La Tragédie du roi Christophe @ Romain Lafabrègue

1. Schiaretti s’empare de La Tragédie du roi Christophe d’Aimé Césaire, épopée flamboyante mais parfois perçue par certains comme didactique :

– “Sans renoncer à faire entendre la poésie de la langue de Césaire – portée avec bonheur par la diversité des accents de la francophonie… – Christian Schiaretti choisit la pédagogie contre l’ellipse et la métaphore. On saisit entièrement les enjeux politiques de la pièce, les personnages sont clairement identifiés et le texte est parfaitement compréhensible. Reste un spectacle qui doit continuer sa route, ne serait-ce que pour rappeler à l’inquiétant aujourd’hui que les rêves de l’égalité et de la liberté sont aussi difficiles à construire que la citadelle Laferrière, rêvée par Christophe et devenue patrimoine de l’humanité…” – La Terrasse

– “Césaire en majesté. On est ému de retrouver sur scène une troupe intense de 18 comédiens, 14 figurants, 4 musiciens, mis en scène avec sobriété et tranchant par Christian Schiaretti. Si, par moments, le spectacle paraît un peu didactique et figé, on est emporté par la force de la langue, l’énergie et la beauté des comédiens.” – Les Echos

– ” Un puissant acte de résistance créatrice. Le comédien Marc Zinga excellait dans le rôle du héros congolais ; il brille tout autant en despote haïtien, entouré de son très formel secrétaire Vastey (Marcel Mankita) et de son bouffon Hugonin (Emmanuel Rotoundam Mbaide). Dans la scénographie minimaliste de Christian Schiaretti, lui et ses trente-six compagnons de plateau d’origines diverses sont à eux seuls le pays de convulsions où se déroule la fresque de Césaire.” – Time Out

– “Le verbe de Césaire traverse le vaste plateau, habité par l’agitation, les combats politiques, les rêves et les ambitions de Christophe. La pièce a du souffle, la mise en scène en donne à voir la dimension humaine et historique et fait entendre la pensée du poète. La scénographie, les costumes, la musique interprétée par les musiciens installés sur une estrade en fond de scène, les chants, l’interprétation, notamment de Marc Zinga (Lumumba dans « Une saison au Congo »), dans le rôle du roi Christophe, de Emmanuel Rotoubam Mbaide, dans celui d’Hugonin, tous portent haut et clair la parole de Césaire.” – Le Journal du dimanche

– “Une épopée surprenante par sa lucidité politique sans concession et écrite dans une langue somptueuse. C’est à Marc Zinga que revient le rôle-titre. Il incarne ce roi devenu tyran par aveuglement, ce monarque au destin brisé, et il le fait avec énormément de nuances et de finesse, beaucoup d’émotion aussi. Cependant, la mise en scène dans son ensemble, et malgré la belle vitalité que montre cette troupe burkinabé, reste assez froide et statique… Il est vrai que la parole est parfois couverte par les instruments et rend donc peu compréhensible un texte qui oscille entre discours politiques relativement subtils et poésie très imagée. Ce spectacle demande encore à être rodé pour prendre véritablement sa juste mesure. Il en porte les promesses…” – Les Trois Coups
Un air de famille @ Pascal Victor

2. Le retour des cultissimes Un air de famille et Cuisine et Dépendances, mis en scène par Jaoui, portés par une troupe applaudie !

– “Les pièces d’Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri sont des pièces d’époque. Elles sont dans leur jus. Mis à part les accessoires, le reste n’a pas pris une ride. Agnès Jaoui a réuni des acteurs de haut vol. Le talent des Jouai-Bacri est de ne pas figer les personnages, de ne pas les condamner. Chacun, ou presque, est sauvé d’une manière ou d’une autre.” – Figaroscope

– “Le pari est gagné. Plus de vingt ans après leur création, ces pièces n’ont pas pris une ride, résonnent avec la même justesse et suscitent toujours autant de rire et d’empathie. Rien n’a été actualisé : décors, costumes, nous sommes toujours dans les années 1990 avec le téléphone fixe et le lourd annuaire des pages jaunes. Et c’est tant mieux.” – Le Monde

– “Après les succès des films, il était difficile de relever la gageure de l’incarnation de leurs personnages, tant l’accent et les mimiques des comédiens qui les créèrent demeurent dans la mémoire des spectateurs. Il faut donc saluer le talent de ces interprètes qui parviennent à habiter leurs rôles avec talent, sans que la comparaison ne joue en leur défaveur. Aujourd’hui – peut-être parce que les valeurs décriées ont uniformément gagné les esprits – le débat paraît dépassé, et les deux pièces un peu datées. D’autres comiques, plus insolents encore, ont envahi les scènes et les écrans, et la critique sociale de ces deux textes semble rétrospectivement assez sage. On rit évidemment, mais l’insolence initiale s’est affadie avec le temps.” – La Terrasse

– “Retour réussi des pièces cultes de Jaoui-Bacri sur les boulevards !” – Les Echos

– “La production est très soignée, avec deux grands décors d’Alban Ho Van, des costumes malins de Nathalie Raoul qui indiquent l’époque, mais si discrètement que l’on n’oublie que l’on n’est pas aujourd’hui et maintenant. Les dialogues sont brillantissimes, avec cette ironie, cette amertume sans férocité excessive et ces scènes cocasses… Le secret de la réussite de cette double reprise tient évidemment en grande partie à l’équipe de six comédiens excellents réunis. On rit beaucoup, on est ému. On admire !” – Figaro

– “Cette fois Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri ne font pas partie de la distribution, mais 23 ans après, leur sens de l’observation et leur talent d’écriture font toujours mouche. On citera le magnifique travail du décorateur, Alban Ho Van. Ce café des années 1950, on pourrait passer tout le temps de la pièce à le détailler tellement il sonne vrai. Agnès Jaoui, oubliant la mise en scène de la création, réorchestre avec habileté et humour et sans chercher à la rendre contemporaine, cette pièce qui a vraiment fait connaître son couple et qui n’a pas pris une ride.” – Culture Box
Blasted @ Simon Annand

3. Blasted/4.48 Psychosis, première et dernière pièces de Sarah Kane, montées par Benedetti – peut-être un “grand écart”, de toutes façons des spectacles intenses :

– “Avec « 4.48 Psychosis », le directeur-metteur en scène nous plonge dans un espace abstrait, où seule compte la comédienne convoquant l’esprit de Sarah Kane. Hélène Viviès joue sa partition sans pathos, avec maîtrise, une implacable ironie, des flashs de colère, de la douceur parfois. Dirigée au cordeau, elle exprime toute la poésie noire et les enjeux du texte. Las, « Blasted » paraît aujourd’hui bien démonstrative. Et le choix d’une mise en scène brute, sans filtre, n’arrange rien. En voulant tout montrer pleins feux, il rend la pièce trop réaliste, la violence désespérée du propos se noie dans le trash et l’hémoglobine. Ce retour à Sarah Kane s’avère donc un peu bancal. Il mérite toutefois le détour. Pour la lecture lumineuse que nous offrent Christian Benedetti et Hélène Viviès de « 4.48 Psychosis ».” – Les Echos

– “Descente aux enfers. L’intimité âpre et rustique du Théâtre-studio d’Alfortville fraîchement rénové devient écrin sanglant, antichambre de mort et de cauchemar comme dans un conte d’Edgar Poe. Christian Benedetti ose le réalisme et ne fait pas dans la litote. Mais la brutalité de sa mise en scène, au ras du texte, en exorcise bizarrement, et sans complaisance, l’épouvante… La beauté suffocante des mots, du rythme en plus. Monter ce diptyque est un geste magnifique qu’a eu Christian Benedetti. Il traque et célèbre à la fois une œuvre qui écorche, blesse, coupe le souffle mais fait mieux voir aussi et comprendre — et aimer ? — le désordre atroce du monde.” – Télérama

– “Le texte est riche, exigeant et terrible. La mise en scène enveloppante et minimaliste cache un travail admirable sur les lumières et la scénographie. C’est épatant.” – Toute la culture

– “Dans « Blasted » s’emmêlent aussi bien les cruautés shakespeariennes que [d’autres] plus insoutenables encore. Autant d’horreurs que Christian Benedetti met en scène à cru, sans effet de manches et sans fioritures. Prenant l’écriture au mot, il hisse la pièce au-delà de la banale provocation et derrière ces trois humains perdus et éperdus, ce sont les échos de nos actuels désastres et tragédies qu’il nous fait entendre. Dans « 4.48 Psychosis », où s’entrecroisent poésie, cri de rage, et compte rendu clinique, c’est un déchirant appel à l’amour, au partage, à la vie. Hélène Viviès irradie littéralement cette sombre et éprouvante partition aux rives des enfers. En mettant à l’affiche en alternance ces deux pièces, Christian Benedetti met en regard les fractures intimes et la folie du monde. « La lucidité est la blessure la plus proche du soleil » écrivait René Char, c’est exactement cela, qu’à travers Sarah Kane, nous dit Christian Benedetti et son excellente troupe de comédiens.” – WebThéâtre

– “Scéniquement Benedetti fait le grand écart ! Sa mise en scène démonstrative de « Blasted » appuie jusqu’à l’écœurement. Le texte de Sarah Kane passe au deuxième plan dans cette mise en espace dont on ne retient que les images gores et sanguinolentes. C’est très différent dans « 4.48 Psychosis ». On retrouve le Christian Benedetti que l’on aime, radical. Hélène Viviès est statique, droite comme un I. Son visage se transforme en fonction des éclairages sculptés de Dominique Fortin, tantôt enfantin, tantôt féminin, tantôt masculin. Elle est remarquable, tout comme le travail tout en minutie de Christian Benedetti, qui a choisi de faire le grand écart en ce début d’année 2017 pour continuer de nous surprendre, encore et toujours.” – Sceneweb

– “Entretien : « Cette parole unique est tellement forte qu’elle concrétise l’ambition ultime de Sarah Kane : faire en sorte que le fond et la forme parviennent à se rejoindre, à se confondre. » Christian Benedetti” – La Terrasse

@ Michel Corbou

1. Alain Françon plonge et entraîne avec lui les spectateurs dans l’étrange Temps et la Chambre de Botho Strauss :

– “Une pléiade de comédiens puissants sert avec jubilation un monde où tout peut advenir.” – Figaro

– “On est dans un univers insaisissable, un temps impossible à déchiffrer faute de cheminement chronologique. Dans ces conditions, on pourrait redouter une pièce obscure, extérieure, insaisissable. Il n’en est rien tant les situations évoquées sont en prise sur l’humaine condition. Botho Strauss a l’art de jouer avec les personnages comme un joueur avec ses cartes. Il le fait avec humour et sens de la tension.” – Marianne

– “Une expérience théâtrale à part. Sa structure est particulière, et le terme de fragmentaire ne saurait suffire à la définir, même s’il est en partie approprié. Les personnages sont comme en suspension, entre le néant et l’infini. On pense à Pascal, à Beckett, à Sarraute. La traduction de Michel Vinaver semble magnifier le texte. L’absurde et la comédie se mêlent.” – La Terrasse

– “La pièce de Botho Strauss ne date pas d’hier mais de près de trente ans. Alain Françon s’en empare à son tour avec une jubilation juvénile. Françon ne craint pas ce qu’il y a de cocasse dans cette plongée perturbante au cœur d’un monde où les règles logiques de l’espace-temps n’ont pas cours. Il y a de la magie…” – Figaroscope

– em>“Une distribution éblouissante. La pièce de Botho Strauss (traduite par Michel Vinaver) est un objet théâtral fascinant par son étrangeté, sa construction fragmentaire, ses personnages fantomatiques quoique bien réels, son croisement des solitudes. Mystérieuse, abstraite, elle peut déconcerter. La mise en scène d’Alain Françon illumine et rend perceptible cette traversée du temps et des lieux. De grands comédiens investissent l’espace-temps dessiné par Jacques Gabel et les lumières de Joël Hourbeigt… Tous habitent intensément la chambre, et le temps.” – Le Journal du dimanche

– “La pièce de Botho Strauss est difficile. Aucune histoire, seulement des bribes d’histoires d’amour ou de querelles. Un espace, un feuilleté de temps et des mots qui constituent le tissu censé prendre vie devant nous. Sauf que là, non. Alain Françon n’arrive pas à nous intéresser. Il nous fait rire un peu en proposant une mise en scène ironique. Dans ce temps « suspendu », il manque peut-être un cœur vivant… Le spectacle est froid et assez vain.” – Télérama Sortir

– “Alain Françon monte la très énigmatique pièce de Botho Strauss « Le Temps et la chambre » en relevant ses vertiges et son comique. Dans un beau décor à la Hopper, les acteurs se prêtent avec facilité à ce double jeu.” – Rue du théâtre

– “Relevant les défis de la rationalité et de la représentation de l’étrangeté, et instillant quelques échappées burlesques et presque vaudevillesques, Alain Françon orchestre cette ronde évocatoire avec des comédiens émérites… Jacques Weber et Gilles Privat sont magistraux dans l’excellent duo d’hommes en gris qui ouvrent et referment la porte du temps.” – Froggy’s delight

– “La thèse est faible, la poésie en retrait, mais Françon et ses comédiens ont su magnifier un texte jusqu’à un plaisir non prévu par son auteur. Une pièce aussi étrange qu’envoûtante… cette pièce est une parade du théâtre français, de ses talents. Des talents exceptionnels.” – Toute la culture

– “On rit souvent pendant cette représentation qui aborde avec légèreté des drames existentiels. Alain Françon met en scène une histoire éclatée du sentiment plutôt qu’une histoire sentimentale. Les comédiens entre thème et variations sont pris dans le bonheur du jeu et se rient des situations. Le travail du rythme de la pièce rappelle que le spectacle se joue toujours au présent pour le plaisir du spectateur autant que son étonnement.” – Théâtrorama
@ C. Raynaud de Lage

2. Jean Bellorini s’empare avec lyrisme du Karamazov de Dostoievski, en une fresque énergique :

– “Du toit de la datcha, calée devant la pierre qui surplombe la scène, les acteurs s’adressent aux étoiles et leurs ombres agrandies se projettent sur le mur. Devant, sur un double rail, des plateaux vont et viennent avec les personnages en situation, comme manipulés par la main d’un auteur invisible au gré de son inspiration. Dans ce canevas complexe, tissé de haines familiales et d’interrogations existentielles, on parvient à suivre la ligne claire bellorinienne de bout en bout.” – Libération

– “Un spectacle palpitant et dense. Toute la place est laissée aux acteurs, en contact permanent avec le public. Le prenant généreusement par la main, pour le conduire à travers les arcanes abyssaux du roman, pour lui en faire vivre, en même temps que les questionnements, les émotions. En homme de troupe, Jean Bellorini a réuni une distribution composée de comédiens fidèles… Tous s’emparant avec une belle énergie communicative de leurs personnages, en épousant les affres, les contradictions, les tourments. Offrant au public, avec une vérité rare, leur humanité.” – La Croix

– “Le dispositif scénique foisonne de trouvailles, Bellorini joue sur de petits espaces dans lesquels l’homme apparait démuni face à l’immensité de la nature. L’espace de jeu est autant sur le toit de la datcha que sur des modules de décor qui traversent la scène sur des rails, en portant les comédiens dans de très beaux va-et-vient.  L’inventivité de Bellorini nous ménage des moments d’une grande beauté plastique et parfois de burlesque…” – Culture Box

– “Une épopée lyrique et flamboyante, une fresque haute en cris et en excès. Le texte est secoué de soubresauts, traversé par des passions amoureuses, religieuses, philosophiques, politiques et existentielles. Et c’est sans doute pour retrouver cette furieuse véhémence que les comédiens de Jean Bellorini jouent avec une énergie qui confine parfois à l’hystérie. Ce théâtre extraverti a pour lui un tempérament de feu. Pourquoi pas ? Le spectacle est populaire et festif malgré la noirceur du propos. Mais il laisse à quai ceux qui espéraient s’immerger dans ce que Dostoïevski manie si bien : l’introspection, cet abîme vertigineux où plongent des héros totalement minés par le doute.” – France Culture

– “Une vision trop respectueuse… Du récit à tiroirs qui plonge avec fièvre et frénésie aux enfers et monstruosités de chacun d’entre nous, Bellorini a sauvegardé la parfaite lisibilité. Ce n’est pas assez. On attend d’une création théâtrale qu’elle transcende un texte. Pas qu’elle le résume, même au gré d’images fortes, parfois magnifiques et bouleversantes. On aurait préféré que Bellorini soit moins respectueux de l’œuvre, qu’il la fasse ré-entendre pour l’aujourd’hui…” – Télérama

– “Jean Bellorini met en scène le roman de Fiodor Dostoïevski avec une belle simplicité.” – Le Monde

– “Une plongée dans les bouillonnements de l’humain. Un spectacle total. Plutôt que de s’efforcer de rendre compte du texte de Dostoïevski dans son intégralité, Jean Bellorini en a extrait des fragments qui investissent, à travers des jeux de clairs-obscurs, ses principaux mouvements. Comme dans la vie, des espaces de flottement voient le jour, ainsi que des zones de complexité. Des moments de fulgurance, aussi – scènes à dimension lyrique ou poétique qui imposent définitivement la beauté du projet. Peut-être plus escarpé que les précédentes créations de Jean Bellorini, Karamazov donne également l’impression de davantage de liberté. On sort de ce spectacle avec de l’humain plein les yeux. Et des élans métaphysiques au fond de soi.” – La Terrasse

– “Entretien – Jean Bellorini aime raconter des histoires : « Quitte à passer pour un ringard ! L’homme a besoin de se représenter son propre monde, passé, présent et à venir. Privilégier des traversées longues dans ces théâtres où l’on reste ensemble est une forme de résistance. »” – Télérama
@ Stéphane Trapier

3. Emmanuel Meirieu réunit deux textes de Sorj Chalandon dans Mon Traître, spectacle sobre et crépusculaire :

– “On peut faire du beau théâtre avec presque rien – un micro dans la pénombre, un brouillard blanc… – du moment qu’on tient un grand texte, des comédiens habités… et qu’on sait dompter les mots. Aux Bouffes du Nord se produit ce miracle. Les trois comédiens sont admirablement dirigés : cultivant la retenue plutôt que la distanciation, Meirieu se pose en maître de l’émotion. Plus fort encore que « De beaux lendemains », parce que plus concentré, plus politique, « Mon traître » est le frisson théâtral inattendu de cette fin de saison.” – Les Echos

– “L’ambiance sépulcrale, la haute tenue des interprètes créent une tension qui sous-tend la force de l’écriture de Sorj Chalandon, son épure. Pas de mise à distance, un choc frontal, une confrontation directe avec la réalité de l’engagement politique, la violence de la trahison, le chagrin inconsolable. On peut sans doute regretter une musique un peu trop présente, tels détails secondaires, la puissance et la vérité du texte l’emportent, saisissantes.” – Le Journal du dimanche

– “Une bouleversante tragédie. Emmanuel Meirieu a fait de ce double récit littéraire du théâtre. Dans un roulement de tonnerre et une lumière blafarde, on commence par le récit du trahi, celui d’Antoine, le jeune Français, pas journaliste mais luthier, double de Chalandon, joué par Jérôme Derre ; on remonte au fils du héros, qu’incarne Stéphane Balmino, en chanteur à blouson de cuir de combattant ; on débouche sur la confession du traître par le trahi, monologue dont Jean-Marc Avocat, le torse cuivré, à l’indienne, la voix basse, fait un morceau de bravoure. Bouleversant.” – L’Humanité

– “Un spectacle halluciné que l’on écoute le souffle suspendu et le cœur chahuté. Le metteur en scène-adaptateur parvient en outre à nouer un spectacle hypnotique irrigué par une réflexion subtile sur la puissance des secrets. Dépouillée mais implacable, sa mise en scène laisse place à une forme de recueillement extatique pour dire l’amitié bafouée et le deuil impossible. C’est suffocant d’humanité, intellectuellement et esthétiquement passionnant. A ne manquer sous aucun prétexte.” – A nous Paris

– “Selon l’affreuse formule consacrée, personne ne sortira indemne de cette longue description clinique de ces jeunes gens idéalistes noyés dans leurs excréments par l’intransigeance de Mme Thatcher. Qu’on se le dise d’emblée : Emmanuel Meirieu n’a aucune pitié pour son spectateur. Il ne sera pas question d’édulcorer ce qui s’est réellement passé. En tout cas, c’est ce qui donne cette force inouïe au travail d’Emmanuel Meirieu, parfaitement dans la lignée des “romans” de Sorj Chalandon. Ici, la violence n’est pas exhibée avec complaisance. Les mots sont forts pour qu’au terme du bout de la noirceur, l’humain puisse survivre. “Mon Traître” est paradoxalement une œuvre pleine d’espoir.” – Froggy’s delight

– “Emmanuel Meirieu réunit les deux textes de Chalandon avec intelligence; le destin tragique de cet homme apparaît discrètement, plus le texte résonne moins il est aisé de juger cet homme déclaré coupable de trahison. Mais la scénographie pourtant très sobre ne parvient pas à aller à l’essentiel. L’usage de la vidéo, de la fumée qui envahit le plateau et de la ligne musicale en fond sonore, apparaît plutôt comme décorum et n’apporte rien à la beauté du texte. Le jeu des comédiens est assez inégal et on le regrette beaucoup. Emmanuel Meirieu fait le pari avec raison, d’un spectacle dans lequel tout repose sur le jeu, sur l’incarnation du verbe ; il est dommage que l’écriture de Chalandon ne prenne pas toujours corps chez les trois comédiens.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Dans cette pénombre à peine éclairée de brume, sur une scène de théâtre, c’est toute la guerre fratricide, infigurable, innommable, qui nous rend visite… Le texte est dur, sublime, l’interprétation grandiose. Mais ne subsiste aucune lumière…” – Toute la culture
@ Fabio Esposito

4. Au théâtre de l’Athénée, Elvira (Elvire Jouvet 40), une leçon de théâtre portée par Toni Servillo et ses partenaires :

– “Dans le costume du professeur, l’immense acteur et metteur en scène Toni Servillo… Cet art du comédien est magistralement incarné par Toni Servillo qui, se démarquant de la personnalité de Jouvet et de son phrasé particulier, impose sa formidable présence et sa passion du théâtre et du répertoire. Petra Valentini assume avec beaucoup de finesse le double rôle de la jeune Claudia et d’Elvire, dans les moindres directions de jeu indiquées par le maître pour qu’advienne la rencontre entre l’élève comédienne et son personnage. La quête passionnera les apprentis comédiens. Mais Elvire Jouvet 40 ne se réduit pas au seul enseignement, l’arrière-plan, indiqué par les seules dates, de février à septembre 1940, est omniprésent. L’intérieur du Conservatoire où maître et élèves perpétuent un art ancestral devient un enclos de résistance face à la barbarie extérieure.” – Le Journal du dimanche

– “Entretien « Pourquoi choisir cette pièce ?
Toni Servillo : Surtout parce que j’ai un grand respect, une grande admiration pour Louis Jouvet. Son travail et sa réflexion sur le théâtre en font un des grands réformateurs du théâtre en Europe, à l’instar de Copeau, ou d’Artaud, ces grands hommes qui ont donné une dimension nouvelle à l’interprétation et à la mise en scène.” – La Terrasse

– “Toni Servillo donne un maximum d’intensité au personnage de Jouvet. Le spectacle ne souffre pas de la traduction ni du surtitrage tant l’interprétation de Servillo est habitée par la passion du théâtre et l’amour de la transmission.” – Rue du théâtre

– “On assiste à un exercice complexe passionnant, au fil duquel les mots de Jouvet dialoguent avec ceux de Molière, une mise en abyme du théâtre.  Jouvet revu par Servillo c’est un homme passionné capable d’emportements, qui parle avec les mains. Cette version très italienne ne nuit en rien au spectacle qui garde sa densité et reste une célébration du théâtre.” – Webthéâtre

– “La première sensation, photographique, avant que Servillo ne prenne la parole est dans une élégance sobre. Et Toni Servillo va prendre la parole pour ne plus la rendre; il va  prendre la répétition en main et lentement effacer Jouvet tout en l’honorant. Nous assistons à une magnifique leçon de théâtre. Toni Servillo est charismatique, Petra Valentini envoûtante. L’élégance des jeux discrets de Francesco Marino (Dom Juan) et de Davide Cirri (Sganarelle) vient habiller un peu plus l’éblouissant enseignement.” – Toute la culture

@ Thierry Depagne

1. Aux Ateliers Berthier-Odéon, reprise remarquée de Vu du pont d’Arthur Miller, mis en scène avec maestria par Ivo van Ove :

– “On tremble d’émotion. … Avec une telle histoire, on pourrait craindre un pathos généralisé. Mais c’est sans compter avec la finesse du texte d’Arthur Miller, qui a su éviter les pièges du simplisme et du caricatural, et le doigté d’Ivo van Hove. Grâce à une maîtrise parfaite de la direction d’acteurs, la tragédie évite tous les pièges du genre. Les applaudissements qui clôturent une prestation hors normes sont à la mesure du choc.” – Marianne

– “Une remarquable mise en scène. Pas une once de gras, d’anecdote ou de lourdeur psychologique dans ce spectacle où le metteur en scène et son équipe tiennent de bout en bout le fil de la pureté tragique. La première surprise vient, pour le spectateur, de la scénographie, d’une intelligence et d’une beauté magistrales.
Ces personnages existent ici avec une crédibilité rarement atteinte au théâtre, parce qu’ils sont interprétés par des acteurs choisis et dirigés avec une science confondante. ….Enfin, il y a Charles Berling, que l’on n’avait pas vu aussi bien depuis longtemps : un bloc granitique d’humanité douloureuse et blessée, opaque à lui-même.” – Le Monde

– “La mise en scène de Ivo van Hove transmue la pièce d’Arthur Miller en tragédie intime et universelle. Une mise en scène d’exception et un bloc d’émotion.
Dans une tension continue, d’une densité compacte qui dilate le temps de la représentation, aux accents du Requiem de Fauré, la distribution est remarquable de justesse et d’intensité. Tous impressionnent et bouleversent. Ils sont les figures tragiques de l’humanité. Exceptionnel.” – Le Journal du dimanche

– “Ivo van Hove a transformé le drame d’Arthur Miller (1955) en une tragédie universelle, où toute l’humanité est sublimée en un grand geste de douleur. Huit comédiens en apesanteur… Ivo van Hove a eu l’intuition géniale de proposer le rôle d’Eddie à Charles Berling. Depuis longtemps, on n’avait pas vu l’acteur à de tels sommets. Avec pudeur, humilité, une fièvre intérieure sans pareil, il porte la croix de son personnage maudit… La boîte tragique se referme alors sous les vivats d’un public submergé par l’émotion.” – Les Echos

– “La mise en scène d’Ivo van Ove est vraiment géniale. Dans le rôle du brave type devenu délateur sans savoir comment ni pourquoi, Charles Berling, qui a récolté le molière 2016 du meilleur acteur, est magnifique. A ses côtés, dans le saisissant décor, tous ses partenaires sont parfaits.” – L’Obs

– “Nu, sans accessoires, ce plateau scénique offre la priorité au jeu des comédiens. Sous la direction de Ivo van Hove, ils sont tous excellents et rendent palpable, sans surcharge psychologique, les sentiments, fractures, passions et contradictions qui animent chacun des personnages… Avec un dosage contenu du réalisme porté par la pièce, mais en portant ses tensions à l’extrême, dont la violence est accompagnée en contrepoint par la douceur poétique du Requiem de Fauré, le spectacle s’achève sur une belle image spectaculaire colorée, émouvante et métaphorique, sous la pluie.” – Webtheatre

– “Un récit sensible et tragique, superbement raconté par un esthète de la mise en scène… Les comédiens évoluent ainsi dans un espace scénique tri-frontal extrêmement dépouillé, une langue de lumière qui s’avance dans la salle. Dans cette scénographie à l’épure déconcertante, on ne voit qu’eux, personnages meurtris aux destins fragiles. Un récit sensible et tragique, superbement raconté par un esthète de la mise en scène.” – Time Out
 
 
@ Christophe Raynaud de Lage

2. Ostermeier “survolte” Hamlet, dans une mise en scène énergique portée par une troupe de comédiens au talent incontesté :

– “Une table de banquet délimite le fond de la scène, symbole ironique où trône un pouvoir immature… Dans toutes ses mises en scène, Thomas Ostermeier fait résonner fortement les textes dans l’actualité de notre monde. Cette lecture radicale et énergique théâtralise avec vigueur les effets dévastateurs d’une société pourrie, et réduit la profondeur métaphysique du drame de Shakespeare. L’un des atouts majeurs de la pièce est comme à l’accoutumée chez ce si talentueux metteur en scène la limpidité du jeu théâtral. Un immense bravo à l’exceptionnel acteur Lars Eidinger dans le rôle d’Hamlet…” – La Terrasse

– “Certes le spectateur peu familier de l’œuvre-maitresse de Shakespeare aura du mal à se retrouver dans cette représentation destroy et survoltée où six acteurs seulement se partagent une vingtaine de rôles (seul Hamlet, l’époustouflant Lars Eidinger n’a à gérer que son personnage…)… Mais comme toujours la force et l’énergie du metteur en scène, son formidable appétit de comprendre et de partager le théâtre au plus urgent, au plus violent, emporte le morceau. Et si cet “Hamlet”-là n’est pas forcément des plus subtils, il entraîne superbement le public au royaume de la folie.” – Télérama

– “Sommes-nous alors si loin des questionnements d’aujourd’hui ? se demande, et nous demande, Thomas Ostermeier, qui s’adresse à Shakespeare pour nous donner matière à réflexion dans un ici et maintenant plein de zones d’ombre, d’incertitudes et de manque de repères.” – France Inter

– “L’action s’ouvre sur l’enterrement du roi, par lequel Ostermeier s’engage dans une voie tragi-comique sur fond de gros rock à guitares. Le burlesque s’invite dans le trou où tombent le fossoyeur et le cercueil, glissant sur un plateau couvert de terre arrosée d’eau… Armé d’un théâtre d’acteurs très physique et sans tabous, flirtant avec le “trash” sans s’y noyer, Ostermeier ose tout.” – La Dépêche

– “L’attente n’est ni clairement déçue ni vraiment comblée. Le spectacle a laissé à l’issue de la première un sentiment partagé, qu’a exprimé le public en l’applaudissant plutôt chaleureusement, sans excès. La pièce, resserrée, adaptée avec acuité par le dramaturge Marius von Mayenburg, prend place dans un dispositif élégant et efficace. Comme toujours dans les spectacles du directeur de la Schaubühne de Berlin, on prend un plaisir fou avec les comédiens, avec leur jeu précis et physique, d’une rare intensité… Cet “Hamlet” déploie nombre d’autres qualités, une incontestable fluidité et efficacité scénique… Et pourtant, le spectacle ne prend pas vraiment. Comme si le metteur en scène n’avait pas encore parfaitement ajusté sa focale.” – Le Monde

– “Ostermeier et Shakespeare, c’est un sans faute assuré ! Chaque fois que le metteur en scène berlinois s’est attaqué au dramaturge élisabéthain, il a signé une éclatante réussite.
Lars Eidinger est toujours le rôle-titre, aux antipodes du héros romantique idéalisé. L’acteur se fait tornade qui rase et saccage tout sur son passage. En dépit des qualités indéniables de jeu, de mise en scène et de dramaturgie, l’”Hamlet” de la Schaubühne se résume à sa seule performance. Il fait son numéro d’acteur-roi et c’est hallucinant. Avec sa folle démesure et une impeccable justesse, il hisse le spectacle encore et toujours plus haut.” – Toute la culture

– “Sublime spectacle qui force l’admiration. Thomas Ostermeier reprend Hamlet avec six comédiens extraordinaires… Deux heures trente d’extrême tension et de plaisir. Tout est critique de notre monde quotidien, tout est Shakespeare, tout est merveilleusement recréé et distancié. C’est unique ! À voir et à revoir !” – Artistik Rezo
 
 
@ Pierre François

3. Dans une version resserrée, une actualisation pertinente d’Une maison de poupée d’Henrik Ibsen, mise en scène par Philippe Person :

– “En voyant la version qu’en propose Philippe Person, on comprend pourquoi, au moment de sa création, à la fin du XIXème siècle, la pièce fit scandale… C’est du Simone de Beauvoir avant l’heure, et c’est un superbe hommage au féminisme.” – Marianne

– “Conforme à l’esprit de la partition originale, inclus ses quelques traits d’humour, ce condensé atteste que, bien que datant de 1879, cette “tragédie de notre temps”, telle que qualifiée par son auteur Henrik Ibsen, ne s’avère ni désuète ni surannée. Epurée mais efficace et avec une contextualisation confortée par les brefs extraits de tubes rock des sixties des inserts transitionnels, la mise en scène de Philippe Person vise à l’essentiel… La direction d’acteur de Philippe Person étant très tenue, Philippe Calvario et Florence Le Corre délivrent de manière magistrale l’ultime scène qui revêt une intensité sidérante et une humanité bouleversante.” – Froggy’s delight

– “Cette mise en scène ascétique, réduite à trois jours, se veut aussi cinématographique, comme un plan séquence qui, révélant leur intériorité, collerait aux actions de chaque personnage. En dépit d’une certaine linéarité, en limitant l’action à la confrontation entre les personnages de ce quatuor, Person donne à son spectacle une forme aux arêtes coupantes. En se débarrassant du carcan de sa maison, Nora bouscule les conventions et s’affirme comme une héroïne d’une incroyable modernité.” – Théâtrorama

– “Philippe Person a gardé du texte original les quatre personnages principaux. Il resserre ainsi la pièce autour de Nora… Le rythme est vif. On sent un vrai travail, chez chacun des interprètes, pour créer des caractères forts, réels et attachants mais on peut regretter de ne pas apercevoir par moment leurs âmes. De fait, ils restent excessivement propres, bien mis et les scènes de confrontations ou de manipulations se cantonnent à un formel joli, intelligent mais porteur de peu d’émotions.” – Reg’Arts

– “Cette “Maison de poupée” subjugue par l’intensité de son interprétation et la modernité de sa mise en scène.
Le public nombreux salue fort justement cette prestation théâtrale acclamée qui marquera la fin 2016 et le début 2017. La pièce d’Ibsen fait froid dans le dos et détruit le mur des apparences factices, cette mise en scène lui fait honneur pour une empreinte indélébile dans les esprits !” – PublikArt
 
 
@ Ben Dumas

4. Au Ranelagh, le jeune metteur en scène Ronan Rivière s’attaque avec une exigence saluée au Faust de Goethe :

– “Noirceur et fulgurances, ténèbres et flamboiement d’enfer. Les acteurs montrent avec souplesse et acrobatie les aléas de ce pacte terrible en clair-obscur, alternant l’humour et les rires de gaieté et de légèreté avec les sanglots du désespoir. Méphistophélès est d’autant plus inquiétant qu’il apparaît étonnamment humain, presque avec humilité et bonhomie. Et le spectacle baigne dans des sautes lumineuses, scandées par les accords et modulations du piano, entre envolées romantiques et cordes heurtées et grinçantes. Tous ces contrastes entretenus ne laissent personne en repos, le mythe faustien est revivifié dans un dépouillement saisissant.” – Spectacles Sélection

– “Des acteurs inspirés. Un échafaudage brinquebalant ne cesse d’être manipulé par les comédiens au centre d’une scène réduite au maximum. Ce Faust ravit l’audience grâce à l’investissement énergique de la troupe de comédiens et à la mise en scène sommaire mais dynamique du Méphisto. La pièce est un succès, la salle était comble, nul doute que de nombreux autres spectateurs sortiront tout autant ravis de la salle après les prochaines dates !” – Publik’Art

– “La confirmation d’un jeune talent, Ronan Rivière. “Faust” est une tragédie de 1808. Goethe multiplie les lieux et les personnages. Ronan Rivière a synthétisé tout cela. On remarque, avec intérêt, les références au cinéma expressionniste allemand, mais son diable n’est pas Nosferatu. Méphistophélès, car ainsi le nomme Goethe, est un homme jeune. Ronan Rivière interprète Méphisto. La plupart du temps, on donne le rôle du diable à un homme mûr, ici le fait que ce soit un jeune homme donne une autre grille de lecture. Il a des langueurs romantiques. Jean-Benoît Terral est le Faust vieux et Anthony Audoux le jeune Faust, deux comédiens tout à fait justes. Un spectacle exigeant qui doit faire partie de votre sélection. Ronan Rivière et sa troupe sont à suivre. Après, ne venez pas nous dire que vous n’étiez pas au courant !” – Webthéâtre

– “L’histoire de Faust est ici resserrée exclusivement autour de son amour pour Marguerite. C’est un raccourci bien troussé de l’œuvre monumentale de Goethe. Un “Faust” qui, malgré quelques langueurs dans certains passages, possède un réel impact visuel et donne envie de redécouvrir l’œuvre de Goethe dans le texte.” – Reg’Arts

1. Clément Hervieu-Léger signe une mise en scène du Petit-Maître corrigé, une pièce qui revient à la Comédie-Française pour la troisième fois en deux siècles :

– “Comme souvent, chez Marivaux, les serviteurs sont plus avisés que leurs maîtres. Christophe Montenez joue finement l’évolution de Frontin et Adeline d’Hermy l’impertinence de Marton. Dans les superbes costumes de Caroline de Vivaise, Claire de La Rüe du Can, délicate Hortense, Florence Viala, impétueuse Dorimène, Dominique Blanc, fière marquise, Didier Sandre, sage comte et Pierre Hancisse, pertinent Dorante, font entendre la pièce, vieille de deux siècles, comme si elle était d’aujourd’hui.” – Le Journal du dimanche

– “En guise de scénographie, Eric Ruf a transformé la scène en un morceau de lande envahi par les herbes, accentuant le côté champêtre. Hortense, Rosimond et les autres y dansent une folle sarabande qui rend leurs paroles difficilement audibles, surtout dans la première partie. Fort heureusement, cela ne dure pas. On peut alors  apprécier à leur juste mesure les aléas amoureux de ces hommes et de ces femmes qui découvrent l’amour physique en même temps qu’ils doivent en assumer les codes sociaux d’une époque où l’on ne rigolait pas avec les principes.” – Marianne

– “Avec le sens de l’espace d’un Planchon et une direction d’acteur hors pair, Clément Hervieu-Léger orchestre une troupe en apesanteur. Loïc Corbery est irrésistible en petit-maître maniéré, avec cette pointe de gravité qui devient vallée de larmes quand il tombe enfin aux genoux de sa dulcinée. Adeline d’Hermy fait des étincelles en servante dessalée et gouailleuse. Le reste de la distribution est à l’avenant.” – Les Echos

– De hautes herbes envahissent donc le plateau, dans lesquelles les dames de la ville se tordent les pieds, tandis que Rosimond se promène avec une ombrelle ridicule. Eric Ruf, le patron de la Comédie-Française, a conçu ce décor campagnard avec ses toiles peintes à l’ancienne. Mais en fond de scène, il a gardé toute la machinerie du théâtre apparente, montrant bien là qu’il s’agit d’un regard du XXIe siècle sur une pièce du XVIIIe et non d’un théâtre à l’ancienne. Même distance dans le jeu des comédiens, qui appuient là où ça fait mal, sur les rapports de classe très présents dans la pièce. La pièce, dans son décor champêtre et ses costumes à la Watteau pourrait n’être qu’un badinage, un “marivaudage” comme l’expression s’est imposée au fil du temps. Grâce au jeu formidable des comédiens, on est saisi par les enjeux profonds de la pièce.” – Le Parisien

– “Eric Ruf a installé une butte couverte d’herbes folles en avant-scène, de grandes toiles peintes à l’ancienne montent et descendent dissimulant plus ou moins le plateau nu en fond de scène. Une manière de conjuguer l’ancien et le moderne. Clément Hervieu-Léger traite l’opposition ville/campagne avec un humour appuyé… Le rythme de la mise en scène qui va au galop, associé à l’agitation de certains personnages quelque peu tonitruants, nous fait perdre un peu des délices de la langue de Marivaux. Mais ces réserves ne ternissent pas l’excellence des comédiens… On est heureux de découvrir cette pièce qui ne dépare pas dans une œuvre définitivement universel d’une finesse de style et d’analyse incomparable.” – Webthéâtre

– “Reste tout de même la Comédie-française : un jeu au cordeau mais sans surprises, à l’exception d’Adeline d’Hermy, des costumes magnifiques, quelques rires et un décor plein de poésie. Seulement, deux heures pour une pièce qui n’a rien à dire, c’est un peu long.” – Rue du Théâtre

– “Clément Hervieu-Léger propose une lecture de la pièce faussement classique et sacrément audacieuse. Une lecture moderne qui par la performance des comédiens est une réussite. La pièce est classique et le texte est merveilleux. La mise en scène est classique, la scénographie aussi. On retrouve les magnifiques costumes que seul le Français peut produire et l’expérience de jeu à laquelle les comédiens-français nous ont habitués… Sauf que l’audace est là, les choix de mise en scène et de scénographie sont courageux et risqués. Le jeu des comédiens semble n’éviter aucun excès comique, aucune pitrerie périlleuse sans toutefois basculer dans un cabotinage de boulevard ; et Florence Viala et Adelin d’Hermy sont extraordinaires, merveilleuses, inoubliables. On rit constamment. Un Marivaux si moderne cependant que vieux de trois siècles.” – Toute laCulture

– “Dans ce texte, il y a les fondements d’une analyse préfreudienne, dans le rapport aux parents par exemple (c’est la seule pièce de Marivaux qui interroge les rapports entre le fils et la mère), ou dans l’épisode de la lettre perdue, parfait acte manqué, concept qui n’apparaît que dans La Psychopathologie de la vie quotidienne.” – Clément Hervieu-Léger pour La Terrasse

2. À l’Artistic Théâtre, Anne-Marie Lazarini crée un diptyque de la résistance à partir de deux pièces écrites en 1975 par Václav Havel : Audience et Vernissage.

– “TT Anne-Marie Lazarini a eu la bonne idée de monter les deux textes dans deux espaces souterrains et intimes qui se jouxtent, et où le public pénètre une pièce après l’autre (…) Les deux satires s’emboîtent au plus près des spectateurs, dans une proximité qui fait miroir avec ce que nous vivons aujourd’hui.” – Télérama Sortir

– “Ecrites il y a quarante ans par un dramaturge en butte au totalitarisme, les deux pièces de Václav Havel pourraient sembler intempestives dans notre démocratie libérale et pacifiée. Pourtant, le propos paraît singulièrement actuel et d’autant plus grinçant : les intellos précaires et autres surdiplômés, et tous ceux qui subissent les leçons incessantes des thuriféraires du bien-être et de la quête égoïste de soi ne s’y tromperont pas : la résistance est toujours d’époque et Anne-Marie Lazarini le rappelle avec force et esprit.” – La Terrasse

– “Dans ce monde ou personne ne s’écoute, où chacun se méfie, se piège, les comédiens font leur miel des jeux d’une langue tout en quiproquos, malentendus, sous-entendus, non-dits, jargon des bureaucrates comme des pseudo-esthètes. Cédric Colas est Vanek/Havel, le résistant ; Stéphane Fiévet, le brasseur brut de décoffrage ; Frédérique Lazarini et Marc Schapira, le couple « boboïsé » de parvenus, masquant, par leur insupportable contentement de soi, le mal de notre temps : le vide intérieur.“– La Croix

– “C’est Sempé en version tchèque, sauf que Ferdinand apprécie moyennement la prestation du duo en pâmoison, et encore moins les conseils proposés pour réussir sa propre vie de couple. Il claquera la porte comme il avait claqué le bec du brasseur qui le rêvait en petit rapporteur, et comme Vaclav Havel avait envoyé balader ceux qui voulait le faire rentrer dans le rang quelques années avant la « Révolution de velours » qui allait libérer le pays. Dans ses essais politiques, Vaclav Havel parle longuement du « Pouvoir des sans pouvoir ». Ferdinand, c’est la révolte d’un « Sans pouvoir ».” – Marianne

– “L’excellente mise en scène d’Anne-Marie Lazarini, un œilleton qui s’élargit en cinémascope du pathétique, permet d’accéder, par ces deux courtes pièces à une jubilation réelle. Havel frappe fort. Et nous dérange dans nos nouvelles tyrannies.” – Froggy’s Delight

– “La mise en scène de Anne -Marie Lazarini, articule avec acuité et cohérence ces deux courtes pièces mises en parallèle, dont les échos universels traversent le temps et l’Histoire, en éclairant leur ironie et leur humour, entre et dérision et absurde, dans un dosage qui restitue la profondeur des propos. Elle s’est entourée de quatre excellents comédiens Cédric Colas (Vanek), Stéphane Fiévet (Sladek), Frédérique Lazzaroni (Véra) et Marc Shapira (Michael) qui portent, chacun dans leur registre, les facettes et accents révélateurs de leur personnage.” – Web Theatre

3 – Isabelle Carré prête sa voix et son corps à une star hollywoodienne sur la scène du Théâtre de l’Œuvre, dans Le Sourire d’Audrey Hepburn :

– “Que se cachait-il derrière le sourire d’Audrey Hepburn ? Derrière la vivacité pétillante et gracieuse de l’actrice de Diamants sur canapé et de Vacances romaines ? Un abîme, sous la forme d’un père à la fois absent et très présent, et qui a marqué en creux toute la vie de sa fille. Cette histoire, peu connue, ­Clémence Boulouque l’a racontée dans un livre paru en janvier, Un instant de grâce. Il est aujourd’hui adapté au théâtre, sous un autre titre, Le Sourire d’Audrey Hepburn, et c’est la toujours si fine Isabelle Carré qui endosse l’histoire de l’actrice.” – Le Monde

– “T Hélas, le texte, écrit par Clémence Boulouque, est du point de vue théâtral mince comme un fil. On passe un joli moment mais sans faille, sans enjeu dramatique. Le spectacle est un peu vain.” – Télérama Sortir

– “Mise en scène par Jérôme Kircher, Isabelle Carré, sans rechercher la ressemblance physique, fait surgir la figure d’Audrey Hepburn, dégage une émotion sensible, laisse imaginer le lent chemin vers la résilience, la reconstruction. Tout en délicatesse, fine et digne, elle est du côté de l’élégance du cœur. Le moment de théâtre vaut davantage pour sa présence que pour le texte, trop lisse.” – Le Journal du dimanche

– “C’est un moment bref, dense, lumineux, qui, par l’art si délicat d’Isabelle Carré nous permet d’approcher ce qu’avait révélé Clémence Boulouque dans son livre. La manière très subtile dont Jérôme Kirchner la dirige -la protège- permet à la comédienne de rendre mille et une nuances sans jamais surligneur.” – Le blog du Figaro

– “La difficulté du monologue et du seul en scène, ajoutée ici à un décor discret, place la comédienne au centre des attentions, tout repose sur sa prise de parole. Isabelle Carré est indéniablement une comédienne talentueuse et touchante. Elle vit intensément cette pièce et nous la vivons avec elle.” – Le Huffington Post

– “Le texte pourrait être plus violent mais il fait ainsi triompher la douceur sur la cruauté. Jérôme Kircher a pris le parti difficile (mais c’est le meilleur) d’un spectacle quasi immobile : la comédienne est sur un fauteuil, se déplace peu, tout est dans l’émotion du personnage. Isabelle Carré est, on le sait, une merveille de sensibilité.” – Web Théâtre

– “Prisonnière d’une ligne qui laisse peu de place au développement d’un jeu profond, à travers des tergiversations prévisibles donc ennuyeuses, Isabelle Carré tourne en rond dans les escarpins d’Audrey Hepburn.” – SceneWeb

– “Face à ce père qui n’est peut-être que fantôme, Isabelle Carré ne joue pas Audrey Hepburn. Elle l’« est ». Debout, assise, sur les genoux, immobile devant une fenêtre, elle ne cherche pas à simuler une quelconque ressemblance physique avec cette dernière. Elle en restitue l’âme, l’essence, tout en demeurant toujours fidèle à elle-même.” – La Croix