Ma folle otarie : voyage en imaginaire

Il est là, tout frêle, tout fin, un peu pâlot, droit sorti d’une BD de Sempé. Un petit bout d’homme pour incarner un personnage passe-partout, un “nobody”, le plus commun des plus ordinaires des hommes.

Très vite, cependant, quelque chose l’arrache de cette normalité maladive. Il se trouve confronté sous nos yeux – ouverts ? fermés ? – à un problème aussi énorme que singulier. Un problème lié, non pas à de simples et banales histoires de fesses, mais à ces dernières, tout bêtement. À ses fesses, oui. Son postérieur, son cul, son derrière, son popotin, son arrière-train se met à doubler, tripler, décupler de volume sous nos mirettes ébahies qui jamais n’ont contenu telle circonférence – 5 à 6 mètres, incroyable, imbattable, inouï.

Ma folle otarie Pierre Notte Brice Hillairet

« Ma folle otarie, c’est avant tout l’histoire d’un homme sans folie » – Pierre Notte

Alors forcément, lui que personne ne remarquait, tout le monde s’empresse de le moquer. Jusqu’à le rejeter bien loin, dans une fuite désespérée. Jusqu’à lui faire souhaiter la mort. Seule une otarie lui portera secours, le sauvera du suicide et lui montrera le chemin d’une résilience aussi douce qu’aérienne.

Fable philosophique, ode à la vie et à l’amour, manifeste pour la différence, plaidoyer contre l’indifférence, aventure poétique et ludique, invitation au voyage, balade dans notre imaginaire, fabrique d’un rêve éveillé : Ma folle otarie, c’est tout cela à la fois. L’une des prouesses de ce spectacle est de nous faire voir tant de choses qui n’existent pas sur scène. Le plateau est dépouillé, dénudé, dénué de tout artifice, de tout décor, immaculé, vierge, nu, désert. Plein de vide et pourtant prêt à tout pour tant nous offrir.

Ma folle otarie, Pierre Notte, Brice Hillairet, Lucernaire, Pianopanier

« Si vous avez fait l’homme à votre image, j’aimerais comprendre pourquoi je me retrouve comme ça… »

Des fesses monstrueuses d’énormité de notre anti-héros à son amie l’otarie moustachue, de l’homme-tronc protecteur à la sale gamine au vélo rouge, du marbre glacial d’une tombe à la rame bondée d’un métro, d’une plongée en eaux profondes à une envolée pétaradante… Le décor et les personnages se construisent et grandissent dans notre cerveau avant de se déposer sous nos yeux. Et l’on réalise à quel point notre imaginaire est capable de prouesses encore insoupçonnées.

L’écriture de Pierre Notte, toujours tendre, drôle, sensible, intelligente et délicatement poétique donne sa voix à un formidable interprète. Comme ça, l’air de rien, sans crier gare, sans costume, dans une voix quasi monocorde, Brice Hillairet nous invite à percevoir l’énormité de son cul, mais aussi, et surtout, l’immensité de notre imagination.

MA FOLLE OTARIE
Du 10 mai au 24 juin 2017, mardi au samedi 19h au Lucernaire
Texte et mise en scène : Pierre Notte
Avec : Brice Hillairet

Petit éloge de la nuit, Pierre Richard, Gérald Garutti, Critique coup de coeur Pianopanier, Théâtre du Rond-Point

La traversée d’un noctambule au fol espoir

« La lumière du jour, les ombres de la nuit. » Jean Racine

La nuit intrigue, fascine, inspire, enveloppe, angoisse, et il ne suffit pas d’un petit éloge pour en parler. Gérald Garutti s’est donc inspiré de l’ouvrage d’Ingrid Astier, mais aussi d’une sélection de textes de Baudelaire, Desnos, Pablo Neruda, Edgar Poe, Henri Miller car la nuit est vaste et la langue infinie.

Pierre Richard est seul en scène, débordant d’énergie. Il ne cesse de bouger, s’allonger, courir, mimer, contempler… Il est tour à tour enfant rêveur, conteur d’un soir, aventurier nocturne, farceur funambule. Il incarne en somme ce que nous sommes peut-être tous : des chercheurs de beauté, des mangeurs de rêves, des buveurs d’étoiles.

Petit éloge de la nuit, Pierre Richard, Gérald Garutti, Critique coup de coeur Pianopanier, Théâtre du Rond-Point@ Pauline Maillet 

« Ces jours ne sont jamais que des clartés
douteuses, et toi, la nuit, tu es ma grande lumière sombre. » Charles Péguy

La traversée est poétique, et la marée de mots et d’images abondante. À cette rêverie s’ajoutent des images vidéo projetées en fond de scène avec tantôt Pierre Richard lui-même, contemplatif, tantôt le cosmos étoilé, ou la belle Marie-Agnès Gillot – subtile, évanescente, fugitive – en fantôme féminin nocturne si proche et si insaisissable à la fois.

C’est une histoire de rêves, de fantasmes, de contemplation. On se laisse envahir par la poésie, on prend des chemins de traverse, on imagine l’inexprimable.

Amis rêveurs, il est encore temps d’aller à cette invitation nocturne au théâtre du Rond-Point, vite, vous avez jusqu’au 15 avril.

PETIT ELOGE DE LA NUIT
À l’affiche du Théâtre du Rond-Point à partir du 15 mars au 15 avril 2017 (mardi au samedi 20h30, dimanche 15h30)
Texte : Ingrid Astier
Adaptation et mise en scène : Gérald Garutti
Avec : Pierre Richard

Providence - photo © Pascal Gely

Providence : trois artistes pour un monologue polyphonique

Le dispositif scénique est imposant, géométrique, technologique. Sa fonctionnalité et sa modernité contrastent abruptement avec la patine toujours émouvante du théâtre des Bouffes du Nord. Le salon d’une maison qualifiée par son habitant lui-même de « banale et pratique » ; un canapé chic et sobre, deux massifs magnétophones à bande, quatre baffles, un livre, un homme aux pieds nus…

Une longue fréquentation unit l’auteur Olivier Cadiot, le metteur en scène Ludovic Lagarde et l’acteur Laurent Poitrenaux. Après « Le Colonel des zouaves » en 1997 et « Un mage en été » en 2010, c’est « Providence » qui va offrir sa matière dense à cette nouvelle œuvre commune.
Les quatre récits de « Providence » seront ici fondus pour former la parole, souvenirs, divagations, d’un seul personnage protéiforme. S’y succédaient « Quel lac aimons-nous » où l’on assiste au règlement de compte entre un personnage et son auteur ; « Comment expliquer la peinture à un lièvre mort », peinture d’un moment de bonheur parfait où un jeune homme se transforme en une vieille dame ; « Illusions perdues », transcription actuelle et condensée du roman de Balzac, et « Providence », qui donne son titre au spectacle, où un vieil homme convoque son passé et prépare une conférence pour proclamer sa bonne santé mentale. Ici, décomposés-recomposés, ces parcours seront autant de facettes d’un homme, mais aussi de temps, forts ou faibles, creux ou pics, lointains ou proches, de sa vie.
 

« Je rêverais d’une musique
qui contiendrait tous les états des autres. »

Sous les lumières éclairant encore le public et l’incluant dans l’espace même du jeu, le narrateur nous accueille au salon, fier sans tapage de son « système de quadriphonie », qui sera un interlocuteur à part entière. Le dispositif sonore, remarquable de finesse, a été conçu avec l’IRCAM. Le narrateur en jouera comme d’un instrument, d’un geste dans l’air faisant jaillir notes de musique ou sa propre voix enregistrée.

Le monde des sons est un besoin du narrateur comme celui de l’oxygène, un enjeu, une question ; et pour ce spectacle un outil, un autre geste, un pan du décor, une parole. On entendra la musique répétitive de Robert Ashley se mêler à la Grande Symphonie de Schubert, on entendra les martinets qui rasent les façades, on entendra la chaleur sur une terrasse un début de printemps ensoleillé, on entendra le bonheur. Car il est question de dépression – où l’on apprendra peut-être que lac et dépression « au sens large » sont voisins de sens, de défaites et de renoncements, mais aussi de bonheur, ou peut-être, au moins, de souvenirs de bonheur.
 

« Je ne suis pas hors de moi, ni en moi,
mais à l’équilibre »

Soutenu par une création soignée – son, lumières et vidéos sculptant l’espace autour de lui-, Laurent Poitrenaux, acteur fluide et précis, se glisse dans tous les âges et tous les états du narrateur, de ses doubles, et de ses contes, rêves, rencontres cocasses, personnages inventés ou remémorés. Il a la diction à la fois vive et indolente, dans la voix une ironie comme un peu lasse, quelque chose de très actuel. Il a dompté et libéré son corps, dont il semble pouvoir changer jusqu’au poids au gré de ses incarnations, lui donnant avec le même naturel, la même sensation d’évidence, la légèreté aérienne d’une jeune fille, la fragilité d’une vieillarde, la pesanteur d’un homme fatigué. Au milieu des machines, des images, des sons, c’est l’humain qui palpite.

« Si j’entends des voix, c’est pas si mal,
je ne suis plus tout seul, ça discute »

On s’égarera peut-être dans les méandres de cette fresque rhizomique, comme en ces dessins fiévreux d‘art brut où fourmillent mille détails qui nous semblent clairs, mais dont on peine à saisir le sens général. Peu importe, acceptons cette part d’errance et goûtons-en les riches buissonnements.
 

PROVIDENCE
À l’affiche du Théâtre des Bouffes du Nord jusqu’au 12 mars puis en tournée (15-25 mars : Théâtre National de Strasbourg – 29-31 mars : Maison de la Culture d’Amiens – 4-7 avril 2017 : Comédie de Clermont-Ferrand)
Texte Olivier Cadiot
Mise en scène Ludovic Lagarde
Avec Laurent Poitrenaux
Scénographie Antoine Vasseur – Lumières Sébastien Michaud
Réalisation sonore David Bichindaritz – Réalisation informatique musicale Ircam Sébastien Naves et Jérôme Tuncer
Création à la Comédie de Reims

Photos © Pascal Gely
 

Je danserai pour toi, un spectacle écrit et interprété par Sophie Galitzine, Théâtre Essaïon, critique Pianopanier

Je danserai pour toi, l’histoire d’un corps et d’une âme

Elle est jeune et pétillante, elle aime danser, se mettre du vernis à ongles, sortir dans les bars branchés, se montrer aux terrasses des cafés, debriefer sur le dernier film des frères Cohen, danser encore, avoir des amoureux… Vie normale de jeune active en somme, vie banale, vie parisienne.

A peine arrivés, des vapeurs d’encens nous guident vers la salle du petit théâtre de l’Essaïon. Non, ce n’est pas une expérience mystique – enfin pas tout à fait- qui nous attend dans cet endroit confiné mais le seul en scène de Louison, comédienne parisienne, qui nous raconte comment elle a rencontré le Christ.
Entre chamanisme, bouddhisme, spiritisme et catholicisme, l’actrice nous raconte avec humour son combat spirituel et ses questionnements. C’est un vrai défi d’aborder ce sujet-là et Sophie Galitzine le fait avec beaucoup de justesse.

Je danserai pour toi, un spectacle écrit et interprété par Sophie Galitzine, Théâtre Essaïon, critique Pianopanier© Clémentine Houdart 

La comédienne nous témoigne de sa foi comme d’une véritable libération. Contrairement à ce que l’on croit, le catholicisme est une religion du corps – elle nous rappelle d’ailleurs la sensualité du Cantique des Cantiques.
Sophie Galitzine rayonne, pétille, partage sa joie. Un très très joli moment.

Le spectacle se joue jusqu’au 14 janvier, alors vite vite vite, prenez vos places ! On a bon espoir qu’il soit prolongé.

JE DANSERAI POUR TOI
Du 18 novembre 2016 au 14 janvier 2017 à l’Essaïon Théâtre (vendredi et samedi 21h30)
Un spectacle écrit et interprété par Sophie Galitzine
Avec la complicité de Jean Franco

La troublante déclaration de Catherine Sauval à Jules Renard

Voici un spectacle intelligent, subtil, à la gloire d’un auteur trop souvent méconnu. Catherine Sauval a découvert le Journal de Jules Renard suite aux représentations de Poil de Carotte au Studio-Théâtre de la Comédie-Frrançaise en 2010. Ce fut une révélation, un véritable coup de foudre. Cette passion pour l’homme, pour le poète, elle la dépose avec douceur, intensité, sensibilité sur la scène du « petit Poche-Montparnasse ».

Son spectacle ne serait pas ce petit bijou si l’ancienne sociétaire du Français  y proposait une simple succession des plus célèbres aphorismes du poète (« Si l’on bâtissait la maison du bonheur, le plus petite pièce serait la salle d’attente », « La nature fait du fumier avec les souvenirs de son année », « Dieu n’est pas une solution, ça n’arrange rien », « Je vois la vie en rosse »…).
Catherine Sauval raconte que l’agencement des différents extraits qu’elle avait retenus « se fit comme par magie en moins d’une heure ».
Elle nous apprend ou nous rappelle que Jules Renard était mal aimé (sa mère ne le surnommait-elle pas « le chieur d’encre » ?), d’une timidité maladive, neurasthénique, voire suicidaire…

Jules Renard, L’homme qui voulait être un arbre

© Alain Leroy / L’Œil du spectacle

« C’est l’homme que je suis qui me rend misanthrope ».

Cette magie opère au plateau et nous fait voyager dans les différents univers de Jules Renard : sa famille plus ou moins bienveillante, son travail d’écriture plus ou moins facile, sa campagne toujours chérie… Car l’auteur d’Histoires Naturelles et de Bucoliques, chronique paysanne avait un rapport à la nature qui est ici souligné. Les « scènes de vie de campagne » modifient le rythme du spectacle. Pleines de vie, elles sont souvent très drôles.

La scénographie de Catherine Sauval est toute simple, épurée, faisant la part elle aux jeux de lumières et à son jeu à elle, immense comédienne, tout en justesse, retenue, sensibilité et délicatesse.

Si l’émotion est toujours présenté, la dernière scène nous « cueille » littéralement. Preuve que Catherine Sauval, elle aussi magicienne, parvient à transformer ses spectateurs, l’espace d’un instant, en une véritable petite forêt…

L’HOMME QUI VOULAIT ETRE UN ARBRE
Du 26 septembre au 2 janvier 2017, les lundis à 19h au Théâtre de Poche-Montparnasse
D’après : Le Journal, Bucoliques et Histoires Naturelles de Jules Renard
Adaptation et interprétation : Catherine Sauval

Seuls : Et si Harwan c’était Wajdi si Wajdi n’avait pas fait de théâtre

Une chambre d’étudiant toute simple, presque impersonnelle. L’acteur entre, la salle est encore éclairée; quelques rires étouffés, certains trouvent-ils son corps d’adulte en caleçon noir cocasse, ou peut-être est-ce de le voir arriver sous une lumière si vive, sous la même lumière que les spectateurs ? Le noir se fait progressivement, et l’attention s’installe, définitivement.

« Mesdames et messieurs, je tiens tout d’abord à vous remercier de me donner la parole »

Il n’est pas rare, cette saison, que des spectacles s’ouvrent sur une adresse directe, comédiens statiques, face à la salle, métamorphosant l’auditoire réel en un public de fiction (ou vice versa). Membres du Conseil convoqués par le roi Louis (« Ça ira, fin de Louis », Pommerat ; intellectuels réunis pour une conférence sur Benno von Arcimboldi (« 2666 », Julien Gosselin)… ici, nous assistons à la soutenance de la thèse d’Harwan, étudiant montréalais en sociologie de l’imaginaire, sur « le cadre comme espace identitaire dans les solos de Robert Lepage ».
Ça commence bien, tout est en ordre « Mesdames et messieurs… », politesses d’usage, etc, allez savoir pourquoi – on saura pourquoi, plus tard –, tout part en vrille, la théorie sur laquelle repose cette « hostie d’thèse est en train de totalement crisser le camp, tabarnac », les formules convenues et le français bien léché se barrent en courant, l’étudiant laisse tomber son discours, laisse tomber peut-être d’autres choses, va s’allonger sur son petit lit d’étudiant… Une image de lui se détache doucement de son corps, se redresse lentement, ouvre les stores, s’échappe… moment de magie où la vidéo s’immisce avec délicatesse, comme discrète, dans le jeu, pour y glisser une part de rêve.

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Photos : © Thibaud Baron

Flashback.
Harwan est sur le point de s’envoler vers Saint-Pétersbourg à la rencontre du metteur en scène Robert Lepage, sujet de sa thèse, quand il apprend que son père est plongé dans le coma. Une succession d’événements le mène à se confronter à lui-même à travers le chef-d’œuvre de Rembrandt, Le Retour du fils prodigue.
Il court d’aéroport en rendez-vous manqués après Robert Lepage, qui est finalement le nom de ses interrogations esthétiques et morales, un Robert Lepage sans cesse ailleurs ; la conclusion de sa thèse lui échappe ; le temps lui manque, et sa sœur le houspille pour qu’il arrange enfin son studio, qu’il repeigne au moins les murs !
Harwan dans la réalisation de ses projets est sans cesse contraint, par petits et grands empêchements – on avance sa date de soutenance, son père tombe dans le coma, à l’aéroport il se trompe de valise… il croit acheter du papier peint, ce sont des nappes… son téléphone ne sonne jamais, ou bien, débranché un jour d’agacement, il se met à sonner – mais évidemment personne au bout de la ligne, ce serait trop simple.

Mouawad acteur – sans doute parfois imparfait, ici ou là peut-être à un cheveu de la bonne distance entre lui et son personnage -, est toujours d’une sensible incontestable, d’une drôlerie pleine de tendresse. Malgré ou avec sa fragilité, son jeu, sincère, généreusement présent, est d’une justesse émouvante.

Polyphonie

Charlotte Farcey , dramaturge du spectacle, au début du travail de création, a trouvé les mots pour donner son élan au processus « L’écriture ici n’est pas seulement « les mots » écrits par Wajdi ; elle est aussi les projections vidéo qu’il a tourné, les sons qu’il a capté… Tout cela est l’écriture du spectacle. L’écriture relève ici de la polyphonie et nous nous entêtons à travailler encore sur un rapport mot/acteur en nous imaginant que le reste relève de la scénographie. Nous nous trompons car le reste aussi est de l’écriture. »

Alors dans cette polyphonie, on entend beaucoup de musiques, une belle création originale, mais aussi de la pop, des airs orientaux sortant de baffles d’ordinateur, d’un casque audio, d’un petit poste ; ou même, moment de grande tendresse : Wajdi Mouawad/Harwan, qui ne chante pas avec la voix d’un chanteur, mais avec la voix d’un fils qui se remémore un air aimé de son père. Et c’est très beau.
Des images aussi, diaporama naïf de moments heureux, ombres chinoises pleines de douceur; des mots : on lit aussi ici, défilant sur le mur au fur et à mesure que Harwan déroule les infos sur son portable, des fragments de recherches internet, mais aussi, in extenso, le synopsis d’un hypothétique nouveau solo de Lepage « La Révolution prodigue »…
D’autres voix, sa sœur Layla, le directeur de l’université, un médecin, le père, l’assistante de Lepage… Mouawad ne fait pas « son Caubère », il laisse les voix des autres leur appartenir, diffusées en off. Mouawad se contente d’être Marwan, et il a fort à faire. Deux heures durant, il nous trimballe de soliloques en monologues, dialogues dont il nous manque l’autre moitié, songes éveillés, silences, écoutes, souvenirs, images fixes ou mouvantes; l’humour rythme aussi les péripéties et les relations, le prosaïque se mêle au tragique – car c’est ainsi dans la vie, et c’est ainsi dans le théâtre de Mouawad…

Sous mille formes, Harwan ressasse les obsessions de Mouawad, la langue, la maladie, la mort, l’hôpital, l’exil, l’identité, la guerre, le nœud gordien de la famille…

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«Comment dit-on mémoire en arabe ?»

Un auteur écrirait toujours le même livre… et ce n’est pas réducteur, car l’auteur n’est pas, lui, toujours «même», et ce motif répété sans cesse peut-être une source intarissable. Et cet unique sillon peut être creusé plus profond, faire remonter l’humus de plus loin.
Pour la première fois, le nom du pays de ses origines est dit. Liban.

Alors – « Papa, c’est Harwan, ton fils », puisque les médecins « nous ont demandé de te parler comme avant. Mais on ne se parlait pas tellement, avant » – s’entame un long dialogue dont l’un est muet, l’autre intarissable. C’est l’heure du règlement des comptes, on pèse les rancoeurs, les frustrations « tu as passé ta vie à nous dire que tu avais tout sacrifié pour le bonheur de mes enfants », les malentendus « mais tu vois, il n’y avait pas de sacrifice à faire, le bonheur était là.», mais aussi l’heure des remords, des confidences, des aveux, des souvenirs, de la douceur « Moi, même si je ne t’ai connu qu’ici, quand je pense à toi, je te vois au Liban. Je vois le bord de mer, les cafés, un ciel d’un bleu déchirant, je te vois toi, élégant… Je ne vois jamais la guerre. Disons que pour moi, le Liban, ça se résume au petit jardin derrière notre maison à la montagne».
C’est aussi l’heure pour Harwan comme pour Mouawad de renouer avec sa langue maternelle, sa langue paternelle, alors, à tâtons, comme un pas hésitant vers la réconciliation, Harwan va faire renaître l’arabe sur ses lèvres pour raconter leur autrefois à son père dans le coma.
« Harwan c’est ta sœur. » On comprendra là pourquoi ces innombrables empêchements, et on assistera à la lutte poignante pour s’en défaire. Harwan au débit incessant se tait.
Après la simplicité réaliste des premiers mouvements, presque quotidienne, juste effleurée d’onirisme, on bascule dans ce théâtre lyrique cher aussi à Mouawad, théâtre baroque au sens premier, celui dont on désignait les perles irrégulières, boursouflées, bosselées… théâtre de corps et de matières, physique, animal, excessif.

Puisque Harwan se tait enfin, on entend la voix de sa sœur Layla, les bruits du monde, aboiements, pépiements, souffle du vent, les sons de l’hôpital, le fouillis des objets bousculés. Le corps peint sauvagement, muet, il traverse le plateau en une esquisse de butô douloureuse. Se scotche une feuille de papier blanche autour de la tête, s’aveugle. Lui qui enfant peignait des ciels étoilés pour pouvoir y « compter les étoiles » se jette contre les murs pour y imprimer des « anthropométries » sanglantes, combat rageur. Harwan s’agite, se lave, glisse, peint, reprend sa déambulation furieuse, jette au sol des couleurs criardes en un dripping enragé. Il déploie autour de lui des panneaux translucides qu’il couvre à grands gestes, petit à petit ils se referment autour de lui, le font disparaître derrière les traînées de peinture désordonnées. Puis ils vont, respiration, se rouvrir sur une scène dévastée : respiration mais chaos. Au milieu duquel Harwan apaisé s’allonge pour enfin pouvoir compter les étoiles. Moments poignants. Le fils prodigue a erré longtemps, s’est battu et perdu, a fait le chemin du retour et a fini par trouver sa place, celle d’où il peut réaliser ses rêves d’enfant. Seul sur le plateau qu’il aura habité avec intensité pendant deux heures, Mouawad laisse le spectateur avec la sensation d’avoir assisté à une naissance, et c’est hautement vivifiant.

Seuls – spectacle vu le 27 septembre 2016
À l’affiche du Théâtre La Colline jusqu’au 9 octobre
Ecrit, mis en scène et interprété par Wajdi Mouawad

Seuls de Wajdi Mouawad est publié aux éditions Actes Sud Théâtre, hors collection.

La trop bruyante solitude d’un amoureux des mots

35 ans. 35 ans hors du monde. 35 ans sous terre, au trou, dans une cave. Avec pour unique trace de vie celle de dizaines de souris espiègles et polissonnes.
Est-il prisonnier ? Dangereux terroriste ? Bandit de grand chemin ? Rebut de la société ? Que nenni ! Hanta n’est qu’un simple ouvrier. Ouvrier d’une presse mécanique. Toute la journée, depuis donc 35 ans, il broie des livres dans le noir et broie du noir car il broie des livres. Mais pour rien au monde il n’échangerait sa place ni son emploi. Car cette place lui permet de sauver des dizaines, des centaines de livres. Cet emploi contribue à lutter contre l’obscurantisme. Face à la censure, Hanta a trouvé un subterfuge. Philosophe, humaniste, il se dévoile peu à peu homme de lettres, à mesure qu’il subtilise et cache tous ces (ses?) ouvrages. Kant, Hegel, Nietzsche… sont devenus au fil des ans ses compagnons d’infortune. Grâce à eux, pour eux et avec eux, il tente d’oublier son amour perdu – une jeune tzigane qui n’eut pas la chance, elle, d’être soustraite à la barbarie nazie.

 

Une Trop Bruyante Solitude Thierry Gibault
©Pauline Le Goff

Quand il ne reste rien, demeurent les voix, dans l’espace vide… qui nous invitent à tout réinventer – Laurent Fréchuret.

Thierry Gibault incarne ce héros bibliophile avec une conviction, une densité, une intensité exceptionnelles. Pour l’accompagner dans ce projet dont il est à l’origine, Laurent Fréchuret a opté pour une mise en scène tout en sobriété.
Une simple ampoule pour éclairer les vêtements maculés de Hanta. Un jeu de lumière signé Eric Rossi pour évoquer tour à tour la salle de presse ou les rues de Prague. En fond sonore, le ronronnement doux et régulier d’une machinerie. C’est presque rien et pourtant on voyage dans la vie d’Hanta, on souffre avec lui, on est suspendu à ses lèvres, on écoute et on vit son histoire.
À la fois reconnaissant et plein d’empathie, on est admiratif d’une telle bravoure. Son héroïsme et sa rébellion nous touchent au plus profond. Et pour un peu, on serait prêt à demeurer 35 ans sous terre, à l’écouter nous dire des vers…

 

Une trop bruyante solitude – spectacle vu le 28 juillet 2016 au Théâtre des Halles
Un texte de Bohumil Hrabal
Adaptation et mise en scène : Laurent Fréchuret
Avec : Thierry Gibault

Encore une nuit et je serai trop vieille, l’âge d’aimer

Geneviève de Kermabon sait parler des corps et des désirs.

Après Sous ma peau, spectacle intense sur le désir à l’âge adulte, composé à partir d’écrits de Grisélidis Réal, artiste et prostituée, et d’autres témoignages, Geneviève de Kermabon donne forme à la question de la sexualité des adolescents. Là encore elle nourrit son travail de rencontres, et les propos des jeunes gens interrogés gorgent son texte de réel. La liberté de leurs confidences témoigne sans nul doute de la confiance qu’elle a su leur inspirer.

Encore une nuit et je serai trop vieille, le désir en question

C’est l’histoire de Rosie… Rosie est une adolescente aux formes généreuses, entravée par son éducation, la difficulté d’accepter son corps, le regard des autres et par l’autocensure.
Elle aimerait, mais elle n’ose pas…
Alors elle écoute les confidences des autres, leurs histoires intimes, parfois crues, souvent drôles…

Encore une nuit et je serai trop vieille - photo 04

« L’amour avec un grand A,
c’est le fait d’être complètement nu de l’intérieur devant quelqu’un »

Rosie, c’est un ample personnage en jean XXL, à la poitrine faite de 2 demi-mappemondes, au visage de loupe. Elle trône au centre d’une piste peuplé d’un apparent bric-à-brac profus, pas loin d’une installation d’art brut, ou de cet « art pauvre » qui redonne une valeur artistique à des matériaux dits modestes.

Silhouettes à taille humaine, corps de tuyaux, ressorts, bras articulés. Amas de fils de fer qui se déploieront en un gracieux couple pour une danse lascive. Ces « machines » signées Soux prendront la voix de ces « autres » dont Rosie guette la parole, leurs visages de plexiglas animés en transparence par le visage de l’artiste, leurs corps mus ou abandonnés au gré de ses mouvements.

Des empilements d’accessoires, masques, perruques, photos, accrochés à des patères, posés sur un coin de chaise : bientôt un jeune homme romantique, bientôt une jeune fille amusée. Menue, vive, avec ou sans masque, Geneviève de Kermabon a 15 ans, 20 ans, garçon ou fille, ou pétillante grand-mère – pour un souvenir d’une adolescence d’un autre temps – avec la même crédibilité.

Encore une nuit et je serai trop vieille - photo 05 Encore une nuit et je serai trop vieille - photo 06

« La première fois, ça a duré 6 secondes, il était trop désolé,
mais moi j’men fous, des premières fois, y’en aura des tas »

Il y a de la fraicheur et du sérieux – car les sentiments et le sexe peuvent être choses très sérieuses ! – dans ces mots adolescents. Il y a aussi des dévoilements inattendus, touchants ou cruels. A un Robin figuré par un portrait du Caravage, sa mère déboussolée : « je préférerais te voir mort que pédé » « alors si c’est ça, je vais choper le SIDA ». Un bref et dur silence.

Marionnettes, masques, mise en scène joueuse, interprétation décalée : ainsi portée, la parole peut s’adresser autant aux adolescents qu’aux adultes, et être sans inhibitions, spontanée, sans que jamais l’on se retrouve voyeur malsain, déplacé. La finesse de jeu de l’actrice, la justesse et la malice de son regard sans jugement, au contraire, nous font spectateur attentif et sensible de ce portrait aux multiples facettes, tendrement humain.
Encore une nuit - affiche
ENCORE UNE NUIT ET JE SERAI TROP VIEILLE – spectacle vu le 14 juillet 2016
À l’affiche du théâtre Les 3 Soleils
Un spectacle conçu et interprété par Geneviève de Kermabon

Face au Gorille

Il entre dans la salle par une porte dérobée et nous surprend, nous, public, immédiatement. Un gorille en redingote et haut de forme, très chic, vient nous saluer et entreprend, au pupitre dressé devant nous, de nous entretenir de son bien curieux destin.

Capturé dans la forêt africaine, enfermé dans une caisse à bord d’un cargo, il a traversé les océans pour venir jusqu’à nous. Et pour sortir de sa condition de gorille, on lui propose de devenir un homme. Le Gorille-conférencier nous conte alors son apprentissage : serrer une main, boire de l’alcool, dire bonjour…mais, surtout, être un humain : apprendre les sentiments, apprendre à être sociable, apprendre les différences, les bassesses, les compromissions. Apprendre, surtout, à être un autre, et à être accepté comme tel par la communauté des humains.

Le Gorille Brontis Jodorowsky
©Adrien Lecouturier

« Pour les humains, la place d’un singe est dans une cage. Eh bien, alors, voilà : j’allais cesser d’être un singe… »

Alejandro Jodorowsky, dont on connait l’œuvre foisonnante, a pris la nouvelle de Kafka comme point de départ à une réflexion assez vertigineuse et bougrement efficace sur l’absurdité de notre condition. Son fils, Brontis, incarne ce Gorille. Rarement le terme « incarner » avait été plus juste pour définir ce que réalise ce comédien accompli. Perruqué, grimé, cravaté, il nous apostrophe, nous prend à parti, nous interpelle. Il saute, bondit, mime, danse. Quelque fois, ses instincts de Gorille se réveillent, mais l’humanité reprend malgré tout le dessus, à moins que ce ne soit l’inverse… l’homme derrière le Gorille ou le Gorille derrière l’homme ? Qui triomphera ? Brontis nous renvoie la question, en nous transperçant plusieurs fois au cours de ce spectacle de son regard hypnotique. Mais tout cela, avant tout, n’est que théâtre. Et grand théâtre.

Le Gorille

Ce Gorille a déjà triomphé près de 300 fois en France et à l’étranger : il reste encore quelques dates à Avignon pour le découvrir ou le revoir.
1 – Brontis Jodorowsky, qui a travaillé au Théâtre du Soleil, a une maîtrise incroyable de son corps. Il produit, pendant plus d’une heure, une performance scénique proprement hallucinante.
2 – L’adaptation d’Alejandro et Brontis Jodorowsky de la nouvelle de Kafka « Compte-rendu à une académie » est vivante et dynamique : ce gorille nous aura littéralement capturés à son tour.
3 – Cette harangue fiévreuse est un de ces spectacles que l’on n’oublie pas : il renvoie à la vacuité de nos pauvres existences d’humain…qui seraient encore plus ternes sans des spectacles de cette qualité.

LE GORILLE– spectacle vu le 25 juillet 2016 au Théâtre des 3 Soleils / Avignon Off 2016.
Un spectacle d’Alejandro et Brontis Jodorowsky d’après une nouvelle de Franz Kafka (Compte-rendu à une académie)
Avec : Brontis Jodorowsky

Le Monde de Rita… ou comment « kniter » (tricoter) sa Joie

Certaines pièces vous touchent en plein cœur… Ce fut mon cas et celui du public (appelé « Jojo » par Clémentine Célarié) lors de cette hallucinante et interactive création humaine et artistique. La comédienne, seule en scène (enfin, dans le monde visible) nous fait vivre un voyage symbolique dans l’unique but de réveiller en nous l’enfant intérieur – «Inside puppet». Elle permet ainsi une reconnexion à notre capacité d’émerveillement intime.
Comme tout voyage en terre nouvelle ou oubliée, une langue locale est en vigueur : il s’agit ici du «chkloukign » qui nous sera enseigné au cours de cette séance spirituelle.

Le ravissement produit est lié notamment à l’évocation de multiples rites réels ou imaginaires. La récipiendaire en expérimente plusieurs sous nos yeux avant d’accéder à son essence personnelle. La purification par l’eau atteint un paroxysme d’humour. Vous l’aurez compris : l’artiste a mis son ego dans la poche d’une des centaines de vestes présentes sur scène. Elle a choisi de rire d’elle-même afin de nous faire évoluer…

Le monde de Rita Clémentine Celarie
©Denis Koransky

L’esthétisme et l’efficacité du spectacle sont offerts par Denis Koransky : une fois encore, il donne une âme aux objets inanimés grâce à une création lumières époustouflante.
La générosité de Clémentine Célarié transpire par tous les pores de sa peau dans une pièce où elle se met à nu. Son engagement est total. Corps, cœur, esprit : Rita donne tout de sa vie. Peurs, amours, doutes, fragilités : elle transmet avec humilité et dérision des enseignements et recettes pratiques pour se ressourcer, « se repulper le bulbe », comme par exemple la position du poirier que la comédienne yogi tient à la perfection.

Cet objet théâtral (qui convoque aussi le chant et la danse) germe, s’éveille, éclot et s’envole sous les yeux d’un public ébahi. Une pièce difficile à nommer, et c’est tant mieux. Une expérience initiatique ne se décrit pas : elle se vit.
Courant 2017, partez à la rencontre de Rita. Grâce à sa tournée, offrez-vous la liberté d’être émerveillé par vous-même !

 

 

«Le monde de Rita» de Clémentine Célarié – spectacle vu le 22 juillet 2016 au Théâtre du Chien qui fume à Avignon
Assistant à la mise en scène : Pierre Hélie
Création Lumières : Denis Koransky