée dans cette troupe d’excellence sont tous éblouissants.” – La Terrasse

– “Ivo van Hove ne prend pas parti, laisse le spectateur se faire sa propre morale.
Au fond, des musiciens s’agitent autour de leurs instruments et consoles. La fièvre créatrice, au centre du roman, a gagné toute la scène. L’architecture devient spectacle : croquis dessinés sous nos yeux et projetés en vidéo. Même les scènes d’amour, filmées en vue plongeante, ont un côté arty. Mais au-delà des images, c’est l’intensité du jeu, le naturel des comédiens, qui fascine et bouleverse… Ivo van Hove nous convainc presque que le théâtre en dit plus long que le cinéma. Avec « Fountainhead » il démontre à ceux qui l’ignoraient encore qu’il est un grand des scènes d’Europe.” – Les Echos

– “En adaptant « The Fountainhead », de la philosophe et romancière américaine Ayn Rand, le Flamand Ivo van Hove pose de façon éblouissante la question de la création, et des choix possibles de l’artiste.
La mise en scène très cinématographe de van Hove est à la fois simple et spectaculaire… Il a aussi cet art du rythme et de la rupture. On garde littéralement les yeux rivés sur la scène durant les quatre heures que durent le spectacle, en néerlandais surtitré ! Mais on ne s’ennuie pas une seule seconde, tenu par cette histoire à rebondissements multiples comme une bonne série télé, grâce aussi à la limpidité et à l’intensité du jeu des acteurs.” – Culture Box

– “Ivo Van Hove architecte d’un grand spectacle.
Un théâtre absolument passionnant servi par de très grands acteurs excellemment dirigés. Une adaptation magistrale du roman controversé d’Ayn Rand qui ose questionner sans concession le statut de l’artiste dans son époque et l’essence même de l’acte de créer.
La mise en scène propose une forme grandiose qui cependant n’anéantit pas le jeu inouï des acteurs.” – Toute la culture

– “Chez Ivo van Hove, tout part toujours du texte, c’est le moteur de sa puissance scénique, laquelle nous emmène très loin… Au bout de trois heures, la fatigue de lire des sous-titres se fait sentir mais, oublions cela, c’est une soirée d’une très grande richesse, excitante au possible. Comme toujours dans les spectacles d’Ivo Van Hove, les acteurs sont de premier ordre.” – Théâtre et Balagan / Obs

– “Un interminable feuilleton scénique de 3h45… Pourquoi faire court quand on peut faire long, si long ? Dans la manière du brillant patron du Toneelgroep d’Amsterdam de s’installer si impérialement dans l’espace et le temps, se ressent souvent comme une volonté de pouvoir sur le public. Et en plus, il y a cette frime si agaçante sur le plateau. Passe l’usage, bien contrôlé et intéressant des écrans vidéo, mais ces machines qui ne servent à rien, ces techniciens derrière écran, comme derrière une tour de contrôle !…” – Télérama

2. Au Petit Saint-Martin, Fabrice Melquiot offre un duo troublant : M’man, porté par deux acteurs en état de grâce :

– “Magistralement interprétée par Cristiana Reali et Robin Causse, la tragi-comédie de Fabrice Melquiot émeut et fait rire. Fabrice Melquiot, 40 et quelques années, écrit depuis longtemps et dans des formats et registres très différents. Il est fin, sensible, il a acquis du métier sans jamais perdre l’élan et la sensibilité…” – Le Figaro

– “Le rôle de M’man est taillé sur mesure pour Cristiana Reali [qui] déploie avec brio toute la palette du personnage. Robin Causse incarne avec sobriété le fils étouffé/désespéré. Charles Templon met en scène avec élégance ce duo théâtral troublant. ” – Les Echos

– “Les deux comédiens réunis sont magnifiques, et Charles Templon, qui les dirige, peut compter sur ces deux fortes natures. Cristiana Reali est vive, profonde, sait passer d’une humeur à l’autre aussi vite que Brunella. Robin Causse est beau, touchant, fin, singulier. Ils parviennent à éviter toute équivoque, car ils sont sincères et aiment leurs personnages. On rit beaucoup mais on a le cœur serré.” – Figaroscope

– “Cinq conversations jalonnent les rapports d’une mère et de son fils durant une dizaine d’années. Leurs liens sont fusionnels, c’est-à-dire à la fois aimants et totalement agressifs. La pièce de Fabrice Melquiot analyse ces rapports avec précision : la fusion maladive, la solitude féminine, l’absence du père. Robin Causse fait un fils excédé mais juste et sobre.” – Télérama Sortir

– “Les mères abusives hantent les familles et les théâtres. La louve aime l’agneau en le déchirant à petits coups de dent.
Grand écrivain moderne que Melquiot ! Jusqu’à maintenant il n’avait pas eu trop de chance avec les théâtres privés parisiens. Cette fois, à la Porte Saint-Martin, l’accord est trouvé. Charles Templon met en scène “M’man” comme autant de rounds où l’amour se casse les dents à force d’être envahissant. Templon place les deux personnages dans un rapprochement confiné avec une drôlerie toujours terrible. Cristiana Reali compose un mère toujours infernale et toujours tendre : c’est l’un de ses grands rôles, elle va au plus profond d’une vérité humaine. Robin Causse est avec délicatesse l’enfant qui a grandi sans qu’on lui donne le droit à l’âge adulte : l’acteur a beaucoup de charme, de douceur et de fragilité…” – WebThéâtre

3. Vladimir Jankélévitch, la vie est une géniale improvisation : au Lucernaire, Bruno Abraham-Kremer donne vie à une pensée !

– “TT Qu’il parle de musique, de l’instant, de la mort, de l’intuition ou de l’amour, le propos est constamment passionnant et accessible aux néophytes. Bruno Abraham-Kremer nous offre une heure et demie d’intelligence et de joie.” – Télérama Sortir

– “Le titre, déjà, donne envie de l’aimer, ce spectacle : La vie est une géniale improvisation. A peine lu, l’esprit part en vadrouille… Si le spectacle de Bruno Abraham-Kremer est si vivant, si humain, c’est d’abord que la forme de la correspondance le permet : c’est un Jankélévitch plus accessible, plus intime que dans les écrits théoriques qui s’exprime ici. Si tout ce qui se dit ici est aussi vivant, aussi saisissant, c’est d’abord grâce au talent d’acteur de Bruno Abraham-Kremer. Il n’incarne pas Jankélévitch lui-même, mais le mouvement de la pensée qui, chez le philosophe, était inséparable de celui de la vie. Et c’est bouleversant.” – Le Monde

– “Un hommage éblouissant à un libre penseur. Un moment de théâtre truculent et pénétrant !
Le conteur inspiré fait vivre les écrits, se mettant à la place des deux rédacteurs dans des pantomimes habitées. Les dernières minutes révèlent la grande sagesse d’un homme hanté par les souvenirs de la barbarie. Pour une émotion à couper le souffle.
La pièce se conclut par une légitime et méritée salve d’applaudissements. Nul besoin d’être féru de philosophie pour apprécier ce moment de théâtre entier et habité. La salle était comble, n’hésitez pas à réserver votre place pour admirer les talents de conteur du comédien hors pair et la philosophie si cruellement actuelle de cet esprit libre.” – PublikArt

– “Abraham-Kremer et Corine Juresco (co-auteur dont il convient d’applaudir le choix difficile de collecte et de sélection) nous donnent à voir un Jankélévitch toujours malicieux et souriant à la vie, une sorte de Nietzsche sans la névrose…” – Toute la culture

4. À noter aussi : on parle de la future Cité du théâtre :

– “Un grand projet réjouissant… Côté Berthier, c’est la révolution. La Comédie-Française, l’Odéon et le Conservatoire vont occuper les 20 000 mètres carrés du site, dont l’architecture autorise tous les rêves.” – Le Monde

– “Cette Cité du théâtre « est un projet qui vient de loin », rappelle la ministre de la culture, Audrey Azoulay… Le financement de l’étude est déjà assuré mais le projet devra survivre aux prochaines échéances électorales…” – La Croix

1. Un François Morel délicatement charmeur dans La Vie (titre provisoire) : un moment, sinon fort, au moins délicieux :

– “TTT – Le bonbon de la rentrée dont on ne saurait se passer. Un kaléidoscope de chansons comme une touchante et authentique collection d’ex-libris du grand livre de l’existence. Tendres, mélancoliques ou franchement poilantes – irrésistible Petit Jésus tu m’as déçu -, on se régale des mélodies composant ce récital aux couleurs jazz, mis en scène par Juliette sous la forme d’un hommage facétieux au music-hall.” – Télérama Sortir

– “L’artiste réveille le souvenir des récitals d’autrefois – à Bobino, à l’Olympia… – avec drôlerie, distance et modestie… Les mélodies sont légères, les arrangements malins, « vieux style » avec ce qu’il faut de modernité pop et jazzy… Les textes de Morel n’ont rien d’explosif, ils sont comme à l’accoutumée, subtils, fantasques, doux et un brin fêlés. Le chanteur a la voix sûre, animée d’un léger trémolo. Plus touchant à la scène qu’en disque, La Vie (titre provisoire) distille un beau parfum d’humanité lucide.” – Les Echos

– “Un nouveau récital, placé sous le signe du désenchantement. Pas question, pour autant, de s’abandonner à la morosité. Le spectacle, mis en scène par sa vieille copine Juliette, garde toute la candeur, la tendresse, l’humour du comédien-chanteur-poète qui manie comme pas deux la relation avec son public. Le récital s’égrène comme une farandole de vignettes, de saynètes poivre et sel qui, à chaque fois, révèlent un micro-état du monde et de ses habitants…” – Rue du Théâtre

– “Juliette met en scène ce cabaret tendre, projet humaniste de réconciliation durable avec le fait d’exister. Quel bonheur de retrouver François Morel, dans une mise en scène malicieuse de sa complice Juliette. Accompagnés par des musiciens aux petits oignons, François Morel distille donc ces petits moments de bonheur. Des airs aux teintes d’Alain Souchon, comme « La vie », d’autres plus personnels et à chaque fois de jolies découvertes. Certes quelques titres pâtissent d’une écriture qui laisse un peu perplexe, mais foin de ces réserves, l’excellence de l’ensemble l’emporte haut la main.” – Regard en coulisse

– “Pas tant nostalgique que tendre, le registre du tour de chant suit une égale ligne inspiratrice, la même tonalité musicale, sans émergences ni grands reliefs ou moments forts… Certains textes accrochent davantage, comme Petit Jésus, tu m’as déçu, plus sarcastique, où l’on retrouve l’esprit de ses chroniques de France Inter, mais ce dernier spectacle de chansons ne convainc pas totalement et laisse sur sa faim… Avec Une chanson populaire, “un refrain tout bête”, il clôt son hommage à la chanson et à la vie, comme on l’aime, ni plus, ni moins.” – Le Journal du dimanche

– “François Morel déroule un tour de chant tendre et lumineux, les facettes de la vie, de ses incohérences et de ses moments de grâce aussi. Scéniquement, cela aurait mérité quelques fulgurances et quelques surprises dans la mise en scène. Si le ton, l’unité et le côté classique vaguement rétro du spectacle sont indéniables, on a tendance à retomber en intensité…” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Certaines chansons, dans leurs mélodies, ont un peu trop le côté cabarets branchés-intellos des années 50-60; et je n’étais pas le seul à m’ennuyer, de ce fait, par moments. Ce spectacle peut-il toucher les moins de 30 ans ? J’ai dit mes petites réserves, mais la présence de François Morel est tellement forte, tellement généreuse, tellement fusionnelle avec le public, qu’il l’emballe et fait une fin triomphale. Sur le fond, Morel est, comme Houellebecq, un poète obsédé par la mort, mais sa réponse à lui, c’est la tendresse et l’humour. Laissez-vous embarquer, vous passerez un moment rare.” – Culture Tops

– “François Morel dispense les titres de son album dans une mise en scène minimaliste et dépourvue de caractère… Sans effet scénique, si ce n’est le tempérament de comique de François Morel qui resurgit dans de mini-intermèdes humoristiques et le pousse à quelques esquisses d’imitations de Charles Aznavour à Jacques Chirac, le spectacle se déroule sur un rythme de thé dansant pour troisième âge heureux…” – Froggy’s delight

2. Caubère se démultiplie à l’Athénée – deux solos : Bac 68 et La Danse du Diable, la mise en scène de L’Asticot de Shakespeare, de Clémence Massart : des retrouvailles appréciées !

– “Entretien croisé Philippe Caubère/Clémence Massart” – La Terrasse

Jouer l’irruption de 68 et de ce mouvement de libération est très important dans la situation actuelle qui ressemble – je trouve – à celle d’alors.

– “Des textes très écrits pour des récits drôles et touchants… Philippe Caubère, tel le magicien de L’Illusion comique de Corneille, va nous faire voir, revoir le passé, va faire vivre, revivre des personnages que l’on connaît ou non, que l’on reconnaît ou non, des personnages d’une humanité touchante, fragiles et cocasses, des êtres entravés qui cherchent leur liberté…” – Le Figaro

– “TT Les jeunes spectateurs, qui n’ont pas pu découvrir les solos biographiques de Philippe Caubère voilà trente-cinq ans, se régaleront de cette fulgurante adaptation d’un des meilleurs épisodes de sa feuilletonesque autofiction théâtral… Tableau de la France des années 60, de la vie provinciale, de la jeunesse enfiévrée de l’époque, cette tranche de vie et d’histoire(s), écrite avec truculence, permet à Caubère d’éblouir et de réjouir en quelque deux petites heures, qui passent comme un rêve de théâtre.” – Télérama Sortir

– “Dans ce spectacle qu’il joue depuis plus de quarante ans, Philippe Caubère interpelle parfois le public pour s’interroger sur ses quatre décennies passées et pour rappeler qu’il y a longtemps il ironisait sur la possibilité qu’un de ses spectacles puisse traverser le temps sans dommages. C’est pourtant ce qui arrive… Ce qui frappe, c’est l’énergie de Caubère, la maîtrise toujours égale avec laquelle il entraîne chaque spectateur dans son ailleurs personnel. On rit franchement, d’un beau rire sain… Le spectateur est devant lui, pantelant et médusé car il sait qu’il peut déjà dire à la cantonade : “j’y étais”. Dire que c’est admirable et à ne pas manquer est la moindre des choses.” – Froggy’s delight

– “Montrant une énergie époustouflante, l’auteur-acteur transformiste infatigable y déploie une foule de rôles hilarants… L’acteur-auteur, transformiste génial, frise la schizophrénie. Car il ne se contente pas d’incarner mais d’être tous les personnages de ces séquences et séances psy-théâtrales hilarantes… une logorrhée ahurissante qui semble n’avoir pas de fin (et parfois ni queue ni tête), où l’absurde le dispute au cocasse.” – Rue du théâtre

– “Je n’ai pas connu 68, ni au bac, ni ailleurs. Je n’ai pas connu la Diane, ni Gérard Philipe. Mais je connais Caubère et ses monologues à mille voix, sa précision, ses visages… Dans le jeu que Caubère invente, tout a une voix. Ferdinand, sa mère, son prof, sa voiture… On rit, beaucoup, on assiste aussi à de vraies perles d’écriture… Bien sûr, on peut trouver les trois parties inégales en terme de poids, de construction, la plus satisfaisante étant le passage – enfin – de Ferdinand à l’oral du bac… Mais Philippe Caubert est Philippe Caubert, avec son ton, son écriture, et sa simplicité…” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Clémence Massart est une comédienne insolite et libre qui mène sa carrière comme elle l’entend. Elle s’est essayée à tout “LA” Massart, étonnante, directe, sans fioriture. Ses apparitions sont toujours d’une extrême originalité. Vision guillerette sur la mort, il fallait le faire et Massart l’a fait ! C’est drôle, convaincant, on aurait presqu’envie de prendre rendez-vous avec cet asticot là pour être mangé dans la joie… Clémence Massart est un ovni, un monument, une gueule, un physique, une personnalité unique dans son genre. Elle a de nombreux aficionados dont vous ferez partis, à coup sûr, si vous allez voir ce spectacle où l’on meurt volontiers… de rire.” – Théâtrothèque

3. François Orsoni met en scène La Mort de Danton de Büchner : les critiques saluent l’entreprise, sans dissimuler quelques retenues :

– “Il faut saluer la mise en scène de François Orsoni ainsi que la prestation des acteurs… On regrettera l’intrusion verbale dans la pièce d’extraits de Michel Houellebecq, d’Angélica Liddell et de Pierre Michon, qui viennent plus brouiller les esprits qu’éclairer le propos. C’est une maladie infantile du théâtre moderne que de confondre l’audace et le confusionnisme, le dépoussiérage et l’embrouillage. « Faire, c’est bien, refaire, c’est mieux », disait Jean Vilar. Mais attention à ne pas défaire. Certes, on n’en est pas là avec cette « Mort de Danton » bien troussée, mais un brin de sobriété dans l’innovation ne nuirait pas au succès qu’elle mérite.” – Marianne

– “On est saisi par la belle froideur du dispositif. Les lumières oniriques contribuent à donner des nuances fiévreuses et sépulcrales au poème tragique de Büchner. François Orsoni part donc d’une belle idée pour mettre en scène la chute de Danton, happé par la spirale sanglante de la Révolution, tout autant que par sa mélancolie et son indécision (à la Hamlet), mais une idée qui s’avère hélas inaboutie. Elle est ici survolée, presque désincarnée, malgré de bonnes intentions. Le spectacle reste à l’état de « work in progress », manque de véritable parti pris et d’intensité. Promis à une longue tournée (passant par le Théâtre de la Bastille en février-mars), il gagnera peut-être avec le temps, on l’espère, en puissance et en clarté.” – Les Echos

– “François Orsoni a choisi une très belle traduction. Peut-être même la plus belle qui ait été écrite à ce jour. Très bon choix donc… François Orsoni choisit en effet de faire jouer les acteurs sur une zone subtile, une zone-frontière située entre la personnalité de chaque comédien et le moment où il prend le masque. C’est un choix périlleux, car les comédiens peuvent être tentés de retourner à leurs fondamentaux et à leurs facilités pour se rassurer. Et c’est – de fait – ce qui arrive souvent. On peut regretter que la signature de la mise en scène ne soit pas plus affirmée, et ne se détache pas davantage d’images maintes fois éprouvées.” – Théâtrorama

– “Si le parti-pris de François Orsoni brouille un peu les pistes et transforme les personnages en figures, il est clair que son propos est de nous rendre sensible la fulgurance du texte de Büchner et de nous faire percevoir tout ce qui y palpite de déchirante humanité. En cela le spectacle est une réussite et mérite toute notre attention en dépit de quelques enjolivures inutiles, telles les lunettes noires de Danton ou l’injection, même subtile des textes de Houellebecq, Angelica Liddell, Pierre Michon qui n’ajoutent rien à la modernité de Büchner.” – Webtheatre

4. Arnaud Denis, metteur en scène et comédien apprécié, prend le risque de l’écriture avec un Personnage désincarné qui retient l’attention :

– “Une pièce étrange, prenante, dérangeante. C’est un thème familier : le théâtre dans le théâtre. Mais Arnaud Denis imagine une situation très cruelle. C’est très bien joué par les trois comédiens. Marcel Philippot avec sa manière classique, son timbre ferme, son autorité. Audran Cattin avec quelque chose de frais, de très convaincant et sensible. Grégoire Bourbier avec sa sincérité. C’est bien, très bien, mais on ne peut s’interdire d’être noué par cette situation, cette imagination tellement sombre…” – Armelle Héliot, Le Grand Théâtre du monde

– “D’abord, on a l’impression d’une reprise un peu conventionnelle et cérébrale des thèmes du théâtre de Pirandello : un acteur sort de son rôle et se rebelle contre l’auteur… Rien de très neuf dans tout ça. Sauf qu’Arnaud Denis est intelligent et qu’il est en perpétuel déséquilibre entre toutes les conventions du théâtre, dans une écriture comme en spirale. Après donc une première moitié trop attendue, le spectacle se transforme en quelque chose de plus original, de plus profond, de plus émouvant, qui retient davantage l’attention.” – Télérama Sortir

– “À partir d’un postulat original qui s’apparente à une réflexion sur l’art du théâtre, l’auteur Arnaud Denis a écrit un texte brillant à caractère universel… Riche, dense, argumentée, la pièce réussit à fédérer un large public grâce également à la qualité de la distribution… Pièce à voir et à revoir tant chaque phrase, chaque mot, incarnés avec brio, exaltent et ont du sens. Bravo !” – Reg’Arts

– “…La pièce qui n’aura pas lieu aurait eu pour personnage principal un jeune homme se suicidant devant une fenêtre lumineuse – prétexte à la mise en abyme – rappelant cet ailleurs impossible beckettien. La pièce de substitution sera autant un échange qu’un renouvellement : l’auteur ayant construit son personnage pourrait finalement ne s’adresser qu’à lui-même, questionnant ses propres doutes et tourmentant ses propres convictions. Marcel Philippot, Audran Cattin et Grégoire Bourbier se tiennent toujours à la lisière de la scène, entre illusion et désillusion, à frapper les trois coups en hommage à leur art, tout en explorant ses possibilités et en lui donnant de nouvelles, et riches, lettres.” – Théâtrorama

– “Un texte bien écrit, de beaux effets de mise en scène nous faisant subtilement glisser vers l’irréel… mais si le postulat de base est ingénieux (un personnage qui s’affranchit, bousculant ainsi les codes de la création) et nous émerveille dans un premier temps, la première partie finit par tourner un peu en rond : le dialogue initial donne souvent une impression de redite.” – Culture Tops

1. Un concert de louanges quasiment à l’unisson pour Edmond, la nouvelle création d’Alexis Michalik :

– “Une épopée débridée. Un bijou… deux heures d’un spectacle jubilatoire. Douze merveilleux comédiens se partagent la trentaine de rôles… Quelle fluidité ! On installe et désinstalle en un tour de main, les décors semblent virevolter autour des comédiens. On rit, beaucoup, on s’émeut aussi, devant l’écriture du chef-d’oeuvre. Et frissonnant de plaisir, on assiste à la première de cette pièce mythique, applaudissant à tout rompre la puissance et la réussite. Tant celles de Rostand le magnifique que celles du magicien Michalik.” – Le Parisien

– “Si vous passez rue Montpensier à Paris aux alentours de 23h, vous croiserez le public réjoui… S’inspirant de faits réels et avec une verve et un talent intacts, Michalik retrace la genèse du chef d’œuvre… Le public enchanté, n’en perd pas une miette. Michalik et sa troupe nous emportent dans un tourbillon d’inventivité… Il signe avec “Edmond” un magnifique hommage au théâtre de l’âge d’or, juste avant l’invention du cinéma par les Frères Lumière. Au point qu’on ne sait plus à la fin si l’on est en train d’applaudir Rostand ou Michalik, si on est un spectateur de 1897 ou de 2016. Un grand écart dans le temps tout à fait jubilatoire. Une réussite à voir absolument.” – Culture Box

– “Artiste aux dons multiples, Alexis Michalik raconte l’histoire de la création de Cyrano de Bergerac et signe une mise en scène allègre. Ce sont Les Enfants du paradis chez les Branquignols. La troupe est excellente !” – Le Figaro

– “Lettre d’amour au théâtre. Edmond nous raconte l’effervescence créatrice de Cyrano, tel un combat épique, gagné par des artistes passionnés. Une lettre d’amour au théâtre, haletante, joyeuse et émouvante… Douze comédiens jouent tous les rôles dans un décor changeant de bric et de broc. L’esthétique est rétro, le jeu volontairement vintage, avec ce qu’il faut de dérision et bien sûr de « panache » pour faire vibrer les spectateurs.” – Les Echos

– “Il y a chez Michalik un amour du théâtre qui confine à la magie. Une manière joliment désuète de raconter des histoires, de nous entraîner dans un tourbillon de vies… La pièce s’envole habitée par des personnages attachants (Edmond et Rosemonde), charismatiques et parfois très drôles… Mais ce qui fait le sel de ce spectacle, c’est assurément la manière dont Alexis Michalik raconte cette histoire, avec enthousiasme et générosité, en véritable amoureux du théâtre (à l’ancienne). Une approche enchanteresse presque cinématographique pour raconter l’une des plus belles pièces du théâtre français, un texte sublime dont on connaît tous les célèbres tirades…” – Time Out

– “Michalik mêle le vrai et le faux dans un brassage fantaisiste où la valeur comique des situations importe plus que le souci de respecter le sérieux des archives. Peut-être y a-t-il trop d’événements mais Michalik est généreux en gags et en surprises. La troupe est comme sur le pont d’un bateau qui menace de faire naufrage et joue des dizaines de rôles avec l’aplomb de ceux qui n’ont jamais le mal de mer. On applaudira surtout Guillaume Sentou, touchant Edmond, enfantin, ingénu jusque dans les tourmentes, Pierre Forest, colossal Coquelin, ganache bonhomme de haut vol, Valérie Vogt qui se dédouble dans deux rôles choc… Mais chacun est au tempo de cette fausse image d’Epinal où les sentiments, les contretemps et les incidents sont tracés avec l’intelligence suprême de la comédie.” – Webtheatre

– “Dans le cadre divin et ancien du Théâtre du Palais Royal, Edmond est une toute grande pièce qui apporte joie, énergie et réflexion à un public ravi. Un immense succès ne peut qu’accueillir cette pièce brillante de mises en abîmés et touchante d’émotions simples sur la création à la française… On rit, on pleure, on s’indigne, on se réjouit pour cette troupe mobilisée par quelque chose de grand et généreux : mettre au monde une grande pièce de théâtre qui sortira Paris de sa léthargie. Si vous aimez un tant soit peu le théâtre et la jubilation qu’une pièce peut procurer : vous ne manquerez pas Edmond.” – Toute La Culture

© Pascal Victor