Vous aimez frémir, vous aimez serrez vos bras contre votre abdomen de peur que des mots vous transpercent, allez voir « Métamorphoses » adaptées d’Ovide, au théâtre de l’Aquarium, à la Cartoucherie de Vincennes.

Cinq parties – deux seront racontées en voix-off sous forme de prologue et d’épilogue : « Narcisse » et « Le chaos, les quatre âges et le déluge », trois seront jouées : « Terée », « Phaéton » et « Erysichton » – présentées sur un écran géant diffusant des formes mouvantes, avec du texte projeté et de la musique électronique invasive (dispositif scénique et technologique collectif INVIVO), beaucoup de fumée, une batterie et une guitare électrique sur scène, un décor simplissime fait de tables et de chaises, des comédiens- chanteurs de variété française, avec style et brio (la belle voix d’Alexandre Le Nours) et bien sûr, le monolithisme, la folie et la tyrannie des grands mythes. Voilà les ingrédients de cette pièce, où vous débuterez dans l’effroi pour terminer dans le rire. Ouf, on craignait l’asphyxie !

@ Marjolaine Moulin

La première partie jouée raconte l’histoire de Terée et de sa femme Procné. Ça démarre avec la fête, l’insouciance, la danse, le chant et l’ivresse puis, peu à peu, l’histoire bascule dans les archaïsmes les plus barbares. On ne rigole plus du tout. On serre les dents car la vengeance est un plat qui se mange froid ou chaud… C’est la partie la plus longue de la pièce qui pourrait faire une pièce à part entière.

Du coup, quand interviennent les deuxième et troisième parties jouées, la recherche d’une unité se fait sentir, qu’on ne trouve pas vraiment. Autant la première partie est extrêmement narrative, quasi classique, autant les deux autres s’en tiennent à l’allégorie. On est cependant soulagé de quitter le total effroi de la première partie pour gagner des contrées potaches et oniriques, bien que la metteuse en scène, Aurélie Van den Daele, continue à nous parler de nous, de notre époque et de notre décadence, avec un regard aigu et moqueur, qui nous ouvre les portes de l’imaginaire.

La deuxième partie met en scène Phaéton, un jeune homme qui brûlera sa vie au rythme d’un chronomètre, à la marge d’une machinerie infernale, faite de concerts perpétuels et qui demandera la reconnaissance de son père, car Phaéton veut s’inscrire dans sa généalogie, quitte à disparaître.
La troisième et dernière partie jouée raconte l’histoire burlesque et ridicule d’un artiste qui se prend pour le dernier génie à la mode, Erysichton. Là, on rigole franchement des facéties de ce personnage qui nous montre la bêtise et la vanité d’un artiste qui se pense au-dessus de la Nature. Mais Cérée, la déesse, ne l’entend pas de cette branche-là et lui montrera que son égotisme et sa toute-puissance l’embarqueront à sa perte et qu’il n’aura pas l’occasion de soulever le voile d’Isis.

L’adaptation des textes est d’une grande réussite avec beaucoup de fluidité et de modernité, sans anachronismes et on peut saluer Ted Hughes pour ce tour de force.

Le projet met en lumière la résonnance actuelle des mythes dans l’état d’esprit décadent de notre époque et nous entraîne aux portes du cinéma, du théâtre, des arts plastiques et de la musique. On admirera, par exemple, les très beaux masques d’animaux lors de la dernière partie.
On ne peut pas dire que les applaudissements furent du tonnerre à la fin de la pièce, malgré une salle pleine, pourtant, il se passe quelque chose et on ne sort pas indemne de ce spectacle qu’on met longtemps à digérer.
On pourra regretter la puissance un peu trop puissante des watts : même si elles participent au sentiment d’oppression et d’enfermement dans laquelle veut nous placer la metteuse en scène, on a parfois du mal à entendre le texte. C’est dommage.

METAMORPHOSES
Á l’affiche du Théâtre de l’Aquarium – du 1er au 26 mars 2017 (mardi au samedi 20h, dimanche 16h)
D’après Les Métamorphoses d’Ovide et Contes d’Ovide de Ted Hughes
Mise en scène : Philippe Nicolle
Avec : Kamel Abdessadok, Christophe Arnulf, Aymeric Descharrières, Servane Deschamps, Pierre Dumur, Olivier Dureuil, Anne-Gaëlle Jourdain, Erwan Laurent, Michel Mugnier, Florence Nicolle, Philippe Nicolle, Laurence Rossignol

Une salle pleine un vendredi soir, un théâtre de quartier au plateau noir et aux projecteurs aux gélatines multicolores. Quatre comédiens au style british. Une pièce aux répliques minimalistes, construite avec des ruptures, des répétitions et des contradictions, du théâtre de l’absurde en somme, grinçant comme une corde de pendu, qui nous montre le totalitarisme en action, avec cruauté, à travers de petites scènes à thèmes, à caractères, qui nous trimbalent de l’armée à la philosophie jusqu’à l’aristocratie, en passant par l’amitié. Quinze histoires, quinze thèmes. Le tout rythmé par des onomatopées musicales faites d’une chorale de basse-cour avec le caquetage des poules et le grognement des cochons (très réussi), du piano pour débuter, du ukulélé pour final, du chant lyrique et même du rap en cours de route.

@Sarah Coulaud

Le son comme un fil conducteur de la pièce qui porte bien son nom d’ « opéra », même si, dès le début, Madame Loyal (Ida Vincent) nous dit qu’on soit rassuré, il ne s’agit pas d’un opéra. Et « panique », oui, car on s’excite, on vocifère, on s’égosille, on pète des câbles sur scène. La bouche surtout a son rôle à jouer dans cette comédie, où la mise en scène des expressions du visage va jusqu’à nous présenter, une sorte d’entracte en forme de collation, sur le plateau, amenant les larmes aux yeux de la comédienne Aline Barré, qui gobe un Flamby sous les mines effarées et hilares des spectateurs. Va-t-elle vomir ? Non, elle ne vomira pas.
Pourtant, à la fin de « L’Opéra panique », une légère nausée s’est emparée de nous, avec tout cet absurde qui ne mène nulle part, sauf à l’illusion d’une vie qui serait belle. Ce serait le message d’Alejandro Jodorowsky et qui mène aussi à l’accumulation des corps découpés, déchirés, cassés, poignardés, fusillés, déhanchés, saccadés, démantibulés. Oui, dans cette pièce, le corps, le texte et la mise en scène sont démantibulés jusqu’à nous faire rire d’horreur. Les comédiens (Aline Barré, Tullio Cipriano, Cécile Feuillet, Johann Proust et Ida Vincent), égaux et performants, portent leurs personnages avec justesse et déraison et également dans l’univers du mime, presque comme au cirque.

L’OPERA PANIQUE – Compagnie L’Ours à Plumes
Une pièce d’Alejandro Jodorowsky
Mise en scène : Ida Vincent
Avec : Aline Barré, Tullio Cipriano, Cécile Feuillet, Johann Proust, Ida Vincent
Jusqu’au 14 avril au Théâtre Darius Milhaud – les vendredis à 21h

Les premières minutes, on se retrouve en plein milieu d’un groupe de paroles. Pour peu qu’on soit à l’aise, on peut même être pris à partie par Igor Mendjisky – en alternance avec Romain Cottard. Il joue le rôle du narrateur, du “coach” – en bref : du metteur en scène. Chacun leur tour, les six protagonistes se présentent à ce “maître de cérémonie”. La joyeuse bande est constituée d’une fratrie : Blandine, Gabriel et Martin, de leur oncle qui les a élevés suite à la mort accidentelle de leurs parents, du meilleur ami de Martin – Joseph alias Jojo – et de Sarah, l’amoureuse de Martin. Durant ce préambule, on éclate de rire, on s’apprête à passer des moments drolatiques. Et puis, brutalement, Martin s’écroule, et tout bascule. Une blouse blanche lui confie qu’une tumeur au cerveau le condamne à très court terme. Martin a trente ans. “Ils ne peuvent pas me guérir parce que je suis trop jeune”. Au même moment, Sarah lui apprend qu’elle est enceinte de leur premier enfant.
Que se passe-t-il dans la tête de Martin ? Que faire, que décider ? Une seule réponse possible à ses yeux : se réfugier chez son oncle, finir ses jours entouré de sa tribu. Une tribu qui mettra tout en oeuvre pour l’aider à vivre pleinement ses derniers instants.

“On est un peu tous les personnages d’une pièce absurde. Qui nous a foutus dans ce bordel ?”

De l’absurde, il y en a à revendre dans ce spectacle : les Sans Cou auraient pu s’appeler “les Sans Limite” tant leurs créations fourmillent de propositions délirantes. Le côté “joyeux bordel” en déroutera sans doute plus d’un. Mais la formidable énergie de ce collectif est tellement communicative qu’on lui pardonne de partir dans tous les sens.
Certaines scènes très réussies parviennent à gommer le côté inabouti des autres. Martin à la rencontre de ses héros : Matisse, Marlon Brando, Victor Hugo, Maryline Monroe et… Mère Thérésa. Martin faisant la connaissance de sa fille, grâce à un “retour vers le futur”. Martin, sur son lit de mort, écoutant la très jolie histoire d’Oncle Ben’s. Et puis surtout, Martin et Sarah, juste avant la fin, la fin de Martin, la fin de leur histoire, la fin de la pièce. Mais cette fin-là recommencera demain, parce qu’on est au théâtre, et parce que les Sans Cou ne sont pas sans ressource…

J’AI COURU COMME DANS UN REVE
Á l’affiche du Monfort Théâtre – du 24 janvier au 4 février 2017 (du mardi au samedi 20h30)
Une pièce d’Igor Mendjisky / Compagnie Les Sans Cou
Mise en scène : Igor Mendjisky
Avec : Éléonore Joncquez ou Raphaële Bouchard, Esther Van Den Driessche, Clément Aubert, Igor Mendjisky ou Romain Cottard, Paul Jeanson, Arnaud Pfeiffer, Frédéric Van Den Dressée

En 1871, Rimbaud (Julien Alluguette), jeune homme de 17 ans, arrive de Charleville et rencontre, à Paris, Verlaine (Didier Long), et son épouse Mathilde (Jeanne Ruff). Une attraction artistique autant que sexuelle s’opère immédiatement entre les deux hommes. Nous allons assister à un combat passionné qui durera deux années pleines.
La scène du Poche Montparnasse offre un décor magique pour l’expression de cet amour interdit. Face à un Rimbaud, animal, provoquant, rustre et raffiné se dresse un Verlaine, bourgeois, indécis et violent vis-à-vis de son épouse et de son enfant.
Ce qui émeut au plus haut point est l’interprétation offerte par les deux amants : le registre de la suggestion a été préféré à celui du voyeurisme. Mathilde, beauté intemporelle, incarne –en peu de mots mais avec une vraie posture- la délicatesse, la droiture et une forme d’ordre social.

La mise en scène proposée par Didier Long est d’un esthétisme pur. Seules deux banquettes noires, symétriques se font face et permettent un voyage agité, dans le temps et l’espace : Londres, Bruxelles… Nous accompagnons les deux hommes dans tous les paradis artificiels (alcool, absinthe) jusqu’à leur dernière étreinte, et à la mort de chacun d’eux, à 5 ans d’intervalle.

Au-delà du récit biographique, cette pièce enseigne la puissance de la passion comme acte créateur et destructeur, Rimbaud voulant « tout expérimenter dans sa chair afin de devenir lucide ».
À la sortie de la pièce, et comme dans l’inconscient collectif, ces deux poètes restent liés par un destin commun où la mort ne sépare pas totalement ce qui a été créé.

Magali Rossello

Rimbaud Verlaine, Eclipse totale
Á l’affiche du Théâtre de Poche Montparnasse jusqu’au 6 mai 2017 (mardi au samedi 21h)
Un texte de Christopher Hampton
Adaptation et mise en scène : Didier Long
Avec : Julien Alluguette, Jeanne Ruff, Didier Long