1. La Reine de beauté de Leenane : une comédie “noire” présentée au Lucernaire par une metteur en scène à suivre… :

– “Une pièce noire, féroce, qui offre une réflexion sur la liberté et le choix de sa vie.
Sur le ton du thriller psychologique, la pièce va assez loin sur les rapports mère-fille et ne cesse de procurer un plaisir jouissif au spectateur, malgré le spectacle tragique qui se joue devant lui.” – La Provence

– “Coup de cœur. C’est monstrueux et humain, mais si drôle. Les comédiens manient avec une belle réjouissance un langage qui bouscule la syntaxe pour mieux donner vie à ce milieu populaire et poisseux dont on ne s’extirpe pas. On se pince d’en rire, mais on en rit fort.” – Le Parisien

– “Un petit bijou de la rentrée théâtrale. Sophie Parel est criante de vérité dans le rôle de Maureen, jeune femme frustrée qui rêve sa vie à haute voix… En mère acariâtre prenant un malin plaisir à torturer sa fille, Catherine Salviat est une pub ambulante pour les maisons de retraite. En amoureux sincère, vaguement inquiet de ce mano a mano entre mère et fille, Grégori Baquet est l’angoisse faite homme. En messager de l’amour impossible, un rien ahuri, le propos décalé, Arnaud Dupont dériderait une assemblée mortuaire. « La Reine de beauté de Leenane » est sur la plus haute marche du podium, et elle le mérite.” – Marianne

– “Une tragédie familiale féroce mais qui ne manque pas d’humour. Une relation tragi-comique hostile et souvent drôle, mais jamais caricaturée par la plume acérée de Martin McDonagh. ‘La Reine de beauté de Leenane’ emprunte avec intelligence et sagacité la forme d’une comédie noire et celle du thriller psychologique. Un auteur à découvrir et une metteur en scène à suivre…” – Time out

– “Martin McDonagh, révélation du théâtre anglo-saxon, réalisateur du cruel et décoiffant film Bons baisers de Bruges, écrit comme le peuple inculte doit parler, sans subjonctif, sans conditionnel, traduit par Gildas Bourdet et éponge toute forme d’espoir, laissant le comédien absolument libre d’y ajouter une humanité de l’instant. Voilà du théâtre de comédiens. Qui aiment avec passion et donnent tout.” – Froggy’s delight

– “La pièce reprend les codes de la comédie noire avec habileté. Certes, la traduction grossit les grossièretés et l’interprétation souligne les accents populaires, mais les comédiens sonnent juste ; l’intrigue paraît mécanique, mais elle réserve des surprises ; le décor ne présente aucun effet, mais il suffit à évoquer les plaines venteuses et pluvieuses de ce versant du Connemara. L’ensemble file rapidement, mené si rondement qu’il reste difficile d’émettre en sortant un enseignement à tirer de ce « thriller psychologique » plutôt riant.” – Les Trois Coups

– “Sophie Parel nous offre une vision intimiste de cette comédie noire. La pièce est crue, violente, drôle, cruelle. La distribution est impeccable.” – Webtheatre

2. Au Poche-Montparnasse, une Version Browning servie par une distribution chaleureusement applaudie, Jean-Pierre Bouvier en tête :

– “La pièce pourrait paraître désuète, avec son décor “vintage”, le salon-bureau du professeur Crocker-Harris. Il n’en est rien, grâce à la formidable interprétation de ses acteurs, et au texte subtilement cruel du dramaturge Terence Rattigan. Les comédiens dirigés par Patrice Kerbrat sont tous très justes, notamment Thomas Sagols, parfait en élève Taplow. On redécouvre avec bonheur le texte d’un auteur injustement oublié… Son langage ciselé, qui suggère les émotions et distille toute l’atmosphère d’une époque, prend tout son sel dans cette mise en scène nuancée.” – Le Point

– “Une vraie pièce anglaise, efficace, caustique et cruelle à la fois. Elle devrait séduire un large public, dans l’adaptation solide et élégante proposée par Patrice Kerbrat. Fin directeur d’acteurs, il a réuni une troupe de comédiens de haut vol et offert au grand acteur qu’est Jean-Pierre Bouvier un défi à sa mesure. Le comédien brille dans le rôle à la fois monstrueux et douloureux de Crocker-Harris, le vieux prof. Tour à tour drôle et bouleversant, plus « british » qu’une salle des profs de « public school », Bouvier est exceptionnel.” – Les Echos

– “Méconnaissable, Jean-Pierre Bouvier, voix étouffée, fait une composition très travaillée et intériorisée de son personnage, un peu surchargée parfois. Dans l’adaptation et la mise en scène de Patrice Kerbrat, le ton n’est pas tant celui de la tragédie que celui du mélodrame, qui appuie les situations… L’interprétation dans son ensemble va dans ce sens, hormis celle de Benjamin Boyer, tout en sobriété, mais la pièce conserve son intensité dramatique.” – Le JDD

– “Coup de cœur. Pour incarner un tel personnage, il fallait un comédien exceptionnel. Jean-Pierre Bouvier donne ici toute la mesure de son talent. Toujours d’une justesse remarquable, sans excès, la voix à la fois grave et comme étouffée, le geste précis et mesuré, il est bouleversant nous faisant passer du rire aux larmes dans une économie de moyens saisissante, soutenue par une mise en scène d’une élégante sobriété.
À ses côtés, ses partenaires font preuve de la même justesse. Tous sont à l’unisson, délivrant une très belle adaptation d’une pièce qui nous entraîne au cœur de l’humain, de la belle ouvrage vraiment. Un des spectacles à ne pas manquer en cette rentrée chargée.” – Reg’Arts

– “Magnifique. L’interprétation de la troupe est parfaite, en particulier Marie Bunel en divine Mme Crocker Harris, cependant que si la mise en scène s’est voulue sans prétention c’est que Patrice Kerbrat offre à Jean-Pierre Bouvier l’occasion d’une prestation époustouflante dans le rôle principal. On pense à Louis Jouvet avec son dédain et sa ténébreuse force… C’est sublime et 105 minutes passent comme une seule.” – Toute la culture

– “Une limpide adaptation. Cette pièce écrite il y a plus de soixante ans est étonnamment actuelle par la puissance des situations et des personnages créés par Terence Rattigan. C’est désormais un “classique” que Patrice Kerbrat a su monter intelligemment sans chercher à la moderniser à tout prix. Cette “Version Browning” sera, à coup sûr, un des succès de la saison à venir.” – Froggy’s delight

– “La mise en scène de Patrice Kerbrat est plutôt vieillotte et statique, et se joue dans un décor particulièrement laid. Jean-Pierre Bouvier joue avec beaucoup de nuances, de sensibilité, de retenue ce professeur déchu. Le spectacle vaut surtout pour ce très beau jeu. ” – Télérama Sortir

3. Feydeau et Didier Bezace au Théâtre de l’Aquarium : Quand le diable s’en mêle, un diable qui en a séduit beaucoup, mais frustré certains :

– “Elles sont connues, on les a déjà vues, ici ou là, et pourtant, elles nous semblent neuves ! La même équipe de comédiens épatants interprète les trois pièces… Ne rappelons pas les intrigues : découvrir ou redécouvrir la folie vertigineuse de Feydeau est un plaisir extrême !” – Figaro

– “De singuliers comédiens (Clotilde Mollet, Ged Marlon, Luc Tremblais) incarnent à merveille dégoûts et mesquineries que suscitent peu à peu la vie commune et la crétinerie délirante d’une langue où explose une méchanceté incongrue…” – Télérama Sortir

– “L’équilibre est délicat à trouver, avec ce drôle de dindon qu’est Feydeau. Didier Bezace est un des metteurs en scène, dans notre beau pays qui ressemble tant à celui du maître du vaudeville, qui maîtrise le mieux cet exercice de haute voltige. Il propose cet été un bel échantillon de ce talent, en montant à la suite trois petits chefs-d’œuvre de l’auteur : “Léonie est en avance”, “Feu la mère de madame” et “On purge bébé”. Et c’est drôle, à en suffoquer par moments. Noir, aussi, et doucement absurde.” – Le Monde

– “Le résultat est à la hauteur des espérances. Didier Besace fait véritablement œuvre de création, avec une direction d’acteurs sans faille et une trouvaille de génie : l’apparition du diable qui tisse les liens de l’enfer conjugal… Ajoutons la scénographie signée Jean Haas, ingénieuse et inventive…
Et on rit énormément de ces maris tyrannisés par leurs épouses car ici l’enfer c’est la femme, l’écriture étant un véritable exutoire pour ce malheureux Feydeau coincé dans une union chaotique et qui exorcise ses douloureuses expériences par le rire. Un rire qui camoufle l’amertume et les déceptions.” – Reg’Arts

– “Délicieusement jouissif et méphistophélique. Ce travail sobre mais efficace de Didier Bezace met en valeur d’une manière des plus concises mais avec beaucoup de tempérament, tout en nudité naturiste, ces trois textes de Feydeau où se jouent les éternelles angoisses, solitudes et faux-semblants d’un théâtre conjugal qui n’a pas résolu sa toujours contemporaine discrimination sexiste.” – La Revue du spectacle

– “Pour amusante qu’elle soit cette idée de diable, dont le personnage cornu est par ailleurs fort bien interprété par Bérodot, n’apporte pas grand-chose. Si Feydeau met en scène l’enfer du couple, c’est avant tout des protagonistes eux-mêmes que naît l’absurdité de situations où bêtise et folie douce ont partie liée.” – Libération

– “Didier Bezace m’a laissé sur ma faim. Les trois courtes pièces farcesques, œuvres comiques et faciles, n’ont pas plus d’intérêt que ce que Dario Fo appelait malicieusement contorni, « garnitures » en français, quand on attend impatiemment le plat de résistance. Didier Bezace dans tout ça ? Je l’ai souvent perdu de vue pendant le spectacle. Contenue son ironie pétillante, retenue sa cruauté burlesque, amoindrie sa tendresse subtile, affadi son humanisme poétique ! Seuls, sous sa direction, les comédiennes et les comédiens réussissent à maintenir l’attention. Tous chargés de plusieurs rôles agissent en virtuoses. Il est important de dire que le spectacle vaudra tout de même dans les prochains mois le coup d’être vu. Mais dans un théâtre à l’italienne, où la proximité avec les spectateurs permettra de retrouver ce que Feydeau peut encore nous apporter : le plaisir d’une dramaturgie à l’alacrité enjouée, les délices d’une interprétation à l’énergie loufoque et le bonheur légitime d’un contenu, certes en partie caduc, mais détendant l’esprit le temps d’une soirée.” – France Culture

© Thomas Aurin

4. Ce n’est plus à l’affiche mais mérite tout de même qu’on s’y attarde : Les Frères Karamazov dans la foisonnante adaptation (et mise en scène) de Frank Castorf :

– “Une course haletante de 6 h 15 filmée en direct et en musique qui questionne un monde en quête de sens. Acide et ironique. L’adaptation est à la fois fidèle et insolente. La musique est omniprésente. Pas de place pour le silence dans ce monde furieux. […] Tout cela ne serait rien sans l’époustouflante distribution. Des athlètes affectifs qui n’ont peur de rien.” – Figaro

– “Servie par une mise en scène foisonnante et la puissance de ses comédiens, l’adaptation du roman de Dostoïevski par Frank Castorf laisse le spectateur ébouriffé et ravi. Le metteur en scène allemand exploite l’existant, l’exceptionnelle friche de l’usine Babcock à la Courneuve. Mais l’utilisation de la vidéo lui procure davantage de liberté encore… Les comédiens sont absolument tous impressionnants… On sort de Babcok à peine froissé par la durée, mais secoué, essoré, abasourdi par ce génial feu d’artifice de corps et à cris.” – Libération

– “Il faut avouer que le projet a de l’envergure : mettre en scène l’un des chefs-d’œuvre de Fédor Dostoïevski, ‘Les Frères Karamazov’, avec onze acteurs filmés en direct sur le plateau et le tout sur plus de 6 heures de spectacle. Le bientôt ex-directeur de la Volksbhüne de Berlin, Frank Castorf n’a peur de rien théâtralement. Et il le montre sans complexe dans cette adaptation épique…” – Time Out

– “Un spectacle à la mesure de la démesure du bâtiment ! Un spectacle, plus encore, détonant, déconcertant, prenant le roman de Dostoïevski pour prétexte plus que pour l’illustrer. De fait, au fil des 6 heures 15 que dure la représentation, les thèmes, formules, contradictions se succèdent et s’accumulent sur fond de tohu-bohu et de cris. Le spectacle est riche, dense, touffu, labyrinthique au point, par moments, de se perdre, voire de lasser. Il n’évite pas toujours la complaisance. Ni les raccourcis faciles. Il n’empêche. Magnifiquement installée dans l’espace, la mise en scène se révèle d’une maîtrise époustouflante. Les comédiens, ils sont onze, sont tous plus éblouissants les uns que les autres… Et puis, ô surprise, Jeanne Balibar, tour à tour délicieusement vieillard, séductrice. Ou le Diable.” – La Croix

– ” ll y a eu du bruit, de la fureur, des rires, des cris, des larmes… : la folle traversée d’une œuvre monstre, celle de Dostoïevski, et d’un pays tourmenté, la Russie d’hier et d’aujourd’hui. Que d’engagement, de justesse, d’énergie, de la part de ces onze comédiens qui paraissent être foule et partout à la fois ! Avec en prime, pour le spectateur français, le plaisir de revoir Jeanne Balibar à son meilleur… Le spectacle souffre de quelques tunnels, d’ellipses un brin absconses… mais l’ensemble est d’une telle sensibilité, d’une telle vérité qu’on ne peut que rendre les armes.” – Les Echos

1. Au Lucernaire jusqu’au 27 août, Afrika Mandela retrace les étapes clés de la figure de la lutte contre la discrimination raciale :

– “Echo de cette voix miséricordieuse, envisageant comme «une stratégie», plus qu’un «principe moral», cette non-violence qu’il estimait «pas immédiatement compréhensible», la pièce signée Jean-Jacques Abel Greneau (qui joue aussi Botha) s’écoute comme un précis d’histoire, nonobstant sa visée artistique modeste.” – Libération

– “La mise en scène est lapidaire, entre siège sommaire et grillage emblématiques d’une détention longue et ardue. Les textes invoquent les exigences d’égalité et de liberté pour une population placée sous l’entonnoir d’un système injuste et inégalitaire. Un mot revient souvent: mémoire. Mémoire d’un homme qui a vaincu l’adversité et fait rentrer un pays dans une nouvelle ère que Mandela a voulu dénuée de tout sentiment de revanche.” – Publik’Art

– “Sous la direction de Kati Grandi, dans une scénographie minimaliste, plateau noir et cloison pénitentiaire, avec les très belles lumières de Fouad Souakersublimant les visages, Modeste Nzapassara livre, avec justesse et maîtrise, sans effet d’acteur et évitant l’écueil du lyrisme échevelé, une superbe interprétation de la parole incarnée.” – Froggy’s Delight

– “L’incarnation saisissante de Modeste Nzapassara, d’une totale sobriété, permet de saisir la subtile intelligence du personnage et son appréhension philosophique du monde et de la société. Face à l’ancien dirigeant sud-africain Peter Botha, joué par Jean-Jacques Abel Greneau, dégaine d’Afrikaner pur jus en bottes de chasseur à courre, il redouble de respect et d’ironie cinglante face à un système de reproduction naturelle d’exclusion et d’inégalité.” – Artistik’Rezo

– “Modeste Nzapassara joue Mandela : même gravité sereine, même humanité généreuse. Le comédien est excellent. Mais pourquoi l’intervieweuse est-elle si caricaturale, si hystérique ? C’est dommage.” –   Telerama

2. À découvrir au Belleville jusqu’au 17 septembre, une version déjantée La cantatrice chauve dans une mise en scène de Judith Andrès :

– “Le talent de la mise en scène, et certainement ce qui fera date dans l’histoire des représentations de la pièce, assure à l’ensemble un rythme redoutablement efficace, peut être jamais encore égalé et une esthétique admirable.
Eugene Ionesco aimant le paradoxe disait de lui même qu’il était solitaire et agressif. Qu’il avait appris le théâtre par celui de Guignol où l’emmenait sa mère. L’humour grinçant de la pièce est là. Avec l’absurde burlesque et le paradoxe.” – Toute la Culture

– “Remaniant légèrement le texte et effectuant quelques coupures, la compagnie les Pitres Rouges nous propose une mise en scène conforme à l’esprit originel de la pièce mais largement modernisée (…) Cette mise en scène très réussie offre une seconde jeunesse à Ionesco et respecte parfaitement les attentes de celui qui vient voir La cantatrice chauve. On salue l’énergie de cette jeune troupe.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Sacré coup de jeune, donc, et sacré dépoussiérage aussi mais, à trop dépoussiérer, on risque d’ôter la patine qui faisait le charme ou, pire, d’éroder la matière.” – Reg’Arts

– “L’incarnation saisissante de Modeste Nzapassara, d’une totale sobriété, permet de saisir la subtile intelligence du personnage et son appréhension philosophique du monde et de la société. Face à l’ancien dirigeant sud-africain Peter Botha, joué par Jean-Jacques Abel Greneau, dégaine d’Afrikaner pur jus en bottes de chasseur à courre, il redouble de respect et d’ironie cinglante face à un système de reproduction naturelle d’exclusion et d’inégalité.” – Artistik’Rezo

3. Addition, la nouvelle comédie de Clément Michel, a réjoui tout l’été le public parisien – et pas uniquement les quadras – au Théâtre de la Gaité Montparnasse :

– “Comme dans Une semaine pas plus !, Clément Michel confirme ici sa propension à utiliser l’humour comme révélateur des angoisses, des fragilités, des contradictions d’une génération, celle des quadragénaires. Si Additionne suscite pas le même enthousiasme, l’interprétation tout en sobriété et sincérité de Sébastien Castro se révèle, une fois encore, jouissive.” – Telerama

– “On rit énormément, et cette pièce fine et intelligente qui n’est pas sans rappeler Art ou Le Prénom, mise en scène avec subtilité par David Roussel, joue sur toute la gamme de l’émotion. Ce huis clos offre une brillante auscultation des reins et des coeurs d’une génération moins frivole et détachée qu’elle ne veut le faire croire.” – Le Point

– “Clément Michel lui-même incarne un Jules criant de vérité, agaçant et touchant, Stéphan Guerin-Tillie est un Axel beau gosse, séducteur en diable, et Sébastien Castro est comme à son habitude excellent dans le rôle d’Antoine, le deus ex machina de l’histoire, avec sa nonchalance irrésistible et son timbre de voix si reconnaissable.” – Reg’Arts

– “On est touché par ces trois potes attachants, qui nous parlent avec humour d’amitié, de couple, de solitude et du virage délicat de la quarantaine.” – Le Parisien

1. Le retour tant attendu de la Comédie-Française au Festival d’Avignon avec Les Damnés est à la hauteur de l’attente et des espérances des critiques et du public :

– “C’est un triomphe étrange qui a accueilli, mercredi 6 juillet au soir, la première représentation des Damnés dans la Cour d’honneur du Palais des papes, en ouverture de la 70e édition du Festival d’Avignon. Un triomphe grave, presque solennel, à la hauteur du sujet, et du spectacle grandiose et glaçant – mais pas glacé – ­signé par le metteur en scène flamand Ivo van Hove, et joué par la troupe de la Comédie-Française.” – Le Monde

– “Dès les premières secondes, on sent que c’est gagné. Lorsque la troupe de la Comédie-Française, les figurants et les musiciens réunis par Ivo van Hove envahissent la scène et fixent avec intensité les spectateurs réunis dans la Cour d’honneur du Palais des papes, le mistral cède la place à un vent de tragédie qui glace les os et l’âme. Il ne retombera pas deux heures durant. Le metteur en scène belge a réussi l’impossible : réunissant la meilleure troupe de théâtre en France et les grands moyens du cinéma, il a donné chair au film mortifère de Visconti : « Les Damnés ». La chair du mal.” – Les Echos

– “À travers l’adaptation du scénario des Damnés, le sulfureux et expressionniste film de Luchino Visconti (1969), le metteur en scène belge Ivo van Hove parle d’aujourd’hui. Des attentats terroristes comme de la violence économique, financière, politique, sociale qui lamine nos sociétés en crise. Et prêtes, à basculer dans l’épouvante.” – Télérama

– “Il faut plusieurs minutes, plusieurs saluts aux spectateurs pour se mettre debout et acclamer les artistes qui, deux heures durant, ont vécu devant nous une histoire épouvantable venue de la nuit des temps.” – Le Figaro

– “Pas d’humour, mais les maîtres du monde n’en ont pas. Un texte plat, pourquoi le panache ? Ce sera le seul regret, ne pas pouvoir se laisser étourdir par une langue sublime. Mais ce qu’on voit là, ces horreurs et damnations, ces sons et ces images, c’est un sacré théâtre.“ – Le Point

– “La mise en scène utilise avec une précision impressionnante la vidéo, mais aussi la musique tour à tour splendide, vénéneuse et assourdissante, et bien sûr l’espace scénique et la force de comédiens, tous intenses. Des images poisseuses et captivantes qui font d’autant plus froid dans le dos qu’on le sait, la barbarie nazie a existé et, que de nos jours, les guerres et les armes restent banales. Les Damnés raconte l’engrenage odieux qui rend possible l’impensable, et le dépeint au sein d’une famille divisée, rongée par ses intérêts quoique privilégiée, renseignée, cultivée.” – Le JDD

– “Van Hove donne à voir à la fois l’action, son reflet sur grand écran, les acteurs en train de se changer et de se maquiller, et une série de visions personnelles (des cercueils où les victimes sont filmée se débattant après la mort, une sexualité exaspérée mais chorégraphiée). Les comédiens s’amusent follement à jouer hors de leurs normes : Didier Sandre, Elsa Lepoivre, Denis Podalydès, Christophe Montenez… Ça a de la gueule, de l’invention, une maîtrise implacable.” – Théâtral Magazine

– “L’intime se fond dans l’universel, la petite histoire dans la grande. D’autant que la mise en scène d’Ivo van Hove, époustouflante de maîtrise, n’hésite pas à confronter les séquences qui se jouent aux extraits d’archives accompagnées des commentaires de l’époque, et projetées sur un grand écran accolé au mur du fond de la Cour d’honneur : incendie du Reichstag, camp de Dachau, autodafés d’œuvres de Zweig, Thomas Mann, Hugo...” – La Croix

– “Les comédiens du Français sont lancés à corps perdu dans l’aventure transdisciplinaire : leur parler est tantôt naturaliste tantôt théâtral, ils se mordent, saignent, s’exhibent dans une volonté manifeste d’exister au-delà de la limite habituelle de la représentation. Des figures comme Guillaume Gallienne aux récents pensionnaires, tel Christophe Montenez, qui campe avec de doux éclats le personnage périlleux de Martin (pédophile, meurtrier…) pour lequel on éprouve néanmoins de l’empathie, il n’y a pas de doute : le Français est là, il existe sur la scène européenne.” – Libération

– “Ivo van Hove s’empare du film de Luchino Visconti et entraîne la troupe de la Comédie-Française dans le sidérant voyage au bout de l’enfer d’une mise en scène aussi somptueuse qu’inoubliable.” – Les Inrocks

2. À partir des 1000 pages du roman 2666 de Roberto Bolaño, Julien Gosselin présente un spectacle fleuve de 12 heures à la Fabrica :

– “Julien Gosselin ne cherche pas à jouer au plus malin : il restitue l’essence du roman de Bolaño, sa lucidité et son désespoir féroce. Oui, le mal est là, je vous le montre, mais n’attendez pas que je refasse le monde ; battez-vous avec ce que j’en dis, battez-vous avec la littérature, avec vous-mêmes. Ce à quoi répond la représentation, qui passe à côté de l’humour de Bolaño, dans la première partie, mais affronte droit dans les yeux celle des crimes, et jamais ne dévie de son dessein.” – Le Monde

– “Le théâtre moderne de Julien Gosselin est images, sons, sensations, mais il est avant tout humain. Pas de jeux d’ego ici : impossible de départager les comédiens qui donnent tout, sans faillir, pendant les neuf heures trente minutes où ils sont en scène – changeant non seulement de peau, de voix, mais aussi de langue.” – Les Echos

– “Sur les réseaux sociaux, d’autres s’emportent à leur tour, partageant leur enthousiasme après avoir vécu l’expérience 2666. On y parle d’un spectacle qui tient en haleine de bout en bout malgré sa durée, d’une scénographie parfaitement mesurée, de beauté, d’un récit hypnotique, de performances bouleversantes. Bref, avec 2666, la 70e édition du festival d’Avignon poursuit sur sa belle lancée.” – Le Figaro

– “Julien Gosselin et sa bande de comédiens –d’une fièvre et d’une inventivité de jeu à faire pâlir leurs confrères de la Comédie-Française, tout proches, dans Les Damnés– se jouent des formes, des rythmes, des ruptures.” – Télérama

– “L’aventure nous entraîne d’Europe en Amérique. Julien Gosselin a eu la belle idée de faire traduire le texte de Bolaño en anglais, en espagnol et en allemand pour certains monologues. 2666 prend alors les allures d’une fantastique Tour de Babel où toutes les destinées se croisent avec un surcroit de vérité. Bluffant.” – Les Inrocks

– “L’œuvre est aussi un hymne à la vie où une pousse de bonheur peut se faufiler comme un lichen qui tient et s’accroche. Nous sommes heureux de jouer à la Carrière de Boulbon, comme de petits êtres face à la falaise et à l’immensité du monde !” – Julien Gosselin pour Libération

3. Jean Bellorini retrouve le plaisir de raconter des histoires avec son spectacle Karamazov présenté à la Carrière de Boulbon :

– “Le jeune metteur en scène Jean Bellorini monte en 5h30 Karamazov d’après Dostoïevski, à la fois enquête policière et méditation sur le bien et le mal, dans la Carrière de Boulbon, lieu mythique des grandes sagas au Festival d’Avignon.” – Le Parisien

– “Le spectacle souffre avant tout des faiblesses de l’adaptation du texte original, certes fidèle mais loin d’être fluide et théâtrale : laisser une grande place aux monologues était indispensable, mais il aurait fallu peut-être couper davantage en évitant cependant d’expédier certaines scènes d’action.” – Les Echos

– “Les longs monologues où les personnages débattent à l’infini du pêché, de la rédemption, de la morale, de l’injustice et de l’ordre du monde ont aujourd’hui du mal à passer la rampe.” – L’Express

– “Le dispositif scénique foisonne de trouvailles, Bellorini joue sur de petits espaces dans lesquels l’homme apparait démuni face à l’immensité de la nature. L’espace de jeu est autant sur le toit de la datcha que sur des modules de décor qui traversent la scène sur des rails, en portant les comédiens dans de très beaux va-et-vient.” – France TV Info

– “Tout le monde chante et joue d’un instrument. Cela donne des scènes splendides. Mais les potacheries de Bellorini ne sont pas toujours heureuses…et l’on se serait passé de certains clins d’oeil qui détruisent ce qu’il y a de terrible dans cette plongée, une de plus cet été à Avignon, du côté du mal absolu.” – Le Figaro

– “Je choisis souvent les auteurs pour leur musicalité — Novarina, Rabelais, Brecht et ses “songs”, Victor Hugo — parce que cette émotion si particulière porte du sens. Dostoïevski est lyrique comme Victor Hugo, mais d’un lyrisme âpre, cinglant, anti-romantique.” –  Telerama

– “L’œuvre est aussi un hymne à la vie où une pousse de bonheur peut se faufiler comme un lichen qui tient et s’accroche. Nous sommes heureux de jouer à la Carrière de Boulbon, comme de petits êtres face à la falaise et à l’immensité du monde !” – Jean Bellorini  pour La Terrasse

Une semaine sous le signe de l’imaginaire…

1. wonder.land au Théâtre du Châtelet enchante, même si quelques-uns n’auront pas été complétement charmés. :

– “Mi-jeu vidéo, mi-réseaux sociaux, la version pop et geek d’Alice au pays des merveilles’ souffle un vent neuf sur le genre. Si ‘wonder.land’ est intelligent, fin et drôle dans ses répliques et sa manière de réécrire le conte d’Alice, il est aussi visuellement impeccable. Et les costumes signés par Katrina Lindsay n’y sont pas étrangers. Rien n’est laissé au hasard et le moindre détail témoigne d’une lecture étudiée et précise du conte. Sur ce plateau à la fois réel et virtuel, tout devient magique. Un monde merveilleux qui ferait retrouver une âme d’enfant à la Dame de Cœur. Fabulous !” – Time Out

– “La comédie musicale Wonder.land revisite une épopée imaginaire qui a la force d’un conte, une quête initiatique dans un univers instable — une parfaite métaphore de l’adolescence. Le show s’annonce résolument moderne, surprenant, et inventif. Troublant sûrement, aussi, comme le sourire du Chat du Cheshire ou la fantaisie débridée du Chapelier fou.” – Télérama Sortir

– “Une équipe 100% british au top de la créativité et du talent à ne rater sous aucun prétexte.
Acteurs formidables, décors époustouflants qui mélangent créations d’images virtuelles, animation 3 D et costumes stupéfiants de Katrina Lindsay, le spectacle va très vite. Mélancoliques ou punchy, réalistes ou déjantées, les scènes procèdent toutes d’une énergie très rock, dans sa vitalité et sa sincérité. Car le spectacle est avant tout un brillant hommage à la jeunesse et à sa vitalité, dans la dureté et l’hypocrisie du monde qui l’entoure. Tout cela raconté et joué avec un humour et une malice tout à fait réjouissants.” – Artistik Rezo

– “Costumes, décors, projection, musique électro, violons, tout est mis en œuvre pour nous transporter dans un univers aussi attirant qu’effrayant. En effet, cette comédie musicale grand public s’avère parfois didactique lorsque les personnages évoquent les cyberaddictions ou les tourments de l’adolescence. Si les scènes de conflit entre Aly et sa mère sont quelquefois un peu trop appuyées voire stéréotypées surtout dans la première partie, la deuxième partie est plus convaincante. La musique est plus pop, les chorégraphies virevoltantes… Les 19 artistes qui évoluent sur scène tirent tous leur épingle du jeu pour proposer un spectacle qui, s’il fait de temps à autre penser aux adaptations de Walt Disney et Tim Burton, réussit le pari de l’actualisation hyper-moderne.” – Reg’Arts

– “La scénographie mêle habilement les deux univers réel/virtuel. Ponctuée de numéros chantés et dansés, la pièce est aussi une réflexion sur la quête de soi des ados, en pointant les dangers de l’utilisation effrénée du net. Sans s’appesantir. Plutôt bien ficelée, l’intrigue déroule les aventures d’Aly, ado un rien grassouillette, aînée d’une “famille à problèmes”. Le happy end est au rendez-vous, ses parents étant réconciliés, Aly peut clamer qu’elle ne désire rien d’autre qu’être elle-même. 

Malgré quelques baisses de régime dues à des dialogues un peu longuets, le spectacle va bon train, servi avec une belle énergie par la troupe de chanteurs-danseurs tous très pros.” – Rue du théâtre

– “L’Alice de Damon Albarn ne fait pas de merveilles…” – Le Monde

– “L’idée de départ est savoureuse : transporter Lewis Carroll et sa légendaire Alice, au pays du numérique. Le résultat à l’arrivée manque de goût.
Sur le concept futé de transfert dans l’univers du numérique qui a envahi vies et pensées, les dialogues rampent bas. En littérature, au théâtre, l’argot peut se draper d’humour. Ici, par surcharge il se limite ici à la dérision. Le spectacle heureusement a ses sauveurs et pas des moindres : la mise en scène inventive, trépidante, de Rufus Norris, les décors de Rae Smith et les images en 3D qui forment un ballet surréaliste de clichés de notre temps, les lumières de Paule Constable, les costumes fantaisistes de Katrina Lindsay. Et les interprètes au jeu déterminé qui grâce à la sono superpuissante du Châtelet expédie leurs songs jusqu’aux cintres. Grâce à eux Alice au pays des www a conservé une bonne dose de merveilles.” – WebTheatre

2. Un périple poétique et étrange avec une folle Folle Otarie au Théâtre de Belleville (à retrouver en juillet à Avignon au Théâtre des Halles) :

– “Pierre Notte écrit beaucoup. Et il écrit bien. Sa nouvelle fable est sans doute plus anecdotique que ses dernières pièces à plusieurs personnages, mais elle offre un joli moment de noire poésie. On retrouve les thèmes chers à l’auteur : la solitude de l’homme timide, le poids des conventions qui l’alourdissent et l’empêchent d’avancer, la nécessaire révolution intérieure qui prend parfois les chemins les plus fous pour aboutir à l’émancipation.
La pièce est un brin alambiquée, mais le texte est magnifié par son interprète, Brice Hillairet. Compagnon de route de Pierre Notte, le jeune comédien, sans accessoire et sans décor, parvient à nous faire voyager de ville en village, d’océan en ciel, avec sa voix légèrement fluette, mais précise et ferme.
Tour à tour drôle et émouvant, conteur magnétique, il se fait chanteur troublant pour entonner deux courtes comptines galactiques…” – Les Echos

– “Avec « Ma folle Otarie » Pierre Notte poursuit son œuvre. Brice Hillairet, un immense acteur, un interprète précieux épais d’un talent à frapper fort nos imaginaires, enfile cette fois les vêtements d’un homme ordinaire simple commun, banal. Au théâtre, le petit n’est pas l’ennemi du grand. Un grand beau texte court, puissant, poétique, drôle, à la fois kafkaïen et surréaliste, joué sur une scène rendue grande par le vide et le noir qui y règnent, soutenu par un grand jeune acteur au corps délicat qui incarne le texte et son personnage et qui par son jeu inspiré parvient à nous faire voir et vivre toutes ses aventures tragi-comiques… Pierre Notte nous offre ce cadeau de penser autrement. Brice Hillairet vient l’assister dans son vertueux travail créatif. A ne pas rater, et à suivre.” – Toute la culture

– “Une épopée étrange, vive, revigorante. Pierre Notte invente ici une histoire qui dynamite la réalité grâce à l’absurde. Le texte que Pierre Notte donne à son personnage est riche, fait d’un phrasé abondant, débordant parfois. Les phrases caracolent les unes après les autres, flirtent avec la poésie, font jaillir du tragique des situations la cocasserie, l’humour et la dérision. Brice Hillairet s’empare de ces mots avec une réelle gourmandise, un plaisir de dire qu’on croirait parfois musical.” – Reg’arts

– “Ma folle otarie, c’est avant tout l’histoire d’un homme sans folie. Un homme sans histoire d’aucune sorte… Il ne lui est rien arrivé avant que la nature ne s’en mêle. Partant de cette fable cocasse et surréaliste, Pierre Notte écrit un petit bijou de poésie qui, d’une situation à l’autre, nous conduit dans une épopée en forme de monologue portée par Brice Hillairet, un acteur brillant et magnifique. Subjugués, entraînés et guidés par le seul pouvoir des mots, nous voilà sur les pas des plus grands héros des épopées mythiques, avec Ulysse ou Jonas dans le ventre de la baleine. Irrémédiablement attirés vers la haute mer, le voyage nous emporte dans une marge d’interprétation ouverte à l’infini.” – Théâtrorama

– “Encore une fois la fine écriture de Pierre Notte, son acuité humaniste, sa petite musique délicate dans sa férocité ténue si reconnaissable, nous entraîne dans un récit gentiment farfelu, drôle et grave tout à la fois… C’est une petite merveille portée par Brice Hillairet, familier des textes de l’auteur, seul en scène. Dans une économie de moyen radicale, plateau nu, des lumières pour tout bagage, il incarne ce nouvel hottentote avec grandes délicatesse et justesse. Pierre Notte signe une mise en scène toute nue mais faite de pleins et de déliés, de courbes délicates, subtiles, sans s’encombrer d’effets inutiles. C’est d’une grande retenue, d’une belle tenue. Ça fait du bien.” – Un fauteuil pour l’orchestre

3. Au Théâtre du Rond-Point, on glisse dans le sourire, les rêves et la magie de Nous rêveurs définitifs :

– “4 étoiles – Un cabaret magique désopilant et onirique, à voir absolument (et surtout en cas de grisaille). Un collectif de magiciens, danseurs et musiciens qui célèbrent la magie nouvelle comme une « émotion plutôt qu’une discipline ». Le résultat se déplie sur une dizaine de courtes scènes parfois drôles, souvent poétiques et toujours fascinantes. La magie opère avec minutie dans chaque détail de mise en scène, dans les éclats de rire des enfants, et l’émerveillement des adultes. Le temps d’une soirée, on se sent comme Alice au fond du terrier, à l’orée d’un monde joyeux et poétique, curieux et singulier.” – Time Out

– “TTT – Sur scène, à tour de rôle ou en duo, sur le principe d’un cabaret, les jeunes et déjà grands noms de la « magie nouvelle » entremêlent illusion, jonglerie, manipulation d’objets, danse et performance. Tous revendiquent la manipulation du réel, le déséquilibre des sens et une vraie esthétique. Un spectacle rare, intelligent malgré quelques longueurs, jubilatoire, et même très drôle.” – Télérama Sortir

– “Ils intitulent leur spectacle “Nous, rêveurs définitifs” et le sous-titrent “cabaret magique”. Démons et merveilles surgissent dans la grande salle pour le bonheur d’un public qui les connaît déjà, pour certains. Une “revue” très particulière qui se développe comme un rêve avec des plages de fluidité et des brusques ruptures. N’en disons pas plus, vous irez d’étonnements en étonnements… il y a plein de choses gamines et sophistiquées, merveilleuses, incompréhensibles ou que l’on peut tenter de décrypter. Courez-y.” – Armelle Héliot, Blog Figaro

– “Ils sont sept sur le plateau, sept jeunes artistes mis en scène par Clément Debailleul et Raphaël Navarro pour nous proposer un magnifique voyage au pays de la transformation et de la magie nouvelle. Les spectateurs hébétés et amusés cherchent le truc, les fils, mais non… Un entracte complètement délirant, des pommes et des cartes qui flottent, une traversée des apparences et des miroirs, la soirée se poursuit avec un charme et une fantaisie bon enfant, embarquant jeunes et adultes, conquis par ce charme bienfaiteur.” – Artistik Rezo

– “3 étoiles – Des paillettes plein les mirettes, un merveilleux goût d’enfance… Nous, rêveurs définitifs, spectacle de magie contemporaine, cabaret enchanté et poétique, burlesque aussi, offre des numéros incroyables où la tradition s’enrichit des nouvelles recherches, d’apports techniques innovants, et d’une esthétique nouvelle bluffante… Une magie totalement décalée et qui s’inscrit définitivement hors du réel. L’absurde côtoie la poésie, la poésie participe de l’absurde. L’émotion vous saisit, le rire cascade… Et c’est sans doute le plus beau tour de ce cabaret, faire de nous des rêveurs définitifs.” – Un fauteuil pour l’orchestre

4. Un féérique Songe d’une nuit d’été au Théâtre 14 :

– “Une composition lumineuse, fluide et comique. L’action, resserrée autour de l’errance des quatre amoureux au milieu d’une forêt féerique, est savamment ponctuée par des airs du Fairy Queen, de Purcell. Théâtre, chant lyrique, musique baroque et merveilleux, tout s’allie dans une parfaite cohérence. Du très bon Shakespeare, à savourer en famille.” – Télérama Sortir

– “4 cœurs : Antoine Herbez, le metteur en scène, dirige une troupe talentueuse et énergique. Il introduit comme personnage central la musique de Purcell. Le génial musicien anglais s’accorde parfaitement avec le génial dramaturge et c’est donc une excellente idée. Même si alors on n’est plus vraiment au théâtre mais dans une comédie-opéra qui réjouira le public tant il est friand de ce genre d’aventure scénique qui prévilégie le spectacle sur l’art plus rude du théâtre. Il serait bien étonnant que ce Songe, si agréable ainsi, ne soit pas un des grands succès de la saison. ” – Figaroscope

– “Ce “Songe” demeure très respectueux de l’original, en l’élaguant un peu, certes, mais en y joignant des morceaux choisis de “The Fairy Queen” d’Henry Purcell… Ce parti pris jouit de comédiens formidables qui déclament le texte, chantent, jouent d’instruments d’époque, dansent, exécutent des cascades, avec une dynamique et un investissement divins. Le dispositif scénique de Charlotte Villermet, composé de panneaux amovibles, suggère le bois sacré. Déplacé au rythme de l’action, parfois virevoltante, ce décor minimaliste fonctionne à merveille. Le spectacle, pur moment de poésie, transporte de bout en bout, provoquant une alchimie jubilatoire qui perdure au-delà de la représentation. Déployez vos élytres et voletez jusqu’à ce merveilleux “Songe d’une nuit d’été” plein de charmes et revigorant.” – Culture Box

– “La mise en scène de Wajdi Lahami est très délicate, sa direction d’acteurs très enlevée. Son idée maîtresse a été de rendre justice à cette actrice qu’est la musique baroque, interprétée en spectacle vivant par d’excellents musiciens, sur des airs empruntés à The Fairy Queen de Purcell. 

Dix excellents artistes interprètent ce texte universel et cette sublime musique. Ils nous invitent ainsi à ouvrir une porte qui donne sur un univers merveilleux. Un régal !” – Artistik Rezo

– “Aussi léger qu’enchanteur. Une forme aérienne, très bien accordée à l’esprit de la comédie-féérie, mise en scène par Antoine Herbez. Formidable version, vive, brève, enlevée, joyeuse et espiègle avec du jeu et des chants, une chorégraphie de Claire Faurot, un chef de chant, Ernestine Bluteau et même un peu de magie. Ce spectacle nous montre à quel point il n’est pas besoin de moyens dispendieux pour offrir au public, toutes générations et tous horizons confondus, des moments magistraux, magiques et fraternels.” – Armelle Héliot, Figaro blog

– “Mêlant pièce classique et opéra intimiste, cette jeune création signée de La compagnie Ah se révèle un moment enchanteur, très original et empli de poésie. En réunissant Shakespeare et Purcell, elle célèbre, comme une évidence, l’union de la poésie et du baroque, du verbe et de la voix, de la féérie et de la pureté… Les airs achèvent d’enchanter l’atmosphère et par la voix magnifique d’Orianne Moretti (Titiana), la nature s’enveloppe de lyrisme. En offrant un spectacle inédit, d’une grande qualité, Antoine Herbez et les équipes d’Un songe d’une nuit d’été sont parvenus à réinventer l’œuvre de l’un des plus grands auteurs de théâtre, en osant y ajouter avec intelligence et finesse, les notes éternelles de Purcell et celles, indéniables, de leur talent.” – Regard en coulisse

– “Antoine Herbez veut plaire aussi aux enfants et nous retrouvons dans ce spectacle toute son envie de théâtre par la gaieté, la verve et la satire sociale à la Molière ou à la Goldoni, par la chorégraphie vaudevillesque des couples qui se cherchent et par le truchement d’une scénographie d’opéra virevoltante de miroirs et d’escamotages. Nous sommes au spectacle. Nous sommes ainsi ravis par cette composition qui aura su rivaliser avec les meilleures créations, plus argentées.” – Toute la culture

1. Après 170 dates de tournée, le spectacle écrit et mis en scène par Guillaume Vincent fait une halte au Rond-Point. Rendez-vous gare de l’Est pour un voyage inoubliable :

– “Entre folie ordinaire et troublante poésie, Emilie Incerti Formentini incarne avec talent une maniacodépressive dans un one woman show qui bouscule les règles du genre.” – Les Inrocks

– “Remarquable de justesse jusque dans les hésitations, les coqs-à-l’âne et dans l’hébétude du mélancolique, Emilie Incerti-Formentini n’est pas un objet de voyeurisme pour le spectateur mais plutôt un flux tendu de pensée à vif, mêlant réalité et fiction, et moins désordonné qu’il n’y paraît au premier regard.” – Philosophie Magazine

– “La mise en scène ici est presque tout entière consacrée à la direction de l’actrice ; et quelle actrice : un violon qui joue au rythme saccadé de la maladie impalpable qu’elle tente de décrire. C’est une femme à la fois joyeuse et fragile qui nous apparaît d’emblée, assise sur sa chaise au milieu d’une scène nue, comme si la discussion entre elle et nous avait débuté de façon impromptue, sur un banc, en pleine lumière.” – Les trois coups

– “Emilie Incerti-Formentini porte ce projet avec beaucoup de sensibilité. Elle épouse les creux et les vagues, les respirations et les soupirs d’une parole qui se voudrait banale, mais qui traduit la lente corrosion et la destruction intérieures.” – Telerama

– “Dans ce reality-show de la Psychose Maniaco-Dépressive, nous sommes transformés en voyeurs. Difficile d’être touchés par la mise à plat non de la souffrance psychique d’Emilie mais de ses effets, sauf à applaudir l’immense travail de la comédienne dans cet éblouissant rôle de composition.” – Toute la Culture

– “Emilie Incerti Formentini s’est emparée de ce texte de manière vraiment virtuose, en jouant sur la double perspective de l’incarnation de cette parole et de la confrontation au public. Au centre sous le regard du public, elle demeure très exposée, dans une sorte de mise à nu et de réinvention de ce personnage de femme dans le présent de la représentation.” – Interview de Guillaume Vincent pour La Terrasse

2. Gilles David met en scène La demande d’emploi de Michel Vinaver au Studio-Théâtre de la Comédie-Française :

– “Gilles David met en scène au Studio-Théâtre de la Comédie-Française La Demande d’emploi, pièce féroce qui n’a pas pris une ride.” – Le Figaro

– “La mise en scène de Gilles David respecte parfaitement l’esprit de cette œuvre, servie par une distribution parfaite (…) Mention spéciale à Louis Arene, formidable dans le rôle du recruteur au sourire abject (finissant par ressembler à un banquier-ministre à la mode), personnage féroce, brutal, broyeur d’humain.” – Froggy’s Delight

– “La pièce est à sketches et aussi bien certains pourraient changer d’ordre ou disparaître, comme des épisodes de série télé, le sens général n’en serait pas affecté. Ce qui compte c’est le discours de chacun, agencé tel un monologue haché, puisque les quatre personnages se parlent sans se répondre, à la manière de ceux de Tchekhov.” – Theatre-Actu

– “L’auteur a souvent expliqué que les répliques de ses pièces font un tissu qui ne doit pas être interprété mais dont on doit restituer la musique. Gilles David éclaire parfaitement ces voix discordantes qui se croisent et se juxtaposent. Les quatre comédiens, comme un chœur, jouent finement.” – Telerama

– “Impeccablement rythmée, la mise en scène de Gilles David, qui dirige ici pour la première fois des acteurs de la Comédie-Française, trouve le ton juste entre équilibre et déséquilibre pour traduire une perturbation d’autant plus désarmante que jamais frontale ses effets se font ressentir après coup sous forme de ressassèrent.” – France TV Info

– “Ce spectacle mérite d’être vu, notamment pour le regard pertinent que Vinaver livre sur le monde de l’entreprise et la société de consommation actuelle. Écrite en 1971, mis à part les problèmes relatifs à l’avortement en France, cette pièce n’a pas pris une ride.” – Artistic Rezo

– “C’est pour moi la pièce idéale pour faire des exercices d’acteur. Elle est écrite en 30 morceaux et je l’ai beaucoup utilisée pour enseigner le théâtre à de jeunes gens. Je ne me trompais pas beaucoup, puisque Michel Viander l’avait d’abord appelée L’école du théâtre avant de la rebaptiser La demande d’emploi.” – Interview de Gilles David pour Theâtral Magazine

3. Reprise du mélo burlesque Bigre au Tristan Bernard, suite au gros succès de ce début de saison au Rond-Point :

– “Pierre Guillois signe, met en scène et joue une rocambolesque et irrésistible comédie de mœurs. Avec la complicité de ses acolytes (Agathe L’Huillier et Olivier Martin-Salvan, magnifiques !), il nous emporte dans son délire dès les premières minutes de la pièce et ne nous lâche plus, jusqu’à un épilogue qui en surprendra plus d’un.”  – Telerama

– “L’originalité de Bigre, c’est que les trois interprètes présents sur scène, Pierre Guillois, Agathe L’Huillier, Olivier Martin-Salvan, en sont aussi les auteurs.  A partir de l’idée des chambres de bonnes amenée par Pierre Guillois, les trois comédiens ont tissé un canevas de situations qui répondent à une mécanique très précise à la fois au niveau du texte mais aussi de la machinerie.” – France TV Info

– “Comme toujours dans le burlesque, il n’y a pas de narration globale, mais une série de gags rondement menés, sur un rythme trépidant (…) On devrait pleurer devant le spectacle de cet accablement continu et on en rit : ainsi va et ainsi vaut la vie quand la distance de l’humour en allège la tragédie.” – La Terrasse

– “Incorrect politiquement et généreux, Pierre Guillons s’inspire des êtres que l’on voit peu sur scène ou au cinéma, trouvant dans le quotidien des vrais gens de quoi créer des personnages hauts en couleur et en intelligence, sincères et poétiques. Ses personnages clownesques cherchent l’amour, ils se croisent et s’affrontent, évoquent dans la loufoquerie les tourments du couple, les lassitudes et les envolées du désir.” – Artistic Rezo

– “Ce mélo est sans paroles. Cette contrainte évidente de jeu et de compréhension se transforme en atout tant les autres appuis sont riches (…) Entre tableaux, récit et portraits, ce spectacle doux-amer aux belles images superpose la vie et l’absurde, le bête, le méchant et le poétique. Et offre un moment accessible et intelligent, de clown et de cinéma.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Dieu sait qu’il est drôle, ce Bigre bourré de gags inventifs. Mais le rire qu’il suscite est d’une qualité particulière : il s’accompagne d’une émotion qui ne s’efface pas, une fois sorti du théâtre (…) tant le spectacle, à sa manière, parle avec justesse de la solitude et de la misère sociale.” – Le Monde

– “Voilà un spectacle bien né, d’une réjouissante théâtralité et dans lequel trois comédiens – en funambules d’ombre et de lumière – se mettent en danger pour nous livrer de l’humain sur le vif. Nul doute que la puissante mécanique du burlesque gagnera encore en fluidité et en folie au fil des représentations. Si ce spectacle nous intéresse tant, c’est sans doute parce qu’il fait l’économie des mots. « Adieu au langage », de Guillons à Godard !”  – Les trois coups

4. À la Pépinière Théâtre, Jean-Philippe Vidal revisite le Système Ribadier de Feydeau :

– “Pour qu’une pièce d’une grande drôlerie devienne aussi irrésistible que dans la version présentée par Jean-Philippe Vidal, il faut un metteur en scène qui, à son image, sache avec son collaborateur artistique Denis Loubaton, prendre des risques pas si évidents qu’il n’y paraît.” – Froggy’s Delight

– “Deux portes, une côté cour et l’autre côté jardin, deux fauteuils noirs et un écran géant sur lequel apparaît le visage blafard de Robineau, l’ex-mari d’Angèle. Cet écran-vidéo en devient presque hypnotique et donne à ce Feydeau revisité une touche de modernisme toute particulière. Le spectateur est alors invité, par son imaginaire, à créer lui-même son décor.”  – Publik’Art

– “Dirigés avec beaucoup de rythme et de simplicité, les comédiens déploient une folle énergie avec une précision d’horloger suisse. Sans fausse note, Ludmilla Dabo (Sophie) et Pierre-Benoist Varoclier ou Nathan Gabily, avec Gauthier Baillot ou Arnaud Simon dans le rôle de Savinet le négociant de vin, complètent cette distribution agile et efficace, qui impulse un élan dramatique sans temps mort, vif et caustique. Un théâtre d’acteurs qui servent un grand auteur.” – Artistic Rezo

– “Ici, tout est pensé pour que le rythme soit constant et que le rire ne faiblisse jamais. Sans chercher à être voyante, mais en cumulant les bons choix qui dénotent un excellent esprit, la mise en scène de Jean-Philippe Vidal est un régal au service d’un Feydeau inégalable qu’il ne faut pas manquer.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Pas un mot ne sera dit, mais les catastrophes vont s’enchaîner allègrement entre le geek, le bordélique et l’apprentie en médecines plus ou moins douces.”  – Les Inrocks