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Vanishing Point… sur la route avec Marc Lainé et les Moriarty

19 mars 2016/0 Commentaires/dans Théâtre contemporain /par Stéphane Aznar

Vanishing Point. Les deux voyages de Suzanne W. – spectacle vu le 19 mars 2016 à la Ferme du Buisson, Noisiel.
Actuellement en tournée, notamment du 12 au 15 avril au Théâtre National de Toulouse.
De et mis en scène par Marc Lainé.
Avec : Marie-Sophie Ferdane, Marie Michaud, Jean-Philippe Perras et les musiciens de Moriarty : Thomas Puéchavy, Vincent Talpaert, Stephan Zimmerli et Juan Guillermo Dumay.

Vous aimez les road-movies ? Vous adorerez la « road-pièce » de Marc Lainé.

Être emporté par une histoire, embarqué dans un voyage, ému par des destins. Telle est souvent la sainte trinité du spectateur de théâtre, souvent implorée quand le noir s’installe, mais pas toujours réunie. C’est peu dire que « Vanishing Point ou les deux voyages de Suzanne W. » écrit, scénographié et mis en scène par Marc Lainé permet d’atteindre ce graal.
Sur le plateau, une vieille voiture : celle de Suzanne W. Cette Honda fatiguée va nous mener de Montréal aux rives de la Baie James, à plus de 1 000 kms au nord du Québec. Suzanne embarque Tom à son bord. Un auto-stoppeur à la recherche de son amour perdu, une chanteuse française prénommée Joe.

©Patrick Berger
Le duo parcourt les grands espaces canadiens, suit des routes rectilignes que bordent des forêts interminables, s’arrête dans des motels improbables désertés de toute humanité, traverse sous des tempêtes de neige la réserve indienne des Cris, aux confins de lacs gelés.
Cette quête initiatique est rythmée par les interventions de Joe, qui s’immisce dans les rêves et dans l’histoire naissante de Tom et Suzanne.
Il ne faut pas trop en dire, tant le plaisir que procure ce spectacle est grand et tient autant à l’originalité de son dispositif scénique qu’à son intelligente construction narrative. A l’issue de ce beau voyage, on sort habité par un souffle puissant, une émotion inédite. Et une furieuse envie, à notre tour, de prendre la route jusqu’à Waskaganish et Mistissini, les Moriarty en fond sonore…

Ce spectacle créé en Mars 2015 au Théâtre National de Chaillot a déjà beaucoup tourné. Il reste quelques étapes pour suivre Suzanne W. dans son voyage initiatique :

1 – On est totalement immergé dans la scénographie astucieuse de Marc Lainé. Théâtre, cinéma, installation, musique… les disciplines s’entremêlent avec une totale fluidité, servant admirablement le récit.
2 – Personnage à part entière, l’efficace bande-son jouée en direct par les Moriarty est un pur bonheur.
3 – Le trio de comédiens incarne avec ferveur leurs personnages. Mention spéciale à Marie-Sophie Ferdane, incandescente, chamanique et hypnotique.

Notre crâne comme accessoire, une vraie pièce de troupe

17 mars 2016/0 Commentaires/dans Et Compagnies..., Théâtre contemporain /par Sabine Aznar

Notre Crâne comme accessoire – Spectacle vu le 12 mars 2016
A l’affiche du Théâtre des Bouffes du Nord jusqu’au 26 mars 2016
Une création collective de la Compagnie Les Sans Cou
Librement inspirée du Théâtre ambulant Chopalovitch de Lioubomir Simovitch
Mise en scène : Igor Mendjisky

Notre crâne comme accessoire, une forme de théâtre de résistance…

On les avait quittés mi-novembre 2015, au moment où leur spectacle Idem venait de se faire rattraper par la sinistre et effroyable actualité. Les voici de retour. Toujours les armes à la main. Mais cette fois-ci leurs mitraillettes sont en plastique et leurs épées en bois. Car la compagnie Les Sans Cou a choisi de nous raconter l’histoire du théâtre ambulant Chopalovitch, cette troupe itinérante qui débarque en 1941 dans un village de Serbie occupé par l’Allemagne nazie. Ils réinterprétent la trame de Lioubomir Simovitch, tentent de répondre à leurs propres questionnements. Que ferait-on en temps de guerre ? Quelle serait notre place, à nous les baladins, les artistes ? Prendrions-nous les armes ? Comment réagirions-nous face à la barbarie? Aurions-nous la force de ne pas avoir peur ? Que deviendrait notre théâtre ? Tant de questions jetées pêle-mêle par Igor Mendjisky et sa bande pour construire un spectacle fort, drôle, émouvant, sans doute un poil fouillis, mais salvateur et nécessaire.

Sans trop dévoiler de la représentation, citons quelques trouvailles et instants magiques qui nous resteront longtemps en mémoire. La scène d’ouverture, à l’image de cet esprit de troupe un brin potache qui est leur marque de fabrique. La scène au bord de l’eau, entre violence charnelle et rêverie hypnotique. L’ambiance cabaret qui flotte sur le décor naturel des Bouffes du Nord. La scène des obsèques du Loup (eh oui, on a croisé un loup et trois petits cochons !) qui nous offre la clé d’un titre de pièce délicieusement énigmatique. Le talentueux multi-instrumentiste Raphaël Charpentier qui fait partie intégrante du récit. Et tous ces personnages, attachants ou monstrueux. Chopalovitch le chef de troupe philosophe, le Broyeur et son trombone ensanglanté, Sophie la danseuse envoûtante, Gina et Babich au langage fleuri, Miloun le militaire qui se rêve comédien… Et puis Victor, sans doute le plus émouvant de tous. Brisé par la vie, celui-ci a décidé de s’en inventer une autre. Une existence qui ne serait que jeu, un destin où le monde entier serait une immense scène de théâtre…

Igor “Chopalovitch-Mendjisky” et sa troupe ambulante nous donnent envie, s’il en était besoin, d’aller encore et toujours plus au théâtre :

1 – Comme toujours dans les propositions créatives des Sans Cou, on sent le plaisir qu’ils ont pris dans l’écriture collective…
2 – …un plaisir palpable sur scène, totalement communicatif, qui nous accompagne bien au-delà des deux heures que durent le spectacle.
3 – Un plaisir qui fonctionne sur petits et grands : emmenez-y vos ados, ils adoreront !

Revue de presse du 16 mars 2016 : La Mer, Les Gens d’Oz et Notre crâne comme accessoire

15 mars 2016/0 Commentaires/dans Revue de presse /par Sabine Aznar

1. La rencontre d’exception entre Edward Bond et Alain Françon aboutit à une Mer largement saluée par la critique :

– “L’intelligence profonde entre les deux hommes éclate à chaque seconde lors de cette soirée qui surprendra plus d’un spectateur : ceux qui connaissent l’œuvre de Bond à travers ses diverses Pièces de guerre montées depuis vingt ans ; ceux qui ne la connaissent pas, tant derrière sa facture en apparence classique, Bond creuse loin dans le parcours existentiel de ses personnages.” – Le Monde

– “Les morceaux de bravoure s’enchaînent (…) Le théâtre brille comme un phare dans la nuit du monde. Edward Bond et son noir humanisme sont entrés au Français par la grande porte.” – Les Echos

– “L’ancrage de la pièce dans le passé la prive d’une lecture plus contemporaine.” – L’Express

– “La troupe très bien dirigée est au diapason (...) Une entrée au répertoire aussi accomplie que réussie.” – Publik’Art

– “La Mer est un spectacle qui donne à aimer, ou à aimer plus encore, le Théâtre.“ – Froggy’s Delight

– “Le titre original de la pièce est « The sea, a comedy ». La mer de Françon colle à une comédie drôle et cruelle. Les scènes de la fureur d’Hasch de la répétition amateur d’Orphie ou de la dispersion des cendres à la Big Lebowsky sont très drôles.” – Toute la Culture

– Interview d’Alain Françon pour Le Monde

– Interview d’Edward Bond pour Le Figaro

2. Galin Stoev crée au Théâtre de la Colline Les Gens d’Oz de sa compatriote bulgare Yana Borissova :

– “Tous ces personnages assènent sans se poser de questions des phrases définitives sur la vie, l’amour, la mort. Les comédiens ont l’air très convaincus. Nous, pas du tout.” – Telerama

– “La mise en scène fluide de Galin Stoev convient parfaitement à ce registre d’écriture, la distribution est judicieuse et l’interprétation homogène s’avère idéale.” – Froggy’s Delight

– “Il y a une joie qui parcourt cette aventure. On en ressort plus jeune. A ne pas rater.” – Toute la Culture

– “Seuls quelques moments de grâce sauvent de justesse un spectacle somme toute un peu bancal.” – Les 5 pièces

– “On parle écriture, édition, musique, art, panne d’inspiration, vie, amour, espérance, renoncement. C’est d’une légèreté cristalline et d’une profondeur puissante.” – Le Blog du Figaro

– Interview de Galin Stoev pour La Terrasse

3. La Compagnie Les Sans Cou investit le Théâtre des Bouffes du Nord avec sa nouvelle création, Notre crâne comme accessoire inspirée du théâtre ambulant Chopalovitch :

– “L’art, arme de résistance ? A cette question pour toujours d’actualité, les Sans Cou esquissent une réponse provocatrice, poétique, impertinente, méchante et délicate.” – Les Inrocks

– “Poser les questions qui nous agitent, qui nous mettent en mouvement dans un dialogue permanent avec le public : tel est le projet des Sans cou, avec ce nouvel opus d’un répertoire qui compte désormais parmi les plus originaux de la scène théâtrale contemporaine.” – La Terrasse

– “Les comédiens trouvent le ton juste, sans emphase mais avec force, pour montrer la possibilité d’un théâtre engagé et réflexif, où les acteurs descendent de leur tour d’ivoire pour combattre l’ignorance et la barbarie.” – Un fauteuil pour l’orchestre

– “Un rendez-vous intense avec le public, donc, sur les libertés du théâtre.” – France Culture

– Interview d’Igor Mendjisky

La Mer…ou le calme avant la tempête

14 mars 2016/0 Commentaires/dans Théâtre contemporain /par Stéphane Aznar

La Mer – Spectacle vu le 13 mars 2016
A l’affiche de la Comédie-Française jusqu’au 15 juin 2016
Une pièce d’Edward Bond, mise en scène Alain Françon

Une remarquable entrée au répertoire pour un spectacle d’une beauté totale et limpide

Son nom est Bond. Edward Bond. Il est détenteur d’un permis de nous émouvoir, et il ne s’en est pas privé puisqu’il est le plus grand dramaturge britannique vivant. Son œuvre, souvent montée en France par de grands metteurs en scène, n’était pas encore entrée au répertoire du Français.
C’est chose faite, aujourd’hui, avec La Mer, l’une de ses pièces les plus jouées en Grande-Bretagne.
Et pour conduire ce beau navire, Eric Ruf a confié la barre à Alain Françon, qui a déjà créé de nombreuses pièces du britannique. Ce grand directeur d’acteurs était sans doute le meilleur choix pour conduire la troupe à travers les entrelacs de cette pièce foisonnante où entrent en collision les destins, les angoisses, les espoirs, les ambitions des nombreux personnages qui la composent.

©Christophe Raynaud de Lage coll. Comédie-Française

Nous sommes en 1907, mais pas encore réellement au XXème siècle. Bientôt, les canons tonneront et précipiteront le monde dans la tragédie. Pour l’heure, cette petite ville du Suffolk, au nord de l’Angleterre, voit sa musique quotidienne perturbée par le naufrage d’un bateau, au cœur d’une violente tempête, provoquant la mort de Colin.
Son ami rescapé Willy (formidable Jéremy Lopez, tout en sobriété et émotion rentrée), se voit plongé dans la micro société locale, dominée par la terrible Louise Rafi (indispensable Cécile Brune) qui régente son petit monde : Jessica (hilarante Elsa Lepoivre), sa suivante qui aimerait prendre plus de place, Rose (émouvante Adeline d’Hermy), sa nièce, à qui était promis Colin, Hatch (parfait Hervé Pierre), le commerçant de tissus, adepte de la théorie du complot, le Pasteur (excellent Eric Génovèse), placide garant de l’ordre moral, Evens (méconnaissable Laurent Stocker), l’ermite Cassandre de la plage…il faudrait tous les citer car ils composent un formidable kaléidoscope très tchekhovien d’une société au bord de l’implosion, au crépuscule d’une époque qui va bientôt disparaître dans le feu et l’acier.

Cette entrée au répertoire est sans doute le premier acte fort du mandat d’Eric Ruf au Français. Il ne faut pas rater cette belle et grande création :

1 – Tous les comédiens sont, comme souvent au Français, absolument impeccables et composent leur partition avec beaucoup de cohérence et de clarté.
2 – La très belle scénographie de Jacques Gabel nous transporte sur les rives de la mer du Nord, dans les brumes du Suffolk, au cœur de cette ville si britannique.
3 – La mise en scène d’Alain Françon est limpide et met en valeur ce petit bijou d’observation d’une société anglaise dans une ambiance de lutte des classes larvée et de basculement d’époque.

MADAME BOVARY - Flaubert - Molaro - Theatre de Poche

Madame Bovary, plus vivante que jamais !

9 mars 2016/0 Commentaires/dans Et Compagnies..., Théâtre contemporain /par Marie-Hélène Guérin

Madame Bovary – spectacle vu le 24 février 2016
À l’affiche du Théâtre de Poche-Montparnasse
De Gustave Flaubert, adaptation Paul Emond
Mise en scène Sandrine Molaro et Gilles-Vincent Kapps
Avec Sandrine Molaro, David Talbot, Gilles-Vincent Kapps, Félix Kysyl ou Paul Granier

Un gracieux rendez-vous avec Emma…

Ce Madame Bovary enchante. Quatre comédiens, quatre chaises, un grand champ échevelé de vent en toile de fond, quelques instruments de musique, un brin musette nostalgique, un soupçon rock bien dosé, un violon un peu gitan, des costumes presque intemporels mais discrètement évocateurs, une belle robe bleue en écho à celles du roman; et de la fantaisie, du talent, un regard aigu et attentif sur les protagonistes : voilà de quoi faire revivre Emma Bovary et ses rêves…

C’est gracieux et touchant, intelligent et tonique. Ici la simplicité est une richesse.

L’adaptation de Paul Emond, pleine d’esprit, trouve le juste équilibre; chacun des personnages s’y déploie sans manichéisme, mû par ses pulsions de vie autant que par ses ombres. Narration, saynètes, intermèdes musicaux s’y entremêlent avec légèreté, comme naturellement. Les comédiens glissent du récit au jeu avec aisance, ça imprime un joli rythme, très souple, à la représentation.

Sur le visage malléable de Félix Kysyl peuvent s’inscrire avec autant de véracité et de justesse la rugueuse mère Bovary que le tendre et juvénile Léon.

© Brigitte Enguerand

Des souvenirs de classe pouvait ressurgir une madame Bovary plutôt victime de sa place de femme de ce milieu et de cette époque, étouffée par son mariage sans romantisme – de surcroît assorti d’une belle-mère sacrément castratrice !, assez passive et rêveuse; mais on la découvre ici active dans sa revendication d’émancipation et de plaisir, hédoniste, tellement exaltée de se découvrir elle-même qu’elle en devient égocentrique – se rendant sourde aussi bien à son mari qu’au doux Léon… Sandrine Molaro est pétillante, émouvante, elle donne un air d’aujourd’hui à son Emma avide de s’ébrouer de son ennui, c’est une madame Bovary plus vivante, plus désirante que jamais !
David Talbot offre aussi un portrait de Charles Bovary plus nuancé que les vestiges des lectures de collège ne le laissait soupçonner, il lui apporte une grande douceur, de la bonté, qui en font un brave homme amoureux éperdu plus qu’un cocu sans cervelle.
Gilles-Vincent Kapps est impeccable dans chacun de ses personnages, son entrée en flamboyant Rodolphe sur un riff de guitare est particulièrement savoureuse… et, sans pour autant cherche à trouver des excuses à son Rodolphe – jouisseur, égoïste, couard -, il en fait un homme pas plus courageux ni plus méprisable qu’un autre à vouloir “sauver sa peau”, se préserver de la fièvre grandissante d’Emma…

Les autres personnages, pharmacien, commerçant…, sont impeccablement dessinés en quelques traits nets, les comédiens nous promènent de l’un à l’autre sans artifices pesants mais avec précision.

Loin d’être simples illustrations, les bouffées de musique permettent au lyrisme de se glisser dans le texte avec sans doute plus de spontanéité et de poésie que si les comédiens devaient les porter entièrement par le dialogue.

Malices et légèreté de l’adaptation, anachronismes des musiques, surprises de l’humour…

Peut-être certains pourront regretter d’y perdre quelque chose de la mélancolie, de la tragédie, de Madame Bovary, mais, portés par l’incarnation sensible et généreuse des quatre comédiens, on y gagne de l’énergie, de l’acuité, de la fluidité, de la fraîcheur; et on n’y a pas perdu une certaine gravité, ce qu’Emma peut avoir de dur, de brutal, dans sa dévoration et de déchirant dans sa façon de s’abandonner à corps perdu, ce que Charles peut avoir de poignant dans sa naïveté, dans son impuissance, dans son deuil, et on a le cœur qui se serre avec lui quand il croise Rodolphe et lui dit “je ne vous en veux pas, c’était la fatalité”…

Revue de presse du 9 mars 2016 : Dorothy Parker, les liaisons dangereuses et What if they went to Moscow ?

9 mars 2016/0 Commentaires/dans Revue de presse /par Sabine Aznar

1. Sur la scène du Lucernaire, Natalia Dontcheva incarne Dorothy Parker avec un réel talent :

– “Tiercé gagnant avec, à l’écriture, Jean-Luc Seigle, à la mise en scène Arnaud Sélignac, en sus baptême du feu théâtral réussi pour les deux, au jeu, Natalia Dontcheva et carton plein pour ce très réussi spectacle consacré à Dorothy Parker, figure du milieu intellectuel newyorkais des années folles.” – Froggy’s Delight

– “Natalia Dontcheva prête chair et sang à Dorothy Parker avec aplomb et maîtrise. La partition n’est pas des plus faciles et la comédienne s’en sort avec maestria.” – Marie-France

– “Natalia Dontcheva a l’œil vif et la voix rauque. Elle incarne une Dorothy Parker avec un humour sans égal.” – Les 5 pièces

– “La pièce écrite par Jean-Luc Seigle et mise en scène par Arnaud Sélignac démarre sur le deuxième mariage de Dorothy Parker en pleine crise, accrochée à sa bouteille, mais toujours en vison et collier de perles, aussi drôle quand elle parle de ses mésaventures que quand elle décrit le quotidien de son anti-modèle: la femme d’intérieur.” – Libération-le blog

– “Seule en scène, Natalia Dontcheva vous emporte dans le tourbillon de la vie de Dorothy.” – Pleine Vie

2. Les Liaisons dangereuses entre Dominique Blanc et Vincent Perez s’installent au Théâtre de la Ville, dans une mise en scène de Christine Letailleur :

– “C’est Dominique Blanc (avant son entrée à la Comédie-Française) et Vincent Perez qui s’affrontent ici. Elle est royale, il joue les prédateurs vieillissants.” – Telerama

– “Véritable machine de guerre, le roman épistolaire est un champ de bataille vertigineux dont Christine Letailleur garde la sève : entièreté du récit et richesse de la langue, érotisme de tête, rythme haletant et dénouement dramatique.” – France Inter

– “Christine Letailleur et ses comédiens tiennent la juste distance. On n’oublie jamais la littérature, mais on est happé par le théâtre et l’on tremble, et l’on rit, et l’on pleure...” – Le Figaro

– “Christine Letailleur a, de façon pour le moins inattendue, choisi le registre de la comédie-vaudeville ce qui, au demeurant, divertit beaucoup le public dont les rires récurrents ne cessent qu’avec les grandiloquents inserts musicaux annonçant le châtiment des méchants.” – Froggy’s Delight

– “Dominique Blanc est superbe de bout en bout, aussi sensuelle que cruelle, elle est cette marquise révolutionnaire, farouchement attachée à sa liberté, qui place son combat pour l’égalité au-dessus de l’amour.” – Les Echos

– “C’est du cousu main, de la broderie aussi fine que les dessous des jeunes femmes succombant aux approches du vicomte, aussi fin dans ses paroles qu’il peut être rustre dans ses gestes.” – Marianne

– “Blanc en Merteuil, reine des garces, et Perez en Valmont libidineux comme pas deux, ça donne un fascinant duo lubrique.” – Elle

– “Pour Christine Letailleur, le message féministe de Choderlos de Laclos, qui n’avait lui-même rien d’un libertin, est toujours d’actualité, même s’il a été publié sept ans avant la Révolution.” – L’Express

3. Avec What if they went to Moscow ? la metteuse en scène et cinéaste brésilienne Christiane Jatahy signe à la Colline une adaptation très originale des Trois sœurs :

– “Et si les trois sœurs allaient à Moscou ? (…) Pour l’expérimenter, il faut aller au Théâtre national de la Colline, à Paris, où les spectateurs sont répartis en deux groupes, qui vont, chacun, dans une salle, et en changent après l’entracte. Ils voient ainsi la même pièce, sous deux angles.” – Le Monde

– “Après une extraordinaire version de Mademoiselle Julie, l’artiste brésilienne construit un spectacle prétentieux et stérile d’après Tchekhov.“ – Le Figaro

– “Si nous sortons interpellés, concernés et touchés par ce spectacle, nous émettons quelques réserves. Cette scission du spectacle en deux parties ne manque pas d’intérêt dramaturgie mais constitue également sa faille.” – Artistik Rezo

– “Et Tchekhov dans tout cela ? Merveilleuses comédiennes (et actrices) Julia Bernat (Irina) Stella Rabello (Maria) et Isabel Teixeira (Olga) expriment avec une intensité de chaque instant la demande d’amour, le désir de fuite, de « changement » de leur personnage.” – Les Echos

– “En état de grâce, Julia Bernat, Stella Rabello et Isabel Teixeira sont trois sublimes comédiennes, formidablement complices et d’un naturel confondant.” – Toute la Culture

Interview d’Igor Mendjisky

8 mars 2016/1 Commentaire/dans Comédien(ne)s, Metteurs en scène /par Sabine Aznar

Interview d’Igor Mendjisky, Auteur interprète et metteur en scène – 19 février 2016
A l’affiche du Théâtre des Bouffes du Nord avec la nouvelle création de sa compagnie Les Sans Cou

Si les Sans Cou se définissent comme une bande – en hommage au poème “les Quatre sans cou” de Robert Desnos – il leur faut bien un meneur : il s’appelle Igor Mendjisky et il a un talent fou.

Mi-février 2016. Il y a trois mois à peine, nous avions découvert la reprise de son spectacle Idem au Théâtre de la Tempête. Un spectacle dont la première tombait le 12 novembre 2015… Un spectacle sur la quête d’identité, dont l’intrigue s’organisait autour de la sanglante prise d’otage du théâtre de la Doubrovka. Les attentats de novembre firent basculer public et comédiens dans une sorte de mise en abyme absolument terrifiante. À peine “remise” de ce dernier spectacle, la Compagnie Les Sans Cou investit la mythique scène des Bouffes du Nord avec sa toute nouvelle création, Notre Crâne comme accessoire. Igor Mendjisky construit sa mise en scène au plateau. Avec les fidèles de sa troupe, auxquels se sont ajoutés pour l’occasion quelques autres comédiens et musiciens. Travailleur acharné, précis, opiniâtre, tenace, passionné de textes, admirateur et proche de Wajdi Mouawad, ce qui caractérise par-dessus tout Igor Mendjisky c’est sans doute son envie de nous raconter des histoires…

Revue de presse du 2 mars : Traces, les Cavaliers et L’Etranger

2 mars 2016/0 Commentaires/dans Revue de presse /par Sabine Aznar

1. Traces à Bobino, c’est du cirque contemporain dans la veine du Cirque Eloize, énergisant, bluffant, jouissif :

– “Les numéros de cirque sont tellement intégrés sans roulement de tambour comme dans une pièce de théâtre que le public a parfois du mal à les interrompre par des applaudissements.” – France Info

– “Les 7 Doigts, ce sont sept artistes du Cirque du Soleil qui, un beau jour, ont décidé de rassembler leurs économies et de monter une compagnie.” – Le Figaro

– “Ils sautent, ils rebondissent, ils virevoltent : les artistes de Traces ont un corps qui n’est pas comme le nôtre, un corps léger comme une plume, agile et souple.” – Sortir à Paris

– “Un spectacle juvénile, rock et direct, au point de faire crier d’enthousiasme le public.” – Le Monde

– “On aime leur côté ultra-urbain, toujours un peu ado et rare en France, à la fois technique, esthétique et brillant.” – Telerama

– “Ce show à l’énergie explosive est diablement efficace pour prendre votre dose d’adrénaline, avec un effet montagnes russes garanti.” – Les 5 pièces

– Interview de Sébastien Soldevila pour Le Parisien

2. Après le succès dans le Off d’Avignon en 2014 et 2015, reprise des Cavaliers, d’après l’œuvre de Joseph Kessel, au Théâtre la Bruyère :

– “Une histoire poignante d’homme et d’honneur posé sur le plateau comme un diamant dans son écrin, une sorte d’imaginaire romanesque que les comédiens nous servent magistralement.” – Reg’Arts

– “L’on sent bien l’influence de Peter Brook sur Éric Bouvron, tant dans le choix du thème – un récit épique – que dans l’allure générale de la mise en scène.” – Les trois coups

– “Il y a aussi Grégori Baquet, révélation masculine des Molières 2014, qui rugit, boite et nous emporte dans sa douloureuse et sa quête de fils incompris, tel Hémon à la recherche de Créon dans l’Antigone de Sophocle.” – Le Point

– “Le récit, dont les multiples rebondissements prennent forme grâce aux inventifs jeux de scène, trouve dans l’ambiance sonore beaucoup mieux qu’un accompagnement : un stimulant puissant.” – La Terrasse

– “La musique et les bruitages de Khalid K nous font entendre le son mystérieux des steppes. Le spectacle mêle avec bonheur théâtre et danse.” – Telerama

– “D’un livre à grand spectacle de Joseph Kessel dont John Frankenheimer avait tiré un film trépidant en cinémascope avec Omar Sharif, Eric Bouvron a réussi l’impossible adaptation pour la scène, celle qui fait vivre un vrai beau moment de théâtre.” – Froggy’s Delight

3. Au Théâtre des Abbesses, le chorégraphe Jean-Claude Gallotta propose une adaptation de L’Etranger de Camus :

– “Cette pièce , créée pour trois danseurs avec qui il travaille depuis longtemps, Ximena Figueroa, Thierry Verger et Béatrice Warrand, a finalement été la dernière montée en tant que directeur du Centre Chorégraphique National de Grenoble qu’il a quitté à la fin de l’année, après 30 années à sa tête.” – France Inter

– “Ces trois danseurs permanents du Groupe Emile Dubois (la compagnie de Jean-Claude Gallotta) sont magnifiquement mis en valeur – et en lumière.” – Les Echos

– “Célébration du roman, du romancier bien sûr, de son importance dans le monde de la littérature et dans l’histoire contemporaine de notre pays, ce spectacle est aussi une célébration du « fils de la mer, de la lumière et du soleil ». Un spectacle qui se promet envoutant.” – Sortir à Paris

– “Jamais le chorégraphe, fils d’immigrés italiens, né à Grenoble où il vit toujours, n’avait évoqué son enfance en Algérie. Jamais non plus il n’avait osé un lien fantasmé entre la réalité et la fiction.” – Le Monde

– “Avant chaque courte scène dansée (qui alterne avec les mots et des clichés familiaux ou des films de chevet), Gallotta installe un certain climat : chaleur d’un côté, menace sourde de l’autre, absurdité du monde au milieu.” – Telerama

– “L’inadéquation volontaire entre langage littéraire et langage chorégraphique crée ici un espace de liberté saisissant, dans lequel s’engouffrent nos trois interprètes avec une incroyable sensualité.” – Les 5 pièces

– Interview de Jean-Claude Gallotta pour La Terrasse

Kvetch, ou comment gérer ses démons intérieurs

25 février 2016/0 Commentaires/dans Et Compagnies..., Théâtre contemporain /par Sabine Aznar

Franck et Donna sont mariés et s’ennuient dans leur vie étriquée de petits-bourgeois. Une fois par semaine ils reçoivent la mère de Donna à dîner. Ce soir-là, Franck invite également son collègue Hal qui vient de se séparer de sa femme. Voilà pour le “pitch” d’un début de pièce qui pourrait sembler fort banal. Ce serait sans compter les fameux “kvetchs“. Les “kvetchs” en yiddish sont ces vilaines pensées qui se terrent au fond du cerveau et qui ont vocation à y rester. Le sous-titre de la pièce – “Les mots à l’arrière de nos têtes” – dévoile l’intention de l’auteur. Ces apartés, ces dialogues intérieurs de chaque protagoniste vont totalement modifier les situations et les rapports.

Et si l’on exprimait tout haut ce que l’on pense tout bas ? Si l’on se laissait un peu aller à dire tout ce qui ne se dit pas ? Quel serait le résultat ? Kvetch apporte une partie de la réponse…

Résultat, ils sont quatre au plateau, pour interpréter cinq personnages. Mais ils semblent tellement plus nombreux !… La mise en scène de Sophie Lecarpentier est très énergique, très fluide. Prenant le parti de réinventer les figures à mesure qu’elles expriment leurs “kvetchs”. Dans une sorte de chorégraphie, de langage corporel. Une danse amplifiée par les sons de l’alto qui procurent un vrai relief au spectacle.

Le principal risque lorsqu’on monte ce texte de Berkoff est de “tourner un peu en rond”, une fois passée la découverte du procédé au premier acte. Pas de lassitude ici. Les comédiens parviennent à nous embarquer et nous retenir dans leurs histoires intérieures, leurs peurs, leurs phobies, leurs phantasmes… A tel point qu’en sortant, on se dit que cela ferait parfois du bien de libérer ses propres “kvetchs”…

Profitez de la prolongation au Rond-Point jusqu’au 28 février pour découvrir ce que la metteure en scène définit comme “un vaudeville et une tragédie shakespearienne” :

1 – L’occasion de découvrir cette pièce montée d’une façon énergique, intelligente et hilarante.
2 – Les quatre comédiens font des prouesses, chacun d’eux est multiple. Mention spéciale pour Anne Cressent et Stéphane Brel.
3 – L’altiste Bertrand Causse joue les chefs d’orchestre des satanés “kvetchs” et c’est peut-être la vraie bonne idée du spectacle.

Kvetch – Spectacle vu le 23 février 2016
A l’affiche du Théâtre du Rond-Point jusqu’au 28 février 2016 puis en tournée (date ici)
Une pièce de Steven Berkoff
Mise en scène : Sophie Lecarpentier

Revue de presse du 24 février : Couple, Une trop bruyante solitude, Dialogues d’exilés et Encore une histoire d’amour

24 février 2016/0 Commentaires/dans Revue de presse /par Sabine Aznar

1. Une histoire de couple ordinaire, c’est au Rond-Point et cela s’appelle tout simplement Couple :

– “Gilles Gaston-Dreyfus met en scène une grinçante relation sentimentale qu’il interprète avec Anne Benoît.” – Libération

– “Aucun réalisme dans cette scène de la vie conjugale, mais le plaisir de l’absurde exacerbé.” – Elle

– “Un vieux couple de cinquantenaires, a priori plutôt ennuyeux, mais qui transporte le spectateur aux confins de la banalité la plus absurde, ou de l’absurde le plus banal.” – RFI

– “Dans un décor minimaliste de Nicolas Sire, salon aux murs gris béton et canapé jaune, deux officiants de poids : Anne Benoît, ogresse aux trémolos qui n’est jamais aussi juste que dans les éclats, et Gilles Gaston-Dreyfus dont l’affuté humour pince-sans-rire fait merveille.” – Froggy’s Delight

– “Gille Gaston-Dreyfus a-t-il trouvé en elle son alter ego sur les planches ? A voir la façon dont le couple se houspille dans la pièce Couple, on jurerait que oui.” – France Culture

– “Difficile de pas tomber amoureux d’Anne Benoît et de sa voix, qui représente à elle seule un délice pour l’ouïe.” – Les 5 pièces

– “Théâtre dans le théâtre, apartés, répétitions : l’auteur-acteur ose bien des formes et des styles pour nous dire avec un humour cannibale sa haine du vivre ensemble.” – Telerama

2. Puissance et plaisir de la littérature contre la barbarie avec Une trop bruyante solitude mise en scène par Laurent Fréchuret au Théâtre de Belleville :

– “D’abord diffusé clandestinement à Prague en 1976, Une trop bruyante solitude de Bohumil Hrabal dénonce les normes totalitaires avec un sens aigu du grotesque et de la dérision.” – La Terrasse

– “Thierry Gibault adopte un jeu volontairement figé sur sa palette de bois d’où cet ouvrier amoureux de son petit métier se raconte comme écrasé par son destin.” – Artistik Rezo

– “A un moment où, bouleversée par l’irruption de la violence sur le sol national et par la dérive droitière du gouvernement, la scène française commence à interroger la possibilité d’un retour à un théâtre politique, cette adaptation d’Une trop bruyante solitude par Laurent Fréchuret ébranle.” – Time Out

– “Il serait dommage de ne pas se laisser emmener dans ce voyage, qui va bien au-delà, évidemment, de l’Histoire et de la politique : un spectacle qui nous parle de résistance… et de vie.” – Reg’Arts

– “Il est rare de se confronter à un texte qui aborde tous les grands thèmes traités à la fois dans l’art et la littérature.” – Les 5 pièces

3. Au Lucernaire, Olivier Mellor et sa Compagnie du Berger proposent un intelligent voyage sur la route des Dialogues d’exilés de Bertolt Brecht :

– “La pièce est l’une des moins connues de Bertolt Brecht, qui l’a écrite pendant son exil américain, après avoir été obligé de fuir le nazisme.” – Marianne

– “Si l’on rit et se réjouit dans ces Dialogues du buffet de la gare, on n’en sort pas indemne pour autant. Le veau d’or est toujours debout, et la bête immonde aussi.” – L’Humanité

– “Sur scène ils sont donc trois musiciens, Séverin Jeanniard à la contrebasse, Romain Dubuis au piano et Cyril Schmidt aux percussions et guitare, et deux comédiens à faire swinguer le texte de Brecht et les chansons de Kurt Weill, Jean Yanne ou encore Léo Ferré, dans une complicité gouailleuse, rafraîchissante qui mêle l’absurde à l’autodérision.” – Froggy’s Delight

– “Le plaisir avec lequel la petite troupe s’anime sur scène tient pour beaucoup à la force du texte. La parole brechtienne est pleine de justesse et de subtilité.” – Toute la Culture

– “Tout l’humour de Brecht fait ici des flammes. Toute son analyse aussi.” – Reg’Arts

4. Ladislas Chollat met en scène Encore une histoire d’amour au Studio des Champs-Elysées, avec Elodie Navarre et Thierry Godard :

– “Cette pièce de Tom Kempinski adapté en français par Jean-Claude Grumberg (L’Atelier, Rêver peut-être, Moi, je crois pas !), c’est beaucoup plus que la confrontation de deux solitudes, c’est la naissance d’un amour, le regard que l’on peut porter sur les différences, les valises que chacun porte en soi…” – Marie-France

– “En écrivant cette pièce, Tom Kempinski, devenu obèse et agoraphobe après le succès de Duo pour violon seul, évoquait ses propres difficultés.” – Le JDD

– “Thierry Godard surjoue, Elodie Navarre est attachante. L’astuce scénographique pour marquer la distance des deux lieux est efficace mais d’une esthétique peu convaincante.” – Telerama

– “Un dispositif ingénieux permet de voir les deux appartements, l’un à Londres l’autre à New-York, les deux comédiens jouant chacun chez soi et faisant parfois irruption chez l’autre sans pour autant que cela soit perturbant.” – Reg’Arts

– Interview de Ladislas Chollat pour Europe 1

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