Intra Muros, une pièce écrite et mise en scène par Alexis Michalik, au Festival d'Avignon, Théâtre de Béliers

Intra Muros : trois murs et la liberté

Pour étrenner les planches de la salle flambant neuve du Théâtre 13 / Jardin, Colette Nucci, directrice du lieu, attachée à promouvoir la création actuelle et le travail des compagnies indépendantes, avait choisi de confier le spectacle d’ouverture à Alexis Michalik, familier de cette salle qui l’a accueilli avec plusieurs de ses créations au fil des années. Le théâtre a enfin (belle) façade et (spacieux) hall d’entrée, salle et scène ont été rénovées avec soin, gardant l’agréable et peu commune disposition en amphithéâtre qui le caractérisait, perdant en pittoresque se plaint un mauvais coucheur nostalgique, mais surtout gagnant en qualité d’accueil, en performance phonique, en confort côté spectateur mais aussi côté artistes et techniciens… deux ans de travaux, le plancher de la scène devait frémir d’impatience de retrouver la pulsation des pas des artistes ! On retrouve cet automne Intra Muros à La Pépinière Théâtre, après le festival d’Avignon.

Intra Muros © Alejandro Guerrero

« Le théâtre,
c’est un endroit où il se passe tout le temps des choses »

Michalik aime le théâtre et son écriture, il le démontrait avec malice et d’inventivité dès ses premières mises en scène R&J et La Mégère à peu près apprivoisée, adaptations pleines de fantaisie(s). Depuis, il s’est emparé de la scène dans tout son relief, passant à l’écriture avec un brio salué par la presse et le public : Le Porteur d’histoire et Le Cercle des illusionnistes ont soufflé un vent de fraicheur et de créativité, et furent salués de nombreux Molières. Quelques perruques, des costumes, parfois de bric et de broc, là un astucieux pan de mur sur roulettes, ici des accessoires judicieux : une économie légère mais qui a toujours su ne pas faire « maigre ». On appréciera peut-être que ce n’est pas avec le plus de moyens qu’on fait le plus de théâtre. Après la machine à spectacle tapageuse d’Edmond, succès populaire autant que critique, gratifiée d’ailleurs de nombreuses nominations aux Molières cette année, on retrouve ici Alexis Michalik avec une équipe resserrée, et son talent condensé.

Intra Muros © Alejandro Guerrero

« C’est ça la vie,
être traversé par des émotions »

Alexis Michalik s’est nourri de sa propre expérience d’un échange avec des détenus, en Centrale (une « maison centrale » est un type de prison qui prend en charge les détenus condamnés à de longues peines. Elle accueille également les détenus les plus difficiles, ou ceux dont on estime qu’ils ont peu de chances de réinsertion sociale.) pour poser les bases de cet Intra Muros, où, à sa manière, il poursuit le dialogue entamé alors.

Nous allons donc passer 1h30 entre les murs d’une prison, réunis par la volonté de Richard, le metteur en scène, et d’Alice, assistante sociale, les instigateurs de cet « atelier-théâtre » en compagnie de Jeanne, aux multiples rôles, et de deux détenus, Ange et Kevin, les deux seuls volontaires – et de bien mauvaise volonté ! Entre les murs d’une prison, mais, puisque la parole crée – et cette belle fonction performative de la parole est particulièrement sollicitée dans le travail de Michalik, nous serons bien sûr aussi dans d’autres temps et d’autres lieux, les temps et les lieux des récits emboîtés des protagonistes. On glisse sans à-coups de la situation à la narration, des souvenirs racontés à leur restitution ; la mise en scène fluide, mouvante, nous embarque de l’espace de l’atelier à toutes les vies. Les acteurs se changent à vue, utilisant des portants à la frontière des coulisses. Hors jeu, ils restent la plupart du temps sur le plateau, simplement assis en fond de scène, spectateurs en miroir des spectateurs. Ils naviguent de leur présent à leurs passés, et même à leurs futurs. Peut-être l’intrigue s’entortille-t-elle en circonvolutions qui peuvent sembler artificielles. Mais par le talent de l’auteur-metteur en scène et la grâce de ses interprètes, tous ces ressorts s’allègent.

Dans un angle du plateau, au ras des spectateurs, Raphaël Charpentier, musicien poly-instrumentiste, manie thérémine, percu, clavier, samples… Le simple bruitage des ouvertures de portes scandant les déplacements suffira à inventer les murs de la prison, quelques notes de piano adouciront le dur récit de l’enfance de Kevin, le jeune détenu, des sons urbains, bips de caisses enregistreuses, brouhahas de bavardages, sonneries de téléphone tisseront la trame d’une vie laborieuse… : une matière sonore ainsi créée qui sait trouver la bonne proportion, amenant nuances et reliefs sans envahir l’espace.

Intra Muros © Alejandro Guerrero

« L’acteur ne fait pas qu’endosser une autre vie,
il en endosse deux, la sienne et celle du personnage »

Des 5 comédiens, certains sont de ses fidèles : Jeanne Arenes, à la présence vive et sincère, a été saluée du Molière de la révélation féminine en 2014 pour son rôle dans Le Cercle des illusionnistes; d’autres, des nouveaux venus dans sa tribu, plus familiers des cinéphiles : Bernard Blancan, visage à la serpe, regard aigu, campe un Ange, taiseux et blessé, à la tendresse touchante ; Fayçal Safi donne le ton juste, fait de fougue, de jeunesse, de rage, à son voyou, Kevin, gamin poussé tant bien que mal dans de la mauvaise terre (« c’est qui la société, moi je la connais pas mais si un jour je la croise je lui mets mon poing dans la gueule ») ; Alice de Lencquesaing, belle voix feutrée, fait ses premiers pas au théâtre avec la sensibilité et la justesse qu’on lui connait au cinéma…. On a aimé dernièrement Paul Jeanson dans J’ai couru comme dans un rêve, il est ici parfait dans le rôle du metteur en scène-accoucheur.

Intra Muros © Alejandro Guerrero

« Dans cette page blanche, il voit un espace infini,
il y voit tout le temps qui lui reste »

Michalik croit dans la vertu créatrice de la parole, et dans le pouvoir libérateur du théâtre. Avec un plateau sans esbroufe mais plein d’intelligence, des acteurs vifs et talentueux, beaucoup d’idées, un sens du ludique, le goût des histoires, beaucoup d’humanité… et par dessus tout, un grand amour de l’art dramatique, il fait s’effacer les murs, personnages et spectateurs d’un même élan s’évadent, et tous auront au cœur une lumière plus chaude, qu’elle soit d’un rayon de soleil, ou d’un projecteur de théâtre…

INTRA MUROS
Actuellement à La Pépinière Théâtre
Texte et mise en scène Alexis Michalik
Avec Jeanne Arenes, Bernard Blancan, Alice de Lencquesaing, Paul Jeanson, Faycal Safi
et le musicien Raphaël Charpentier

photos : © Alejandro Guerrero


Réalisation Quentin Defalt

Mon Ange, Nina El Arabi, Henry Naylor, Théâtre du Chêne Noir, Avignon 2017 Pianopanier

Mon Ange : voyage en Enfer

Nous sommes en Syrie. Rehana, jeune kurde, vit avec sa famille dans la région de Kobané. Mais Daech. Il arrive. C’est l’inquiétude. C’est l’angoisse. C’est la panique. Il faut partir. Il faut fuir. En Europe. Le père de la jeune Syrienne décide pourtant de rester sur ses terres. Pas question de les perdre. Pas sans combattre. Alors, Rehana revient l’aider. Pas question de le perdre. Pas sans combattre. Elle mettra sa vie en jeu. Et pas question de la perdre. Pas sans combattre.
Mon Ange, Lina El Arabi, Théâtre Tristant Bernard, Pianopanier@F. Rapeneau 
Une nuée de plumes noirâtres, une butte de terre, des lumières élégantes et tamisées contribuent à dresser un décor troublant et oppressant. Tout. Tout est sombre. Noir. Obscur. À l’image de ce témoignage tragique et palpitant. Cette mise en scène sobre et épurée, pourtant si juste et subtile, sert avec légèreté et force ce texte puissant et poignant. Car il s’adresse à nous. À vous. À tous. Il nous interpelle. Nous accule. Nous frappe. Nous prend au ventre. À la gorge. Et nous emporte. En Syrie. Au cœur du combat. Au cœur de l’enfer.
Mon Ange, Lina El Arabi, Théâtre Tristant Bernard, Pianopanier

 

Et puis il y a Lina El Arabi. Cette ombre. Cette présence. Ce fantôme. Qui nous hèle. Et nous livre son histoire. Celle de cette jeune fille qui, pour l’amour de son père, va devenir le symbole de toute une résistance. Y tuer. S’y tuer. Y mourir. L’angélique comédienne prête sa voix, son aisance, sa prestance, à ce personnage touchant et attachant. Elle lui prête son corps. C’est un bloc. De marbre. De granit. Immobile. Mais gorgé de vie. Qui nous la transmet. Cette force vive. Unique. Et indispensable.
Il faut nous abandonner. Laisser cours à ce récit chargé d’émotions. Pour qu’il nous frappe. En pleine face. Nous emmène loin. En Syrie. En enfer…

 MON ANGE
À l’affiche de Théâtre Tristan Bernard du 17 octobre au 30 décembre 2017 (mardi au samedi 21h)
Texte : Angel, d’Henry Naylor – traduction Adélaïde Pralon
Mise en scène : Jérémie Lippmann
Avec :  Lina El Arabi
La main de Leïla, Aïda Asgharzadeh, Kamel Isker, Régis Vallée, Théâtre des Béliers, Festival Avignon, Pianopanier

La main de Leïla : théâtre merveilleux

Comment? Vous ne connaissez pas encore le « Haram cinéma »? Vous ne connaissez pas le cinéma le plus illégal de toute l’Algérie? L’Algérie des baisers censurés par la morale, des amours bannies par la religion, des indignations punies par l’ordre politique? Dans ce cas, venez écouter l’histoire de Samir et Leila. Le récit de leur liaison interdite, dans cette Algérie de la pénurie organisée pour tarir la révolte de la jeunesse.

Aïda Asghardzadeh d’origine iranienne et Kamel Isker d’origine kabyle ont écrit cette pièce avec poésie et passion. Aux côtés du très charismatique et malicieux Azize Kabouche, ils en sont aussi les héros sur scène, transcendés par l’intensité d’une histoire qu’ils vivent dans leur chair, qu’ils nous content avec fougue, humour, gravité… Laissez vous transporter par leurs regards embués de la sueur et des larmes de leurs propres émotions.

La main de Leïla, Aïda Asgharzadeh, Kamel Isker, Régis Vallée, Théâtre des Béliers, Festival Avignon, Pianopanier

Les deux co-auteurs et acteurs ont eu l’étincelle géniale de faire appel à Regis Vallée pour une mise en scène lumineuse et créative. Quelle gentillesse, quelle émotion, quelle sensibilité et quel talent ! Tous les quatre ont travaillé, créé, sans rien laisser au hasard, sauf l’essentiel : la magie d’une rencontre avec le public.

La mise en scène est captivante, chaleureuse, poétique. Elle magnifie une pure tragédie, façon « Roméo et Juliette moderne, bien de chez nous ». Les accessoires scéniques se métamorphosent et dévoilent les secrets de l’histoire qui s’égrène, ils nous surprennent, tels des poupées russes aux multiples visages. Les caisses de bouteilles en plastique forment un décor d’épicerie, un banc, une table à repasser puis se muent en un instant en barricades de la révolte. Le frère de Leïla porte une veste de survêtement rouge et lorsque l’on comprend que les balles l’ont frappé, son père n’a plus qu’à enfiler la veste rouge sur les bras et à se retourner pour pleurer son fils qui s’éteint contre lui… magnifique moment de théâtre.

La main de Leïla, Aïda Asgharzadeh, Kamel Isker, Régis Vallée, Théâtre des Béliers, Festival Avignon, Pianopanier@Lisa Lesourd 

« On est peut-être en train de changer l’Algérie pour de vrai ; c’est maintenant que tu peux te faire entendre ».

L’eau est rationnée et rythme un quotidien de privations dans lequel l’amour et l’envie d’ailleurs sont les seules sources d’espoir. Quand cette eau rejaillit enfin, elle devient la métaphore d’un ultime souffle de vie dans lequel nous plongeons, sans bouteilles, avec nos trois sublimes acteurs. Sous l’eau, sans eau, c’est avec l’audace de leurs baisers que nous respirons, jusqu’à l’épilogue.

Dans cet « espace vide » et de rêves qu’est le théâtre, Peter Brook avait déjà identifié et défini des théâtres bien différents. Le théâtre qui nous émeut, celui qui nous rassure, nous révolte, nous ennuie… le « théâtre bourgeois », le « théâtre rasoir ». Il faudrait y ajouter celui du théâtre merveilleux, celui de « La main de Leïla ».

LA MAIN DE LEILA
À l’affiche du Théâtre des Béliers Parisiens du 23 septembre au 31 décembre 2017 (mercredi au samedi 19h, dimanche 15h)
Un spectacle de : Aïda Asghardzadeh et Kamel Isker
Mise en scène : Régis Vallée
Avec : Aïda Asghardzadeh, Kamel Isker, Azize Kabouche

Le Pas de Bême photo

Le Pas de Bême, un petit pas de côté en direction de la liberté

Bême est un adolescent studieux et agréable qui, bien que tout à fait intégré et adapté à son environnement, rend des feuilles blanches à la fin de chaque devoir sur table. Bême prend alors la figure de celui qui refuse d’obéir, sans agressivité, avec même une certaine douceur, à l’instar du Bartleby d’Herman Melville qui « préférait ne pas ». Née d’un travail sur la figure de l’objecteur, telle qu’elle est donnée à voir dans toute l’œuvre de Michel Vinaver, l’histoire racontée est celle de l’exploration des conséquences de l’objection, chez Bême lui-même, et dans son entourage.
Le Pas de Bême photo
© Martin Colombet

En quadrifrontal, on croit encercler la scène.
On croit, seulement – espace en miroir, troublé, et troublant.

Les comédiens sont installés parmi les spectateurs du premier rang, deux hommes, une femme. Parfois, un qui n’est pas en jeu redeviendra un spectateur comme les autres. Parfois, les spectateurs au regard distrait poseront les yeux sur un autre spectateur ou sur un acteur de la même manière, avec la même curiosité… Les rôles glisseront de l’un à l’autre avec une fluidité et une précision rares; professeurs, parents, camarades, Bême, son amoureuse, sans artifice, chaque comédien – hommes ou femme, le blond émacié au sourire lumineux, le brun au corps charnu à la voix tendre, la femme menue à l’œil cerné mais vif, tous d’une grande justesse – sera les uns ou les autres sans qu’il y ait jamais confusion. Un soupçon d’autorité en plus dans la voix, un rien de douceur ou de féminité, une ombre de provocation, tout de suite le personnage surgit.

Le cas de Bême, ou la question du refus.

La désaffection de Bême fait tout bouger autour de lui. Ce creux qu’il crée change ce qui sinon aurait continué, tout bêtement, sans cette interrogation aiguë, cette possibilité du « pas », du pas de côté que Bême fait naître comme malgré lui. Les auteurs ont-il eu une jolie expérience de l’école ? ils offrent ici à son rétif Bême le regard très bienveillant et intelligent du corps professoral. Les parents cherchent ce que leur ado essaye de leur dire par ce silence de l’écrit, ses copains lui inventent des ruses pour tromper les profs ou tenter de tromper sa propre incapacité, les profs inventent de nouvelles règles pour ne pas punir ce bon élève… « peut-être que le problème n’est pas la réponse, mais la question ? » Il faut trouver la bonne question, aller le chercher, trouver le bon sujet : « faire son devoir, est-ce un choix ? » « qui en moi parle ? »… Fantaisie et absurde aèrent le propos et amènent le sourire au milieu des interrogations.

« Bême, ce qu’il fait, c’est de la poésie. Il nous apprend à voir plus loin que le bout de notre feuille. »

L’objection de conscience, le refus, l’abandon de Bême éveille, réveille, contraint chacun à s’interroger. Avec délicatesse et intelligence, « Le Pas de Bême » ouvre une porte vers une liberté discrète, une poésie muette, nous apprend que « comme la terre tourne, même si on ne bouge pas, on bouge ».

Le Pas de Bême affiche

Le Pas de Bême
A l’affiche du théâtre T2G, Théâtre de Gennevilliers, du 3 au 7 octobre en tournée dans la ville puis du 12 au 14 octobre T2G (suivi du spectacle « Les Batteurs » de la Compagnie du Théâtre Déplié)
Une création de la Compagnie Théâtre Déplié
Mise en scène et écriture : Adrien Béal, avec la collaboration de Fanny Descazeaux
Jeu et écriture : Olivier Constant, Charlotte Corman, Étienne Parc
Écriture à la création : Pierric Plathier

F(L)AMMES, théâtre des Halles, Ahmed Madani, Pianopanier

F(L)AMMES, la jeunesse incandescente

Une immense image mouvante d’écume de mer se fait mur de fond murmurant et remuant, tandis qu’en voix off des femmes partagent la confidence de « l’endroit où elles se sentent le mieux ». Voix gaies, rieuses ou plus graves, elles nous emmènent dans leur voiture – « ma bulle » – , à la médiathèque, dans des bras rassurants, dans le paysage lointain et magnifique d’un souvenir de voyage…
« Ce spectacle n’est pas un documentaire, ni une pièce cherchant à représenter la vie réelle, c’est un poème-lettre d’amour fait de chair et de mots où la singularité de chacune s’ouvre sur l’universelle condition humaine » : Ahmed Madani continue avec F(l)ammes son exploration de la jeunesse d’aujourd’hui, celle née de parents immigrés, la première génération de la lignée à être née française. En 2012, il nous embarquait avec Illumination(s) dans la saga familiale de neuf jeunes hommes d’un quartier populaire, mêlant passé et présent sur trois générations en un vivifiant récit choral. Ici, il a constitué un groupe de dix jeunes femmes pour explorer leurs identités multiples, leur intimité, écouter leurs doutes, donner la parole à leurs peurs et leurs envies.
Neuf chaises sont alignées en fond de scène, un micro attend à l’avant-scène son oratrice… Tour à tour elles viendront, porteuses de lourds ou légers secrets.
Ludivine Bah, longiligne, le visage aux pommettes hautes, l’articulation nette, convoque Claude Levi-Strauss pour ramener aux mémoires les qualificatifs de « barbares », de « sauvages » que les civilisations ont depuis bien longtemps accolés aux civilisations qui leur étaient étrangères, et pour en réveiller le sens originel. Le barbare, le sauvage, c’est l’homme de la nature, littéralement de la forêt – « le béton, le goudron ne peuvent rien contre la forêt qui est en nous »…
L’écume de mer sera bientôt remplacée par un sous-bois, où une jeune femme voilée s’avance, où une autre invente une danse, une forêt sans menace, claire et ouverte.

F(L)AMMES, théâtre des Halles, Ahmed Madani, Pianopanier

Les jeunes femmes se font les interprètes de leur génération ; elles ont à peine 20 ans ou presque 30, leurs parents viennent de Guadeloupe, Haïti, Algérie, Côte d’Ivoire ; elles vivent à Montreuil, Boulogne-Billancourt, Garges-lès-Gonesse… Elles revendiquent leurs différences ou leur normalité… L’une ou l’autre témoignent de la sensation d’être « transfuge », Anyssa par exemple se dit « caméléon », d’une éducation à l’autre, d’une langue à l’autre ; Laurène, elle, assume d’avoir « choisi d’être différente de (sa) différence » – Laurène Dulymbois, de parents guadeloupéens, sweet lolita en froufrous noirs, se reliant au sous-groupe de kawaï melani, fille kaléidoscope aux cheveux roses et bleus… Elles ont le crâne rasé, les cheveux couverts d’un voile, la tête crépue, bouclée, frisée, la chevelure longue, lisse, courte, emperruquée – et c’est loin d’être anodin, tignasse revendicative ou domptée, cheveu-symbole : autant de filles, autant d’histoires, de personnalités, de parcours, de constructions. Avec générosité, sincérité, sensibilité, elles offrent, guidées par l’écriture et la mise en scène sobre et directe d’Ahmed Madani, des bribes de leurs vies, de leurs interrogations et de leurs espoirs. On parle peu de racisme, d’exclusion, sans taire les difficultés que cela peut apporter dans la société, dans le monde du travail, de s’appeler Yasmina plutôt que Prune, mais plutôt de leurs parcours, de leur construction, de l’élaboration de leur identité – être la jeunesse dans un pays et une culture qui ne sont pas ceux de leurs parents.

F(L)AMMES, théâtre des Halles, Ahmed Madani, Pianopanier

Transmission, héritage, rupture, affrontements, identités… Ça passe par les mots, le récit ; par les images vidéo parfois qui apportent un autre angle, ou une échappée ; mais aussi, avec une grande intelligence, par de beaux moments collectifs. En contrepoint aux témoignages individuels, énoncés en grande partie au micro à l’avant-scène, la danse va les réunir. Une belle chorégraphie fait renaître les gestes d’une grand-mère aimée préparant la marjouba, « la dernière façon de préparer la pâte, la dernière façon de couper les poivrons », une chorégraphie empreinte de la mélancolie des souvenir de ces moments de tendresse familiale où l’on cuisinait ensemble, autant que de la joie de les ranimer. Mais aussi un échauffement de karaté musclé, une fête libératoire sur des rythmes électroniques – autant d’exultations partagées !
Ces jeunes femmes sont reliées par leur âge, par des interrogations ou des difficultés communes, certaines reconnaissent dans les autres leurs rêves ou leurs préoccupations ; mais aussi ce sont dix personnalités irréductibles, elles ont de la fougue et de la force, chacune à leur façon. Elles sont ensemble, chacune, des pièces sensibles, disparates et cohérentes de ce portrait d’une génération d’aujourd’hui. Beau cadeau que cette parole tonique, vivante qu’Ahmed Madani et ces dix actrices nous offrent !

F(L)AMMES
De nouveau l’affiche de la Maison des Métallos du 17 octobre au 29 novembre 2017, puis au théâtre de la Tempête du 16 novembre au 17 décembre 2017  
Texte et mise en scène : Ahmed Madani
Avec : Anissa Aou, Ludivine Bah, Chirine Boussaha, Laurène Dulymbois, Dana Fiaque, Yasmina Ghemzi, Maurine Ilahiri, Anissa Kaki, Haby N’Diaye et Inès Zahoré

Lucie Digout, Interview PIANOPANIER

Interview de Lucie Digout

Interview de Lucie Digout, auteur, metteur en scène et comédienne – 11 septembre 2017

« J’écris mais je suis comédienne avant tout… J’aime quand ça joue. »

À peine sortie du Conservatoire, Lucie Digout se met déjà en scène dans un spectacle qu’elle a écrit elle-même : Carmen c’est une fable contemporaine, un récit de femme, des histoires de femmes.

Sur le plateau, Lucie travaille avec ses camarades de promotion – « C‘est infernal comme on se connait bien ! »- plaisante-t-elle. Un travail collégial dans lequel chacun apporte sa pierre à l’édifice, tente et propose des choses, cherche et construit avec les autres.

Elle retrouvera bientôt ses camarades ainsi que d’autres de sa promotion du Conservatoire sur le plateau du Théâtre National de la Colline pour la prochaine création de Wajdi Mouawad : Victoires.

Rencontre avec une jeune femme bourrée de talent à suivre de très très près !

 

Les passagers de l'aube, Violaine Arsac, Avignon 2017, Pianopanier

Les Passagers de l’aube : expérience de vie imminente

C’est troublant de terminer son festival d’Avignon par un fait du hasard, une attirance, une invitation toute en délicatesse à monter à bord, tel le dernier passager pressé de faire partie du voyage, avant que le vaisseau ne s’efface devant les murailles encore brûlantes qui l’ont vu naitre. Mais y a-t-il vraiment un hasard dans les attirances soudaines?

D’abord, il y a le synopsis : Noé est un brillant neurologue qui termine sa thèse et vit une passion amoureuse avec Alix, photographe dans le milieu musical. Ils sont beaux, heureux, plein de vie et d’envies. Mais Noé va être confronté à plusieurs cas et témoignages de mort imminente, patients en situation de mort clinique avérée, revenus du « couloir », imprégnés de sensations. Tous les préceptes scientifiques cartésiens sur lesquels reposent ses études s’en trouvent déstabilisés. Noé ressent alors la nécessité indicible de creuser, de chercher, de remettre en cause ce qu’on lui a appris, quitte à devoir affronter ses pairs et à délaisser l’amour de sa vie. Mais y a-t-il vraiment un hasard dans ces attirances soudaines ?

Si Noé arrête ses recherches, il se renie, renonce à ses rêves, un peu comme on arrêterait de vivre en ayant peur de la mort, en prenant au final le risque de mourir sans avoir vraiment vécu. Alors Noé se risque, fait le choix de sa vie et de sa liberté.

Le sujet grave et concernant est une possible remise en cause de notre médecine occidentale, dont l’éthique est fissurée de toute part par le lobby des certitudes et des intérêts financiers. Médecine moderne, qui porte par sentiment de supériorité un regard condescendant sur les autres façons de soigner le corps et l’âme… Alors que nous savons si peu et qu’il nous reste tant à apprendre et à découvrir… Alors que notre façon de traiter la maladie et de regarder la mort fait probablement sourire ces chamanes de l’autre monde qui choisissent leurs plantes médicinales en leur parlant et en les écoutant.

Violaine Arsac nous offre un texte précis, travaillé, documenté, enchanté par cette « matière dont sont faits les rêves » : les dialogues nous transportent sans nous perdre, nous interrogent et nous bouleversent.

Passion intellectuelle et passion amoureuse se regardent, se séduisent, s’affrontent, se trahissent, exultent. Et comme au théâtre tout est plus dense et plus intense, c’est dans la vie que ces passions explosent pour façonner la tragédie promise. Grandiose déséquilibre, qui confère son vertige à notre existence. C’est au-delà de la mort qu’elles se rejoindront, dans un tourbillon de danse et de musique, comme un éclat d’éternité, sublimé par une mise en scène brûlante de lumières et d’émotions.

La tension établie par les acteurs avec le public est subtile, la mélodie du HALO de Beyoncé enchante chacune de nos respirations.

Expérience de théâtre imminent, expérience de vie imminente, vous ne serez plus un simple spectateur devant la pièce de Violaine Arsac, plutôt le passager d’un voyage pas comme les autres qui vous emmènera bien plus loin que vous ne pouvez l’imaginer. Comme Bernard Giraudeau, je la trouve belle l’aube des voyages, alors je relis ses mots irrésistibles en me plaisant à penser qu’ils les avaient aussi dédiés à ces passagers là: « C’est l’aube qui est belle parce qu’elle embellit. C’est l’annonce de l’éblouissement, la naissance de la vie incompréhensible. Tu regardes l’aube, mon amour, non, tu la vis, tu es en elle, tu t’abîmes pour renaitre. Le bonheur du voyage, c’est de faire tout pour la première fois. »

Au théâtre, tout est plus dense, plus intense. Vraiment. Le décès accidentel brutal du directeur du théâtre de la Luna, quelques jours avant la toute première représentation de ce spectacle qu’il aura soutenu et voulu, laisse à l’évidence des orphelins aux joues humides. Mais il aura donné naissance à une lumière bien singulière, comme un dernier clin d’œil malicieux à ceux qu’il a aimés. « L’inverse de la mort c’est la naissance… c’est un passage ». Il doit être écrit quelque part que cette aube-là est un voyage qui n’aura pas de fin.

Mais y a-t-il vraiment un hasard dans les attirances soudaines ?

Les passagers de l'aube, Violaine Arsac, Avignon 2017, Pianopanier

LES PASSAGERS DE L’AUBE Compagnie Le théâtre des possibles
Écriture et mise en scène : Violaine Arsac
Avec : Aïda Asgharzadeh, Julie Cavanna, Matthieu Hornuss, Charles Lelaure ou comédiens en alternance

Spectacle créé au Festival Off d’Avignon 2017 au théâtre de la Luna

Littoral, une pièce de Wajdi Mouawad mise en scène Stéphanie Dussine, Compagnie Esbaudie, festival Off d'Avignon 2017

Littoral, de Wajdi Mouawad

Le texte intense de Wajdi Mouawad issu de sa quadrilogie (dont le fameux INCENDIES porté au cinéma par Denis Villeneuve) est servi par une mise en scène brillante qui révèle toutes les facettes drôles et graves de ce voyage initiatique. Un plongeon les yeux grand ouverts dans un monde où le réel se mêle aux rêves. Une invitation à devenir le complice rieur, inquiet et ému d’un jeune homme qui cherche un lieu pour enterrer son père et garder sa mémoire dans ces « pays de déserts et de soleils », où il n’y a « ni pierre ni statue pour graver les noms des morts ».

LITTORAL est une très belle réussite pour une pure création jouée pour ses premières fois à Avignon cette année.

« La mort n’est pas une mince chose, la vie non plus ».

Très prometteur. Attention talents !

Littoral, une pièce de Wajdi Mouawad mise en scène Stéphanie Dussine, Compagnie Esbaudie, festival Off d'Avignon 2017

LITTORAL Compagnie Esbaudie
Auteur : Wajdi Mouawad
Mise en scène : Stéphanie Dussine
Avec : Maxime Berdougo, Geoffrey Couët, Fabrice Delorme, Anne-Laure Denoyel, Stéphanie Dussine, Olivier Hamel, Thibaud Lemoine, Sébastien Ventura

L'enseignement de l'ignorance, Jean-Claude Michéa, Sab Lanz, festival d'Avignon, Compagnie DDCM

L’enseignement de l’ignorance

A Avignon cette année, « L’Enseignement de l’ignorance » a accueilli son 4444e spectateur et a joué quasi complet, comme en 2016.

Le texte directement inspiré de l’essai controversé de Jean-Claude Michéa, est un coup de poing, qui ne laisse que peu de temps à la respiration. Il est projeté, arrêté, suspendu aux notes de musique de Seb Lanz et aux regards interrogateurs des deux acteurs complices qui le découvrent, en même temps que le spectateur. On se surprend à penser qu’il ne puisse s’agir ici que d’exagération, de déformation, d’une outrageuse provocation et on lit interpellé des phrases ciselées, au rythme des notes de musique.

L'enseignement de l'ignorance

Nous sommes face à un monde où les élites, bien loin d’œuvrer au progrès de l’humanité, n’auraient pour dessein cynique que de fabriquer des individus dociles, dépourvus de capacités de réflexion et d’indignation, un monde d’ignorance, de consommateurs béats, avides de superflus et dont le niveau se doit cesser de baisser pour servir au mieux les intérêts de la vieille « main invisible » d’Adam Smith.

Sauf que ce monde-là n’est pas post apocalyptique façon « wall-E », mais bel et bien le nôtre, le monde de l’ignorance… recherchée.

Sauf que dans cette tragédie, il serait trop simple de nous poser en victime et de désigner le seul libéralisme sauvage comme coupable. L’ENSEIGNEMENT DE L’IGNORANCE nous confronte aussi à nous-mêmes.

Si nous y regardons de plus près, c’est notre égoïsme et notre capacité à l’indifférence qui nous sautent violemment à la figure, nous faisant (il faut bien le reconnaitre) le plus souvent « préférer une catastrophe mondiale à une égratignure sur notre doigt ».

L'enseignement de l'ignorance, Jean-Claude Michéa, Sab Lanz, festival d'Avignon, Compagnie DDCM

Si le désastre écologique dans lequel plonge une modernité qui se dit évoluée et se pense invincible, nous a habitué à nous questionner sur le monde que nous allons laisser à nos enfants, Seb Lanz prend le contrepied et se réapproprie la formule de Jaime Semprun : « Quels enfants laisserons nous à notre monde? ». Comment est il possible que le développement économique porté au rang de quasi religion et adopté par une planète qui ne jure que par la croissance comme déesse bienfaitrice de l’humanité, bien loin de rassasier notre égoïsme, semble au contraire nourrir le monstre sans fin et annoncer un épilogue effrayant ? Promotion de l’ignorance par complicité collective.

On se souvient de la tirade d’un ex dirigeant de TF1 qui assumait avec naturel et non sans cynisme que la grille de programmes avait pour vocation première de rendre le cerveau du téléspectateur disponible pour les plages de publicité. Et en 2013 à l’occasion de la sortie de son livre  »petite poucette » Michel Serres, mêlant amusement et stupéfaction consternée, faisait remarquer que nous avions gagné 3h37 d’espérance de vie par jour par rapport à nos ancêtres et que c’est exactement le temps que nous passons devant la télé. Nous y sommes !

Alors pour une fois, méfions-nous vraiment du complot, méfions nous de nous-mêmes surtout, et attendons la suite que Seb Lanz nous prépare, avec impatience… »LA CULTURE DU NARCISSISME » … comme si ignorance et narcissisme n’étaient que des jumeaux maléfiques, des ombres de nous-mêmes. Un spectacle prémonitoire qui devrait être rendu obligatoire.

L’ENSEIGNEMENT DE L’IGNORANCE – Compagnie DDCM
Auteurs : Jean-Claude Michéa, Seb Lanz
Avec : Héléna Vautrin, Fred Guittet, Seb Lanz

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

Une tragédie trop mortelle

À travers quatre fenêtres, le spectateur ahuri assiste à une altercation entre deux gangs. Mais ce qui semble n’être qu’une rixe entre de jeunes délinquants est en fait l’un des plus célèbres affrontements du répertoire. Montaigu et Capulet s’opposent depuis si longtemps qu’ils ignorent la raison de leur haine. Apparaît alors un Roméo amoureux et désespéré, qui, se rendant à une fête chez les Capulet, oublie ses préoccupations passées pour s’abandonner à un amour plus fou… et plus dangereux. Car Roméo Montaigu aime Juliette Capulet, et leur passion ne pourra finir qu’en la plus connue des tragédies.

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

Ces quatre baies vitrées et un modeste lit en fer servent d’unique décor pour une mise en scène à la fois moderne, rock, drôle et intelligente. Juliette n’est plus la jeune fille si mûre qu’on nous a habitués à connaître, mais bien une fillette de 14 ans (touchante Magali Genoud) oppressée par des parents pressants… bref, une adolescente d’aujourd’hui. Roméo (charismatique Axel Drhey) n’est plus ce meneur ténébreux, mais bien un garçon jeune et frivole qui va rencontrer le véritable amour. C’est ici l’exploit que réalise Anthony Magnier : revenir à l’essence même, au sens premier de ce chef-d’œuvre, tout en le modernisant et en le parsemant d’humour et d’énergie. Le talentueux batteur Axel Hache ajoute encore du dynamisme au spectacle, mais aussi de la poésie…

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

De la même façon, les personnages hauts en couleur tels que la mère, le frère Laurent, la nourrice ou le déjanté Mercutio sont incarnés avec modernisme par d’excellents comédiens : Benjamin Egner, Vanessa Koutseff, Lauri Lupi, Lionnel Pascal.
C’est donc avec une palette d’émotions qu’Anthony Magnier nous transporte à Vérone et nous livre un Roméo et Juliette énergique, drôle et émouvant.

Romeo et Juliette, Compagnie Viva, Anthony Magnier, Festival Off Avignon, Pianopanier

ROMEO ET JULIETTE – Compagnie VIVA
D’après : William Shakespeare
Mise en scène : Anthony Magnier
Avec : Axel Drhey, Magali Genoud, Benjamin Egner, Vanessa Koutseff, Lauri Lupi, Lionnel Pascal
Batterie : Axel Hache